900 Картин самых известных русских художников 900 Classic russian paintings
Русская живопись. Русские художники
Величественная и многообразная русская живопись всегда радует зрителей своим непостоянством и совершенством художественных форм. В этом особенность произведений знаменитых мастеров искусства. Они всегда удивляли своим необыкновенным подходом к работе, трепетному отношению к чувствам и ощущением каждого человека. Возможно, поэтому русские художники так часто изображали портретные композиции, на которых ярко сочетались эмоциональные образы и эпически спокойные мотивы. Недаром Максим Горький когда-то сказал, что художник – это сердце своей страны, голос всей эпохи. Действительно, величественные и элегантные картины русских художников ярко передают вдохновение своего времени. Подобно устремлениям знаменитого автора Антона Чехова, многие стремились внести в русские картины неповторимый колорит своего народа, а также неугасимую мечту о прекрасном. Сложно недооценить необыкновенные полотна этих мастеров величественного искусства, ведь под их кистью рождались поистине необыкновенные работы разнообразных жанров. Академическая живопись, портрет, историческая картина, пейзаж, работы романтизма, модерна или символизма – все они до сих пор несут радость и вдохновение своим зрителям. Каждый находит в них что-то более чем колоритные цвета, изящные линии и неподражаемые жанры мирового искусства. Возможно, такое обилие форм и образов, которыми удивляет русская живопись, связана с огромным потенциалом окружающего мира художников. Еще Левитан говорил, что в каждой нотке пышной природы заложена величественная и необыкновенная палитра красок. С таким началом появляется великолепное раздолье для кисти художника. Поэтому все русские картины отличаются своей изысканной суровостью и притягательной красотой, от которой так нелегко оторваться.
Ситуация изменилась с приходом к власти царя-реформатора — Петра Первого. Благодаря его реформам, русские мастера стали заниматься и светской живописью, произошло отделение иконописи как отдельного направления.
Семнадцатое столетие – время таких художников, как Симон Ушаков и Иосиф Владимиров. Тогда, в российском художественном мире зародился и быстро стал популярным портрет. В восемнадцатом веке появляются первые художники, перешедшие от портретной живописи к пейзажной. Заметна ярко выраженная симпатия мастеров к зимним панорамам. Восемнадцатое столетие запомнилось также зарождением бытовой живописи.
В девятнадцатом веке в России популярность получили целых три течения: романтизм, реализм и классицизм. Как и прежде русские художники продолжали обращаться к портретному жанру. Именно тогда появились известные во всём мире портреты и автопортреты О. Кипренского и В. Тропинина.
Во второй половине девятнадцатого столетия, художники всё чаще и чаще изображают простой русский народ в его угнетённом состоянии. Реализм становится центральным течением живописи этого периода. Именно тогда появились художники-передвижники, изображающие только настоящую, реальную жизнь.
Ну, а двадцатое столетие – это, конечно же, авангард. Художники того времени значительно повлияли как на своих последователей в России, так и во всём мире. Их картины стали предшественниками абстракционизма.
Русская живопись – это огромный удивительный мир талантливых художников, прославивших своими творениями Россиюкрасавицы на картинах Васнецова, Крамского, Брюллова и других.
И барышни, и крестьянки… Женская красота не делится на сословия. Она лишь вдохновляет на создание шедевров. И порою именно женские портреты заставляют помнить имя художника не годы, но века. Вспомним истории знаменитых красавиц с Натальей Летниковой.
Пленительность и мечтательность 18-летней графини Марии Лопухиной из рода Толстых донес до наших дней из ХVIII века Владимир Боровиковский. Жизнь красавицы оказалась коротка – в 23 умерла от чахотки.
Портрет сразу сочли мистическим: якобы отец Марии, эзотерик, заманил дух дочери на это полотно.
Портрет М. И. Лопухиной. В. Л. Боровиковский. 1797 г.
Грусть Аленушки – по сюжету сказочному, но написана картина с реальной девушки. Приметил ее Виктор Васнецов в усадьбе Ахтырка. Одиночество и «русская тоска» определили сюжет. А черты, по признанию художника, – Веруши Мамонтовой, дочери известного мецената. Вторит девичьей печали и природа, переплетаясь с поэзией народных сказаний.
«Алёнушка». Виктор Васнецов. 1881 г.
Самая известная «Неизвестная». Сто лет догадок об особе, взирающей свысока из экипажа на Аничковом мосту. В прототипы прочили горничную столбовой дворянки Бестужевой, жену художника и даже дочь Екатерины Долгорукой и Александра II. Где истина? Ни слова, ни намека – ни в письмах Крамского, ни в его дневниках.
«Неизвестная». Иван Крамской. 1883 г.
Кружевница, которая принесла славу художнику. Лукавая мастерица лишь на мгновение отвлеклась от работы… Василий Тропинин – крепостной, получивший вольную в 47 лет, – уловил и передал на холсте тихую красоту, чем заслужил диплом живописца Академии художеств. А его творение открыло «жанровый портрет».
«Кружевница». В. А. Тропинин. 1823 г.
София Августа Фредерика Ангальт-Цербстская, или просто – Екатерина II. Этой императрице Россия обязана веком Просвещения. Императрице и женщине. «Она была снисходительна, любила жизнь, отличалась веселостью нрава» – словесный автопортрет-эпитафия. И портретов было множество. И на всех, как на картине Рокотова, величие соседствует с грацией.
Портрет императрицы Екатерины II. Ф. С. Рокотов. 1763 г.
Жизнь за любовь. «Бедная Лиза» Карамзина вдохновила художника Ореста Кипренского на создание по портрету литературному портрета живописного. Может, потому, что сюжеты схожи в повести и в жизни… Сам Кипренский – внебрачный сын помещика Дьяконова. И печальная красавица на портрете как немой укор коварным обольстителям.
«Бедная Лиза». О. А. Кипренский. 1827 г.
«Летящий ангел». Так именовали в Италии работу русского художника Карла Брюллова. Вместо привычного парадного портрета полководца на коне – амазонка. Всадница Джованина и маленькая Амацилия – приемные дочери графини Самойловой. Юлия Самойлова – муза и натурщица «великого Карла». Но главный успех все же достался ее воспитанницам.
«Всадница». Карл Брюллов. 1832 г.
Картина как жизненный итог. Женщина-легенда Елизавета Тараканова называла себя дочерью Елизаветы Петровны, а еще персидской принцессой. Притязания на престол привели самозванку в Петропавловскую крепость, где она и умерла. Портрет работы Константина Флавицкого – самый яркий рассказ о ее жизни, полной загадок.
«Княжна Тараканова». К. Д. Флавицкий. 1864 г.
Читайте также:
Дама déshabillé, или Солнечное утро Зинаиды Серебряковой. Солнца на картине нет, но она как бы пронизана лучами. Наверное, из-за полуулыбки художницы. Автопортрет был написан «на безрыбье» – зимой натурщиков в окрестностях имения художницы было не найти. Так и появилась картина «За туалетом».
«За туалетом. Автопортрет». Зинаида Серебрякова. 1909 г.
Не совсем обычный портрет: не то таинственной девушки, не то утреннего города. «Новая Москва». Юрий Пименов, сам того не желая, создал «эталон соцреализма». А художник просто смотрит на мир глазами девушки. Капля импрессионизма и ощущение движения делают обычный город необыкновенным. Как всегда, когда на картине Женщина. Даже если не видно ее лица…
«Новая Москва». Ю. И. Пименов. 1937 г.
Боровиковского, Брюллова, Кустодиева и других.
Мы знаем их в лицо и любуемся красотой в расцвете молодости. Но как жили эти женщины дальше, после того, как картина была закончена? Иногда их судьба оказывается удивительной. Вспоминаем с Софьей Багдасаровой.
Сарра Фермор
И.Я. Вишняков. Портрет Сарры Элеоноры Фермор. Около 1749–1750. Русский музей
Картина Вишнякова — один из самых прелестных образцов русского рококо и один из самых знаменитых портретов эпохи императрицы Елизаветы Петровны.
Особенно эффектен контраст между ребяческой прелестью 10-летней девочки и тем, что она все пытается делать «как взрослая»: принимает правильную позу, держит веер согласно этикету, старательно сохраняет осанку в корсете придворного платья.
Сарра — дочь генерала Виллима Фермора, обрусевшего шотландца на русской службе. Это он взял нам Кёнигсберг и всю Восточную Пруссию, а на гражданской службе после пожара отстроил классицистическую Тверь в том виде, который восхищает нас сейчас. Мать Сарры тоже была из шотландского рода — из Брюсов, причем приходилась племянницей знаменитому Якову Брюсу, «колдуну с Сухаревой башни».
Сарра была выдана замуж по тем временам поздно, в 20 лет, за своего ровесника Якоба Понтуса Стенбока — представителя графской шведской семьи (из нее даже вышла одна шведская королева). Стенбоки к тому времени перебрались в российскую Эстляндию. Супруги жили, скажем прямо, неплохо: достаточно сказать, что это в их дворце в Таллине сейчас размещаются помещения эстонского премьер-министра и зал заседаний правительства. Сарра, по некоторым указаниям, стала матерью девяти детей и скончалась уже при императоре Александре I — то ли в 1805 году, то ли вообще в 1824-м.
Мария Лопухина
В.Л. Боровиковский. Портрет М.И. Лопухиной. 1797. Третьяковская галерея
Боровиковский написал множество портретов русских дворянок, но этот — самый чарующий. В нем все приемы мастера применены так искусно, что мы и не замечаем, каким именно способом нас околдовывают, как создается очарование этой барышни, которой почти сто лет спустя Яков Полонский посвящал стихи («…но красоту ее Боровиковский спас»).
Лопухиной на портрете 18 лет. Ее непринужденность и чуть надменный взгляд кажутся то ли обычной позой для подобного портрета эпохи сентиментализма, то ли признаками меланхолического и поэтического нрава. Но каким на самом деле был ее характер, мы не знаем. При этом Мария, оказывается, была родной сестрой Федора Толстого (Американца), известного своим вызывающим поведением.
Удивительно, но если взглянуть на портрет ее брата в молодости (Государственный музей Л.Н. Толстого), то мы увидим ту же вальяжность и расслабленность.
Портрет был заказан ее мужем, Степаном Лопухиным, вскоре после свадьбы. Лопухин был старше Марии на 10 лет и происходил из богатого и знатного рода. Через шесть лет после написания картины девушка умерла — от чахотки. Через 10 лет умер и ее муж. Поскольку они были бездетными, картину унаследовала единственная выжившая дочь Федора Толстого, у которой в 1880-х годах ее и купил Третьяков.
Джованнина Пачини
К.П. Брюллов. Всадница. 1832. Третьяковская галерея
«Всадница» Брюллова — блистательный парадный портрет, в котором роскошно все — и яркость красок, и пышность драпировок, и красота моделей. Русскому академизму есть чем гордиться.
На нем написаны две девочки, носившие фамилию Пачини: старшая Джованнина сидит на лошади, младшая Амацилия смотрит на нее с крыльца. Но имели ли они право на эту фамилию, до сих пор не ясно. Картину Карлу Брюллову — своему многолетнему возлюбленному — заказала их приемная мать, графиня Юлия Самойлова, одна из красивейших женщин России и наследница колоссального состояния Скавронских, Литта и Потемкина. Бросив первого мужа, Самойлова уехала жить в Италию, где в ее салоне бывали и Россини, и Беллини. Своих детей у графини не было, хотя она еще дважды выходила замуж, один раз — за молодого и красивого итальянского певца Пери.
Лекция. Археология масонского взгляда: «Последний день Помпеи» Карла БрюлловаПо официальной версии, Джованнина и Амацилия были родными сестрами — дочерьми автора оперы «Последний день Помпеи», композитора Джованни Пачини, друга (и, по слухам, возлюбленного) графини. Она забрала их в свой дом после его смерти. Однако, судя по документам, у Пачини была только одна дочь —младшая из девочек. Кто была старшая? Есть версия, что ее вне брака родила сестра того самого тенора Пери, второго мужа Самойловой. А может, у графини с девочкой была и более тесная родственная связь.
