Женщины в картинах знаменитых зарубежных художников (более 100 картин)
Приближается Международный Женский День, и поэтому свою публикацию я хочу посвятить милым и очаровательным женщинам — ведь без них человечество просто не существовало бы. В этой публикации вы сможете увидеть женщин разных эпох, народов, национальности, возрастов, социального и семейного положения, взглядов на мир, реальных и вымышленных, таких, какими их видели запечатлевшие их художники, и какими они притягивали восхищенные взгляды зрителей в свое время и продолжают притягивать много веков спустя.Рафаэль Санти “Дама под покрывалом (Донна Велата)”
Джон Уильям Уотерхаус “Прекрасная Розамунда”
Джеймс Эббот Макнил Уистлер “Каприз в пурпурном и золотом”
Франческо Айец “Певица Матильда Джува-Бранка”
Клод Моне “Дама в саду”
Гюстав Моро “Единороги”
Фредерик Лейтон “Девушка кормящая павлинов”
Эдгар Дега “Балет”
Альфонс Муха “Зодиак”
Клод Моне “Женщина с зонтиком”
Огюст Ренуар “Большие купальщицы”
Поль Гоген “Таитянские пасторали”
Джованни Больдини “Прогулка в парке”
Франц Винтерхальтер “Княгиня Татьяна Александровна Юсупова”
Огюст Ренуар “Зонтики”
Жан Огюст Доминик Энгр “Портрет графини Луизы д’Оссонвиль”
Гюстав Моро “Галатея”
Александр Кабанель “Рождение Венеры”
Альфонс Муха “Зима”
Альфонс Муха “Осень”
Альфонс Муха “Лето”
Франц Крюгер “Портрет императрицы Александры Федоровны”
Джеймс Тиссо “Девушки, разглядывающие японские безделушки”
Данте Габриэль Россетти “Возлюбленная (Невеста)”
Гюстав Курбе “Женщина с попугаем”
Джеймс Эббот Макнил Уистлер “Симфония в белом”
Гюстав Курбе “Девушки на берегу Сены”
Эдуард Мане “Бар в Фоли-Бержер”
Жан Огюст Доминик Энгр “Портрет мадам Инес Муатесье”
Поль Гоген “Ее звали Вайраумати”
Фредерик Лейтон “Пылающий июнь”
Иоганн Фредерик Овербек “Италия и Германия”
Жан Огюст Доминик Энгр “Жанна д’Арк на коронации карла 7 в реймсском соборе 17 июля 1429 года”
Джон Уильям Уотерхаус “Магический круг”
Жан Огюст Доминик Энгр “Большая одалиска”
Клод Моне “Камилла Моне в японском костюме”
Эдуард Мане “Олимпия”
Джеймс Тиссо “В ожидании парома”
Гюстав Моро “Саломея танцующая перед Иродом”
Энтони Сэндис “Фея Моргана”
Адольф Бугро “Рождение Венеры”
Джон Уильям Уотерхаус “Леди Шалот”
Никола Ланкре “Портрет танцовщицы Камарго”
Питер Рубенс “Вирсавия возле фонтана”
Джорджоне “Спящая Венера”
Антонис ван Дейк “Портрет маркизы Елены Гримальди Каттанео”
Лукас Кранах старший “Венера и Амур”
Себастьяно Риччи “Диана и Каллисто”
Томас Гейнсборо “Портрет достопочтенной миссис Грэм”
Франсиско Гойя “Зонтик”
Никола де Ларжильер “Элизабет Трокмортон”
Ангелика Кауфман “Портрет дамы в образе Венеры”
Ян Вермер “Молочница”
Жан Оноре Фрагонар “Молодая девушка за чтением”
Караваджо “Святая Екатерина Александрийская”
Аньоло Бронзино “Портрет Элеоноры Толедской с сыном Джованни”
Тициан “Венера Урбинская”
Якопо Амигони “Юпитер и Каллисто”
Леонардо да Винчи “Дама с горностаем”
Жан Оноре Фрагонар “Качели”
Франсуа Буше “Туалет Венеры”
Жан-Батист Шарден “Молитва перед обедом”
Франсуа Буше “Юпитер и Каллисто”
Франсуа Буше “Туалет Венеры”
Диего Веласкес “Венера перед зеркалом”
Франсуа Буше “Диана после купания”
Иоганн Баптист Лампи старший “Портрет императрицы Екатерины II с аллегорическими фигурами Крепости и Истины
Тициан “Даная”
Уильям Хогарт “Портрет Мэри Эдвардс”
Корреджо “Юпитер и Ио”
Ян Вермер “Молодая женщина с кувшином”
Ян Госсарт “Даная”
Ян ван Эйк “Портрет Маргариты ван Эйк”
Ян Вермер “Девушка с жемчужной сережкой”
Франсиско Гойя “Маха обнаженная”
Питер Рубенс “Соломенная шляпка (Сусанна Фоурмен)”
Мартен ван Хемскерк “Портрет Анны Кодде”
С.
