Портреты боровиковского фото: Галерея картин известного русского художника

Галерея картин известного русского художника

Боровиковский Владимир 1825г

Боровиковский Владимир Лукич — [24.7(4.8).1757, Миргород, — 6(18).4.1825, Петербург], русский и украинский художник-портретист. До 1788 жил в Миргороде, учился у отца и дяди — иконописцев, исполнял иконы и портреты, во многом ещё близкие традициям украинского искусства допетровского времени. С конца 1788 — в Петербурге, где пользовался вначале советами Д. Г. Левицкого, а с 1792 занимался у И. Б. Лампи. На мировоззрение и эстетические взгляды Б. оказала также влияние близость с В. В. Капнистом, Г. Р. Державиным и особенно Н. А. Львовым. В начале 1790-х гг. наряду с композициями на религиозные сюжеты стал писать миниатюры (портрет В. В. Капниста, Русский музей, Ленинград) и главным образом близкие к ним по характеру исполнения интимные портреты («Лизынька и Дашинька», 1794, «Торжковская крестьянка Христиния», около 1795, — оба в Третьяковской галерее).
За портреты в 1795 получил звание академика, а в 1802 — советника петербургской АХ. Со 2-й половины 1790-х гг. в портретах Б. находят яркое выражение черты сентиментализма. Б. разрабатывает в противовес официальному сословному портрету тип изображения «частного» человека с его простыми, естественными чувствами, проявляющимися наиболее полно вдали от «света», на лоне природы. Нежный, блёклый колорит, лёгкое, прозрачное письмо, плавные, мелодичные ритмы создают лирическую атмосферу мечтательной элегичности. Образы Б., особенно в женских портретах, при всём различии свежо и живо схваченного индивидуального облика модели, отмечены общностью идиллического настроения. Б. пишет своих персонажей (портреты М. И. Лопухиной, 1797, Третьяковская галерея, В. И. Арсеньевой, 1795, Русский музей) в лёгком повороте, со склоненной головой, погруженными в нежную задумчивость на фоне окутанного дымкой паркового пейзажа. Русскую императрицу («Екатерина II на прогулке в Царскосельском парке», 1794, Третьяковская галерея; вариант начала 19 в. — Русский музей) Б. изобразил идущей по аллее, в салопе и с левреткой. С начала 19 в. в работах Б. (особенно в парадных портретах А. Б. Куракина, 1801-02, Третьяковская галерея, Павла I, 1800, Русский музей) характеристика становится всё более прозаической, а живописная манера (под влиянием классицизма) — энергичной и чёткой [портрет неизвестной в тюрбане (вероятно, писательница А. Л. Ж. де Сталь), 1812, Третьяковская галерея].

Материал из Википедии — свободной энциклопедии:
Сравнительно поздно, в конце 1790-х годов, Боровиковский приобретает славу известного портретиста. В его творчестве преобладает камерный портрет. В женских образах В. Л. Боровиковский воплощает идеал красоты своей эпохи. На двойном портрете «Лизонька и Дашенька» (1794) портретист с любовью и трепетным вниманием запечатлел горничных семьи Львовых: мягкие локоны волос, белизна лиц, лёгкий румянец. Художник тонко передаёт внутренний мир изображаемых им людей. В камерном сентиментальном портрете, имеющем определённую ограниченность эмоционального выражения, мастер способен передать многообразие сокровенных чувств и переживаний изображаемых моделей.

Примером тому может послужить выполненный в 1799 году «Портрет Е. А. Нарышкиной». Боровиковский стремится к утверждению самоценности и нравственной чистоты человека (портрет Е. Н. Арсеньевой, 1796). В 1795 году В. Л. Боровиковский пишет «Портрет торжковской крестьянки Христиньи», отзвуки этой работы мы найдём в творчестве ученика мастера — А. Г. Венецианова. В 1810-е Боровиковского привлекают сильные, энергичные личности, он акцентирует внимание на гражданственности, благородстве, достоинстве портретируемых. Облик его моделей делается сдержаннее, пейзажный фон сменяется изображением интерьера (портреты А. А. Долгорукова, 1811, М. И. Долгорукой, 1811, и др.). В. Л. Боровиковский — автор ряда парадных портретов. Наиболее известными из них являются «Портрет Павла I в белом далматике», «Портрет князя А. Б. Куракина, вице-канцлера» (1801—1802). Парадные портреты Боровиковского наиболее ярко демонстрируют совершенное владение художником кистью в передаче фактуры материала: мягкость бархата, блеск золочёных и атласных одеяний, сияние драгоценных камней. Боровиковский также является признанным мастером портретной миниатюры. В коллекции Русского музея хранятся работы, принадлежащие его кисти, — портреты А. А. Менеласа, В. В. Капниста, Н. И. Львовой и другие. В качестве основы для своих миниатюр художник часто использовал жесть. Творчество В. Л. Боровиковского являет собой слияние развивавшихся в одно и то же время стилей классицизма и сентиментализма. В свои последние годы Боровиковский вернулся к религиозной живописи, в частности написал несколько икон для строящегося Казанского собора, иконостас церкви Смоленского кладбища в Петербурге. Давал уроки живописи начинающему тогда художнику Алексею Венецианову.

Боровиковский Владимир Лукич, биография и картины

   Родился будущий художник в 1757 году на Полтавщине, в казачьей, но очень творческой семье — отец и оба брата расписывали иконы в храмах, чем впоследствии и занялся Владимир, отслужив в 1774 году в Миргородском казачьем полку.

   Знаком судьбы можно назвать заказ, полученный Боровиковским в 1787 году, на роспись интерьера в доме известного русского поэта и драматурга Капниста Василия Васильевича. Заказ поступил в связи с предстоящим приездом Екатерины II, путешествующей в Крым. Художник выполнил два панно, с изображениями императрицы и Петра I, на аллегорические темы. Обе картины так приглянулись Екатерине, что она посоветовала ему переехать в Санкт-Петербург и поступить учиться.

   Не упустив такую возможность, уже в 1788 году Боровиковский уезжает в столицу. Ограничения по возрасту (ему исполнилось к тому времени 31 год), не позволили ему поступить в Императорскую Академию художеств.

   Но он, живя в доме архитектора, графика и поэта Н. А. Львова, знакомится с яркими представителями эпохи русского Просвещения того времени: с поэтом и государственным деятелем Г. Р. Державиным, с академиком Академии художеств Д. Г. Левицким, берет уроки живописи у австрийского графика и живописца при дворе Екатерины — Лампи Иоганна Баптиста.

   Уже к середине 1790-х годов — Боровиковский один из популярных и востребованных портретистов.

   Не обучаясь в самой Академии, Владимир получает в 1794 году звание «назначенного» в академики.

В этом же году, он пишет портрет Екатерины II, вызывающий интерес своим необычным видением императрицы.

   В 1795 году, за портрет Великого князя, российского цесаревича Константина Павловича, он удостаивается звания академика живописи.

   В 1798 году, уехавший в Австрию Лампи, оставил Боровиковскому свою мастерскую, в которой художник и прожил всю оставшуюся жизнь.

   Наступает расцвет его творчества. Знамениты портреты государственных и влиятельных людей: Г. А. Державина, дипломата А. Б. Куракина, министра Д. П. Трощинского, митрополита М. Десницкого, иранского принца Муртаза-Кули-хана и многих других.

   У Боровицкого отточенная и в тоже время легкая техника письма, создающая ощущение, что автору не составляет никакого труда творить свои шедевры. Возможно, он слегка приукрашивает образ по сравнению с оригиналом, но делает это изящно и тонко. И все больше заказов от желающих, чтобы портрет был написан именно Боровиковским.

   А его великолепная серия из женских портретов просто восхищает своим исполнением.

Именно в этот период сентиментализм в работах Владимира Лукича находит самое блестящее воплощение. Выражается он в воздушном, почти невесомом письме, лирическими тонами на фоне природы, общим ощущением нежности и естественности.

   Конечно, в первую очередь, это блистательный портрет М. И. Лопухиной. Также известны портреты милых Лизоньки и Дашеньки, нежной и простой О. К. Филипповой, необычной красавицы Е. А. Нарышкиной, живой и юной В. А. Шидловской, торжковской крестьянки Христиньи и множество других.

   Все они примерно одного композиционного решения, но в каждой работе неуловимыми штрихами автор подчеркивает характер, индивидуальность, душевность и чувствительность каждой героини.

   В начале 1800-х годов, благодаря знакомству с Д. Г. Левицким, философом и писателем А. Ф. Лабзиным, Владимир Лукич принимает решение войти в масонскую ложу, затем, выйдя из нее, в 1819 году увлекся мистикой. Но так и не нашел для себя отдушины в этой области, стал более замкнутым, сторонящимся общения.

   Художник чувствовал, что его время уходит в прошлое, пришли новые времена, новые люди с другими вкусами и предпочтениями в искусстве, пришло время новых молодых талантов.

   Последние годы жизни он уже не пишет портреты, а занимается педагогической деятельностью. Так, начинающий художник Алексей Гаврилович Венецианов, брал у него уроки живописи.

   Боровиковский не оставляет религиозную тему, расписывает стены, пишет иконы для Казанского кафедрального собора.

   Его «Благовещенье», «Богоматерь в окружении ангелов», «Распятие», «Великомученица Екатерина» и другие иконы и росписи напоминают, что Боровиковский не только светский живописец-портретист, но и глубоко верующий человек, у которого религиозная тематика неотделима и проходит по всей его жизни.

   Символично, что последней работой живописца был иконостас для Смоленского православного кладбища в Санкт-Петербурге, на котором в апреле 1825 года и был похоронен Боровиковский.

   Семейная жизнь у Владимира Лукича не сложилась, у него так и не было ни жены, ни детей. По завещанию, имущество свое он велел раздать всем, кто нуждается.

   Потомками Боровиковский не забыт, его работы и в наше время привлекают внимание свой чистотой, искренностью, сентиментальностью — качествами, которых порой не хватает в современном мире.

Боровиковский Картины биография Borovikovsky Vladimir

Боровиковский Владимир Лукич – русский художник исторической, церковной и портретной живописи. Родился в 1758 году в Миргороде. Сын дворянина, он в молодых летах состоял в военной службе, которую оставил в чине поручика и затем поселился в Миргороде, где и занимался живописью; неизвестно, кто был его первым наставником в этом искусстве.

Императрица Екатерина II в Царскосельском парке, 1794, ГТГ

Портрет Дарьи Александровны Державиной, 1813, ГТГ

Портрет князя Александра Борисовича Куракина, 1802, ГТГ

Портрет графини Марии Ивановны Лопухиной, 1797, ГТГ

Портрет Елены Александровны Нарышкиной, 1799, ГТГ

Князь Григорий Семенович Волконский, 1806, Тульский музей

В путешествии императрицы Екатерины II на юг России, предпринятом ею в 1787 году, путь ее лежал через город Миргород Полтавской губернии, где предполагалось сделать остановку. Миргородское дворянство заказало по этому случаю молодому Боровиковскому несколько картин, которые и были развешаны в комнатах дома, назначенного для приема государыни.

В числе этих картин две обратили на себя особенное внимание императрицы: одна из них аллегорически изображала Екатерину II, объясняющую свой Наказ греческим мудрецам, другая – Петра I как пахаря и Екатерину II как сеятельницу. Императрица пожелала видеть автора картин, говорила с ним и советовала ему ехать в Петербург, в Академию художеств, где в то время славился нежностью кисти австрийский художник-портретист Лампи.

Портрет генерал-майора Федора Артемьевича Боровского, 1799, ГРМ

Портрет графини Анны Ивановны Безбородко с дочерьми, 1803, ГРМ

Портрет Екатерины Александровны Архаровой, 1820, ГТГ

Портрет княгини Елизаветы Григорьевны Темкиной, 1798, ГТГ

Портрет русского поэта Гавриила Державина, 1795, ГТГ

Портрет писательницы Анны Луизы Жермены де Сталь, 1812, ГТГ

Владимир Лукич Боровиковский стал учиться у австрийского живописца Иоганна Батиста Лампи Старшего, пользовался также советами Дмитрия Григорьевича Левицкого, портретного художника весьма большого таланта. Через несколько лет сам Боровиковский приобрел большую известность своими портретами; в 1795 году он получил степень академика, а в 1802 году звание советника академии.

Боровиковский написал множество великолепных портретов русских сановных и церковных деятелей, из которых весьма замечателен портрет императрицы Екатерины II, прогуливающейся в Царскосельском саду, воспроизведенный впоследствии в превосходной гравюре резцом Уткина; известны также его портреты Державина, митрополита Михаила, князя Куракина, князя Лопухина-Трощинского.

Женский портрет, 1805, Художественный музей, Самара

Лизынька и Дашинька, 1794, Третьяковская галерея

Портрет Мурзы Кули-Хана, 1796, Эрмитаж

Очень интересен большой портрет во весь рост Фет-Али Мурзы Кули-Хана, брата персидского шаха, писанный Боровиковским по заказу императрицы в бытность принца посланником в Петербурге. Этот портрет исполнен художником в двух вариантах: большой находится в картинной галерее Эрмитажа, другой портрет – в Академии художеств.