.. Недаром «Всадницу» сначала считали портретом самой графини. Повзрослев, Джованнина вышла замуж за австрийского офицера, капитана гусарского полка Людвига Ашбаха, и уехала с ним в Прагу. Самойлова гарантировала ей большое приданое. Однако, поскольку к старости графиня разорилась (ей пришлось выплачивать третьему мужу, французскому аристократу, огромные алименты), обе «дочери» взыскивали со старухи «матери» обещанные деньги через адвоката. Самойлова скончалась в бедности в Париже, дальнейшая же судьба ее воспитанниц неизвестна.
Елизавета Мартынова
К.А. Сомов. Дама в голубом. 1897–1900. Третьяковская галерея
«Дама в голубом» Сомова — один из символов живописи Серебряного века, по выражению искусствоведа Игоря Грабаря — «Джоконда современности». Как и в картинах Борисова-Мусатова, здесь не только наслаждение красотой, но и любование уходящим очарованием помещичьей России.
Читайте также:
Елизавета Мартынова, которая позировала Сомову на портрете, была, видимо, одной из немногочисленных женских симпатий художника. Художник познакомился с ней, дочерью врача, во время учебы в Императорской Академии художеств — она была в числе учеников набора 1890 года, когда женщинам впервые разрешили поступать в это учебное заведение. Удивительно, но произведений самой Мартыновой, кажется, не сохранилось. Однако ее портреты писали не только Сомов, но и Филипп Малявин и Осип Браз. Вместе с ней училась Анна Остроумова-Лебедева, которая в своих мемуарах мимоходом отметила, что, хотя Мартынову писали всегда высокой статной красавицей, на самом деле она была маленького роста. Характер у художницы был эмоциональный, гордый и легкоранимый.
Сомов писал ее несколько раз: в 1893 году акварелью в профиль, через два года — карандашом, а в 1897 году он создал ее небольшой портрет маслом на фоне весеннего пейзажа (Астраханская художественная галерея). Эту же картину он создавал с перерывами три года: из них художник два провел в Париже, а Мартынова для лечения болезни легких на долгое время поселилась в Тироле.
Лечение не помогло: примерно через четыре года после окончания полотна она скончалась от чахотки в возрасте около 36 лет. Семьи у нее, видимо, не было
Галина Адеркас
Б.М. Кустодиев. Купчиха за чаем. 1918. Русский музей
Хотя «Купчиха за чаем» Кустодиева написана в послереволюционном 1918 году, для нас она — настоящая иллюстрация той яркой и сытой России, где ярмарки, карусели и «хруст французской булки». Впрочем, Кустодиев после революции своим любимым сюжетам не изменял: для человека, до конца жизни прикованного к инвалидному креслу, это стало формой эскапизма.
Для купчихи в этом портрете-картине позировала Галина Адеркас — натуральная баронесса из рода, ведущего свою историю аж от одного ливонского рыцаря XIII века. Одна из баронесс фон Адеркас даже была воспитательницей Анны Леопольдовны.
В Астрахани Галя Адеркас была соседкой Кустодиевых по дому, с шестого этажа; в студию девушку привела жена художника, приметив колоритную модель. В этот период Адеркас была совсем молода, студентка-первокурсница медицинского факультета. И честно говоря, на набросках ее фигура выглядит гораздо тоньше и не такой внушительной. Изучала она, как говорят, хирургию, но увлечения музыкой увели ее в другую сферу. Обладательница интересного меццо-сопрано, в советские годы Адеркас пела в составе русского хора в Управлении музыкального радиовещания Всесоюзного радиокомитета, участвовала в озвучивании фильмов, но большого успеха не добилась. Вышла замуж она, судя по всему, за некоего Богуславского и, возможно, стала выступать в цирке. В Рукописном отделе Пушкинского Дома даже хранятся рукописные воспоминания за авторством Г.В. Адеркас, озаглавленные «Цирк — это мой мир…». Как сложилась ее судьба в 30-е и 40-е годы — неизвестно.
Пабло Пикассо: картины с изображением любимых женщин
Всем известен Пабло Пикассо — гениальный художник, но мало кто знает его со стороны, которой он поворачивался к женщинам. Его можно смело назвать разрушителем — почти все, кого он любил, сходили с ума или кончали с собой.
Он говорил, что женщины продлевают жизнь, и если увлекался кем-то, то создавал целую серию работ. Ровно 45 лет назад в возрасте 91 года Пикассо ушел из жизни — предлагаем вспомнить семь муз художника.
Фернанда Оливье
Натурщицу Фернанду Оливье — первую большую любовь — Пикассо встретил в Париже в 1904 году. Именно с появления Фернанды мрачная живопись Пикассо приобрела краски. Они были молоды, быстро сблизились и прошли вместе через нищету и безызвестность первого десятилетия художника в Париже. Когда его картины стали покупать, их отношения уже были на исходе. Пикассо без сожаления порывал с бывшими возлюбленными: так получилось и с Фернандой, когда художник встретил Марсель Умбер, ставшей его привязанностью на трехлетний период кубизма. Портрет Фернанды «Женщина с грушами» — один из первых опытов в период раннего кубизма.
Ольга Хохлова
Балерину Ольгу Хохлову — первую жену и мать первого ребенка — Пикассо встретил в Италии в 1917 во время работы над «Русскими сезонами». Дягилев предупреждал Пикассо, что с русскими женщинами не шутят, на них женятся. Ольга Хохлова не просто стала женой Пикассо — он венчался с ней по православному обряду. Расставшись после 17 лет противоречивой семейной жизни, они так и не развелись — Пикассо не хотел делить имущество поровну, что требовалось по условиям брачного договора.
Охлаждение к жене пришло вместе с охлаждением к буржуазной жизни, которую так любила Хохлова. Натянутые отношения нашли отражение в картинах — если в начале их любовной истории портреты Ольги реалистичны, то ко времени распада брака Пикассо пишет ее только в стилистике сюрреализма. «Женщина в шляпе» создана в 1935-м — в год, когда Ольга узнала, что у Пикассо ребенок от любовницы Марии-Терезы Вальтер. Она хоть и ушла сама, но долгие годы преследовала Пикассо — ее смерть в 1955 году принесла художнику лишь облегчение.
Мария-Тереза Вальтер
Мария-Тереза Вальтер появилась в жизни Пикассо в 1927 году. Ей было всего 17, ему уже 45. До встречи с художником она даже не слышала его имени. В 1935-м Вальтер родила ему дочку Майю, которую он продолжал навещать даже после расставания с ее матерью. Мария-Тереза долгие годы писала бывшему возлюбленному нежные письма, которые тот зачитывал новым подругам. Она покончила с собой через четыре года после смерти Пикассо. Обычно художник изображал ее блондинкой с короткой стрижкой, но на портрете 1937 года появляются яркий макияж и накрашенные ногти — знак того, что у Пикассо роман с Дорой Маар.
Дора Маар
Дора Маар — та самая «плачущая женщина» Пикассо. Этот сюжет отражает не только восприятие художником характера этой женщины, но и предвоенные настроения в Европе. На момент их знакомства в 1935 году Дора была уже сама сформировавшимся художником и фотографом — их отношения носили скорее интеллектуальный характер, чем романтический. Разрыв с Пикассо после девятилетнего романа довел Дору до психиатрической клиники, а последние годы она вела затворническую жизнь. Перед вами — одна из самых известных картин из серии «плачущих женщин».
Франсуаза Жило
Франсуаза Жило — единственная женщина, которой удалось выйти сухой из воды после десятилетнего романа с Пикассо. Художник познакомился с годившейся ему во внучки Франсуазой в ресторане в 1943 году — она была прекрасной собеседницей и со временем Пикассо стал нуждаться в ней. Франсуаза родила ему двоих детей, сына Клода и дочь Палому, а в 1953-м вместе с ними ушла, став единственной женщиной, которой удалось выйти из-под влияния Пикассо без психологических проблем — она состоялась как художник, дважды вышла замуж, написала книгу о Пикассо, которая легла в основу фильма «Прожить жизнь с Пикассо» с Энтони Хопкинсом в главной роли.
Образ «женщины-цветка» появился весной 1946-го, когда художник наконец-то уговорил Франсуазу переехать к нему.
Сильветт Давид
Сильветт Давид, с которой у Пикассо никогда не было близких отношений, стала музой художника в 1950-х — она несколько раз ему позировала в 1954-м, что вылилось в целую серию работ — их легко можно угадать по пышному хвосту светлых волос. Романа с Сильветт не случилось — девушку всегда сопровождал жених, а сама она чувствовала себя неуютно рядом со знаменитостью, но знакомство с великим художником сыграло ей на руку — Пикассо подарил ей один из портретов, и на деньги от его продажи она смогла купить жилье в Париже.
Жаклин Рок
Жаклин Рок — последняя любовь Пикассо и вторая официальная жена — стала главным персонажем его картин в последние 20 лет. На момент их знакомства в 1953 году ей было 27, ему — 73. Жаклин сносила его тяжелый характер и называла монсеньором — с ней он прожил до самой смерти. Уход Пикассо она переживала тяжело, балансируя на грани безумия, а спустя 13 лет накануне ретроспективы его работ застрелилась. «Жаклин со скрещенными руками» — один из самых известных портретов последней музы Пикассо.
Подпишитесь и станьте на шаг ближе к профессионалам мира моды.
Фото: Getty Images
Великие женщины-художники
До начала ХХ столетия роль женщин в искусстве была эпизодической, что обусловлено ее социальным статусом и общественным неравенством полов.
Талантливым женщинам надо было преодолеть весьма непростые обстоятельства ради того, чтобы посвятить себя искусству. В XX веке женщины наравне с мужчинами начинают обучаться в художественных академиях, принимать участие в художественной жизни: выставлять свои работы, входить в состав различных творческих объединений и жюри.
В России начало ХХ века ознаменовалось появлением целой плеяды замечательных художниц: Натальи Гончаровой, Александры Экстер, Надежды Удальцовой, Любови Поповой, Варвары Степановой, Ольги Розановой, Веры Хлебниковой.
Наибольшее влияние на изобразительное искусство из художниц того времени оказали Александра Экстер и Наталия Гончарова.
Наталия Гончарова (1881—1962)
Наталия Гончарова (1881—1962) — русская авангардистка, жена художника Михаила Ларионова, одна из самых дорогих художниц в истории искусства.
Наталия всегда делала, что хотела, и как женщина, и как художник, ломая социальные стереотипы начала ХХ века. Гончарова пробовала себя во многих авангардных направлениях, никогда не останавливалась на том, что уже умела.
Она поддерживала и разделяла взгляды мужа в его живописном новаторстве — лучизме, но при этом она всегда оставалась самобытной художницей. Ее вдохновляло народное искусство, она хотела познать саму его суть, писала работы в духе примитивизма.
Александра Экстер (1982—1949)
Александра Экстер, наряду с Малевичем, была представителем «русского авангарда», создавшей «школу авангарда».
В 1914 году она вернулась из Парижа в Россию. Будучи хорошо знакома с последними достижениями европейского авангарда (в Париже она общалась с Пабло Пикассо, Гийомом Аполинером, Соней и Робертом Делоне), Экстер увлекла новыми идеями многих российских художников. О возникновении школы Экстер можно говорить с 1916 года, когда, поселившись в Киеве, она начала давать уроки таким впоследствии известным художникам, как Александр Тышлер, Павел Челищев, Анатолий Петрицкий и другим. Неоценим вклад Экстер и в театральное искусство России первой половины ХХ века.
К сожалению, благоприятный период для творчества в России закончился в конце 20-х, начале 30-х годов с развертыванием процесса коллективизации.