Леонардо да Винчи “Мона Лиза”
Пьеро ди Козимо “Портрет Симонетты Веспуччи”
Аньоло Бронзино “Портрет Лукреции Панчатики”
Рембрандт “Даная”
Франсуа Буше “Отдыхающая девушка”
Сандро Боттичелли “Рождение Венеры”
Ян Сиберехтс “Пастушка”
Симон Вуэ “Аллегория богатства”
Тициан “Венера перед зеркалом”
Петрус Кристус “Портрет девушки”
Рафаэль Санти “Поэзия”
Леонардо да Винчи “Леда с лебедем”
Леонардо да Винчи “Портрет Беатриче д’Эсте”
Клод Моне “Девушки в лодке”
Леонардо да Винчи “Женщина с распущенными волосами”
Рубенс “Портрет Елены Фоурмен”
Рафаэль Санти “Портрет Иоанны Арагонской”
Рафаэль Санти “Портрет молодой женщины с единорогом”
Рафаэль Санти “Портрет Элизабет Гонзаго”
Сандро Боттичелли “Весна”
Сандро Боттичелли “Женский портрет”
Сандро Боттичелли “Портрет Симонетты Веспуччи”
Рубенс “Портрет Марии Серра Паллависи”
Рафаэль Санти “Портрет Маддалены Дони”
Клод Моне “Дамы в саду”
Сандро Боттичелли “Возвращение Юдифи”
Леонардо да Винчи “Портрет Джиневры де Бенчи”
Рафаэль Санти “Донна Гравида”
Рубенс “Туалет Венеры”
Леонардо да Винчи “Портрет Лукреции Кривели”
Леонардо да Винчи “Леда”
Клод Моне “Читатель”
Рубенс “Шубка”
Рафаэль Санти “Портрет дамы”
Леонардо да Винчи “Голова девушки”
Франц Винтерхальтер “Императрица Евгения в окружении фрейлин”
Женщины на картинах великих художников
Живописцы во все времена использовали женский образ для создания красивых полотен, для выражения своего восхищения перед их красотой или даже для создания женского идеала. Великолепных картин, которые вошли в историю мировой живописи и сегодня считаются настоящими шедеврами мирового значения, так много, что перечислить их все вряд ли вообще возможно. Художники во все времена писали своих жён, матерей, дочерей, знакомых, подруг, известных и влиятельных женщин. Портреты и жанровые сцены, картины на мифологические и религиозные темы.Женская красота в картинах таких художников имеет некую глубинную составляющую. Великие художники пытались не просто передать внешние данные, но также пытались показать их эмоциональность, характер, душевную красоту.
Далее вы можете увидеть небольшую подборку знаменитых картин, главными героями которых стали женщины. Здесь представлены полотна как иностранных, так и русских художников, имена которых вам наверняка знакомы.
Женщины на картинах великих художников
Валентин Серов «Девочка с персиками»
Василий Тропинин «Кружевница»
Виктор Васнецов «Алёнушка»
Владимир Боровиковский «Портрет Марии Ивановны Лопухиной»
Владимир Маковский «Девочка с гусями»
Дмитрий Левицкий «Портрет Марии Алексеевны Дьяковой»
Жан-Батист Грёз «Прачка»
Жан-Леон Жером «Бассейн в гареме»
Зинаида Евгеньевна Серебрякова «Жатва»
Алексей Венецианов «Девушка в платке»
Борис Кустодиев «Красавица»
Иван Аргунов «Портрет неизвестной крестьянки в русском костюме»
Карл Брюллов «Итальянский полдень»
Константин Маковский «Русская красавица»
Леонардо да Винчи «Мадонна Литта»
Леонардо да Винчи «Мона Лиза»
Огюст Ренуар «Портрет актрисы Жанны Самари»
Сандро Боттичелли «Рождение Венеры»
Тимофей Нефф «Портрет великих княжон Марии Николаевны и Ольги Николаевны»
Эжен Делакруа «Свобода, ведущая народ»
11 самых известных женщин-художниц – ARTandYou.
ruНевооруженным глазом ясно, что женщин художников в истории искусства значительно меньше, чем художников мужчин. Занятный парадокс, ведь современному человеку увлечение рисованием может показаться занятием исключительно женским. Однако, в этом же представлении и кроется ответ – в мировой истории культуры оставили след лишь те женщины, для которых искусство становилось профессией, перечеркивавшей все остальные формы их социальной активности. Действительно, искусство, в еще большей степени, чем любая другая профессия, требует полнейшей отдачи. Женщине, которая лишь недавно добилась эмансипации традиционно отводились другие социальные роли. Заниматься карьерой, работать вообще, женщинам не особенно полагалось. Так и с точки зрения психологии и природы, в определенный момент самым важным делом женщины становится семья и дети. Таким образом, большинство женщин-художников сознательно делали свой выбор не в пользу искусства. Стоит также сказать о том, что карьера многих известных художников была сформирована именно женщинами, находившимися рядом – Гойа и Герцогиня Альба, Дали и Гала (которая также обучалась рисованию будучи в России).