кто он такой, годы жизни, самые известные картины художника, периоды и суть творчества, автопортрет живописца. Вклад Владимира Боровиковского в развитие сентиментализма в изобразительном искусстве

Владимир Лукич Боровиковский (Vladimir Lukich Borovikovsky; 4 августа 1757 г. — 18 апреля 1825 г.) был знаменитый русский живописец XVIII-XIX веков, автор искусных портретов. Картины Владимира Боровиковского привлекают внимание своей сентиментальностью, отображая чувственные эмоции героев. Творчество художника не окутано ореолом таинственности, но в его работах есть что-то загадочное. Лица моделей выражают детскую невинность, мудрость прожитых лет или непостижимые черты характера, вызывая этим желание узнать о личности тех, кто послужил мэтру натурщиком.

Биография Владимира Боровиковского

Владимир Боровиковский появился на свет 24 июля (4 августа) 1757 году в украинском городе Миргороде в семье иконописца. Свои первые шаги в искусстве Владимир сделал благодаря отцу, который научил его расписывать иконы.

Владимир Боровиковский, как и его предки, был казаком. В 1774 году начал служить в Миргородском полку, при этом занятия живописью не бросил и всегда находил для них время. В начале 1780-х ушел в отставку, полностью посвятив себя искусству.

Художник тесно общался с Василием Капнистом — поэтом и общественным деятелем, который был близок к дворянству. Благодаря этому знакомству мастер получил крупный заказ: расписать дом, который планировала посетить Екатерина II по пути в Крым. Владимир Боровиковский создал два панно, где иронично изобразил императрицу и Петра I. Екатерине настолько понравились работы, что она посоветовала юноше переехать в Петербург, чтобы учиться в местной Академии художеств. В 1788 году он так и поступил, навсегда покинув родину.

Планам живописца не суждено было сбыться: на момент переезда ему был уже 31 год, и по этой причине в Академию его не приняли. Тогда Боровиковский начал брать частные уроки у портретистов Иоганна Баптиста Лампи (Johann Baptist von Lampi) и Дмитрия Левицкого. В 1798 году австриец Лампи вернулся в Вену, оставив Владимиру Боровиковскому мастерскую в Петербурге. Художник поселился в ней и прожил там остаток жизни.

Расцвет творчества мастера был ярким. В 1802 году его назначили советником Академии художеств. Придворные особы мечтали, чтобы живописец написал их портрет. В этом же году художник начинает оформлять Казанский собор в Петербурге. Работа продолжалась до 1811 года. Не все было гладко: набирали обороты придворные интриги. В итоге, Боровиковский за свой труд получил лишь перстень с бриллиантом.

Это стало поворотным моментом в жизни мастера. Публика перестала испытывать к нему интерес, Владимир Боровиковский отошел от двора и перестал писать портреты.

На время живописец нашел новое увлечение, поступив в мистический «Союз братства». Для руководителя сообщества Екатерины Татариновой он писал картины на религиозную тематику. Но вскоре его и это перестало вдохновлять. Душевный разлад, отсутствие поддержки близких (мэтр так и не завел семью) привели к проблемам с алкоголем.

Художник всегда легко тратил деньги: отправлял посылки родным в Миргород, раздавал милостыню беднякам. Поэтому накопить состояние ему не удалось, а все имущество он завещал нуждающимся.

Владимир Боровиковский покинул этот мир 6 (18) апреля 1825 года в Петербурге.

Самые известные картины Владимира Боровиковского

Картины Владимира Боровиковского разжигают любопытство. Всегда интересно, насколько искренни выражения лиц героев, какова их судьба:

• «Екатерина II на прогулке в Царскосельском парке» (1794) — императрица показана величественной и, в то же время, слегка «домашней». Государыня была не слишком впечатлена работой и не стала ее покупать.
• «Портрет Александры Павловны» (1796) — внучки Екатерины II. На картине изображена доброжелательная девушка с мягким выражением лица.
• «Портрет М. И. Лопухиной» (1797) — представительницы графского рода Толстых. Мария Ивановна показана на фоне природы, подчеркивающей ее сентиментальный образ.
• «Портрет Е. А. Нарышкиной» (1799) — Елена Александровна, фрейлина графского двора, была женой Аркадия, сына знаменитого полководца Александра Суворова.
• «Портрет князя Куракина» (1802) — выражение лица Александра Борисовича выдает в нем аристократа, любителя роскоши. Наряд и интерьер подчеркивают богатство героя.
• «Евангелист Матфей» (1804-1809) — шедевр иконописной живописи начала XIX века, проникнутый глубоким нравственным содержанием. Произведение находится на хранении в Государственном Русском музее в городе Санкт-Петербург.

Некоторые произведения портретиста можно приобрести на известных мировых аукционах антикварного искусства. На онлайн-площадке Very Important Lot представлены работы современных художников и живописцев прошлых эпох. Здесь же можно недорого купить картины, графику и скульптуры у авторов напрямую.

Владимир Лукич Боровиковский — гламурный портретист и истовый богоискатель

владимир боровиковский портретная живопись

4 августа 1757 года в Миргороде в семье получившего дворянство казачьего старшины Луки Боровика родился сын Владимир, которому в дальнейшем суждено было написать одну из славных страниц в истории отечественной портретной живописи…

Личное дело

Владимир Лукич Боровиковский (1757 — 1825) родился в Миргороде. Его семья принадлежала к кругу казачьих старшин, в XVIII веке ставших российскими дворянами. Отец, дядя и трое младших братьев Владимира были иконописцами. Первые уроки живописи дал ему отец. Хотя мальчик с детства имел большую склонность к живописи, он был отдан на военную службу и поступил в Миргородский казачий полк, где дослужился до чина поручика. Живописью же занимался на досуге.

Выйдя в отставку в середине 1780-х годов, Владимир Боровиковский поселился в отцовском доме и занялся исключительно искусством. Известно, что совместно с братьями он писал иконы для некоторых миргородских церквей.

Поворотным моментом в судьбе Владимира Боровиковского стал 1787 год, когда Екатерина II совершила поездку в Крым. По поручению Василия Капниста Боровиковский написал две аллегорических картины для украшения гостевого дома в Кременчуге, где останавливалась императрица. На одной картине Екатерина в облике Минервы разъясняла семи великим мудрецам Древней Греции свой знаменитый «Наказ».

На второй был изображен Петр I, пашущий землю, а вслед за ним Екатерина II, сеющая семена. Великие князья Александр и Константин в облике двух гениев боронили пашню. Картины императрице понравились, и она посоветовала автору отправиться в Петербург, чтобы совершенствоваться в живописном искусстве.

Боровиковский не мог поступить в столичную Академию художеств из-за возраста  — ему тогда было уже 30 лет. Он стал учиться у Дмитрия Левицкого, а с 1792 года также и у приехавшего в Россию австрийского живописца Иоганна Лампи-старшего. Хотя после переезда он проявлял наибольший интерес к светской портретной живописи, Боровиковский не переставал писать и иконы. В первые годы жизни в столице он создал  иконы для соборов в Торжке и Могилеве.

Спустя всего несколько лет он уже стал прославленным портретистом, получал заказы от императорской семьи и других аристократов. В 1795 году Владмир Боровиковский за портрет великого князя Константина получил звание академика живописи. В 1803 году стал советником Академии художеств. Последней работой Владимира Боровиковского стал иконостас придела Михаила Архангела в церкви на Смоленском кладбище в Петербурге.

Умер Владимир Боровиковский в Петербурге 6 (18) апреля 1825 года.

Чем знаменит

 Владимир Боровиковский прославился работами в жанре портрета, в котором сумел совместить каноны классицизма с мотивами только появлявшегося русского сентиментализма. В наиболее значимых его портретах герои изображены не в парадном костюме, а в домашней одежде, не в дворцовом интерьере, а на фоне природного пейзажа. Художник стремится передать гармоничное слияние человека с природой и привлечь внимание зрителя к внутреннему миру своих героев.

Однако на многих портретах кисти Боровиковского он отображает в первую очередь «общие свойства мечтательно-облагороженной натуры, благодаря чему персонажи, особенно женские, кажутся связанными фамильным родством».

Одна из самых знаменитых картин Владимира Боровиковского — «Портрет Марии Лопухиной» (1797, Третьяковская галерея). Изображенная на нем Мария Лопухина, урожденная Толстая, была женой егермейстера Степана Лопухина и сестрой знаменитого дуэлянта и картежника Федора Толстого-Американца.

На картине Марии 18 лет. Портрет писался вскоре после того, как она вышла замуж. Спустя шесть лет Лопухина умерла от чахотки. Портрет хранился у его племянницы Прасковьи Федоровны, у которой в конце 1880-х его приобрел Павел Третьяков.

О чем надо знать

Отличавшийся глубокой религиозностью Владимир Боровиковский в 1819 году становится участником мистического кружка Екатерины Татариновой, собрания которого проходили в Михайловском дворце. Он оставался членом этой религиозной общины до конца жизни. На собраниях татариновского кружка пелись духовные стихи, говорились импровизированные молитвы, и в экстазе произносились прорицания и предсказания.

В своих записках художник вспоминает, как он «плакал в собрании, когда чувствовал себя свободно и легко». Зал, где проходили моления, был украшен произведениями Боровиковского. В частности там была картина «Собор», где изображено одно из собраний кружка с портретами Татариновой и самого художника, стоящего на коленях. В год смерти Боровиковского Николай I запретил тайные общества, а в Михайловском дворце было решено организовать инженерное училище.

Тогда кружок Татариновой переехал за Московскую заставу, где собирался еще 12 лет. В кружке хранились написанные Боровиковским иконы. В 1837 году Татаринова и ряд других членов кружка были арестованы и кружок прекратил свое существование.

Прямая речь

Она давно прошла, и нет уже тех глаз

И той улыбки нет, что молча выражали

Страданье — тень любви, и мысли — тень печали.

Но красоту ее Боровиковский спас.

Так часть души ее от нас не улетела,

И будет этот взгляд и эта прелесть тела

К ней равнодушное потомство привлекать.

Уча его любить, страдать, прощать, молчать.

(Яков Полонский)

* * *

«Весьма сомнительно, чтоб портреты Боровиковского были очень похожи: они все слишком похожи между собой, чтобы походить на тех, кого они должны изображать. Все эти господа, дамы, девицы, дети имеют что-то общее, фамильное: те же мешковатые глаза, острый взор, у всех — и даже у самых очаровательных красавиц — слегка одутловатое лицо, болезненная бледность кожи с голубыми тенями, точно они не спали несколько ночей, у всех — тот же мясистый рот и тяжелая нижняя челюсть, то же полутомное, полухитрое выражение, почти тот же костюм. Лишь изредка Боровиковский отказывался от этих шаблонов, им самим выработанных, и более внимательно вглядывался в натуру. Тогда ему удавалось создавать вещи, которые положительно должны быть отнесены к лучшим вообще в истории искусства портретам. Таков изумительный портрет неизвестной придворной дамы в собрании Цветкова, довольно перезрелой особы в прическе a l’antique, в платье александровского времени, из серебряного глазета, с чрезвычайно оголенным великолепием груди и красивых еще рук; восточное смуглое лицо ее дышит страстью, и она с каким-то важным и смелым вызовом, полуулыбаясь, устремила свой взор в сторону.

Таков еще портрет (в Румянцевском музее) тоже какого-то полувосточного господина в зеленом мундире, у которого такая коварная улыбка в хитрых, темных и глубоких глазах и на толстых губах. Трудно также найти что-либо трогательнее той очаровательной бледненькой и болезненной девочки (в том же музее), которая своими тоненькими ручками обхватила как будто в испуге, с чем-то страдальческим во взоре свою жирную и гордую мамашу. Такие исключения, правда, редки, но зато у Боровиковского, в сущности, нет ни одного плохого в чисто живописном смысле портрета (за исключением самых поздних). Его рутина была чудная рутина, и любое его произведение способно доставлять громадное наслаждение прелестной, им изобретенной гаммой серо-зеленых, белых, тускло-желтых красок, среди которых он с таким неподражаемым вкусом умел положить грязно-желтый тон турецкой шали или нежно-голубой шелкового пояса. Лучше всякого англичанина разрешал он самые замысловатые, самые невозможные задачи сопоставления красок. Шутя выпутывался он из такой красочной какофонии, какою, вероятно, являлись в натуре красный мундир и через него голубая лента (на портрете графа Васильева): для этого ему достаточно было подчеркнуть серебряный блеск орденов, отвлекающий глаз от монотонного красного сукна, в фоне дать дополнительные зеленые — и как раз в нужных оттенках — цвета, чтобы убийственная для всякого другого тема дала ему случай сделать превосходную, именно по краскам, вещь. Самая живопись Боровиковского, его кисть, его система накладывать краски, если и не обладали той неуловимой тонкостью и эмалеватостью, которыми в лучший свой период отличался Левицкий, все же были сами по себе великолепны; где нужно, он втирал краску,- и там невозможно уловить его работу, местами щеголял размашистым и гибким письмом, а то сдерживал себя, со вниманием оттенял нежные отливы материи, с фокуснической ловкостью отчеканивал (например, в звездах, бриллиантах) каждый мазок».