С этого момента начинается массированное наступление государства на любые самостоятельные творческие объединения. Среди покинувших Россию интеллигентов были Гончарова и Экстер, продолжившие работу на западе.
Большое значение в популяризации имен женщин-художниц имели исследования феминисток, которые чрезвычайно много сделали для восстановления исторической справедливости. Благодаря их усилиям, работы художниц, занимавших в 40–60-е годы относительно маргинальное положение, теперь находятся в центре критического артдискурса.
Это произошло, например, с произведениями Мерет Оппенгейм (1913—1985) — разносторонней художницы, близкой французскому сюрреализму, с выдающейся американской художницей Джорджией О’Киф (1918—1986), с ныне культовой фигурой мексиканского искусства Фридой Кало (1907—1954) и многими другими художницами, без которых невозможно представить современное искусство ХХ века.
Джорджия Тотто О’Киф (1887-1986)
Американская художница-авангардистка, яркая представительница магического реализма. В 2014 году ее картина «Дурман» поставила ценовой рекорд среди произведений искусства, созданных женщинами. На торгах аукционного дома Sotheby’s в Нью-Йорке эта картина ушла с молотка за $44,4 млн. Самая популярная тема Джорджии О’Киф — цветы.
Она изображает в форме цветов скрытую страсть — тревожную, дурманящую и хищную. Критики связывали образы художницы с сексуальными символами, анализируя ее картины в духе фрейдизма. Сама О’Киф всегда отрицала подобного рода интерпретации. Она утверждала, что ее цветы выражают чувственность, тонкую сущность природы и мироздания. Другим источником вдохновения Джорджии служила пустыня Нью-Мексико: художница изображала отполированные ветром кости животных, голые скалы и синее небо.
Фрида Кало (1907—1954)
Известная мексиканская художница «Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего».
Когда ей было восемнадцать, Фрида попала в страшную автокатастрофу, из-за которой долгое время оставалась прикованной к кровати. Тройной перелом позвоночника, тройной перелом таза, одиннадцать переломов костей, тридцать две операции, годы в гипсе, острая боль на всю жизнь… От отчаяния Фриду спасает поразительная сила духа и … живопись. Всю боль, надежду, все свои душевные переломы Фрида воплощает на полотне.
Радикальный феминизм, возникший на Западе в 70-е годы, провозглашал идеи о единстве женского опыта, обусловленного особым анатомическим строением женщины. Наиболее яркими выразителями такого взгляда стали американские художницы: Джуди Чикаго (1939 г.р.) и Мириам Шапиро (1923 г.р.).
Джуди Чикаго (1939 г.р.)
С 1974 по 1979 годы Джуди Чикаго создала художественную композицию под названием «Званый ужин».
«Званый ужин» был задуман с целью положить конец принижению и забвению роли женщин в истории человечества. Основу композиции представляет банкетный стол на 39 персон, каждое место за которым предназначено одной из величайших женщин в истории западной цивилизации и отмечено её именем и символами её достижений. Для каждой персоны выложена салфетка, блюдо, приборы, а также бокал или чаша. На многих тарелках имеются скульптурные изображения цветов или бабочек, символизирующих вагину.
«Званый ужин», будучи плодом совместного творчества многих разных художников — мужчин и женщин, воздаёт дань таким художественным формам, как текстиль (ткачество, вышивка, шитьё) и роспись фарфора, традиционно считавшимся женскими видами искусства и относимым скорее к ремёслам, нежели к изящным искусствам, в которых всегда наблюдалось господство мужчин.
Сам стол выполнен в виде равностороннего треугольника с длиной стороны в 14,63 метра и установлен на белом изразцовом полу, треугольные плитки которого содержат имена ещё 999 известных женщин.
Мириам Шапиро (1923-2015)
В 1972 году Шапиро участвовала в выставке ‘Womanhouse’. Одна из ее работ, показанных на выставке, называлась ‘Кукольный дом’ (Dollhouse). Дом, мебель и все аксессуары в нем были построены из всяких мусорных остатков и бытовых отходов, а каждая комната в доме символизировала особую роль, которую женщина играет в обществе.
Вдохновение: украшения с известных картин
Начиная со времен Ренессанса, ювелирные украшения нередко появлялись на полотнах художников. И тому есть масса причин. Во-первых, драгоценности подчеркивали статус и достаток главного героя, дополняя вечерние туалеты. Также были способны передать характер модели. А порой и вовсе становились композиционным центром всей картины.
Обратимся к некоторым знаменитым полотнам, на которых ювелирные украшения играют далеко не самую последнюю роль.
I. «Портрет молодой женщины», Сандро Боттичелли, ок 1485 г.
На картине знаменитого представителя флорентийской школы живописи эпохи Возрождения изображена Симонетта Веспуччи. Однако в этом идеализированном образе мастер не только передал профиль одной из самых красивых женщин эпохи флорентийского Ренессанса, но и зашифровал отсылки к личной жизни портретируемой. Кулон с медальоном указывает на ее любовную связь с Джулиано Медичи, поскольку камея принадлежала к фамильной коллекции драгоценностей его семьи.
Один из первых портретов, написанный Рафаэлем Санти, является образцом женского портрета эпохи Высокого Возрождения.
Образ нежной и благородной девушки перекликается с единорогом — магическим существом, символизирующим женское целомудрие. Но при первом взгляде на полотно внимание несомненно привлекает довольно крупная золотая подвеска с рубином, изумрудом и грушевидной жемчужиной. Впрочем, нельзя не отметить, что акцентное ювелирное украшение идеально подобрано к цвету платья.
III. «Венера перед зеркалом», Тициан, ок. 1555 г.
Данная картина, принадлежащая кисти величайшего венецианского художника Высокого Возрождения, символизирует зрелое ренессансное представление об идеальной женской красоте. Особая чувственность, которой буквально пропитана картина, усиливается благодаря живому пышному телу богини, мастерски переданной фактуре ее бархатного одеяния, а также благородному переливу света. Жемчужные серьги, диадема, инкрустированная драгоценными камнями, а также многочисленные золотые браслеты и кольца Венеры вторят теплому сиянию множественных драппировок ткани и подчеркивают блеск белокурых локонов.
IV. «Девушка с жемчужной серёжкой», Ян Вермеер, ок. 1665 г.
«Девушка с жемчужной серёжкой» — одна из наиболее известных картин нидерландского художника. Ян Вермеер изобразил героиню картины (вероятно, свою дочь Марию) в довольно необычной позе: девушка как будто бы медленно оборачивается в сторону зрителя. Но центром композиции все же является не юная героиня, а жемчужина, подчеркнутая сияющим бликом. Контрастируя с глухим черным фоном картины, жемчужная сережка мгновенно привлекает внимание.
V. «За туалетом. Автопортрет», Зинаида Серебрякова, 1909 г.
Разбавляет плеяду ренессансных красавиц автопортрет русской художницы начала XX века Зинаиды Серебряковой. В своей работе художница изображает себя подобно Венере Тициана. Это можно заметить по мотиву зеркала, в котором отражается ее фигура, а также непринужденной позе женщины.
Грациозное движение обнаженных рук, а также легкий поворот стройной фигуры делает данное изображение схожим с такими различными на первый взгляд женскими портретами эпохи Возрождения. Однако и на этой картине ювелирные украшения играют не последнюю роль. Широкий металлический браслет, несмотря на ранний час, уже красуется на руке художницы, а крупная жемчужная нить поблескивает в лучах утреннего солнца на туалетном столике Зинаиды.
Интересные судьбы женщин, изображенных на картинах русских художников
Приветствую вас друзья, подписчики и посетители сайта!
Вы когда нибудь задумывались, кто изображен на картинах разных русских художников. Кто они, такие милые, красивые, ухоженные и утонченные женщины? Какую жизнь прожили? Какая судьба была у этих милых леди?
Вглядываясь в портреты «прелестной половины человечества», эти вопросы пролетают в голове. Моменты из жизни и завораживающие взгляды, запечатленные на полотнах, будоражат меня. И сегодня решила я поговорить именно о них…прелестных, молодых и таких разных женщинах.
«Портрет княгини Зинаиды Юсуповой», 1900 год. В.А. Серов
Чрезвычайной красоты женщина изображена на картине В.А Серова. Княжна Зинаида Юсупова, была последней из знаменитого рода и богатейшая наследница, чьей руки добивались многие мужчины.
Но княжна верила в настоящие чувства, которые вскоре стали частью ее жизни. В счастливом браке Зинаида родила двоих детей. Также княгиня занималась благотворительностью на протяжении всей жизни.
В.А. Серов , 1900 г, Санкт-Петербург, Русский музей
Ужасная утрата оставила страшный отпечаток на сердце женщины, старшин сын погиб в результате дуэли. В поисках душевного спокойствия чета Юсуповых отправилась в Рим, покинув Петербург /во времена больших перемен в царской России,/ а после кончины супруга, женщина отправилась в Париж к сыну, где и прожила до самой смерти
«Портрет М.И. Лопухиной», 1797 год. В.Л. Боровиковский
Графиня Мария Лопухина с высокомерным взглядом и некоторой непринужденностью позировала в 18-летнем возрасте.
Этот «пронизывающий» взглядом портрет заказал муж юной Марии у художника В. Л. Боровиковского, известного мастера портретов того времени.
Русский портретист тонко чувствовал женскую натуру и написал множество картин с изображением, чарующих своей красотой, женщин. Через шесть лет после создания картины трагическая судьба забрала молодую женщину /погибла от чахотки/.
Красивая, чарующая, с нежным и кокетливым взглядом Мария Лопухина из рода Толстых прожила свою не долгую жизнь…. Но образ ее, запечатленный на века, останется с нами навсегда!
В.Л. Боровиковский, 1797 г. Москва, Третьяковская галерея
«Портрет Струйской», 1772 год. Ф.С. Рокотов
Александра Петровна Струйская – удивительной красоты женщина изображена на холсте художника. В 18-летнем возрасте она стала женой богатого помещика вдовца, любителя поэзии. За время своего брака, продолжительностью 24 года, Струйская родила ему 18 детей. Но судьба распорядилась так, что 10 детей умерли еще в младенческом возрасте.
Очень разные, но такие счастливые супруги прожили вместе семейную жизнь, муж посвящал Александре стихи, воспевая в них свои чувства. После кончины мужа, А.П. Струйская прожила еще 40 лет, успешно занималась делами семьи, что помогло ей оставить достойное состояние детям.
Ф.С. Рокотов, 1772 г. Москва Третьяковская галерея
«Всадница», 1832 год. Карл Брюллов
На роскошном и динамичном полотне художника изображены наследницы рода Пачини, дочери итальянского композитора: старшая – Джованина, сидящая на черном красавце, и младшая Амацилия, которая увлекательно наблюдает за сестрой с крыльца дома.
Приемная мать девочек, графиня Юлия Павловна Самойлова заказала портрет падчериц у своего возлюбленного Карла Брюллова. Русская графиня помимо удивительной красоты имела огромное благосостояние, которое собиралась оставить дочерям. Обещанное приданое девочки взыскали в судебном порядке, так как к старости графиня Ю.П. Самойлова практически разорилась.
Карл Брюллов 1832 г. Третьяковская галерея, Москва
«Девочка с персиками», 1887 г. В.А. Серов
Самая известная картина художника была написана в поместье С. И. Мамонтова. На картине художника изображена двенадцатилетняя девочка, дочь помещика Саввы Ивановича Мамонтова. Девочка выросла, превратилась в красавицу и стала женой успешного дворянина Александра Самарина. Подарила мужу и миру троих детей.
Семейное счастье продлилось всего 5 лет и в возрасте 32 лет, очаровательная женщина, по имени Вера Саввишна Самарина умерла от воспаления легких. Ее муж так больше и не женился…
Валентин Серов 1887 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва
«Купчиха за чаем», Б.М. Кустодиев, 1918 год.