В целом считается, что женщина порой просто не может писать так, как мужчина. Например, когда мы смотрим на полотна Ван Гога, Гогена, Сикейроса сразу же чувствуется их исключительно мужская «сильная» линяя и рисунок.
Однако из всех правил всегда есть исключения. Ярчайшие примеры женщин-художниц доказывают то, что в живописи они могут быть ничуть не хуже мужчин. В каком-то смысле их по праву можно называть феминистками от живописи. Даже в те времена, когда этого термина еще не существовало, они добивались успеха, несмотря на массу противоречащих этому факторов.
Софонисба Ангиссола – (ок. 1533 – 1625)
Итальянская художница. Ее жизнь и творчество приходятся на самый значительный период Итальянского Ренессанса, именуемый искусствоведами высоким Возрождением. Таким образом, Ангиссола, пожалуй, наиболее известная художница Итальянского Возрождения.
С 1559 года она становится придворной художницей испанского короля Филиппа II. Известна Ангиссола в основном придворными портретами членов королевской семьи. Ее работы находятся в ведущих музеях мира, таких как Прадо в Мадриде и музей Флоренции.
Мари Элизабет Луиза Виже-Лёбрен (1755-1842)
Французская художница. Была придворной художницей королевы Франции Марии Антуанетты, по протекции которой была избрана в члены Королевcкой академии живописи и скульптуры. Впоследствии Лиже-Лебрен писала портреты многочисленных знатных особ таких, как Виллем I – король Голландии, Станислав Понятовский – король Польши, леди Гамильтон – любовницу адмирала Нельсона, княгиню Анну Федоровну – жену князя Константина Павловича второго сына Павла I и других членов российской императорской семьи. Большую известность также имеют ее мемуары, часть которых посвящена воспоминаниям о России, в которой художница провела 6 лет. Писала в основном портреты в жанре рококо и классицизма.
Мари Кэссет (1844-1926)
Американская художница, имя которой по праву стоит в одном ряду с величайшими импрессионистами. Во-первых, будучи дружна с многими из них, она много сделала для их популяризации в Америке. Во-вторых, сама писала в жанре импрессионизма и снискала достаточно большую славу и признание как художник. Лейтмотивом ее творчества был психологический мир женщин, в особенности отношения матери и ребенка.
Сюзанна Валадон – (1865 – 1938)
Французская художница. В детстве работала в цирке акробаткой, но в возрасте 15 лет упала с трапеции и была вынуждена завершить цирковую карьеру. В цирке познакомилась и в дальнейшем выступала натурщицей для Ренуара, Дега, Лотрека и других. Ее портреты встречаются в известных работах данных художников, так что ее внешний вид может оказаться знаком многим. В частности, она изображена на картине Ренуара «Зонтики» в левой части холста, есть и ее персональные портреты, например, «Девушка, плетущая волосы» Ренуара или «Прачка» Лотрека.
Воодушевленная Эдгаром Дега Сюзанна сама стала художницей. В 1894 году она стала первой женщиной принятой в Societe National des Beaux-Arts в Париже. Когда она умерла на ее похороны пришли Пабло Пикассо и Жорж Брак. Ее сын Морис Утрилло также снискал большую славу как художник. Писала Валадон, в основном, портреты и пейзажи. Ее работы находятся в собрании центра Жоржа Помпиду в Париже и музее Метрополитен в Нью-Йорке.
Марианна Веревкина (нем. Marianne von Werefkin) (1860-1938)
Русско-немецкая художница. Ученица Репина. Первоначально работала в стиле реализма, достигнув такого мастерства, что была названа «Русским Рембрандтом». В 1888 году на охоте на всю жизнь повредила кисть правой руки, но с годами смогла работать ей как ранее. В 1895 с А.Г. Явленским переехала в Мюнхен, где познакомилась с Штуком, Кандинским, Ленбахом. Под влиянием которых начала работать в стиле экспрессионизма. Выставлялась вместе с группой «Синий Всадник»(1912), вставила свои работы на первом немецком осеннем салоне (1913).