Из книги Александра Бенуа «История русской живописи»

 * * *

«Боровиковский, при всем высоком достоинстве портретных своих работ, отдавал им так много труда лишь в силу условий и требований времени. Сам он постоянно вырывается из этой исключительной сферы, пишет религиозные картины, «аллегории», копирует, или берет моделями портретов не заказчиков, а лиц, интересующих его лично, в силу тех или других данных. Чем сложнее, интереснее, самобытнее, «духовнее» изображаемый тип, тем он чувствует себя более в своей сфере, тем выше подымается его творчество. Поэтому, почти все мужские портреты его выше женских, так как ему редко попадались женские модели со сколько-нибудь содержательным внутренним складом. Он слишком серьезен, не любит пустоты, и хотя пишет все превосходно, но его утомляла бы возня с изображением материй и кружев, чем так упивается колорист Левицкий. Главную свою силу он сосредоточивает всегда на лице, хотя ничего не рисует небрежно. Портреты его не рабские копии лица в момент сеанса, а преобладающее, коренное и самое характерное его представление, оживленное отблеском внутренней жизни. Оставаясь безусловно правдивым, он сохраняет это существенное в лице и заставляет чувствовать его и нас».

Василий Горленко.

 8 фактов о Владимире Боровиковском

• Отец Владимира Боровиковского в документах упоминается под именами Лука и Лукьян и под фамилиями Боровик и Боровиковский.
• Помимо иконописи отец обучил Владимира Боровиковского играть на гуслях.
• Знаменитый портрет «Екатерина II на прогулке в Царскосельском парке» Боровиковский написал дважды. На картине 1794 года императрица изображена на фоне Чесменской колонны, а на картине, написанной в 1800-х годах, — на фоне Кагульского (Румянцевского) обелиска. Первая картина хранится в Третьяковской галерее, вторая — в Русском музее.
• Когда Боровиковский работал над этим портретом, ему позировала не сама Екатерина, а ее камер-юнгфрау Мария Перекусихина в платье императрицы.
• Получая порой значительные гонорары за портреты, художник большую часть денег раздавал нуждающимся.
• Портрет женщины в тюрбане работы Боровиковского (1812), хранящийся в Третьяковской галерее, считается портретом Жермены де Сталь, но документальных подтверждений этому нет.
• В последние годы жизни Боровиковский обучал живописи пятерых учеников, которых поселил в своем доме. Самым известным художником из них стал Алексей Венецианов.
• Владимир Боровиковский был похоронен на Смоленском кладбище, недалеко от церкви, которую расписывал в последний год жизни. В 1931 году его прах был перенесен на кладбище Александро-Невской лавры.

Боровиковский, Владимир Лукич — это… Что такое Боровиковский, Владимир Лукич?

Влади́мир Луки́ч Боровико́вский (1757—1825) — российский художник, украинец по происхождению, мастер портрета.

Биография

Владимир Боровиковский родился 24 июля (4 августа по новому стилю) 1757 года на Украине в Миргороде в семье казака Луки Ивановича Боровиковского (1720—1775). Отец, дядя и братья будущего художника были иконописцами. В молодости В. Л. Боровиковский учился иконописи под руководством отца.

С 1774 года служил в Миргородском казачьем полку, одновременно занимаясь живописью. В первой половине 1780-х годов Боровиковский в чине поручика выходит в отставку и посвящает себя занятиям живописью. Пишет образа для местных храмов.

В 1770-х годах Боровиковский близко познакомился с В. В. Капнистом и выполнял его поручения по росписи интерьера дома в Кременчуге, предназначавшегося для приёма императрицы. Екатерина II отметила работу художника и повелела ему переехать в Петербург.

В 1788 году Боровиковский поселяется в Петербурге. В столице первое время жил в доме Н. А. Львова и познакомился с его друзьями — Г. Р. Державиным, И. И. Хемницером, Е. И. Фоминым, а также Д. Г. Левицким, который стал его учителем.

В 1795 году В. Л. Боровиковский удостоен звания академика живописи.

Боровиковский умер 6 (18) апреля 1825 года в Петербурге, погребён в Александро-Невской лавре. Своё имущество он завещал раздать нуждающимся.

Творчество

Церковь Смоленской иконы Божьей Матери на Смоленском кладбище, Санкт-Петербург. Здесь похоронен В. Боровиковский.

Сравнительно поздно, в конце 1790-х годов, Боровиковский приобретает славу известного портретиста.

В его творчестве преобладает камерный портрет. В женских образах В. Л. Боровиковский воплощает идеал красоты своей эпохи. На двойном портрете «Лизонька и Дашенька» (1794) портретист с любовью и трепетным вниманием запечатлел горничных семьи Львовых: мягкие локоны волос, белизна лиц, лёгкий румянец.

Художник тонко передаёт внутренний мир изображаемых им людей. В камерном сентиментальном портрете, имеющем определённую ограниченность эмоционального выражения, мастер способен передать многообразие сокровенных чувств и переживаний изображаемых моделей. Примером тому может послужить выполненный в 1799 году «Портрет Е. А. Нарышкиной».

Боровиковский стремится к утверждению самоценности и нравственной чистоты человека (портрет Е. Н. Арсеньевой, 1796). В 1795 году В. Л. Боровиковский пишет «Портрет торжковской крестьянки Христиньи», отзвуки этой работы мы найдём в творчестве ученика мастера — А.  Г. Венецианова.

В 1810-е Боровиковского привлекают сильные, энергичные личности, он акцентирует внимание на гражданственности, благородстве, достоинстве портретируемых. Облик его моделей делается сдержаннее, пейзажный фон сменяется изображением интерьера (портреты А. А. Долгорукова, 1811, М. И. Долгорукой, 1811, и др.).

В. Л. Боровиковский — автор ряда парадных портретов. Наиболее известными из них являются «Портрет Павла I в белом далматике», «Портрет князя А. Б. Куракина, вице-канцлера» (1801—1802). Парадные портреты Боровиковского наиболее ярко демонстрируют совершенное владение художником кистью в передаче фактуры материала: мягкость бархата, блеск золочёных и атласных одеяний, сияние драгоценных камней.

Боровиковский также является признанным мастером портретной миниатюры. В коллекции Русского музея хранятся работы, принадлежащие его кисти, — портреты А. А. Менеласа, В. В. Капниста, Н. И. Львовой и другие. В качестве основы для своих миниатюр художник часто использовал жесть.

Творчество В. Л. Боровиковского являет собой слияние развивавшихся в одно и то же время стилей классицизма и сентиментализма.

В свои последние годы Боровиковский вернулся к религиозной живописи, в частности написал несколько икон для строящегося Казанского собора, иконостас церкви Смоленского кладбища в Петербурге. Давал уроки живописи начинающему тогда художнику Алексею Венецианову.

Адреса в Санкт-Петербурге

• 1798—1820 — доходный дом — Миллионная улица, 12.

Произведения

Галерея

Литература

• Алексеева Т. В. Владимир Лукич Боровиковский и русская культура на рубеже XVIII—XIX веков. — М., 1975.
• «… Красоту ее Боровиковский спас»: Владимир Лукич Боровиковский. 1757—1825: К 250-летию со дня рождения художника. — М., 2008.
• Владимир Лукич Боровиковский. 1757—1825. Религиозная живопись. Авт.-сост. Е. Столбова, А. Максимова. — СПб., 2009. — (Альманах / Русский музей; вып. 232).

Ссылки

Сентиментализм — это.

.. Что такое Сентиментализм?

Сентиментали́зм (фр. sentimentalisme, от фр. sentiment – чувство) — умонастроение в западно-европейской и русской культуре и соответствующее литературное направление. Произведения, написанные в рамках данного художественного направления, делают упор на читательское восприятие, то есть на чувственность, возникающую при их прочтении. В Европе существовал с 20-х по 80-е годы XVIII века, в России — с конца XVIII до начала XIX века.

Доминантой «человеческой природы» сентиментализм объявил чувство, а не разум, что отличало его от классицизма. Не порывая с Просвещением, сентиментализм остался верен идеалу нормативной личности, однако условием её осуществления полагал не «разумное» переустройство мира, а высвобождение и совершенствование «естественных» чувств. Герой просветительской литературы в сентиментализме более индивидуализирован, его внутренний мир обогащается способностью сопереживать, чутко откликаться на происходящее вокруг. По происхождению (или по убеждениям) сентименталистский герой — демократ; богатый духовный мир простолюдина — одно из основных открытий и завоеваний сентиментализма.

Наиболее выдающиеся представители сентиментализма — Джеймс Томсон, Эдуард Юнг, Томас Грей, Лоренс Стерн (Англия), Жан Жак Руссо (Франция), Николай Карамзин (Россия).

Сентиментализм в английской литературе

Томас Грей

Родиной сентиментализма была Англия. В конце 20-х годов XVIII в. Джеймс Томсон своими поэмами «Зима» (1726), «Лето» (1727) и Весна,Осень., впоследствии соединёнными в одно целое и изданными (1730) под названием «Времена года», содействовал развитию в английской читающей публике любви к природе, рисуя простые, непритязательные сельские ландшафты, следя шаг за шагом за различными моментами жизни и работ земледельца и, видимо, стремясь поставить мирную, идиллическую деревенскую обстановку выше суетной и испорченной городской.

В 40-х годах того же столетия Томас Грей, автор элегии «Сельское кладбище» (одно из известнейших произведений кладбищенской поэзии), оды «К весне» и др. , подобно Томсону, старался заинтересовать читателей деревенскою жизнью и природою, пробудить в них сочувствие к простым, незаметным людям с их нуждами, горестями и верованиями, придавая вместе с тем своему творчеству задумчиво-меланхолический характер.

Другой характер носят знаменитые романы Ричардсона — «Памела» (1740), «Кларисса Гарло» (1748), «Сэр Чарльз Грандисон» (1754) — также являющиеся ярким и типичным продуктом английского сентиментализма. Ричардсон был совершенно нечувствителен к красотам природы и не любил её описывать, — но он выдвинул на первое место психологический анализ и заставил английскую, а затем и всю европейскую публику живо интересоваться судьбою героев и особенно героинь его романов.

Лоренс Стерн, автор «Тристрама Шенди» (1757—1766) и «Сентиментального путешествия» (1768; по имени этого произведения и самое направление было названо «сентиментальным») соединял чувствительность Ричардсона с любовью к природе и своеобразным юмором. «Сентиментальное путешествие» сам Стерн называл «мирным странствием сердца в поисках за природою и за всеми душевными влечениями, способными внушить нам больше любви к ближним и ко всему миру, чем мы обыкновенно чувствуем».

Сентиментализм во французской литературе

Жак-Анри Бернарден де Сен-Пьер

Перейдя на континент, английский сентиментализм нашёл во Франции уже несколько подготовленную почву. Совершенно независимо от английских представителей этого направления Аббат Прево («Манон Леско», «Клевеланд») и Мариво («Жизнь Марианны») приучили французскую публику восторгаться всем трогательным, чувствительным, несколько меланхолическим.

Под тем же влиянием создалась и «Юлия»или «Новая Элоиза» Руссо (1761), который всегда с уважением и сочувствием отзывался о Ричардсоне. Юлия многим напоминает Клариссу Гарло, Клара — её подругу, miss Howe. Морализирующий характер обоих произведений также сближает их между собою; но в романе Руссо играет видную роль природа, с замечательным искусством описываются берега Женевского озера — Вевэ, Кларан, роща Юлии. Пример Руссо не остался без подражания; его последователь, Бернарден де Сен-Пьер, в своём знаменитом произведении «Поль и Виржини» (1787) переносит место действия в Южную Африку, точно предвещая лучшие сочинения Шатобреана, делает своими героями прелестную чету влюбленных, живущих вдали от городской культуры, в тесном общении с природою, искренних, чувствительных и чистых душою.

Сентиментализм в русской литературе

В Россию сентиментализм проник в 1780-х–начале 1790-х благодаря переводам романов «Вертер» И.В.Гете, «Памела», «Кларисса» и «Грандисон» С.Ричардсона, «Новая Элоиза» Ж.-Ж. Руссо, «Поль и Виржини» Ж.-А.Бернардена де Сен-Пьера. Эру русского сентиментализма открыл Николай Михайлович Карамзин «Письмами русского путешественника» (1791–1792).

Его повесть «Бедная Лиза» (1792) – шедевр русской сентиментальной прозы; от гетевского Вертера он унаследовал общую атмосферу чувствительности, меланхолии и темы самоубийства.

Сочинения Н.М.Карамзина вызвали к жизни огромное число подражаний; в начале 19 в. появились «Бедная Лиза» А.Е.Измайлова (1801), «Путешествие в Полуденную Россию» (1802), «Генриетта, или Торжество обмана над слабостью или заблуждением» И.Свечинского (1802), многочисленные повести Г.П.Каменева («История бедной Марьи»; «Несчастная Маргарита»; «Прекрасная Татьяна») и пр.

Иван Иванович Дмитриев принадлежал к группе Карамзина, выступавшей за создание нового поэтического языка и боровшейся против архаического высокопарного слога и изживших себя жанров.

Сентиментализмом отмечено раннее творчество Василия Андреевича Жуковского. Публикация в 1802 перевода Элегии, написанной на сельском кладбище Э.Грея стала явлением в художественной жизни России, ибо он перевел поэму «на язык сентиментализма вообще, перевел жанр элегии, а не индивидуальное произведение английского поэта, имеющее свой особый индивидуальный стиль» (Е.Г.Эткинд). В 1809 Жуковский написал сентиментальную повесть «Марьина роща» в духе Н.М.Карамзина.

Русский сентиментализм к 1820 исчерпал себя.