Очень яркое, насыщенное эмоциями и настроением творение Кустодиева, относится к периоду послереволюционного голода. На картине изображено яркость и сытость России , что в 1918 году, такое изобилие было уже не приемлемым.
На картине величественно красуется Галина Владимировна Адеркас – настоящая баронесса знатного рыцарского рода. Соседствуя с художником, колоритная внешность Галины была примечена женой художника Кустодиева.
«Купчихой за чаем» стала студентка 1-ого курса Медицинского отделения г. Астрахани. Получив медицинское образование и проработав некоторое время хирургом, Галина Адеркас нашла свое призвание в озвучивании фильмов, в хоровом пении и в цирковом искусстве.
Бори́с Миха́йлович Кусто́диев 1918 г. Госуда́рственный Ру́сский музе́й Санкт-Петербург
Историю жизни можно оставить для потомков на бумаге, написав биографию,… а также, создать и другую историю, историю взглядов, историю очаровательных глаз, чарующих поз….
Наверное, и вам хотелось бы, чтоб потомки познакомились с вами через портрет. Нет, не через фотокарточку на бумаге, а именно через портрет! Ведь именно он через яркость и сочность красок, передает всю красоту и загадочность души нашей!!!
Ведь женщина – существо загадочное… как книга, которую хочется читать и перечитывать.
Кто знает, может и вас напишут когда то, как думаете?
И на десерт: видео о том, зачем мы покупаем картины, для чего они нам нужны
Друзья, чтобы статья не затерялась среди множества других статей в паутине интернета, сохраните ее в закладках. Так вы сможете вернуться к прочтению в любой момент.
Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы
10 известных женских картин, посвященных женскому принципу
Женское тело — один из старейших и наиболее часто изображаемых мотивов в изобразительном искусстве. Знаменитые женских картин оказали глубокое влияние на мир искусства и популярной культуры, что принесло им замечательную известность и аудиторию, выходящую далеко за пределы музейной элиты.
В следующей статье мы рассмотрели десять самых популярных женских картин, чтобы понять, что делает их такими необычными и привлекательными для людей разного происхождения и времени.
В середине 1480-х Сандро Боттичелли произвел революцию в мире искусства, нарисовав первую нерелигиозную обнаженную натуру с древних времен. Его знаменитая картина Рождение Венеры представляет собой истинное возвращение к идеалам древности, поскольку художник заимствовал как повествование, так и элементы композиции из Древней Греции. Рассказ о поездке Венеры на ракушке был взят у знаменитого поэта Гомера, а замысловатая поза главного героя напоминает греческую статую под названием Капитолийская Венера .
Несколько столетий спустя изображение Моны Лизы стало шагом вперед в развитии женской портретной живописи.
Используя масляную краску, которая в то время была новинкой, и свою изысканную технику затенения (сфумато), Леонардо да Винчи достиг нового уровня реализма, который оказал влияние на многих последующих итальянских художников эпохи Возрождения. Благодаря этой инновационной технике кожа Моны Лизы выглядит гладкой, ее глаза очень выразительными, а яркая улыбка настолько яркой, что на протяжении веков она продолжает очаровывать зрителей и художников как одна из самых известных картин женщин, когда-либо созданных.
Картина 1871 года « Композиция в сером и черном» № 1 или Мать Уистлера , как ее обычно называют, была отмечена как своим оригинальным названием, так и необычной композицией. К этому времени его автор, Джеймс Макнил Уистлер , применил музыкальный способ обозначения своих произведений и назвал их по доминирующему цвету, в то время как намеренно урезанная композиция помогла достичь психологической глубины, которая стимулирует людей видеть различных эмоциональных оттенков. каждый раз, когда они наблюдают за произведением искусства.
В начале 20 века два венских художника Эгон Шиле и Густав Климт подняли женскую форму на новый уровень и создали одни из самых известных женских картин в истории. Окружив своих подданных золотом, Густав Климт познакомил Европу с египетским искусством и был одним из пионеров движения модерн. Его слегка искаженные позы и эротические изображения женских форм были быстро унаследованы его учеником Эгоном Шиле, который добавил свой эмоционально напряженный и часто тревожный стиль к своим знаменитым картинам женщин.
Примитивные автопортреты Фриды Кало несут элементы наивного и народного искусства, а также феминистский подход, видимый в ее бескомпромиссном изображении женского тела и разума. Фрида однажды заявила:
Я рисую свою реальность. Единственное, что я знаю, это то, что я рисую, потому что мне нужно, и я рисую все, что проходит в моей голове, без каких-либо других соображений.
Наконец, Энди Уорхол изображал одержимость общества знаменитостями, которая может быть такой же тревожной и жестокой, как и любая другая нездоровая одержимость.
Просмотрите наш список известных картин с изображением женщин и проследите за эволюцией женской формы на протяжении веков.
Сандро Боттичелли — Рождение Венеры, середина 1480-х гг.
Сандро Боттичелли « Рождение Венеры» изображает греческую богиню любви, выходящую из моря взрослой женщиной. Знаменитая картина представляет двойную идею Венеры, изображенной в работах древнегреческих писателей, которые видели в ней как земную фигуру, символизирующую физическую любовь, так и небесную богиню, которая вдохновляла интеллектуальную любовь, характерную для людей.
Леонардо да Винчи — Мона Лиза, 1503 — 1505 гг.
Широко известная своей загадочной улыбкой и вечной красотой, одна из самых известных женских картин, когда-либо созданных, Мона Лиза Леонардо да Винчи представляет собой классический портрет в половину тела эпохи Возрождения на фоне далекого пейзажа. . Изогнутые линии, изображающие волосы и одежду объекта съемки, отражаются эхом в горах и реках позади нее, изображая связь между людьми и природой.
Иоганнес Вермеер — Девушка с жемчужной сережкой, 1665 г.
Картина, которую многие называют голландской Мона Лиза из-за загадочного внешнего вида ее главного предмета, Вермеера Девушка с жемчужной сережкой представляет собой светящийся этюд женской головы. Жемчужная серьга — центральный элемент картины, которая широко известна за мастерское изображение взаимодействия света и тени.
Эдуард Мане — Олимпия, 1856 г.
Изображение куртизанки обнаженной Эдуардом Мане вызвало возмущение жителей Парижа, поскольку оно очеловечивало проституцию, которая не была очень популярна в то время, когда она была написана.То, как глаза Олимпии, казалось, были сосредоточены на зрителях, также приводило в ярость публику, поскольку для женщин, но одна обнаженная проститутка, было необычно смотреть на кого-то так прямо, как на главный объект картины.
Джеймс Эббот Макнил Уистлер — Аранжировка в сером и черном № 1 (Мать Уистлера), 1871 г.
Судя по названию, картина предназначалась для изучения цветов и представляла собой сочетание серого, черного и белого цветов. Но хотя он должен был представлять исследование цвета и формы и его предмета, картина, получившая название Мать Уистлера , быстро стала символом невзгод, пережитых многими во время Великой депрессии.Художник сопоставил тонко раскрашенное темное платье нарисованной женщины со светящимися многослойными руками и лицом, чтобы оживить его сюжет и бросить вызов традиционному повествовательному искусству. Картина маслом на холсте представляет собой изображение матери художника, сидящей в кресле в уютной домашней обстановке.
Густав Климт — Портрет Адели Блох-Бауэр I, 1907 год
Следующие две известные картины женщин родом из Вены начала 20 века. Этот очаровательный портрет женщины, одетой в золото, создан в знаменитую золотую эпоху Густава Климта, и он широко известен своим чарующим взглядом.На светлой и красиво выполненной росписи сусальным золотом изображена Адель Блох-Бауэр, покровительница и близкая подруга Густава Климта.
Эгон Шиле — Портрет Эдит, жены художника, 1915 год
Другой известный художник из Вены, Эгон Шиле, создал потрясающий портрет своей жены в 1915 году. Нежное изображение Эдит Хармс, написанное в том же году, когда они поженились, демонстрирует ее кукольные черты лица и длинные заметные руки. Ее красочное платье доминирует в произведениях искусства, а ее голубые глаза с детской невинностью смотрят на ее бледное лицо.
Пабло Пикассо — Портрет Доры Маар, 1937 год
На протяжении веков Пабло Пикассо писал многочисленные портреты своей возлюбленной и известного фотографа Доры Маар. Этот портрет изображает ее сидящей на стуле и выполнен в типичной кубистской моде, отмеченной искаженными формами и яркими цветами.
Смотрите больше работ Пикассо на нашей торговой площадке!
Фрида Кало — Автопортрет с терновым ожерельем и колибри, 1940
Фрида Кало написала множество автопортретов за свою короткую, но плодотворную жизнь.
В этом конкретном произведении изображены любимые домашние животные художницы, обезьяны, которые часто символизировали детей, которых у нее никогда не было. Еще один бросающийся в глаза мотив — это колибри, висящая на шипованном ожерелье, которое перерезает горло художнице, но она кажется спокойной, терпеливо переносящей боль.
Энди Уорхол — Голубая Мэрилин, 1964
Картины Энди Уорхола с изображениями обожаемых, сексуальных и соблазнительных женщин Мэрилин Монро не воплощают в себе идею необычайной славы и блеска, как некоторые думают.Учитывая, что это изображение актрисы было сделано после ее безвременной кончины в 1962 году, очевидно, что картина имеет зловещий, гораздо более темный оттенок. Серия из четырех портретов Энди Уорхола, в том числе этот на синем фоне, является не только символом американской культурной истории, но и напоминанием о ее темной и жестокой стороне .
Посмотрите другие работы Энди Уорхола на нашей торговой площадке!
Все изображения с Wikimedia Commons.
Известные классические женские картины
Мать Уистлера — Джеймс Макнил Уистлер
Этот угловатый портрет женщины, которая предположительно является матерью Уистлера, является классикой, о которой часто упоминают в поп-культуре, даже включая ее показ. в фильме мистера Бина. Картина также стала символом материнства, когда почтовое отделение США выпустило марку, на которой выгравировано это изображение и поговорка «В память и в честь матерей Америки». Насчет того, почему миссис Дж.На картине изображена Уистлер и почему она находится в откинутом положении, в то время как остальная часть картины состоит из прямых линий. Некоторые говорят, что первоначальный субъект не прибыл вовремя, в то время как другие полагают, что пожилая миссис Уистлер, которой в то время было 67 лет, устала и сидела до конца сеанса.
Мона Лиза — Леонардо да Винчи
Пожалуй, самая известная из всех классических картин женщин, истинная личность и полуулыбка Моны Лизы, обсуждались на протяжении многих поколений.
В то время как наиболее общепринятая личность женщины — это Лиза Герардини, жена Франческо ди Бартоломео и возможный заказчик картины. Частично известность картины связана с тем, что она была украдена и пропала без вести из Лувра в течение двух лет. В настоящее время картина находится в частной комнате стоимостью 7 миллионов долларов с контролируемым климатом и пуленепробиваемым стеклом.
Портрет Доры Маар — Пабло Пикассо
Яркие цвета этого портрета более чем десятилетней партнерши Пикассо, Теодоры Марковтич, также известной как Дора Маар, — одна из серии его картин, посвященных выдающемуся французскому поэту, живописцу , и фотограф.Хотя ее любовь к Пикассо была безусловной, даже несмотря на пики и спады его перепадов настроения, она часто отрицала его любовь к ней, поскольку это не было очевидно, глядя на его картины, которые часто изображали ее в ужасающих, гротескных формах. Однако именно за один из портретов Марковтич, Дора Маар в Чате, анонимному участнику торгов была продана одна из самых высоких цен за все время — более 95 миллионов долларов.
«Мадам Икс» — Джон Сингер Сарджент
Надеясь на славу и начало своей живописной карьеры, Джон Сингер Сарджент получил то, что хотел, но не так, как он себе представлял.Модель, светская красавица Вирджини Готро, была выбрана и тщательно позировала, чтобы получить образ, который он искал. Ее поза лицом вперед показывала напористость с намеком на отступление, о чем свидетельствует ее голова, повернутая в профиль. Ее открытое платье с глубоким вырезом не слишком понравилось публике, когда картина была представлена на выставке. Мисс Готро ушла из общества, в то время как Сарджент перекрашивал части платья, а затем покинул Париж, чтобы продолжить свою карьеру.
Чашка чая Мэри Кассат
Известная своими картинами маслом, изображающими женщин и детей, эта картина представляет сестру Мэри Кассат Лидию, участвующую в социальном ритуале чаепития.Картина подвергается сильной критике из-за использования незавершенного холста в качестве части изображения.
Картина выполнена в стиле раннего импрессионизма Кассат и является примером ее умелого использования цвета. Считается, что эта картина была на выставке французских импрессионистов в 1879 году в Париже, а двумя годами позже была на той же выставке вместе с другой картиной Лидии Симпсон Кассат, «Лидия вязание крючком в саду в Марли».
Женщина с зонтиком — Мадам Моне и ее сын — Клод Моне
На этой картине первой жены Моне, Камиллы, и сына Жана показано использование художником цвета и света в классическом стиле импрессионизма.Моне умело показывает неразрывную связь между матерью и ребенком, а также ребенком, взирая на его самый популярный образец для подражания: свою мать. Художник использует теплые летние тона и легкие мазки кисти, чтобы создать ценный рисунок, который сейчас является частью коллекции Национальной галереи искусств в Вашингтоне, округ Колумбия.
Хрустальный шар, автор Джон Уильям Уотерхаус
Молодая женщина, смотрящая в хрустальный шар, пытается сотворить заклинание с помощью книги и черепа.Последний из них был закрашен занавесками на картину в 1950-х годах, когда замок Гленборродейл был продан, и новый владелец не оценил оригинальный вид картины. Только после того, как картина была выставлена на аукцион, энтузиасты искусства узнали секрет, который скрывала его старая картина.
Женщина с веером — Густав Климт
Работы австрийского художника Густава Климта, оказавшие значительное влияние на период венского сецессиона и модерна, часто выражают любовь, смерть и возрождение, а также объединяют черты древнего средневекового, египетского и классического греческого искусства.В этом чувственном образе женщины, использующей свой огромный веер для прикрытия груди, используется множество ярких цветов и изображены яркие птицы на ярко-желтом фоне.
Девушка с жемчужной серьгой — Иоганнес Вермеер
Одна из нескольких десятков картин, которые, как известно, закончил Вермеер, жемчужная серьга на предмете является основным фокусом картины.
Хотя ее часто называют голландской Мона Лиза, отчасти из-за загадочной женской сущности, на самом деле это не портрет, а скорее тонна или этюд женской головы.Считающийся одним из величайших художников Золотого века Голландии, Вермеер получил лишь скромное признание при жизни, но его использование и мастерство света в своих работах вдохновили многих современных художников в последующих поколениях.
Женщина в ванне, протирающая ногу — Эдгар Дега
Французский художник Эдгар Дега, знаменитый своими картинами, изображающими балет и создаваемую им романтику, тщательно запечатлел изображение движения новаторским способом, который является уникальным для него самого. Большинство его картин были созданы спонтанно в реальном времени, а затем завершены в его мастерской.Мягкие нейтральные цвета и мягко изогнутые линии этого изображения женщины, купающейся, создают ощущение комфортного расслабления, которое может понравиться каждому.
После ванны, женщина вытирается Об авторе:
Клэр Теймс — независимый графический дизайнер, отличный повар, заядлый читатель. Она писала о современном и классическом искусстве в различных печатных изданиях и только сейчас начинает писательскую карьеру в Интернете. Она работает в своем домашнем офисе в Калифорнии, где двое ее детей ходят в среднюю школу.
30 самых известных женских картин
Картины не перестают удивлять зрителя. Хотя каждая картина может быть интерпретирована разными людьми по-разному, она никогда не перестает распространять очарование. Живописцы и художники всего мира любят запечатлеть прекрасную женщину на холсте. Амальгамация искусства всегда невыразима. А когда речь идет о двух искусствах, то есть о женском теле и живописи, оно автоматически становится радужно-красивым. Женщины запечатлены в разных позах и обстановке, и эти картины стали произведениями искусства, которые все ценят и любят.Если вы любитель искусства, вам следует знать об этих самых известных женских картинах .
Мона Лиза
Источник изображения
Источник изображения
Пожалуй, самая известная из самых известных женских картин, «Мона Лиза», написанная в 1502 году Леонардо да Винчи, висит в Лувре в Париже, и ее посещают миллионы людей. Это портрет неизвестной женщины, загадочно улыбающейся, личность которой не была установлена до недавнего времени.Леонардо да Винчи писал Мона Лизу почти 20 лет в эпоху Возрождения во Флоренции, Италия.
Мать Уистлера
Источник изображения
Источник изображения
Американский художник Джеймс Макнил написал в 1871 году «Мать Уистлера», ранее известную как «Композиция в сером и черном: мать художника». Вы можете найти эту картину в Музее Орсе в Париже. На картине изображена женщина, сидящая лицом боком, положив руки на колени, и ее можно интерпретировать как символ материнства или сатиры — среди самых известных женских картин ; это, конечно, другое.
Сотворение Евы
Источник изображения
Источник изображения
«Сотворение Евы» — фреска Сикстинской капеллы Ватикана в Риме, написанная Микеланджело Буонаротти с 1508 по 1512 год. Картина была заказана Папой Павлом III. Это противоречивая картина из самых известных женских картин , поскольку на ней изображены обнаженные библейские фигуры. В то время это вызвало скандал, и его защищал Папа.Однако более поздний Папа приказал прикрыть цифры.
Рождение Венеры
Источник изображения
Источник изображения
Картина Сандро Боттечелли, изображающая греко-римскую мифологическую богиню Венеру, была написана в 1483 году. На картине изображена Венера, поднимающаяся из моря. Образцом для картины предположительно является Симонетта Катанео Веспуччи, которая была любовницей Джулиано ди Пьеро де Медичи.
Вы можете найти картину в галерее Уффици во Флоренции, Италия.
Девушка в сорочке
Источник изображения
Источник изображения
Знаменитый художник Пабло Пикассо написал портрет молодой, хрупкой и, возможно, больной девушки в 1905 году. На портрете девушка одета в сорочку, которая едва прикрывает ее тело, и, несмотря на нездоровый вид, ее тело изображено как желанное. .
Елизавета I
Источник изображения
Источник изображения
Написанная придворным художником Николасом Хиллиардом в 1585 году, эта картина изображает Елизавету I, королеву Англии, в черном платье, которое было ее любимым цветом.Королева держит на картине оливковую ветвь мира, а на соседнем столе лежит меч правосудия.
Девушка с жемчужной сережкой
Источник изображения
Источник изображения
Яркое изображение стиля барокко и использования света, Девушка с жемчужной сережкой часто упоминается как голландская Мона Лиза и является одной из самых известных женских картин . Он был написан художником Йоханнесом Вермеером и изображает девушку в головном платке и жемчужной серьге.Эта картина выставлена в художественном музее Маурицхейс в Гааге, Нидерланды.
Олимпия
Источник изображения
Источник изображения
Эдуард Мане написал обнаженную куртизанку в 1856 году. Эта картина вызвала возмущение жителей Парижа. В то время проституция не была популярна, и изображение обнаженной куртизанки, смотрящей из картины, считалось оскорблением.Картина выставлена в Музее Орсе в Париже, Франция.
Источник изображения
Источник изображения
Источник изображения
Источник изображения
Источник изображения
Источник изображения
Источник изображения
Источник изображения
Источник изображения
Источник изображения
Источник изображения
Источник изображения
Источник изображения
Источник изображения
Эти самых известных женских картин , каждая из которых представляет собой уникальное произведение, на которое любой любитель искусства хотел бы взглянуть, и его нельзя пропустить, если у вас есть возможность увидеть их.
Кроме того, с помощью таких сервисов, как Mavenart, вы можете создать картину женщины вашей жизни. Итак, в какую из них вы вкладываете деньги сегодня?
Самые известные абстрактные женские картины
Blog Home22 ноября, 2016
В картине потенциально есть гораздо больше, чем то, что она открывает нашим глазам. Например, что это открывает нашему уму? Некоторые из самых известных реалистических произведений искусства — это картины женщин. Но что эти известные женские картины сообщают зрителям, помимо того, что находится на поверхности? Они могут передавать мастерство своих создателей, но сообщают ли они также внутреннюю сущность своих подданных-женщин? Они могут визуально отображать свое время, но экстраполируют ли они также культурное или историческое понимание гендера? Они просто показывают нам фотографии женщин в различных ситуациях или исследуют всеобъемлющие значения, содержащиеся в ситуативных женских реальностях? Абстрактные картины иногда имеют преимущество, когда дело доходит до таких вопросов, поскольку они по своей сути побуждают зрителей искать за пределами того, что находится на поверхности.Вот десять известных абстрактных картин женщин , которые помогли нам улучшить наше понимание женственности с различных точек зрения пола, истории, культуры и эстетики.
Ли Краснер —
Gaea Задумывались ли вы о происхождении термина «Мать-природа»? Древние греки считали, что создательницей вселенной была женская сущность по имени Гея. Она родила все сущее, включая всех других богов и богинь, а также человечество.Ли Краснер написала свою монументальную абстрактную картину Gaea в 1966 году. Картина знаменует собой важный этап эволюции ее творчества, поскольку она вышла из особенно тревожного периода личной жизни. Его взрывной цвет и выразительные жесты олицетворяют сложную смесь силы, красоты, энергии и гармонии. Как абстрактное выражение изначальной и вечной женской сущности во вселенной, он занимает первое место среди абстрактных картин женщин.
Ли Краснер — Гея, 1966 г.Масло на холсте. 69 дюймов x 10 футов 5 1/2 дюймов (175,3 x 318,8 см). Фонд Кей Сейдж Танги. 212.1977. Коллекция MoMA. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк
Пабло Пикассо —
Ма ДжолиМа Джоли переводится в My Pretty Girl , популярную французскую песню, когда Пикассо писал свой кубист картина с одноименным названием. Эта фраза была также его любимым именем для его возлюбленной Марсель Гумберт. Как одно из самых ранних и запоминающихся проявлений аналитического кубизма, эта картина известна по причинам, не имеющим ничего общего с ее предметом.Но как картина женщины он также чрезвычайно выразителен. Достойное выражение безразличия на голове в правом верхнем углу; мясистая чувственность пальцев ног; музыкальные ноты и рука, играющая на гитаре; головокружительное множество перспектив и источников света; все это говорит о смеси прихоти, серьезности, уважения и таинственности, которые определяют чувства, которые Пикассо выражал на протяжении всей своей жизни по отношению к женской душе.
Пабло Пикассо — Ма Джоли, 1911. Холст, масло.39 3/8 x 25 3/4 дюйма (100 x 64,5 см). Приобретено через Lillie P. Bliss Bequest (путем обмена). 176.1945. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York
Джорджия О’Кифф —
Абстракция (спящая женщина) Джорджия О’Кифф убрала все, что считала несущественным. Она стремилась погрузить зрителей в чувство. Для этого она часто создавала крупномасштабные крупные планы образы, окутывающие зрителя в живописном пространстве.Эта картина является одной из нескольких аналогичных абстрактных композиций, созданных О’Кифом из спящей женщины.Она нарисовала его углем, а затем обработала влажной кистью, создав сказочную воздушность в кадре. Это образ стоической, величавой благодати, которая обращается к чему-то преходящему и хрупкому, земному и в то же время вечному.