Он был одним из этапов общеевропейского литературного развития, который завершал эпоху Просвещения и открывал путь к романтизму.

Основные черты литературы сентиментализма

Итак, приняв во внимание все вышеперечисленное, можно выделить несколько основных черт русской литературы сентиментализма: уход от прямолинейности классицизма, подчеркнутая субъективность подхода к миру, культ чувства, культ природы, культ врожденной нравственной чистоты, неиспорченности, утверждается богатый духовный мир представителей низших сословий. Внимание уделяется душевному миру человека, а на первом месте стоят чувства, а не великие идеи.

В живописи

Направление западного искусства второй половины XVIII., выражающее разочарование в “цивилизации”, основанной на идеалах “разума” (идеологии Просвещения). С. провозглашает чувство, уединенное размышление, простоту сельской жизни “маленького человека”. Идеологом С. считается Ж.Ж.Русо.

Одной из характерных особенностей русского портретного искусства этого периода была гражданственность. Герои портрета уже не живут в своем замкнутом обособленном мире. Сознание быть необходимым и полезным отечеству, вызванное патриотическим подъемом в эпоху отечественной войны 1812 года, расцвет гуманистической мысли, в основе которой лежало уважение к достоинству отдельного человека, ожидание близких социальных перемен пе-рестраивают мироощущение передового человека. К этому направлению примыкает представленный в зале портрет Н.А. Зубовой, внучки А.В. Суворова, скопированный неизвестным мастером с портрета И. Б. Лампи Старшего, изображающий молодую женщину в парке, вдали от условностей светской жизни. Она задумчиво с полуулыбкой смотрит на зрителя, в ней все — простота и естественность. Сентиментализм противопоставлен прямолинейному и излишне логическому рассуждению о природе человеческого чувства, эмоциональное восприятие, непосредственно и более надежно ведущее к постижению истины. Сентиментализм расширил представление о душевной жизни человека, приблизившись к пониманию ее противоречий, самого процесса человеческого переживания. На рубеже двух веков развивалось творчество Н.И. Аргунова, одаренного крепо-стного графов Шереметьевых. Одна из существенных тенденций в творчестве Аргунова, которая не прерывалась на протяжении XIX веков — стремление к конкретности выражения, непритязательности подхода к человеку. В зале представлен портрет Н.П. Шереметьева. Он был подарен самим графом Ростовскому Спасо-Яковлевскому монастырю, где на его средства возводился собор. Портрету свойст-венна реалистическая простота выражения, свободная от украшательства и идеали-зации. Художник избегает писать кисти рук, сосредотачивает внимание на лице мо-дели. Колорит портрета построен на выразительности отдельных пятен чистого цве-та, красочных плоскостей. В портретном искусстве этого времени складывается тип скромного камерного портрета, полностью освобождающегося от каких либо черт внешней обстановки, демонстративного поведения моделей (портрет П.А. Бабина, П.И. Мордвинова). Они не претендуют на глубокий психологизм. Мы имеем дело лишь с достаточно ясной фиксацией моделей, спокойного душевного состояния. Отдельную группу составляют представленные в зале детские портреты. В них подкупает простота и ясность трактовки образа. Если в XVIII веке чаще всего дети изображались с атрибутами мифологических героев в виде амуров, Аполлонов и Диан, то в XIX веке художники стремятся передать непосредственный образ ребенка, склад детского характера. Портреты представленные в зале, за редкими исключениями происходят из дво-рянских усадеб. Они входили в усадебные портретные галереи, основой которых были фамильные портреты. Собрание носило интимный преимущественно мемори-альный характер и отражало личные привязанности моделей и их отношение к предкам и современникам, память о которых старались сохранить для потомков. Изучение портретных галерей углубляет представление об эпохе, позволяет более рельефно ощутить ту конкретную обстановку, в которой жили произведения прошлого, и понять ряд особенностей их художественного языка. Портреты дают бо-гатейший материал для изучения истории отечественной культуры.

Особенно сильное влияние сентиментализма испытал В.Л. Боровиковский, изображавший многие свои модели на фоне английского парка, с мягким, чувственно-ранимым выражением на лице. Боровиковский был связан с английской традицией через кружок Н.А. Львова — А.Н. Оленина. Он хорошо знал типологию английского портрета, в частности, по работам модной в 1780 -е годы немецкой художницы А.Кауфман, получившей образование в Англии.

Некоторое влияние на русских живописцев оказали и английские пейзажисты, например, такие мастера идеализированного классицистического пейзажа, как Я. Ф. Хаккерт, Р.Уилсон, Т.Джонс, Дж.Форрестер, С.Дэлон. В пейзажах Ф.М. Матвеева прослеживается влияние «Водопадов» и «Видов Тиволи» Я. Мора.

В России также была популярна графика Дж. Флаксмана (иллюстрации к Гормеру, Эсхилу, Данте), оказавшая влияние на рисунки и гравюры Ф.Толстого, и мелкая пластика Веджвуда — в 1773 году императрица сделала британской мануфактуре фантастический по объему заказ на «Сервиз с зелёной лягушкой» из 952 предметов с видами Великобритании, хранящийся теперь в Эрмитаже.

В английском вкусе были исполнены миниатюры Г.И. Скородумова и А.Х. Ритта; на фарфоре воспроизводились исполненные Дж. Аткинсоном жанровые «Живописные зарисовки манер, обычаев и развлечений русских в ста раскрашенных рисунках» (1803-1804).

Британских художников во второй половине XVIII века в России работает меньше, чем французских или итальянских. Среди них наибольшую известность приобрел Ричард Бромптон, придворный художник Георга III, работавший в Петербурге в 1780 — 1783 гг. Ему принадлежат портреты великих князей Александра и Константина Павловичей, и принца Георга Уэльского, ставшие образцами изображения наследников в юном возрасте. Неоконченное Бромптоном изображение Екатерины на фоне флота получило воплощение в портрете императрицы в храме Минервы Д.Г. Левицкого.

Француз по происхождению П.Э. Фальконе был учеником Рейнолдса и поэтому представлял английскую школу живописи. Представленный в его произведениях традиционный английский аристократический пейзаж, восходящий к Ван Дейку английского периода, не получил широкого признания в России.

Однако картины Ван Дейка из коллекции Эрмитажа, были часто копируемы, что способствовало распространению жанра костюмированного портрета. Мода на изображения в английском духе приобрела большее распространение после возвращения из Британии гравера Скородмова, назначенного «кабинета Ея императорского величества гравером» и избранного Академиком. Благодаря деятельности гравера Дж. Уокера в Петербурге распространялись гравированные копии картин Дж. Ромини, Дж. Рейнолдса, У. Хора. В записках, оставленных Дж. Уокером, много говорится о преимуществах английского портрета, а также описывается реакция на приобретенные Г.А. Потемкиным и Екатериной II картины Рейнолдса: «манера густо накладывать краску … казалась странной … на их (русских) вкус это было чересчур». Однако как теоретик Рейнолдс был принят в России; в 1790 на русский язык были переведены его «Речи», в которых, в частности, обосновывалось право портрета принадлежать к ряду «высших» родов живописи и вводилось понятие «портрет в историческом стиле».

Литература

• E. Schmidt, «Richardson, Rousseau und Goethe» (Иена, 1875).
• Gasmeyer, «Richardson’s Pamela, ihre Quellen und ihr Einfluss auf die englische Litteratur» (Лпц., 1891).
• P. Stapfer, «Laurence Sterne, sa personne et ses ouvrages» (П., 18 82).
• Joseph Texte, «Jean-Jacques Rousseau et les origines du cosmopolitisme littéraire» (П., 1895).
• L. Petit de Juleville, «Histoire de la langue et de la littérature française» (т. VI, вып. 48, 51, 54).

• «История русской литературы» А. Н. Пыпина, (т. IV, СПб., 1899).
• Алексей Веселовский, «Западное влияние в новой русской литературе» (М., 1896).
• С. Т. Аксаков, «Разные сочинения» (М., 1858; статья о заслугах кн. Шаховского в драматической словесности).

Ссылки

Художники по направлению: рококо

Художественное движение

Рококо наполнил мир искусства и дизайна интерьеров аристократическим идеализмом, который отдавал предпочтение сложному орнаменту и замысловатым деталям.Картины, ставшие визитной карточкой той эпохи, были созданы в честь грандиозных идеалов рококо и страсти к аристократическому образу жизни и развлечениям. Движение, развившееся во Франции в начале 1700-х годов, превратилось в новый беспрецедентный союз декоративного и изящного искусства, который стал визуальным лексиконом, проникшим в континентальную Европу 18-го века.

В живописи рококо в первую очередь испытал влияние венецианской школы на использование цвета и эротических сюжетов. Известные художники Джорджоне и Тициан, среди прочих, повлияли на акцент периода рококо на кружащемся цвете. Пасторальный концерт (около 1509 г.), впервые приписываемый Джорджоне, хотя теперь он считается одним из ранних произведений Тициана большинством ученых, был классифицирован Лувром как Fête champêtre , или вечеринка на открытом воздухе, когда он впервые стал частью собрание музея. Произведения эпохи Возрождения, изображающие двух обнаженных женщин и двух мужчин-аристократов, играющих музыку в идеализированном пасторальном пейзаже, сильно повлияли на развитие рококо Fête galante или картин ухаживания.Этот термин относился к историческим картинам приятных прошлых времен и стал популяризироваться в работах Жана-Антуана Ватто. Его «приемная» для Королевской академии пейнтюра и скульптуры, Посадка на Киферу (1717), по сути, положила начало движению рококо. Академия ввела термин Fête galante для обозначения работы, тем самым установив категорию, которая должна была стать доминирующим элементом живописи рококо. Изображение аристократов, одетых как для бала или в костюмах, которые винят, обедают и занимаются любовными развлечениями в садах и парках Аркадии, стало чрезвычайно популярной темой.Он не только понравился частным посетителям, но и его мифологизированные пейзажи и декорации соответствовали стандартам Академии, которая считала историческую живопись, включая мифологические сюжеты, высшей категорией.

В начале своей творческой карьеры Ватто присоединился к студии Клода Одрана, известного декоратора, где он познакомился и стал коллегой по творчеству Клода Жилло, известного своим оформлением комедии commedia dell’arte , или комикса. театральные постановки. В результате работы Ватто часто выражали театральный подход, показывая фигуры в костюмах среди декораций, освещенных искусственным светом.Клод Одрен был официальным хранителем Люксембургского дворца, и, работая с ним, Ватто скопировал серию из двадцати четырех картин Питера Пауля Рубенса «Жизнь Марии Медичи » (1622–1625 гг.) Из серии «». дворец. Серия Рубена, сочетающая аллегорические фигуры и мифологические сюжеты с изображениями королевы и аристократического двора, продолжала служить источником информации для творчества Ватто. Рубенс был пионером в технике использования трех мелков, что означает использование красного, черного и белого цветов для создания колористических эффектов.Ватто овладел этой техникой до такой степени, что его имя стало ассоциироваться с ней, и она была широко принята более поздними художниками рококо, включая Франсуа Буше.

Под влиянием Рубенса и Ватто Буше стал самым известным художником зрелого периода рококо, начиная с 1730 года и до 1760-х годов. Известный своей картиной, в которой аристократическая элегантность сочетается с эротической обработкой обнаженной натуры, как показано в его Туалет Венеры (1751), он в равной степени оказал влияние на декоративное искусство, театральные постановки и дизайн гобеленов.Он был назначен первым художником короля в 1765 году, но наиболее известен своими долгими отношениями с мадам де Помпадур, официальной первой любовницей короля Людовика XV и известным покровителем искусств.

Мадам де Помпадур, урожденная Жанна-Антуанетта Пуассон, была названа «крестной матерью рококо» из-за ее центральной роли в продвижении этого стиля и превращении Парижа в художественную столицу Европы. Она повлияла на дальнейшее применение стиля рококо благодаря покровительству таких художников, как Жан-Марк Наттье, скульптор Жан Батист Пигаль, дизайнер обоев Жан-Батист Ревейон и гравер по драгоценным камням Жак Гуай.Она оставалась его доверенным лицом и доверенным советником короля до самой своей смерти в возрасте 42 лет от туберкулеза. Ее роль и статус стали де-факто определением королевского патронажа. Среди других известных художников французского рококо были Жан-Батист ван Лоо и Франсуа Лемойн. Лемойн был известен своими историческими аллегорическими картинами, которые можно увидеть в его Апофеоз Геракла (1733-1736), написанном на потолке Салона Геркулеса в Версале. Отмеченной особенностью французской живописи рококо была манера, в которой ряд известных семей художников, таких как Ван Лоос, поддерживали последовательный стиль и тематику в своих мастерских.

Живопись стала лидером в итальянском рококо , примером чему служат работы венецианского художника Джамбаттисты Тьеполо. Сочетая акцент венецианской школы на цвете с квадратурами или потолочными росписями, шедеврами Тьеполо были фрески и большие алтари. Прославленный на всю Европу, он получил множество королевских заказов, таких как его Апофеоз испанской монархии (1762-1766) в Королевском дворце в Мадриде.

Итальянское рококо также было известно своими великими пейзажистами, известными как «живописцы с видом», в частности, Джованни Антонио Канал, известным просто как Каналетто.Он был пионером в использовании двухточечной линейной перспективы при создании популярных сцен с каналами и зрелищем Венеции. Его работы, такие как Венеция: Санта-Мария делла Салюте (ок. 1740 г.), пользовались большим спросом у английских аристократов. В 1700-х годах для молодых английских аристократов стало обычным совершать «Гранд-тур», посещая известные места Европы, чтобы изучить классические корни западной культуры. Поездки положили начало своего рода аристократическому туризму, и Венеция стала известной остановкой, известной своей гедонистической карнавальной атмосферой и живописными видами.Эти молодые аристократы также часто были коллекционерами и покровителями произведений искусства, и большинство работ Каналетто были проданы английской публике, а в 1746 году он переехал в Англию, чтобы быть ближе к своему рынку произведений искусства, и прожил там почти десять лет.

Пастельные портреты Розальбы Каррьеры, как миниатюрные, так и полноразмерные, а также ее аллегорические работы пользовались спросом во всей Европе, так как ее приглашали в королевские дворы Франции, Австрии и Польши. Она была пионером в использовании пастели, ранее использовавшейся только для подготовительных рисунков, в качестве средства для рисования, и, связав мел в палочки, разработала более широкий диапазон мазков и подготовленных цветов.Ее Портрет Людовика XV как Дофина (1720-1721) установил новый стиль портретной живописи рококо, подчеркнув визуальную привлекательность и декоративный эффект.

Английский рококо , который называли «французским стилем», был более сдержанным, так как излишества стиля были встречены мрачным протестантизмом. Это прослеживается в творчестве британских художников, таких как Уильям Хогарт, Томас Гейнсборо и швейцарка Анжелика Кауфман. В своей книге The Analysis of Beauty (1753) Хогарт выступал за использование змеевидной линии, считая ее более органичной и эстетически идеальной.Гейнсборо сначала учился у Грейвло, бывшего ученика Буше, чья перистая манера письма и цветовая палитра повлияли на портретную живопись Гейнсборо в сторону плавности света и цвета. Анжелика Кауфман родилась в Швейцарии, но большую часть жизни провела в Риме и Лондоне. С 1766 по 1781 год она жила в Лондоне, где влиятельный сэр Джошуа Рейнольдс особенно восхищался ее портретами. Одна из двух женщин, избранных в Королевскую академию художеств в Лондоне, она сыграла значительную роль как в продвижении стиля рококо, так и, впоследствии, неоклассицизма.

В 1750 году мадам де Помпадур отправила своего племянника Абеля-Франсуа Пуассона де Вандиера изучать развитие итальянского искусства и археологии. Вернувшись с энтузиазмом к классическому искусству, Вандиер был назначен директором Королевских зданий, где начал выступать за неоклассический подход. Он также стал известным искусствоведом, осудившим Буше petit style , или «маленький стиль». Известные мыслители того времени, в том числе философ Вольтер, художественный критик Дидро, также критиковали рококо как поверхностное и декадентское.Эти тенденции, наряду с растущим революционным пылом во Франции, привели к тому, что к 1780 году рококо вышло из немилости.

Новое движение неоклассицизма, возглавляемое художником Жаком-Луи Давидом, подчеркивало героизм и моральную добродетель. Студенты-художники Дэвида даже спели насмешливую песнь «Ванлоо, Помпадур, рококо», выделив стиль, одного из его ведущих исполнителей и самого известного покровителя. В результате к 1836 году оно использовалось для обозначения «старомодных», а к 1841 году использовалось для обозначения работ, которые считались «безвкусными и витиеватыми».«Негативные коннотации продолжались и в ХХ веке, как видно из описания в словаре 1902 года.« Следовательно, рококо используется … для обозначения чего-либо слабо претенциозного и безвкусного в искусстве или литературе ». , поскольку дизайн рококо, несмотря на новые тенденции в столице, продолжал пользоваться популярностью во всех французских провинциях. В 1820-х годах при восстановленной монархии короля Луи Филиппа возрождение, названное «вторым рококо», стало популярным и распространилось в Британии и Бавария.В Великобритании возрождение стало известно как викторианский рококо и продолжалось примерно до 1870 года, одновременно оказывая влияние на американское возрождение рококо в Соединенных Штатах, возглавляемое Джоном Генри Белтером. Этот стиль, широко используемый для высококлассных отелей, в 20 веке был назван «Le gout Ritz». Однако в живописи рококо потерял популярность, за исключением жанровых картин Шардена, высоко оцененных Дидро, которые продолжали оказывать влияние и позже оказали заметное влияние на Поля Сезанна, Эдуарда Мане и Винсента Ван Гога.

Эдмунд и Жюль де Гонкур заново открыли для себя крупнейшего художника в стиле рококо Жана Оноре Фрагонара в L’Art du XVIIIe siècle (Искусство восемнадцатого века) (1865). Впоследствии он оказал влияние на импрессионистов, особенно на Пьера-Огюста Ренуара и Берту Моризо, и впоследствии оказал влияние на современных художников, таких как Йинка Шонибаре, Кент Монкман и Лиза Юскаваге. Также заново открытая братьями де Гонкур, комедия комедии дель арте Ватто оказала влияние на Пабло Пикассо, Сезанна и Анри Матисса, а также на многих поэтов, таких как Поль Верлен и Гийом Аполлинер, композитор Арнольд Шёнберг и хореограф Джордж Балан.

Термин рококо и связанные с ним художники начали подвергаться критической переоценке только в конце 20-го века, когда движения поп-арта и работы таких художников, как Дэмиен Херст, Кехинде Вили и Джефф Кунс, создали новый контекст. для искусства, выражающего те же изысканные, стилистические и причудливые обработки. Рококо оказал влияние на современность, что видно из логотипа Ай Вэйвэя (2017), где, как писал искусствовед Роджер Кэтлин: «То, что выглядит как причудливый дизайн обоев в стиле рококо в черно-белом и золотом цветах, на самом деле является комбинацией наручников и цепочек , камеры наблюдения, птицы Twitter и стилизованные альпаки — животное, которое в Китае стало мемом против цензуры.«Это движение живет и в массовой культуре, как показано в популярной песне Arcade Fire« Рококо »(2010).

См. Также Рококо (стиль)

Источники: www.theartstory.org

Википедия: https://en.wikipedia.org/wiki/Rococo

Художников по направлению: неоклассицизм

Художественное движение

Европейцы эпохи Просвещения 18-го века хотели, чтобы их произведения искусства и архитектуры отражали и несли тот же набор стандартов, что и идеализированные произведения греков и римлян.В сочетании с захватывающими археологическими открытиями Помпеи и Геркуланума в Риме возник неоклассицизм, поскольку художники и архитекторы наполнили свои работы прошлыми греко-римскими идеалами. Возврат к изучению естествознания, истории, математики и анатомической правильности произошел в большом количестве, заменив предшествующую культуру тщеславия рококо и атмосферу придворной живописи.

Неоклассицизм принял иерархию живописи, установленную Французской Королевской академией художеств в 1669 году. Историческая живопись, включающая предметы из Библии, классической мифологии и истории, была признана высшей категорией, за ней следовали портреты, жанры. живопись, пейзажи, натюрморты.Эта иерархия использовалась для оценки работ, представленных для Салона или на получение призов, таких как знаменитая Prix de Rome, и повлияла на финансовую стоимость работ для меценатов и коллекционеров. Работы Николя Пуссена и Клода Лоррена почитались как идеальные образцы исторической живописи, и оба художника оказали основное влияние на неоклассицизм. Пейзажи Лоррена сочетают в себе натуралистические детали и наблюдение за светом и его эффектами с фигурами из мифологических или библейских сцен, как видно из его пейзажа «Пейзаж с Аполлоном, охраняющим стада Адмета (1645 г.)».Эффект упорядоченной гармонии был передан во многих его работах, которые апеллировали к вере неоклассицизма в то, что искусство должно выражать идеальные добродетели. Композиции Пуссена подчеркивали ясность и логику, а его образные трактовки отдавали предпочтение четким линиям. Его The Death of Germanicus (1627) сделал его известным в свое время и повлиял на Жака-Луи Давида, а также на Бенджамина Уэста, чей The Death of General Wolfe (1770) основан на работе.

Неоклассицизм был вдохновлен открытием древнегреческих и римских археологических памятников и артефактов, которые стали известны по всей Европе в популярных иллюстрированных отчетах различных туристических экспедиций.Такие ученые, как Джеймс Стюарт и Николас Реветт, прилагали систематические усилия для каталогизации и записи прошлого в таких работах, как их Древности Афин (1762). Желая увидеть эти работы воочию, молодые европейские аристократы во время Гранд-тура, традиционного образовательного обряда посвящения, отправились в Италию «в поисках искусства, культуры и истоков западной цивилизации», как писал культурный критик Мэтт Гросс. Рим с его римскими руинами, работами эпохи Возрождения и недавно обнаруженными древностями стал главной остановкой.Известные художники, такие как Помпео Батони и Антонио Канова, держали открытые студии, поскольку многие из этих аристократических туристов были одновременно заядлыми коллекционерами и заказывали различные работы.

Неоклассицизм зародился в г., Италия, г., в Риме, когда работа историка искусства Иоганна Иоахима Винкельмана «« Мысли об имитации греческих работ в живописи и скульптуре »(1750 г.) сыграла ведущую роль в установлении эстетики и теории неоклассицизма. Хотя он и немец, он прожил большую часть своей жизни в Риме, где его покровителями стали несколько известных католических чиновников.Он утверждал, что искусство должно стремиться к «благородной простоте и спокойному величию», — утверждал он, — «единственный способ стать великими, возможно, неподражаемыми — это подражать древним». Работа, сделавшая его знаменитым, была широко переведена сначала на французский, а затем на английский художник Генри Фузели в 1765 году. Винкельманн был первым, кто создал упорядоченное видение искусства, от начала до зрелости и заканчивая упадком, глядя на цивилизацию. искусство как неразрывно связанное с самой культурой. Книга оказала влияние на известных интеллектуалов своего времени и последующих веков, включая Лессинга, Гердера, Гете, Ницше и Шпенглера.

Антон Рафаэль Менгс, близкий друг Винкельмана, был пионером неоклассической живописи. Круг художников, собравшихся вокруг Менгса и Винкельмана, позиционировал Рим как центр нового движения. Менгс отмечал фрески, изображающие мифологические сюжеты, благодаря чему его окрестили «величайшим художником дня». Он оказал влияние на ряд известных художников, которые должны были возглавить последующее развитие неоклассицизма в Великобритании, включая Бенджамина Уэста, Анжелику Кауфман, Джона Флаксмана и Гэвина Гамильтона.Он также оказал влияние на Жака-Луи Давида, который руководил более поздним периодом неоклассицизма, сосредоточенным во Франции, когда два художника встретились во время пребывания Давида в Римской премии с 1775 по 1780 год.

Неоклассицизм развился вместе с Просвещением, также называемым «Эпохой разума» — политическим и философским движением, которое в первую очередь ценило науку, разум и исследования. В соответствии с его духом художники-неоклассики чувствовали, что искусство может цивилизовать, реформировать и трансформировать общество, поскольку само общество трансформировалось под действием усиливающихся сил промышленной революции, движимой научными открытиями и изобретениями.В , Британия, , неоклассицизм Бенджамина Уэста, среди других художников, принял послание, подчеркнув моральную добродетель и рациональность Просвещения. Другие художники, такие как Джозеф Райт из Дерби, создали работы, основанные на научном изобретении, как видно из его Эксперимент над птицей в воздушном насосе (1768) или Философские лекции об Оррери (1766). Вместо мифологических сюжетов британские художники обратились к классическим историческим отчетам или современной истории, например к книге Уэста Смерть генерала Вульфа (1770), в которой он бросил вызов академическим стандартам, отказавшись от совета изображать солдат в римских тогах как не основанный на причина или наблюдение.

Более поздний период неоклассицизма, сосредоточенный в France , подчеркивал строгую линию, строгую классическую обстановку, освещенную искусственным светом, и упрощенные элементы, чтобы передать моральную энергию. Показанная на Парижском салоне 1785 года, Клятва Горациев (1784) Жака-Луи Давида стала примером нового направления в неоклассической живописи и сделала его лидером этого движения. Художник завершил работу над картиной, когда был в Риме, где он общался с Менгсом, а затем посетил руины Геркуланума — опыт, который он сравнил с удалением катаракты хирургическим путем.Хотя Клятва Горациев обратился к королю Людовику XVI, чье правительство заказало его, с акцентом на лояльность, картина впоследствии стала отождествляться с революционным движением во Франции. Французская революция была периодом далеко идущих политических и социальных потрясений, которые свергнули монархию, установили республику и завершились диктатурой при Наполеоне, вдохновленной радикальными новыми либеральными идеями. Якобинцы, очень влиятельный политический клуб того времени, приняли приветствие братьев Горациев, как это видно из «Клятвы теннисного суда » Давида (1791).Влияние Давида было настолько велико, что более поздний период неоклассицизма был назван «Эпохой Давида», поскольку он лично обучал художников, включая Анн Луи Жироде-Триозон, Франсуа Жерара, Антуана Жана Гро и Жана Огюста Доминика Энгра.