Джорджия О Киф — Абстракция (спящая женщина), 1916. Бумага, уголь, акварель
Казимир Малевич —
Женщина с ведрами: динамическое расположениеКазимир Малевич искренне верил в абстракцию.Через год после написания этой картины он изобрел свой культовый стиль, супрематизм, который был посвящен отказу от предмета вместо универсальности. Картина с изображением женщины не столько о женщине, сколько о формальных качествах композиции. То, что он сообщает о женственности, субъективно. Но в замысле художника мы находим нечто демократичное и действительно универсальное. Название « Женщина с ведром » говорит о традиционных женских гендерных ролях в рабочем классе России, когда Малевич создавал эту работу.То, что он выбрал эту тему, говорит о том, что он искал утопический способ взглянуть на мир не с точки зрения разногласий, таких как пол и социальные классы, а с точки зрения общих черт.
Казимир Малевич — Мужчина с ведрами: динамическое расположение. 1912-13 (дата на реверсе 1912 г.). Масло на холсте. 31 5/8 x 31 5/8 дюйма (80,3 x 80,3 см). 1935 г. Приобретение подтверждено в 1999 г. по соглашению с поместьем Казимира Малевича и стало возможным на средства, полученные от г-жи Джона Хей-Уитни по наследству (путем обмена).815.1935. Коллекция MoMA
Жоан Миро —
Женщина с тремя волосами в окружении птиц в ночи Жоан Миро никогда полностью не погружался в полную абстракцию. Вместо этого он воспитал уникальный эстетический голос, включающий примитивную иконографию, уменьшенные формы и яркую, ограниченную цветовую палитру. Благодаря этому идиосинкразическому стилю он мог передавать глубину прямым, простым, часто причудливым способом. Он часто исследовал тему женщины и детей в своем творчестве.Этот абстрактный образ одинокой женщины выражает спокойную силу и равновесие. Он медитативный и предлагает фигуру в созерцании повседневных шуток. Это образ безопасности, уединения и гармонии.
Несмотря на свою сверхъестественную странность, он вызывает радость.
Хоан Миро — Женщина с тремя волосами в окружении птиц в ночной Пальме / 2 сентября 1972 года. Холст, масло. 7 футов 11 7/8 дюйма x 66 1/2 дюйма (243,5 x 168,9 см). Подарок художника в честь Джеймса Тралла Соби. 116.1973.Коллекция MoMA. © 2019 Successió Miró / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк / ADAGP, Paris
Виллем де Кунинг —
Woman IВедущий абстрактный экспрессионист Виллем де Кунинг специализировался на эмоциональных, энергичных полотнах. Его техника была одновременно спонтанной и изнурительной. Он рисовал агрессивные, немедленные слои, а затем соскребал их, добавляя и удаляя со временем. Его многочисленные картины женщин были интерпретированы как гротескные, злые и даже женоненавистнические.Но он отрицал такие ассоциации, предпочитая размышлять об их примитивной природе и происхождении, которое они разделяют с классическими изображениями женственности. Эта самая известная из его картин Woman кажется подходящим примером этой двойственности между намерениями художника-мужчины при рисовании женщины и тем, как зрители могут интерпретировать конечный результат его выражения. Он предлагает нам культовый абстрактный образ женщины, а также отправную точку для более широкого разговора об объективации и намерениях в искусстве.
Виллем де Кунинг — Женщина I, 1950–1952. Холст, масло, металлик. 6 футов 3 7/8 дюйма x 58 дюймов (192,7 x 147,3 см). 478.1953. Коллекция MoMA. © 2019 Фонд Виллема де Кунинга / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк
Мария
Лассниг — Frühstück mit Ohr (Завтрак с ухом) Ни один разговор о современном абстрактном женском портрете не будет полным без упоминания влияние австрийской художницы Марии Лассниг.Ее практика колебалась между фигурацией и абстракцией, но всегда вращалась вокруг более широкого разговора о том, что она описала в 1948 году как телесное сознание .
Ее картина « Завтрак с ухом » является культовым представителем сотен автопортретов, нарисованных Лассниг, часто на которых изображена только часть ее тела, относящаяся к той части тела, которую она больше всего знала в то время. Это изображение обращается к более широкому социальному разговору о традиционных гендерных ролях, поскольку функция слушателя / воспитателя выделяется среди изображений электронных кухонных гаджетов.
Мария Лассниг — Fruhstück mit Ohr (Завтрак с ухом), 1967. © Мария Лассниг
Yves Klein —
Anthropométrie de l’époque bleueКак и во многих произведениях Ив Куаллейн слой к этой картине, который следует обсудить. Он не писал ее в одиночку, а, скорее, участвовал в ее создании как режиссер. Антропометрия — это исследование физических размеров человеческого тела. В своей серии Anthropométrie Кляйн приказал женщинам-ассистенткам раздеться догола и покрыться синим цветом Yves Klein Blue, его одноименным оттенком.Затем помощники физически отпечатывали свои раскрашенные тела на поверхностях, либо разложенных на полу, либо закрепленных на стене. Эта картина — в некотором смысле картина действия. С другой стороны, это репортаж, поскольку он создает физическую запись фактического события. В качестве абстрактного изображения он убедительно демонстрирует чувственность. Это также предполагает наличие Х-хромосомы, символа генетической женственности. С концептуальной точки зрения потенциально противно использование объективированного женского труда для завершения эстетического видения, в котором доминируют мужчины.
Ив Кляйн — Anthropométrie de lépoquebleue, 1960. International Klein Blue, бумага, дерево. © 2019 Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк / ADAGP, Париж
Кэрри Мойер —
Табло Часто работа Кэрри Мойер носит политический характер, как в ее Агитпропе, графические плакаты, направленные на прямую общественную активность и комментарий.
В других случаях, как в ее абстрактных гравюрах, кажется, что она окутана метафизической универсальностью. В ее картинах эти два полюса часто сходятся в графически содержащихся композициях, сочетающих в себе то, что она называет «», иллюзионизмом и плоскостностью. ”Формально Tableau обладает композиционной тяжестью и демонстрирует мастерство чувственности акриловой среды. Его чувство женственности явно современно, одновременно вызывая в памяти что-то примитивное и человеческое и что-то футуристическое и чуждое, закрепляя его в жутком, но успокаивающем настоящем.
Кэрри Мойер — Картина, 2008. Холст, акрил, блеск. © Кэрри Мойер
Wangechi Mutu —
Non je ne regrette rienБыло бы упрощением сказать, что на картинах кенийской художницы Вангечи Муту изображены женщины или женщины.Но они наполнены языком форм, говорящих о физической женственности. Через свои запоминающиеся образы Муту выражает обширный и разнообразный опыт того, как женское тело встречается в мировой культуре. Эта картина, названная в честь песни Эдит Пиаф Non je ne regrette rien (я ни о чем не сожалею), одновременно воспевает и объективизирует женское тело, вызывая подсознательные универсальности через тотемные женские образы.
Wangechi Mutu — Non je ne regrette rien, 2007.Тушь, краска, смешанная техника, растительный материал и пластиковый жемчуг на майларе. 137 х 221 см. 54 x 87 1/8 дюйма Виктория Миро
Показанное изображение: Джорджия О Киффе — Абстракция — Спящая женщина (фрагмент), 1916 год, бумага, уголь, акварель
Все изображения используются только в иллюстративных целях
Автор Phillip Barcio
Какие 13 женщин на картинах знаменитых художников выглядели на самом деле
Пабло Пикассо 17 лет писал портреты своей жены, русской балерины Ольги Хохловой.В начале их истории художник рисовал Ольгу реалистично, но ближе к концу их отношений Пикассо начал использовать свой сюрреалистический стиль, поэтому трудно понять, что портреты, которые были сделаны позже, на самом деле изображают ту же женщину.
. Так же, как и для Пикассо, натурщицами великих художников были их возлюбленные, музы и жены. Но как на самом деле выглядели эти женщины в реальной жизни? Что они сделали?
AdMe.ru сравнил реальные фотографии женщин, позировавших известным художникам, с тем, как они выглядели на картинах.В некоторых случаях контраст чрезвычайно впечатляет. А в конце статьи для вас бонус: вы узнаете, каким Огюст Роден видел свою модель и возлюбленную.
Адель Блох-Бауэр, модель Густава Климта
Адель Блох-Бауэр родилась в респектабельной буржуазной семье. Ее отец был генеральным директором Венского банковского союза. В 18 лет она вышла замуж за любителя искусства Фердинанда Блох-Бауэра, который был значительно старше ее. Адель позировала четырем важным картинам Густава Климта.Самым известным был Портрет Адели Блох-Бауэр I (справа). Картина также известна как Дама в золоте или Женщина в золоте .
С портретом связана интересная история: муж Адель был уверен, что между Адель и Климтом существуют романтические отношения. Чтобы художник не интересовался женой, Блох-Бауэр заказал Климту портрет своей жены. Он надеялся, что если она будет проводить много времени рядом с артистом, он устанет от нее.Художник работал над картиной 4 года и сделал 100 эскизов. Даже если у них были отношения, они действительно охладились в этот период.
Жанна Эбютерн, модель Амедео Модильяни
Жанна Эбютерн училась в частной художественной школе Académie Colarossi. Там она познакомилась с итальянским художником Амедео Модильяни, который выбрал своих моделей из учеников Академии. Вскоре у них завязались отношения. Жанна переехала к Модильяни и стала главной героиней его картин.Художница написала около 25 ее портретов. У пары родилась дочь, которую назвали в честь матери.
Модильяни болел туберкулезным менингитом и умер в январе 1920 года в возрасте 35 лет. Жанна Эбютерн была беременна вторым ребенком и покончила жизнь самоубийством на следующий день после смерти мужа.
Дочь Амедео и Жанны удочерила и растила сестра художника.
Сюзанна Валадон по образцу Огюста Ренуара, Анри де Тулуз-Лотрека и других.
Дочь незамужней горничной из прачечной, французская художница Сюзанна Валадон, была первой женщиной, принятой во Французский Союз художников.Она работала моделью для многих известных художников, в том числе Огюста Ренуара, Анри де Тулуз-Лотрека и Эдгара Дега. Огюст Ренуар написал ее в двух своих работах: Танец в Буживале и Танец в городе .
Но Анри де Тулуз-Лотрек видел Сюзанну совершенно по-другому: на портрете художника вверху у нее грустное лицо, темный отсутствующий взгляд и поджатые губы. Тулуз-Лотрек первым увидел работы Сюзанны и призвал ее продолжать рисовать. Он придумал ее сценический псевдоним Сюзанна.Когда она родилась, ее звали Мари-Клементина. Кстати, собственное искусство позволило ей добиться творческих и финансовых успехов еще при жизни.
Актриса Жанна Самари, модель Ренуара
Жанна Самари — французская актриса театра Комеди-Франсез. До замужества она жила недалеко от мастерской Пьера Огюста Ренуара и часто навещала его позировать. В 1877–1878 годах художник написал 4 портрета Жанны. Каждый из них сильно отличался от других по составу и размеру.Один из самых известных — Портрет Жанны Самари , находится в Москве.
Джейн Аврил, модель Тулуз-Лотрека
Джейн Аврил была танцовщицей канкан в парижском Мулен Руж, любимой моделью и другом художника Тулуз-Лотрека. Джейн выступила на открытии «Молин Руж» в 1889 году и стала очень популярной. Именно Аврил сделала канкан популярным в конце 19 века в больших европейских городах, и она была известна далеко за пределами французского кабаре.С шоу она побывала в Англии, Швейцарии и Бельгии.
Тулуз-Лотрек написал Джейн Аврил в 15 рисунках, 20 картинах, 2 плакатах и в литографии. Картины не только запечатлели ее танец, но и показали ее повседневную жизнь.
Актриса Сара Бернар — Альфонс Муха
Чешский художник Альфонс Муха прославился благодаря сотрудничеству с Сарой Бернар — известной французской драматической актрисой. Все началось, когда Муха нарисовал плакат для Бернхардт и ее театра эпохи Возрождения для шоу Gismonda .Плакат был настолько популярен и настолько понравился актрисе, что она подписала с артисткой эксклюзивный контракт на 6 лет.