Француз Жан-Батист Пигаль был одним из первых лидеров неоклассической скульптуры. Его Меркурий (1744) был провозглашен Вольтером как сопоставимый с лучшей греческой скульптурой и широко воспроизведен. Пигаль был также известным учителем, так как его ученик Жан-Антуан Удон, известный своими портретными бюстами, впоследствии возглавил движение во Франции.Поскольку движение было поистине интернациональным, итальянский скульптор Антонио Канова считался ведущим представителем неоклассицизма, поскольку его работы сравнивали по красоте и изяществу с произведениями древнегреческого скульптора Праксителя. В Англии Джон Флаксман был самым влиятельным скульптором, известным не только своими фигурами, такими как Pastoral Apollo (1824), но и своими рельефами и неоклассическим дизайном для керамической посуды Jasperware Джозайи Веджвуда, всемирно популярной керамической посуды.

Неоклассицизм в живописи и скульптуре начал приходить в упадок с ростом романтизма, хотя в начале 1800-х годов эти два стиля существовали в соперничестве, поскольку Энгр придерживался неоклассицизма, который к тому времени считался «традиционным», а Делакруа подчеркивал индивидуальную чувствительность и чувства. К 1850-м годам неоклассицизм как движение подошел к концу, хотя академические художники продолжали использовать классические стили и предметы на протяжении большей части 19-го века, хотя им противостояли и бросали вызов движениям современного искусства, таким как реализм, натурализм и импрессионизм.

Тем не менее, работы Энгра продолжали оказывать влияние на более поздних художников. Он повлиял на Эдгара Дега, Огюста Ренуара, Анри Матисса и Пабло Пикассо, которым его образные трактовки внушали стилистические искажения. Работы Давида, особенно его Смерть Марата (1793), были заново открыты в середине 19 века и впоследствии оказали влияние на Пикассо и Эдварда Мунка, а также на современных художников, таких как Вик Мунис. Современная художница Синди Шерман « исторических портретов » (1988–1990) перепрофилирует ряд знаменитых произведений неоклассицизма через кадры из автопортретов.

См. Также Неоклассицизм (стиль)

Источники: www.theartstory.org

Википедия: https://en.wikipedia.org/wiki/Neoclassicism

Боровиковского из Парижа | Журнал Третьяковская галерея

Третьяковская галерея выражает искреннюю благодарность ОАО «Сургутнефтегаз» и компании «Бритиш Американ Тобакко» за финансовую поддержку этого выставочного проекта.

В прошлом году исполнилось 250 лет со дня рождения Владимира Лукича Боровиковского (1757-1825). Художник был последним из известных художников 18 века. Его портреты личностей эпохи Просвещения, и прежде всего сентиментальных барышень, красоту которых «хранил Боровиковский» (по словам поэта Якова Полонского), снискали ему заслуженную славу.

Но такие светские образы гармонично уживались с иконографией в творчестве Боровиковского.«Вдохновленный религиозный художник», — писал первый исследователь творчества Боровиковского Василий Горленко. В художественной критике, опубликованной до большевистской революции, религиозные картины художника считались очень важными и получали высокую оценку.

Иконы Боровиковского хранились в частных собраниях Федора Прянишникова и Ивана Цветкова. В залах Румянцевского музея в доме Пашкова эти картины выставлялись рядом с портретами Боровиковского.При советской власти иконы художника подверглись вандализму, как и церкви. Сохранившиеся экспонаты долгое время хранились в резервных отделах музеев и были труднодоступны для ученых. У широкой публики практически не было возможности увидеть эти работы.

К таким работам относится, например, монументальный иконостас из Троицкой церкви на Смоленском кладбище в Санкт-Петербурге (ныне в Русском музее) — последнее произведение мастера. В октябре 2008 года Третьяковская галерея откроет в выставочном зале на Крымском Валу первую экспозицию, полностью посвященную Боровиковскому.Впервые рядом друг с другом будут представлены нерелигиозные и религиозные картины художника из Третьяковской галереи, Русского музея, Эрмитажа, других региональных музеев России и частных собраний. У ценителей русского искусства будет уникальная возможность увидеть работы Боровиковского из Лувра.

Есть еще много неясностей относительно атрибуции и местонахождения известных произведений Боровиковского. Долгое время оставалось неизвестным, что случилось с серией портретов Яковлевых, семьи богатых промышленников.Как выяснилось в период перестройки, несколько разных людей в Париже владели отдельными произведениями искусства. После нескольких попыток восстановить работы две из них были куплены Третьяковской галереей, а еще три остаются изолированными друг от друга. Их впервые в Москве собирают под одной крышей.

Ранней весной 1987 года редактор журнала «Художник» Юлия Михайлова показала мне любительские слайды, которые ей подарил певец из Большого театра Александр Ведерников.На слайдах были представлены четыре портрета членов семьи Яковлевых, предположительно сделанные Боровиковским. Картины хранились в частной коллекции в Париже. Поздно вечером, вернувшись домой, я взял свой проектор, смотрел изображения на экране, лихорадочно листал монографию Татьяны Алексеевой о художнике (Алексеева тогда руководила моей работой над докторской диссертацией) и … не могла уснуть. У меня были репродукции работ, упомянутых Татьяной Васильевной, но местонахождение которых ей было неизвестно [1].

Когда он был знаменит, Боровиковский получил множество портретных заказов от сановников и дворян той эпохи. Он изобразил «Его Высочество» князей Александра Куракина и Петра Лопухина, а также дочерей сенатора Гавриила Гагарина. На протяжении многих лет художник был связан с семьей богатых промышленников Яковлевых, удостоенных во второй половине XIX века титула потомственных дворян. Семья происходила от простолюдина из Осташково Саввы Яковлевича Собакина, приехавшего в Петербург.В Петербурге, как гласит легенда, «с несколькими пенни в кармане и с родительского благословения». В «Северной столице» находчивый предприниматель заработал большое состояние, а затем приумножил его на добыче руды и золота. Савва Яковлев купил у известного промышленника Павла Демидова четыре мануфактуры на Урале, а позже приобрел бумажно-суконные фабрики под Ярославлем. В 1774 году Екатерина Великая издала указ о том, чтобы Собакин изменил свою дурно звучащую фамилию (корни ее намекали на собак).С этого момента он должен был носить фамилию, происходящую от его отчества — Савва Яковлев. После смерти патриарха его колоссальное состояние было разделено между пятью сыновьями и двумя дочерьми. Представителей этого большого семейного клана изображали многие российские и зарубежные художники, в том числе Боровиковский. И вот работы, которые давно считались утерянными, были найдены, и мне предстояло представить их с научной точки зрения.

На следующее утро я был в отделе рукописей Третьяковской галереи, а через неделю я посетил Центральный государственный архив большевистской революции (ныне Государственный архив Российской Федерации), где хранятся дневники художника.Уже в мае 1987 г. я выступил с докладом на научной конференции «Россия-Франция. Век Просвещения »в Эрмитаже о моем сенсационном открытии [2].

После презентации ко мне подошел известный искусствовед Александр Пунин и сказал, что хорошо знаком с владельцем — архитектором Владимиром Гофманом. Пунин видел эти вещи в Париже и мог сообщить мне парижский адрес владельца. Я начал переписку с Владимиром Ростиславовичем и узнал, что в июне он впервые приезжает в Россию со своей мамой Татьяной Викторовной.В Москве мы встретились лично, и Гофман посетил заповедник Третьяковской галереи.

Тогда заговорили о возвращении картин в Россию и, возможно, передаче их в Советский фонд культуры. Однако у Гофмана, сына историка музыки из Санкт-Петербурга, эмигрировавшего в Финляндию в 20-е годы прошлого века, не было всех портретов семьи Яковлевых. Лучшей картиной серии тогда был галерист Гарик Басмаджян. Армянин из Иерусалима, изучавший филологию в Ереванском университете, Басмаджян представил свою коллекцию в 1988 году в зале «Крымский Вал» Третьяковской галереи.Именно тогда я впервые увидел «Портрет Дарьи Яковлевой» — настоящую жемчужину коллекции [3].

Картина написана в 1801 году, в год расцвета творчества Боровиковского. Его отличает оригинальность композиции и безупречное мастерство исполнения. На фоне густой зелени парка изображено завораживающее и запоминающееся лицо кареглазой красавицы с нежным румянцем на щеках. Ее чернильно-черные волосы оплетены бледным прозрачным шарфом, уложенным на голове как тюрбан.Дарья Семеновна одета по последней моде в жемчужно-голубом платье в стиле ампир с глубоким вырезом и высокой линией талии. Она не похожа на чувственных и томных барышень, которых изображал Боровиковский в 1790-х годах (Мария Лопухина, Елена Нарышкина). Художник изобразил зрелую женщину, обладавшую необычайной чуткостью и врожденным задором.

Субъект был потомком древнего грузинского дворянского рода. В середине 1790-х она вышла замуж за Николая Яковлева, очень богатого промышленника.Мать пятерых детей, Дарья Яковлева была добродушной и любящей детей родительницей. Ее необычная личность произвела на художника большое впечатление. Как предполагают журналы Боровиковского, он был тесно связан с Яковлевыми, создавая для них иконы и портреты императора. В начале 19 века художник изобразил трех братьев Яковлевых — Ивана, Савву и Николая — и членов их семей. Похоже, что сеансы проходили в трехэтажном особняке Яковлевых на Гороховой улице, а затем портреты были закончены в мастерской Боровиковского в его доме на Большой Миллионной улице.

В 1988 году, когда шла выставка его коллекции, Басмаджян выразил желание расстаться с несколькими работами Боровиковского (в том числе с портретом Дарьи Яковлевой). Директора Третьяковской галереи начали переговоры с Министерством культуры СССР, но, к сожалению, из них ничего не вышло. Вскоре Гарик Басмаджян пропал без вести в Ереване при загадочных обстоятельствах. Похоже, что он был убит, но его тело так и не нашли. Сестра Гарика перешла во владение его коллекцией, но по существующим законам ей пришлось ждать десять лет (чтобы владелец не появился снова), пока она не сможет официально стать владельцем и управлять им.Все, что можно было сделать, — это запастись терпением, надеждой и ожиданием.

Тем временем я продолжал копать исторические данные о портретах Боровиковского, и результаты этого были обобщены в моей статье, опубликованной в журнале «Наше наследие» [4]. Оказалось, что история работ была очень интересной.

Портреты членов семьи Яковлевых хранились в частной коллекции врача Ивана Михайловича Яковлева в Санкт-Петербурге. В 1905 г., готовясь к грандиозной выставке русских портретов в Таврическом дворце, выдающийся искусствовед и критик Сергей Дягилев обратил внимание на эти работы и отобрал их для выставки, включив сначала репродукции в большой каталог [5].Однако среди старых негативов (из фотоколлекции Третьяковской галереи) репродукций с изображениями экспонатов и интерьером выставочных залов найти не удалось. Мы нашли объяснение в отделе рукописей Третьяковской галереи. Как следует из сохранившегося письма дочери Павла Третьякова Александры Боткиной художнику и члену правления Галереи Илье Остроухову, семейные портреты Яковлевых не выставлялись из-за споров с владельцем по поводу суммы страховки.

«Много лет назад, когда открывалась выставка в Таврическом дворце, — писала Александра Павловна, — Дягилев рассказывал мне о богатом и эксцентричном человеке, у которого было пять портретов Боровиковского, но он не одолжил их для выставки. Этот дряхлый, сопливый, болтливый, скупой и унылый парень сказал, что за выставку, то есть за страховой полис, он оценил их в 40 тысяч. Тогда Великий князь решил, что платить 400 рублей за полис — это слишком много, и портреты для показа не отбирались.[6] Спустя три года, в 1908 году, Иван Яковлев окончательно решил расстаться со своими семейными сокровищами. Он снова обратился к Сержу Дягилеву, который сообщил Боткиной и настоятельно рекомендовал Третьяковской галерее купить их. «Недавно мне позвонил Дягилев, — сообщила Боткина Остроухову, — что этот парень подумывает продать их, и что я могу посмотреть, если захочу. Мы встретились в доме хозяина благородных предков … Он хочет, чтобы экспонаты хранились в музее, не в каком-нибудь музее, а в Третьяковской галерее, и соглашается снизить цену на 15 тысяч.И он продает их по 5000 штук за штуку, но только все вместе или ни одной »[7]

Изучив картины, Александра Боткина отобрала только портреты-близнецы Яковлева и его жены. По ее мнению, они отличались от остальных лучшим физическим состоянием и большим мастерством. Эта застенчивость по отношению к отбору произведений старых мастеров не была прихотью дочери знаменитого коллекционера. Причиной тому стала особая позиция правления Галереи. Остроухов, желающий пополнить коллекцию, в своем ответном письме напомнил о финансовых затруднениях.«Что касается Боровиковского, — писал он, — позвольте мне еще раз вам сказать: попробуйте купить два портрета, которые вам больше всего нравятся, по 5 тысяч каждый. Не помешает попробовать, не помешает спросить. Наше финансовое положение на данный момент таково, что мы должны осторожно расходовать средства. У нас всего 25 тысяч на весь год. Конечно, это большая сумма, но она определяется объемом приобретений »[8]

В Третьяковской галерее к тому времени было 12 работ Боровиковского, в том числе такие шедевры, как портреты Лопухиной и сестер Гагариных.Павел Третьяков был одним из первых московских коллекционеров, обративших внимание на работы уже почти забытого Боровиковского. «Надо отметить, — вспоминала Боткина, — что Павел Михайлович любил и восхищался« старой гвардией », которую мы полностью унаследовали от него … у него было несколько прекрасных портретов Боровиковского, среди которых самым любимым был образ Лопухиной. ”[9]

Таким образом, в то время, когда существовало правление Галереи, невозможно было сразу приобрести еще пять работ Боровиковского, потратив на это весь годовой бюджет.Доктор Яковлев, который по понятным причинам не хотел делить семейные сокровища, не пошел на уступки. Возможность приобрести работы Боровиковского для Третьяковской коллекции была упущена. Позже, скорее всего, после большевистской революции, картины были вывезены за пределы России, чтобы испытать именно то, чего он боялся. Пока портреты переходили из рук в руки, имена натурщиков были забыты, и со временем работы оказались в разных коллекциях.В начале 1980-х картины выставлялись на продажу на аукционе в Париже, обозначенном как семейные портреты семьи Лазарева, и были куплены тремя коллекционерами, в том числе Гофманом и Басмаджяном.

Прошло почти десять лет после описанных здесь событий. В середине 90-х я узнал, что Владимир Гофман продал три портрета другому парижскому коллекционеру Владимиру Царенкову, который, в свою очередь, предложил продать два из них Третьяковской галерее. Эти две работы — портреты Николая Михайловича и Марии Николаевны Яковлевых.«В браке с образцом кротости» Николай Михайлович Яковлев (1761-1813) был образцом добродетельного семьянина, который в равной степени соответствовал идеалам века. В эпитафии на его могиле говорилось, что он был «нежным мужем, любящим детей отцом, любил свою семью и был нелестным другом для чужих».

Портрет старшей дочери Николая Михайловича и Дарьи Семеновны, созданный Боровиковским в 1812 году, является последним в серии семейных портретов.Позже Мария Николаевна Яковлева вышла замуж за генерал-майора Карла Георга Августа Бистрома, убитого во время русско-турецкой войны. Лицо 16-летней девочки, унаследовавшей красоту своей матери, хорошо смоделировано с помощью резких огней и теней. Податливый силуэт аккуратной фигуры Марии Николаевны выделяется на фоне красноватой драпировки. Композиция портрета напоминает портреты Долгоруковой и мадам де Сталь, созданные Боровиковским (оба сейчас находятся в Третьяковской галерее). Однако образ русской барышни по качеству хуже, чем образ французской писательницы.Портрет Марии Яковлевой подвергся серьезной реставрации. В 1996 году вместе с портретом Николая Яковлева он был куплен Министерством культуры Российской Федерации, но вместо Третьяковской галереи достался Ростову Великому и Ярославскому архитектурно-художественному музею под открытым небом.

Портрет Николая Яковлева воспроизведен в академическом каталоге собрания Галереи [10]. И все же я никогда не терял надежды, что однажды муж и жена воссоединятся и портрет Дарьи Семеновны вернется в Галерею.В 2000 году портрет приобрел известный парижский торговец антиквариатом Морис Барух («Popoff et Cie»), с которым мы давно дружили. Благодаря финансовой поддержке Министерства культуры России картина была приобретена Третьяковской галереей. Мечта дочери Павла Третьякова наконец сбылась. Двойные портреты мужчины и жены наконец воссоединились и заняли достойное место на выставке.

Самый ранний из семейных портретов — «Портрет Ивана Михайловича Яковлева» (1801 г.) — все еще принадлежал Владимиру Гофману.Иван Михайлович был старшим братом Николая. В отличие от деда, он получил прекрасное образование и принадлежал к новому поколению просвещенных российских промышленников.

Из всех братьев он был единственным, кто активно работал на Ярославском заводе-изготовителе. Решительная внешность Ивана Михайловича на портрете Боровиковского соответствует тому, что мы знаем о нем как о прагматичном и волевом человеке. Однако в утонченном портретисте запечатлены не только черты бизнесмена, но и его благородная простота и большое достоинство.

Когда в 2001 году я впервые приехал в Париж, чтобы читать лекции на семинаре в Сорбонне, я посетил гостеприимный дом Гофманов. Владимир [Гофман] к тому времени был готов расстаться с последней картиной из серии Яковлева. Однако времена изменились. Министерство культуры не могло позволить себе запрошенную владельцем сумму, спонсоров найти не удалось, и картина была «потеряна» для частного коллекционера. На выставке в Москве портрет будет представлен широкой публике впервые.Нам предстоит увидеть еще одно изображение Ивана Михайловича (1810-е годы, собрание Царенкова, Лондон). На этом портрете Яковлев не только в джентльменском костюме с орденом Святой Анны на шее, но и с медалью земской гвардии. Этой наградой в 1807-1811 гг. Награждались лица, принимавшие активное участие в формировании народного сопротивления во время Отечественной войны против Наполеона. Недавно эта версия портрета была представлена ​​на выставке «Время собираться …», с большим успехом открывшейся в Русском музее и в музее «Царицыно».

1. Татьяна Алексеева. Владимир Лукич Боровиковский и русская культура на рубеже веков. Москва, 1975, № 184.
2. Людмила Маркина. Портреты семьи Яковлевых работы Боровиковского в парижских собраниях // Россия-Франция. Эпоха Просвещения. Тезисы докладов на международной научной конференции. Ленинград, 1987.
3. Выставка произведений искусства XVI-XX веков из собрания Басмаджяна. Каталог.Москва-Ленинград, 1988, без нумерации страниц
4. Людмила Маркина. Портреты из Парижа // Журнал «Наше наследие», №6, с.7-11
5. Каталог историко-художественной выставки русских портретов в Таврическом дворце. СПб., 1905, с. 34-35.
6. Отдел рукописей Третьяковской галереи. Фонд 10, поз. 1712, л. 4
7. Ibidem, оборотная сторона листа 4
8. Отдел рукописей Третьяковской галереи.Фонд 48, поз. 512, оборотная сторона листа 1
9. Александра Боткина. Павел Михайлович Третьяков в жизни и искусстве. Москва, 1993, с.106
10. Третьяковская галерея. Картины века. Каталог коллекции. Том 2, Москва, 1998, с.74

Владимир Лукич БОРОВИКОВСКИЙ (1757-1825) | Великие русские художники

Владимир Боровиковский, один из талантливых и самобытных художников конца XVIII — начала XIX веков, родился в Миргороде на Украине.

Его отец был казаком, и почти все члены его семьи служили в Миргородском полку. По семейной традиции Владимир пошел на военную службу, но, получив звание лейтенанта, вышел в отставку и полностью посвятил себя искусству.

Начинающий художник впервые научился рисовать дома. Его отец, дядя и братья занимались иконами, когда не были заняты своими полковыми обязанностями.

Киевский музей украинского искусства и РУССКИЙ МУЗЕЙ в С.В Петербурге есть иконы, написанные молодым Боровиковским. Эти ранние работы свидетельствуют о владении художником определенных навыков иконописи XVIII века, но в целом они все еще находятся на уровне мастерства. Настоящее мастерство пришло позже, в Петербурге.

Визит Екатерины II в Крым в 1787 году стал решающим в изменении судьбы Боровиковского.

Известный поэт XVIII века В. Капнист, тогда предводитель дворянства Киевской губернии, попросил художника украсить одну из комнат, в которой собиралась жить Екатерина.Боровиковский написал две большие аллегорические картины — очевидно, с большим мастерством, и его пригласили в Петербург. 20 октября 1787 г. он подписал акт о разделе имущества, завещанного отцом, и навсегда покинул Миргород.

Портрет А.И. Безбородко с дочерьми

И.В. Бугаевский-Благодарный. Портрет В. Л. Боровиковского

Портрет вице-канцлера А.Б. Куракин

Портрет М.И. Лопухина

Первые десять лет художник жил с Н. Львовом, известным архитектором, человеком разноплановых интересов, увлекавшимся поэзией, музыкой и археологией. Его дом был местом встречи многих выдающихся деятелей русской культуры. Боровиковский оказался в компании поэтов, интересы и идеи которых были связаны с новой литературной волной — сентиментализмом. Были изданы «Письма русского путешественника и бедной Лизы» Карамзина, поэт Дмитриев писал свои сентиментальные стихи, а лирические нотки звучали в стихах В.Капнист. Эта линия в литературе нашла отражение в творчестве Боровиковского.

В Петербурге Боровиковский стал хорошим другом Дмитрия Левицкого и, возможно, учился у него. С 1792 г. его обучал И. Ламни, который передал ему свою мастерскую, когда он уехал из России. Здесь Боровиковский жил и работал до конца своей жизни. За более чем тридцать лет напряженной работы в столице он написал сотни работ. У своих учителей он научился блестящей технике, легкому прозрачному стилю и мастерству композиционных приемов.В центре его внимания был внутренний мир человека и его неповторимая индивидуальность.

В портретах образ в целом был подчинен его идеалу чистой, поэтической личности с возвышенной душой. Поза, положение рук и пейзаж были своего рода декорациями для лица модели. Боровиковский разработал самобытный стиль, в котором мягко играющие перламутровые оттенки и гладкая, как фарфор поверхность, сочетаются с точностью рисунка и классически строгими линиями.

Одно из лучших ранних произведений художника — восхитительный портрет О. Филипповой (1790, РУССКИЙ МУЗЕЙ, Санкт-Петербург), жены одного из друзей Боровиковского — архитектора, строившего Казанский собор. Она изображена на фоне сада, в белом утреннем платье, с бледной розой в руке. Образ молодой женщины лишен какой-либо аффектации и кокетства. Отличительные черты лица; миндалевидная форма ее глаз, то, как нарисованы ее ноздри, и родинка над верхней губой, придают особое очарование ее лицу, которое несет в себе выражение почти детской нежности и мечтательной задумчивости.

В конце XVIII века искусство миниатюрного портрета было очень распространено — жанр, сочетающий лиризм и большую интимность (миниатюрные портреты заказывались в память о родных и близких) с декоративными качествами. Боровиковский работал в этом жанре в разное время, но особенно в ранние годы.

Самобытное содержание творчества Боровиковского привело его к разработке новых, более разнообразных портретных форм. Он сделал много двойных портретов и проявил склонность к мелким, камерным работам.

Таковы, например, его портреты 1794 года: Лизанка, Дашенька и Христиня, Торжокская крестьянка (ок. 1795, ГТГ, Москва), все изображающие крепостных, принадлежащих Н. Львову. В этих портретах, несомненно, присутствуют те же идиллические нотки, которые «слышны» в этюде Е. Арсеньевой (середина 1790-х годов, РУССКИЙ МУЗЕЙ, Санкт-Петербург) и в известном портрете Екатерины II, гуляющей по парку в Царском Селе (середина 1790-х годов, Третьяковская галерея, Москва).

Портрет Екатерины II, гуляющей с любимой собакой в ​​парке, непринужден, даже интимен.Образ императрицы не лишен сентиментальности, но важно то, что Боровиковский изображает ее не как «богиню на Земле», а в нормальной домашней обстановке. Показательно, что впоследствии этот образ привлек Александра Пушкина: именно такой доброжелательной, величественной правительницей Екатерине пришлось предстать героине его повести «Капитанская дочка», неопытной, невинной, доверчивой Маше Мироновой, ищущей помощь и покровительство императрицы.

Одним из наиболее зрелых лирических произведений Боровиковского был его портрет Марии Лопухиной (1797, ГТГ, Москва).Позиция молодой женщины непринужденная и простая, но утонченная и элегантная. Гармония изображения является результатом всей художественной структуры произведения: плавных линий, движения ее руки, ритма стволов и ветвей деревьев в тенистом парке, тончайших нюансов света и тени и нежно-голубой, перламутровый цвет, напоминающий волшебные звуки клавикорда.

Этот портрет оставил след в поэзии XIX века в виде стихотворения Якова Полонского:

Давно она скончалась: больше нет этих глаз,

Больше никакой молчаливой улыбки

Страдания ее любви и ее грустные мысли

Но красоту Боровиковский сохранил.

Ее душа отчасти поэтому с нами

А это ее взгляд и это очарование ее тела

Очаровывает равнодушное поколение, обучая его

Любить, страдать, прощать и молчать.

Мужские портреты Боровиковского были не менее типичны для той эпохи. Серьезный, довольно мрачный облик статс-секретаря Екатерины II Д. П. Трощинского (1790-е, РУССКИЙ МУЗЕЙ, СПБ.-Петербург), к которому художник приглянулся незаурядным умом и способностями. Ф. А. Боровский изображен мужественным человеком, покрытым славой суворовских походов; суровое энергичное лицо изображено с большой реалистичностью (1799, РУССКИЙ МУЗЕЙ, Санкт-Петербург).

Официальные парадные портреты занимают особое место в русском искусстве XVIII века, и Боровиковский не исключение. И в своем творчестве, и в Левицком парадный портрет, основной функцией которого было прославление социального положения объекта, уделял особое внимание внутреннему миру человека.Это видно на портретах персидского князя Муртазы-Кули-хана (1796, РУССКИЙ МУЗЕЙ, Санкт-Петербург) и «алмазного принца» вице-канцлера А.Б. Куракина, прозванного «павлином» из-за его высокомерия и любви. показной роскоши (1801, ГТГ, Москва), а также в знаменитом портрете Павла I «в далматике и пурпурном» (1800, РУССКИЙ МУЗЕЙ, Санкт-Петербург), заказанном для конференц-зала Академии искусств.