В эти годы он нарисовал плакаты для серии представлений и ко Дню Сары Бернар (справа) — празднованию с едой, музыкальными представлениями и драматическими сценами. В этом постере Муха использовал типичные элементы своего личного стиля — мозаичный фон, растительные орнаменты, красивые волосы главной героини и круг над ее головой, очень похожий на нимб.
Гала Дали (Елена Дьяконова), жена, муза и модель Сальвадора Дали
Елена Дьяконова или, как она называла себя Гала (по-французски «праздник»), была на 10 лет старше Сальвадора Дали. Они познакомились в 1919 году, в то время она была замужем за французским поэтом Полем Элюаром. Дали и Гала, которые покинули Элюар, были вместе 53 года, вплоть до ее смерти.
Она была женой, музой и моделью художника. Гала взяла на себя все финансовые дела художника и сделала его искусство прибыльным.И Дали написал бесчисленное количество ее портретов.
Сильветт Давид, модель Пабло Пикассо
В середине 1950-х Пикассо жил и работал на юге Франции. Однажды его внимание привлекла блондинка на террасе мастерской рядом с его мастерской. Он нарисовал ее раньше, чем она заметила, а позже показал ей рисунки. Когда он спросил ее, согласится ли она позировать ему, она просто кивнула. Ее звали Сильветт Дэвид.
Результатом сотрудничества Пикассо и Сильветт Дэвид стала серия работ — их легко узнать, когда увидишь много светлых волос.Пикассо нарисовал более 60 изображений Сильветты. Он подарил ей один из портретов, и она смогла купить квартиру в Париже на деньги, полученные от продажи.
Ольга Хохлова (в браке с Пикассо), жена и модель Пикассо
Ольга Хохлова была русской балериной, участницей Ballets Russes и женой Пабло Пикассо. У Хохловой и Пикассо родился сын по имени Пауло. Они расстались после 17 лет совместной жизни, но Ольга оставалась женой Пикассо 37 лет — вплоть до самой смерти.Это произошло потому, что Пикассо отказался разделить все свое имущество, включая картины, которые он написал. Но это было необходимо из-за заключенного ими брачного соглашения.
Непростые отношения между супругами со временем отразились в его картинах: в начале их истории любви Ольга выглядела более реалистично, а к концу отношений Пикассо нарисовал ее в более сюрреалистическом стиле.
Жаклин Роке, жена и модель Пабло Пикассо
Жаклин Роке — вторая жена и муза Пабло Пикассо.Когда художник впервые увидел Роке, ей было 26, а ему 72. Через 6 лет после знакомства они поженились. Их брак продлился 11 лет, до дня его смерти. Пикассо сделал более 400 портретов Жаклин: он рисовал ее чаще, чем любую другую модель или возлюбленную. Жаклин Рок тяжело переживала смерть Пикассо, и 13 лет спустя она застрелилась. Картина Жаклин со скрещенными руками — один из самых известных портретов Рока Пабло Пикассо.
Лидия Делекторская, модель Анри Матисса
Лидия Делекторская была русским переводчиком, секретарем французского художника Анри Матисса.Она встретила Матисса после того, как прочитала объявление на автобусной остановке в Ницце. Там говорилось, что художнику нужен помощник.
22-летняя Делекторская стала медсестрой матери Матисса, когда ей было 63 года. А позже художник понял, что она идеальная модель. Лидия была медсестрой, секретарем Матисса и позировала ему по 3-4 часа в день. Два раза в год Матисс дарил ей свои рисунки, чтобы она могла хорошо жить. После смерти художника Лидия подарила Эрмитажу и ГМИИ им. А.С. Пушкина работы, унаследованные от него.
Белла Розенфельд, жена и модель Марка Шагала
В течение всего времени работы Шагал в его творчестве присутствовал образ женщины — это была его жена Белла Шагал.
«Когда я с Беллой, я не хожу, я летаю», — говорил артист. Поэтому он часто рисовал влюбленных, парящих над землей. Вы можете увидеть изображение его жены в сотнях его работ. Когда Белла умерла в 1944 году, Шагал не мог вернуться к своей работе в течение года. Он продолжал рисовать ее даже после того, как она умерла.
Джейн Моррис, муза прерафаэлитов
В 1857 году Джейн и ее сестра вместе пошли в театр, где их заметили художники Данте Габриэль Россетти и Эдвард Коли Бёрн-Джонс. Они оба были впечатлены красотой Джейн и убедили ее позировать. Позже она работала на Уильяма Морриса, который сделал ей предложение, и они поженились.
До замужества Джейн была не очень образована, но после замужества она начала брать частные уроки, выучила итальянский и французский языки и стала играть на пианино.Бытует мнение, что Джейн была прототипом Элизы Дулиттл из пьесы Бернарда Шоу « Пигмалион ». Справа Джейн Моррис в картине Россетти «Синее шелковое платье », написанной в 1898 году.
Бонус: Камилла Клодель, любовница и ученица Огюста Родена.
Камилла Клодель училась в частной художественной школе под названием Académie Colarossi в то время, когда женщинам не разрешалось поступать в школы изящных искусств. Там она познакомилась с Роденом, преподававшим скульптуру.Вскоре после этого она начала работать в мастерской своего учителя и стала его моделью, любовницей и источником вдохновения. Критики высоко оценили талант Камиллы Клодель как скульптора, и им понравилось, насколько необычны ее работы.
Последние 30 лет своей жизни Камилла провела в психиатрической больнице. Она уничтожила все свои работы и обвинила Родена в краже многих ее творческих идей.
Хотели бы вы позировать кому-нибудь из известных художников?
25 картин на тему женщин в искусстве
После безупречного крестового похода в конце 20-го, -го, -го века, который возглавил феминистское движение, женщины стали более увлеченными и вовлеченными в мир искусства.
И как коллекционер произведений искусства, и как художник, это появление стало подтверждать возрастающую роль женщин как в историческом дискурсе искусства, так и в художественном производстве. В статье рассказывается о 25 картинах на тему «Женщины в искусстве».
На протяжении веков женщины участвовали во многих формах искусства, включая создание произведений искусства, в качестве критиков и авторов. Многие художники, такие как Жан Огюст Доминик Энгр, Тициан и Леонардо да Винчи, создали множество известных картин, изображающих женщин в искусстве.
«Мадам Муассье» — Жан Огюст Доминик Энгр
«Мадам Муатессье» — Жан Огюст Доминик Энгр«Мадам Муатессье» — картина, написанная Жаном Огюстом Доминик Энгр в 1856 году. Французский художник написал первые версии мадам Муатессье в 1851 году, на которых она изображена стоя. Когда к Жану Огюсту Доминику Энгру подошли за портретом мадам Муассье, он был поражен ее красотой.
Сикстинская Мадонна Рафаэля
Сикстинская Мадонна РафаэляСикстинская Мадонна — это картина, написанная Рафаэлем в 1512 году.Процитировали Джорджо Вазари, сказав, что эта картина действительно редкая и необычная работа Рафаэля. Размеры картины составляли 265 см на 196 см.
Портрет принцессы де Бройля — Жан Огюст Доминик Энгр
Портрет принцессы де Бройль — Жан Огюст Доминик ЭнгрПортрет принцессы де Бройль — это картина, написанная Жаном Огюстом Доминик Энгр в 1853 году. Полин Элеонора де Бройль представляет принцессу де Бройль, которая была написана французским художником на этой картине, и она была красивой сестрой виконтессы Осонвиль.
Большая одалиска — Жан Огюст Доминик Энгр
Большая одалиска — Жан Огюст Доминик Энгр Большая одалиска — картина, написанная Жаном Огюстом Домиником Энгром в 1814 году. Эта картина французского художника была широко раскритикована публикой и критиками, когда была впервые выставлен. Une Odalisque или La Grande Odalisque были другими известными названиями этой картины.
Богоматерь в скалах — Леонардо да Винчи
Богоматерь в скалах — Леонардо да ВинчиДева в скалах — картина, созданная Леонардо да Винчи между 1483 и 1486 годами.Мадонна в скалах также была похожей картиной, но с несколькими существенными деталями, отличавшимися. Эту картину можно увидеть в Лувре в Париже.
Венера из Урбино от Тициана
Венера из Урбино от ТицианаВенера из Урбино — это картина, созданная Тицианом в 1538 году. Эта картина была заказана Гвидобальдо II делла Ровере, герцогом Урбино. Он хотел подарить эту картину своей жене, чтобы отпраздновать свадьбу.
Благовещение Леонардо да Винчи
Благовещение Леонардо да ВинчиБлаговещение — картина, созданная Леонардо да Винчи между 1472 и 1475 годами.Эта картина — хорошо известная картина Винчи, который написал эту картину собственноручно по мастерской своего мастера Андреа дель Верроккьо.
Диана и Актеон работы Тициана
Диана и Актеон работы ТицианаДиана и Актеон — картина, созданная Тицианом между 1556 и 1559 годами. Эта картина была приобретена из коллекции Бриджуотер Национальной галереей Лондона и Национальной галереей Шотландии за 50 миллионов евро. Эту картину можно увидеть в Национальной галерее в Лондоне.
«Успение Богородицы» Тициана
«Успение Богородицы» Тициана«Успение Богородицы» — большая картина, созданная Тицианом между 1516 и 1518 годами. Эта картина является самой большой работой, которую можно было найти во всей Венеции. Эту картину можно увидеть в Базилике Санта-Мария-Глориоза деи Фрари в Венеции.
Бар в Folies Bergere — Эдуард Мане
Бар в Folies Bergere — Эдуард МанеБар в Folies Bergere — это картина, написанная Эдуардом Мане в 1882 году.Эта картина является последней крупной работой Эдуарда Мане, которую он выставил в 1882 году в Парижском салоне. Эммануэль Шабрие был соседом Мане, и считается, что эта картина представляет ее.
Нана — Эдуард Мане
Нана — Эдуард Мане Нана — картина, написанная Эдуардом Мане в 1877 году.
Французский художник отправил эту картину на выставку в 1877 году, но жюри выставки отказалось ее выставить. Эту картину можно увидеть в Кунстхалле Гамбург в Гамбурге.
Женщина за чтением — Эдуард Мане
Женщина за чтением — Эдуард МанеЖенщина за чтением — картина, созданная Эдуардом Мане в 1879 году. На этой картине изображена женщина, сидящая в кафе, которое может находиться снаружи, хотя она была модно одета. Художественный институт Чикаго приобрел эту картину в 2000 году.
В консерватории Эдуарда Мане
В консерватории Эдуарда МанеВ консерватории находится картина, созданная Эдуардом Мане между 1878 и 1879 годами.Эта картина была куплена Национальной галереей в Берлине и первой из них. Эту картину можно увидеть в Старой национальной галерее в Берлине.
Маленькая машина, созданная Minimax Dadamax лично, Макс Эрнст
Маленькая машина, созданная Minimax Dadamax лично, Максом ЭрнстомМаленькая машина, созданная Minimax Dadamax лично — это картина, созданная Максом Эрнстом между 1919 и 1920 годами. Немецкий художник основан на схемах научных инструментов.Эту картину можно увидеть в коллекции Пегги Гуггенхайм в Венеции, Италия.
Сцена в кабаре Сальвадора Дали
Сцена в кабаре Сальвадора ДалиСцена в кабаре — это картина, созданная Сальвадором Дали в 1922 году. Эта картина имеет кубическое влияние, и поэтому картина была известна как самая известная работа Сальвадора Дали. Эта картина находится в частной коллекции Франсуа Пети в Париже.
Великий мастурбатор Сальвадора Дали
Великий мастурбатор Сальвадора ДалиВеликий мастурбатор — это картина, созданная Сальвадором Дали в 1929 году.Испанский художник хотел, чтобы эта картина хранилась в этом музее как личная коллекция. Эту картину можно увидеть в Национальном музее Centro de Arte Reina Sofía в Мадриде.