Итак, Боровиковский одинаково хорошо относился к таким монументальным заказным портретам и к лирическим, интимным работам.

В начале XIX века художник участвовал в декоре строящегося Казанского собора. Написал десять икон.

Боровиковский был обаятельным человеком, мягким характером. Его ученики — среди фаворитов был Алексей Венецианов — жили в его доме как члены семьи. Родственники постоянно обращались к нему за помощью: он разбирал их ссоры и поддерживал их морально и материально.

Боровиковский умер на шестьдесят восьмом году жизни, прося, чтобы его похоронили «без церемоний».Венецианов написал в письме другу: «Ушел из жизни этот великий и уважаемый человек Боровиковский, он перестал украшать Россию своими произведениями и мучить тех, кто ему завидовал. . . Я собираюсь написать его биографию ».

Прошло много десятилетий, прежде чем к этому великому художнику проявился большой общественный интерес, но выставка 1905 года, на которой было представлено более сотни его портретов, помогла привлечь его внимание публики. После революции 1917 года работы, которые были разбросаны по величественным домам и частным коллекциям, попали в музеи и галереи и теперь дают хорошее представление о богатом наследии этого выдающегося мастера.

Valigetta Trucco может быть моделью.

Портрет Андрея Афанасьевича Самборского (1732-1815), Боровиковского, Владимира Лукича (1757-1825) Stock Photo 4266-21638795: Superstock

Superstock предлагает миллионы фотографий, видео и стоковых ресурсов для креативщиков со всего мира.Это изображение Портрет Андрея Афанасьевича Самборского (1732-1815), Боровиковского, Владимира Лукича (1757-1825) , автор А. Буркатовский / Fine Art Images сегодня доступно для лицензирования.

Детали

Номер изображения: 4266-21638795
Права управляемого
Кредит: A.Burkatovski / Fine Art Images
Разрешение на выпуск модели: №
Право собственности: Нет
Детали: 4074 x 5197px | 13,58 x 17,32 дюйма | 63,52MB | 300 точек на дюйм

---

ЛИЦЕНЗИРОВАНИЕ EASY RM

250 долларов США

Издательское дело / образование

$ 400

Прямой маркетинг — внутреннее использование

$ 1600

Продлить лицензию

Для индивидуальных тарифных планов со скидкой, без водяных знаков или пакетов изображений для частных лиц или корпораций нажмите кнопку
НУЖНЫ ДОПОЛНИТЕЛЬНЫЕ ОПЦИИ ниже.

В поисках материалов для подписки посетите наш дочерний сайт PURESTOCK .

Добавить в корзину Нужны дополнительные параметры?

×

Свяжитесь с нами

Мы здесь, чтобы помочь! Свяжитесь с нами, если вам нужны более гибкие варианты лицензирования.

Позвоните нам по телефону 866-236-0087
. Представители доступны с 9:00 до 18:00 EST.

---

---

Ключевые слова

---

Свяжитесь с нами

Продажи и исследования SuperStock
Эл. Почта: [email protected]
Телефон: 1-866-236-0087

---

Владимир Лукич Боровиковский Живопись и работы на продажу

Лот 56: ПРИНАДЛЕЖЕН ВЛАДИМИРУ ЛУКИЧУ БОРОВИКОВСКОМУ (1757-1825)

Дата аукциона: 18 марта 2017

Оценка: $ 10,000 : ПРИСУТСТВУЕТ ВЛАДИМИРА ЛУКИЧА БОРОВИКОВСКОГО (РОССИЯ 1757-1825)
Диана по одноименной композиции богини учителя Боровиковского Иоганна Баптиста Лампи ,
холст, масло
47.5 х 38 см. (18 5/8 x 15 дюймов)

ЛИТЕРАТУРА
Почти идентичная версия работы Иоганна Баптиста Лампи проиллюстрирована в «Un ritrattista nell`Europa dell corti» Фернандо Маццокка, Роберто Панчери и Алессандро Касагранде, Джованни Баттиста Лампи 1751–1830 , (Тренто, 2001), стр. 232, п. 31

См. Примечания к лоту ниже

ЗАПИСИ ЛОТА
Владимир Боровиковский получил первые художественные инструкции от своего отца, иконописца Лимнера, прежде чем привлек внимание императрицы Екатерины II и был нанят императрицей в качестве двора. художник и ученик Иоганна Баптиста Лампи.Похоже, что, когда Боровиковский был еще учеником Лампи, он нарисовал фигуру Дианы , составляющую настоящий лот.

Боровиковский познакомился с императрицей, когда она была в только что завоеванном Крыму и у друга Боровиковского, Василия Капниста, предводителя дворянства Киевской губернии. В угоду императрице Капнист поручил Боровиковскому написать пару аллегорических работ с изображением монарха для ее покоя. Картины произвели на Екатерину большое впечатление, и она попросила художника переехать в Санкт-Петербург.Петербург. Боровиковский принял предложение и, обосновавшись в столице в 1787 году, сделал город своим постоянным местом жительства. Несмотря на то, что по современным меркам он все еще был молодым, в свои тридцать лет Боровиковский был за пределами приемлемого возраста для формального академического обучения, и в 1792 году он был настроен на частное обучение у Иоганна Баптиста Лампи, одного из самых модных портретистов того времени.

Лампи оказал несомненное влияние на развитие стиля Боровиковского, что особенно заметно в мягкой палитре и композиционных приемах молодого художника.В то время студенты копировали работы своих мастеров обычным делом, и, учитывая существование поразительно похожей работы на нынешнюю партию Лампи (сейчас она находится в Museo Castello del Buonconsiglio в Тренто, Италия), кажется вероятным, что Работа Лампи послужила основой для этой картины Дианы . Авторы монографии Джованни Баттиста Лампи 1751 — 1830 полагают, что Лампи завершил свою картину богини (изображенной здесь в « дополнительных изображениях ») где-то между 1789 и 1791 годами, незадолго до того, как он взял Боровиковского в ученики, создав эта работа — главный кандидат для изучения и копирования начинающим художником.

Хотя поза и сюжет двух картин почти идентичны, нельзя не заметить, где Боровиковский отклонился от подхода своего мастера и наполнил предмет своим видением. Более сильные и чистые линии заменяют сфумато его мастера, а более холодные пастельные оттенки перламутра заменяют более теплые оттенки. Однако красота лица и фигуры остается первостепенной, поскольку складки мантии, положение рук и другие сценические приемы в основном используются для усиления очарования предмета, что стало отличительной чертой творчества Боровиковского.Хотя работа и не подписана, учитывая тесную связь работы с картиной «Диана » Иоганна Баптиста Лампи, созданной незадолго до того, как Боровиковский стал учеником, и учитывая небольшие, но заметные различия между двумя работами, явно выполненными разными мастерами, вполне вероятно, что данный лот — ранняя работа Владимира Боровиковского, когда художники были еще на пороге величия ….

Местонахождение: New York, NY, US

Auction House: Shapiro ООО Аукционы

Дополнительная информация

Владимир Лукич Боровиковский: Портрет А.и В. Гагарин | Классицизм | Портреты

Распечатать. Изображение напечатано на высококачественном 10-чернильном принтере HP Z9PS на матовой бумаге HP плотностью 270 г / м2. Вы можете выбрать любой размер с точностью до 1 см. К размеру рисунка добавляется поле 5 см вокруг изображения.

Вы можете найти подробное описание наших отделок здесь.

В рамке арт. Изображение напечатано на фотобумаге HP плотностью 210 г / м2. Помещаем доску КАПА (сэндвич-материал, предназначенный для ламинирования отпечатков толщиной 5-10 мм) с наклеенной и ламинированной печатью в раму и обеспечиваем крючок для подвешивания.

Вы можете выбрать из 50 различных молдингов из дерева и металла и тысяч мотивов. Фольга защищает изображение от влаги, пыли и УФ-излучения (можно протирать влажной тканью).

Вы можете найти подробное описание наших отделок здесь.

Ламинирование и монтаж. Монтируем отпечаток на доску КАПА (сэндвич-материал, предназначенный для ламинирования отпечатков толщиной 5-10 мм) и одновременно прикладываем матовую прозрачную пленку.Репродукция обрезается по мотиву, оставляя поля 3 мм. Картина полностью готова к обрамлению. Фольга защищает изображение от влаги, пыли и УФ-излучения (можно протирать влажной тканью).

Вы можете найти подробное описание наших отделок здесь.

Художественный холст. Мы напечатаем ваше изображение на матовом холсте HP Artist Matte Canvas (380 г / м2). Мы печатаем на высококачественном 10-чернильном принтере HP Z9PS с высококачественными 200-летними чернилами. Стандартно мы добавляем к мотиву бордюр 5 см, ширину которого вы можете увеличить за отдельную плату.

Подходит для дальнейшей отделки и обрамления.

Вы можете найти подробное описание наших отделок здесь.

Художественный натяжной холст. Распечатываем изображение на фирменном матовом холсте HP Matte Canvas (380 г / м2). Затем натягиваем холст на раму картины (слепую). Рама сделана из высушенной древесины сосны (из-за возможного скручивания) и полностью скрыта полотном. Картину можно повесить прямо на стену без дополнительного обрамления.

Мы не загибаем мотив за край рамки, так как не хотим нарушать продуманную композицию картины.По умолчанию, если возможно, мы зеркально отражаем тему по вертикальным и горизонтальным краям изображения. Спереди виден весь мотив, сбоку — зеркальная часть:

Вы можете найти подробное описание наших отделок здесь.

Текстурированная бумага. Мы напечатаем выбранное изображение на красивой фактурной бумаге плотностью 240 г / м2 производства Fomei. Мы печатаем на высококачественном 10-цветном плоттере Hewlett-Packard. Добавляем к мотиву белую кайму 5 см.Принты на этой художественной бумаге можно оформить в рамку с паспарту и акриловым стеклом.

Размер можно изменять с точностью до 1 см.

Вы можете найти подробное описание наших отделок здесь.

Паспарту и акриловое стекло. Распечатываем выбранное изображение на выбранном вами материале. Затем мы добавляем антибликовое оргстекло Polystyrolglas® под маркой Larsonjuhl на лицевую сторону, затем вставляем картонную оправу с вырезом и закрепляем ее на подложке.В завершение складываем все в каркас и добавляем крючки для подвешивания.

Мы используем качественные паспарту Larsonjuhl с белым вырезом. Вырез крепления предварительно установлен на расстоянии 5 см от края. Паспарту придает образу роскошный вид и подчеркивает общее впечатление. Максимальный внешний размер коробки может составлять 112 x 81 см.

Оргстекло с антибликовым покрытием гарантирует, что изображение не будет бликовать и его будет видно из любого угла комнаты. Он защищает отпечаток и крепление от пыли и влаги.Оргстекло долговечно при транспортировке: не нужно беспокоиться, что в пути оно сломается.

Вы можете найти подробное описание наших отделок здесь.

Паспарту и акриловое стекло. Распечатываем выбранное изображение на выбранном вами материале. Затем мы добавляем антибликовое оргстекло Polystyrolglas® под маркой Larsonjuhl на лицевую сторону, затем вставляем картонную оправу с вырезом и закрепляем ее на подложке. В завершение складываем все в каркас и добавляем крючки для подвешивания.

Мы используем качественные паспарту Larsonjuhl с белым вырезом. Вырез крепления предварительно установлен на расстоянии 5 см от края. Паспарту придает образу роскошный вид и подчеркивает общее впечатление. Максимальный внешний размер коробки может составлять 112 x 81 см.

Оргстекло с антибликовым покрытием гарантирует, что изображение не будет бликовать и его будет видно из любого угла комнаты. Он защищает отпечаток и крепление от пыли и влаги. Оргстекло долговечно при транспортировке: не нужно беспокоиться, что в пути оно сломается.

Вы можете найти подробное описание наших отделок здесь.

Навесной холст художника. Мы напечатаем ваше изображение на матовом холсте HP Artist Matte Canvas (380 г / м2). Мы печатаем на высококачественном 10-чернильном принтере HP Z9PS с высококачественными 200-летними чернилами. Затем монтируем отпечаток на доску КАПА (сэндвич-материал, предназначенный для ламинирования отпечатков толщиной 5-10 мм). Оставляем запас 3 мм для облегчения обрамления.

Подходит для: особенно позднего кадрирования (картина полностью готова к кадрированию).

Вы можете найти подробное описание наших отделок здесь.

Художественный холст в рамке. Устанавливаем доску КАПА (сэндвич-материал, предназначенный для крепления принтов толщиной 5-10 мм) с вмонтированной печатью в рамку и даем крючок для подвешивания. Вы можете выбрать из около 50 различных деревянных и металлических лепных украшений и тысяч мотивов.

Вы можете найти подробное описание наших отделок здесь.

Паспарту и акриловое стекло. Распечатываем выбранное изображение на выбранном вами материале. Затем мы добавляем антибликовое оргстекло Polystyrolglas® под маркой Larsonjuhl на лицевую сторону, затем вставляем картонную оправу с вырезом и закрепляем ее на подложке. В завершение складываем все в каркас и добавляем крючки для подвешивания.

Мы используем качественные паспарту Larsonjuhl с белым вырезом. Вырез крепления предварительно установлен на расстоянии 5 см от края. Паспарту придает образу роскошный вид и подчеркивает общее впечатление.