«Собиратели» — Жан Франсуа Милле.
«Собиратели» — Жан-Франсуа Милле «Собиратели» — это картина, созданная Жаном Франсуа Милле в 1857 году.
Компания «Собиратели» была производственной компанией, и считается, что название произошло от нее. Сцена изображает трех женщин, собирающих пшеничные зерна.
Девушка с жемчужной сережкой — Иоганнес Вермеер
Девушка с жемчужной сережкой — Иоганнес ВермеерДевушка с жемчужной сережкой — это картина, написанная Иоганнесом Вермеером около 1665 года. Одно из самых известных произведений голландского художника, широко известное как Девушка в тюрбане. Эту картину можно увидеть в магазине Mauritshuis в Гааге, Нидерланды.
Когда ты выйдешь замуж — Эжен Анри Поль Гоген
Когда ты выйдешь замуж — Эжен Анри Поль ГогенКогда ты выйдешь замуж — картина, написанная Эженом Анри Полем Гогеном в 1892 году.Что ж, известные картины французского живописца и эта картина была продана Эмирату Катар за 300 миллионов долларов. Эту картину можно увидеть в Коллекции Филлипса в Вашингтоне, округ Колумбия
Рождение Венеры — Сандро Боттичелли
Рождение Венеры — Сандро БоттичеллиРождение Венеры — это картина, созданная Алессандро ди Мариано ди Ванни Филипепи, известным как Сандро Боттичелли около 1480-х гг. Эта картина считается первой нерелигиозной обнаженной натурой и самой известной картиной Сандро Боттичелли.
Просеиватели пшеницы — Гюстав Курбе
Просеиватели пшеницы — Гюстав КурбеПросеиватели пшеницы — картина, написанная Гюставом Курбе в 1854 году. Деревенские девушки — еще одна картина с похожей темой и сценой. Эту картину можно увидеть в Музее изящных искусств в Нанте в Нанте.
«Железная дорога» — Эдуард Мане.
«Железная дорога» — Эдуард Мане«Железная дорога» — картина, написанная Эдуардом Мане в 1873 году. Викторина Мерент была первой моделью Эдуарда Мане, и эта картина была ее последним изображением Мане.«Олимпия» и «Завтрак на траве» были предыдущими работами Викторины Мерент.
Джиневра де Бенчи — Леонардо да Винчи
Джиневра де Бенчи — Леонардо да Винчи Джиневра де Бенчи — портретная картина, созданная Леонардо да Винчи между 1474 и 1478 годами.
В США картины Леонардо да Винчи редки и редки. эта картина — одна из картин, которые выставляются на всеобщее обозрение. Эту картину можно увидеть в Национальной галерее искусств в Вашингтоне, округ Колумбия.
Вакх и Ариадна работы Тициана
Вакх и Ариадна работы ТицианаКартина Вакха и Ариадны, созданная Тицианом между 1522 и 1523 годами.Эта картина широко известна как один из выдающихся шедевров Тициана. Эта картина рассказывает историю Ариадны и Крита, и эту картину можно увидеть в Национальной галерее в Лондоне.
Коронация Богородицы Фра Анджелико
Коронация Богородицы Фра АнджеликоКоронация Богородицы — это картина, созданная Фра Анджелико в 1432 году. Сюжет этой картины был одним из самых распространенных сюжетов с 14 по 18 века. Эту картину можно увидеть в галерее Уффици во Флоренции.
Поскольку мы живем в счастливое время истории, когда женщины теперь могут свободно участвовать и становиться творцами искусства, мы должны и дальше ценить и отмечать их постоянный вклад, оказывая большую поддержку и постоянно ища следующую великую женщину-художницу.
Коллеги-читатели (любимые картины читающих женщин)
Продолжение сообщения Листопия: Любимое искусство чтения женщин .
Дождь, который идет каждый день
Леонард Кэмпбелл Тейлор (Великобритания, 1874-1969)
Читатель сделал паузу, чтобы посмотреть на «дождь, который идет каждый день».Мне нравится неподвижность картины и свет.
Женщина читает (1910)
Жан Эдуар Вюйар (Франция, 1868-1940)
Я поклонник Вюйара в целом и его читающих женщин в частности. Сегодня это мой любимый.
Девушка в сером (1939)
Луи ле Брокки (Ирландия, 1916-2012)
Она думает о книге или ее отвлекла какая-то другая мысль? Отличный цветовой контраст между серым и красным.
Леопольдин в живом д’ере (1835)
Огюст де Шатийон (Франция, 1813–1881)
Леопольдина в роли Леопольдина Гюго, дочери Виктора Гюго.
Голубая девочка читает
Огюст Макке (Германия, 1887-1914)
Когда я учился в художественной школе, я был неравнодушен к экспрессионистам и фовистам. Ее лицо кажется более четким и детализированным, чем остальная часть картины.
Вечер дома
Эдвард Джон Пойнтер (Великобритания, 1836-1919)
Она такая удобная (если не считать корсета…), такая уютная.Любите такие детали, как марокканский стол, тень тюльпанов на стене, странную маленькую подвесную вазочку.
Чтение в саду
Сьюзан Рикер Нокс (США, 1874 — 1959)
Великолепные цвета, обратите внимание, как зеленый отражается на ее белом платье.
Чтение
Ада Тилен (Финляндия, 1852-1933)
Она выглядит очень серьезной, а ее черная и прямая спина так контрастирует с мягким фоном.
Библиотека (1905)
Элизабет Шиппен Грин (США, 1935-45)
Это часть коллекции под названием « Хозяйка дома» , опубликованной в ежемесячном журнале Harper’s. Он сопровождает другие идеализированных образов из жизни женщины начала 1900-х годов. Ее библиотека действительно выглядит красиво, с маленьким окошком и разнообразными безделушками.
Бриджит Ридинг (1959)
Питер Самуэльсон (Великобритания, 1912–1996)
У меня такое чувство, что она знает, что играет более тайтово, чем полагается.Это улыбка, которую я вижу на ее губах?
Барышня Ридинг (1878)
Мэри Кассат (1844-1926)
Хорошая вариация на тему «Вечер дома», но эта молодая женщина выглядит еще удобнее (потому что она француженка, а другая англичанка?). Кассат любила рисовать читающих женщин.
Студент искусствоведения (1972)
Иван Степанович Иванов-Сакачев (Россия, 1926-1980)
Есть одна деталь, которая меня заинтриговала на этой картине: ее передник.
Была ли она занята домашним заданием? Она горничная, которую отвлекает книжка по искусству, а название звучит иронично? В любом случае, это здорово.
Женщина читает (1970)
Уил Барнет (США, 1911-)
Это был близкий разговор между этим, этим и этим. Мне нравятся простые линии и яркие цвета во всех работах Барнета.
Новый роман (1877)
Уинслоу Гомер (США, 1821–1896)
Один из моих любимых из 50.
?
?
Уважаемые читатели, помогите мне узнать, как зовут и как зовут автора. Ваш взгляд также направлен прямо на непокрытую кожу на ее спине? Обратите внимание, как нежно смотрится черное кружево на ее рукаве.
Девушка читает почту (1941)
Норман Роквелл (США, 1894-1978)
Роквелл — единственный артист, удостоенный чести дважды фигурировать в этом списке
Это наш уголок (1872)
Сэр Лоуренс Альма-Тадема (Нидерланды / Великобритания 1836-1912)
Она защищает свою территорию!
Согни (Мечты) (1896)
Витторио Маттео Коркос (Италия, 1859-1933)
Цвета, ее поза, платье, ярко-желтый цвет книг (что делает их центральными)… это великолепная картина.И она выглядит такой свирепой!
Путешественники (1862)
Август Леопольд Яйцо (Великобритания, (1816-1863)
Я единственная, кто думает о сестрах Бронте? Что интересно в этой картине, так это то, что в Интернете есть ее изображения в совершенно другой цветовой палитре.
Читатель (1888)
Джордж Крегерт (Бельгия, 1848-1923)
Японизм, должно быть, был на пике именно здесь.Приятно заметить, как много картин в этом списке включают книги, разбросанные повсюду…
Девушка читает (1915)
Коулс Филлипс (США, 1880-1927)
Иллюстрация к обложке Good Housekeeping Magazine .
« В первые два десятилетия 1900-х годов произошли драматические изменения в том, как художники изображали американских женщин в журналах и других средствах массовой информации. Вместо чопорной, собственно, и идеализированной «Gibson девушка» светская 1890-х годов, общественность угощали излияния более современных, активных и спортивных изображений женщин.Главным среди первых архитекторов этого «золотого века американской иллюстрации» был Коулс Филлипс [1880-1927], популяризатор «исчезающего» стиля… — Норм Платник
Читатель Gotthelf (1884)
Альберт Анкер (Швейцария, 1831-1910)
Я вижу ее служанкой, которая крадет несколько минут чтения романа перед сном. А ты?
Женщина читает в саду
Анри Лебаск (Франция, 1865–1937)
Еще один фаворит.Вы можете почувствовать солнце и тепло.
В плену (1875)
Адольф Александр Лезрель (Франция, 1839-1929)
Да, я тоже очарована, особенно тем платьем и сумкой, которыми я бы ооочень сегодня воспользовалась.
Женщина, лежащая на скамейке со своей собакой
Карл Ларссон (Швеция, 1853–1919)
Ларссон — один из художников, которых больше всего фигурирует в моей оригинальной доске Pinterest. Он любит рисовать домашние сцены в целом и женщин, читающих в частности.Его стиль прямо в моем переулке.
Читает Ник Кейв (2004)
Дэвид Андерл (США)
Мне нравится, насколько это поразительно.
Служанка читает в библиотеке
Эдуард Джон Мента (Швейцария 1858-1914)
Еще один большой фаворит. Если бы я была горничной, убирающей эту библиотеку, меня, вероятно, тоже отвлекли бы…
Джульетта, дочь Ричарда Х. Фокса из Суррея (1931)
Альфред Ламбарт (Великобритания, 1901-1970)
Она мне нравится, она кокетливая и уверенная в себе.
Отличный цвет, отличный свет, отличная обувь.
Любовное письмо
Боб Байерли (США, 1941-)
Бедная старшая сестра … эти двое устроили бунт за свой счет. Они самые милые в моем списке.
Дама в интерьере
Карл Вильхельм Холсо (Дания, 1863-1935)
После ярких картин прекрасная приглушенная. Любите солнечный свет в углу и то, как читатель органично вписывается в комнату.
Женщина читает у гавани
Джеймс Тиссо (1836-1902)
Еще один большой фаворит.Думаю, я мог бы часами читать именно в этом месте.
?
Мэри-Джейн Анселл (Великобритания, 1972-)
Очень… Рассказ служанки, не так ли?
Леди Ридинг
Шарль Жозеф Фредерик Сулакруа (Франция, 1825-79)
Еще один прекрасный пример из категории «красивый интерьер с красивыми женщинами в красивых платьях».
Чтение у берега (ок. 1883-85)
Чарльз Спрэг Пирс (США, 1851-1914)
Мне показалось интересным, что, хотя день явно солнечный, Пирс решил придать ему ледяную цветовую палитру.
?
Карин Бранковиц (Франция)
Brancowitz работает исключительно с ручками BIC. Хотел бы я вот так рисовать.
Уборщицы в театре (1946)
Норман Роквелл (США, 1894-1978)
Второй Роквелл из коллекции. Современный взгляд на горничную, отвлекающуюся от работы.
Щенок в мягкой обложке
Молли Пул (США)
Конкуренция с The Love Letter за самую симпатичную вещь здесь
🙂 Бетти Макканн (1927)
Джордж Спенсер Уотсон (Великобритания, 1869-1934)
Она красивая.
Гаремден (1888)
Осман Хамди Бей (Турция, 1842-1910)
Это очень прерафаэлитское чувство.