Зинаида Серебрякова (1884-1967)
происходила из известного рода представителей разнообразных творческих профессий — Бенуа-Лансере, сама была замужем и имела детей, при этом сумела оставить не малый след в живописи. Безусловно, здесь немаловажным аспектом является то, что в дворянских семьях того времени навыкам рисовать, музицировать, писать и декламировать стихи обучали с раннего детства и практически все образованные дамы того времени в-принципе неплохо рисовали. Зинайда Серебрякова, очевидно, также имела определенную протекцию благодаря связям своих родственников. Тем не менее, Серебрякова является одной из самых талантливых и известных российских художниц. Она одинаково сильно воплощает в себе оба начала: тонкую чувственную женскую натуру и художника, четко знающего, что он делает и почему.
Наталья Гончарова (1981 – 1962)
Как и Зинаида Серебрякова принадлежала к знатному дворянскому роду. Она была правнучатой племянницей А.
С. Пушкина по линии жены поэта Натальи Гончаровой. В отличие от Серебряковой, Гончарова не была замечена в особой склонности к рисованию. Тем не менее, с детства увлекалась созданием чего-нибудь своими руками. Возможно, поэтому ее творческий путь развивался в стиле модерн, ее тяга к декоратизму, примитивизму четко видна в ее работах. Кстати, она была одной из первых среди европейских художников обратившей внимание на технику коллажа. Художницей Гончарову вдохновил стать будущий муж М.Ф. Ларионов, с которым они познакомились во время учебы в училище. Он вдохновлял ее на многочисленные творческие поиски, какое-то время она работала в разработанном им же стиле лучизме. Тем не менее, будучи замужем за Ларионовым, Гончарова вряд ли уступала ему в мастерстве живописи, заняв свое особое место в истории искусства.
Фрида Кало (1907 – 1954),
Одна из самых известных женщин-художников. В данном случае, как и с Гончаровой, первоначально ее талант помог раскрыть, к тому времени уже известный и состоявшийся художник Диего Ривера, в последствие ставший ее мужем.
Однако в известности Кало во многом превзошла своего учителя и мужа. Ривера признавался впоследствии, что несмотря ни на что, творчество Фриды сразило его с первого раза и на всю жизнь. Как известно Фрида Кало не могла иметь детей после катастрофы, в которую попала в юности. Эта же катастрофа, приковавшая ее на многие месяцы к кровати, способствовала ее все большему увлечению живописью и выработала ее особую, ни с чем несравнимую трагически-тяжелую манеру живописи. Душевная трагедия Фриды, как женщины, которой, несмотря на большое уважение, всю жизнь приносил страдания и сам Диего Ривера, известный ловелас, определила ее триумф как художницы. Сложно представить, каким было бы творчество Фриды и принесло бы оно ей такой же успех, если бы не ее тяжелая женская доля.
Вера Мухина (1989 – 1953)
Величайший скульптор ХХ столетия. Одно из ее главных произведений скульптура «рабочий и колхозница» созданное для всемирной выставки в Париже 1937, навсегда останется одним из визуальных образов советского союза.
С 1947 года скульптура является эмблемой киностудии «Мосфильм». Вера Мухина стала лауреатом пяти Сталинских премий. И все же на самом деле ее творчество гораздо более относится к искусству и наследию модерна, нежели социалистического реализма. Кстати, именно дизайну Веры Мухиной относят знаменитый граненый стакан.
Луиз Буржуа (1911 – 2010)
за свою долгую жизнь прошла огромный творческий путь, охватывающий разные стили, направления и техники. Ее в равной степени можно назвать и живописцем и скульптором. Она работала и в фигуративной технике и в технике абстрактной. Однако все ее произведения одинаково пропитаны женскими переживаниями и страхами, от которых она пыталась избавиться своим творчеством. Наиболее всего она, наверное, запомнится многочисленными скульптурами пауков, которых боялась с детства. А также своими художественными концепциями, отражающими во многом женские проблемы – сексуальное насилие, жестокость и непонимание. Вот уж кого больше всего можно назвать феминисткой в живописи так это Луиз Буржуа — один из символов женского начала в традиционно мужском художественном сообществе первой половины ХХ века.
Трэйси Эмин (род. 1963)
представительница течения Молодых Британских Художников, обладательница премии Тернера (1999), в своем творчестве также как и Луиз Буржуа открыто выражает сексуальный контекст и феминистские настроения. Славу ей принесла телепрограмма, посвященная премии Тернера, на которую Трэйси завалилась в усмерть пьяная. Эпатаж, должно быть, занимает важное место в ее творчестве – секс и мастурбация в рисунках, использованные презервативы и женские тампоны в инсталляциях . Все это вызывало шквал негодования в Британии и во всем мире, однако судя по всему для художницы это всего лишь способ обратить внимание на несправедливую со стороны природы и мужчин женскую долю.
Безусловно, лишь этими именами список выдающихся женщин-художниц не ограничивается. Тем не менее, можно наглядно проследить. чем ближе к сегодняшему дню, тем свободнее женщины-художники выражают свои исключительно женские настроения и переживания. В тоже время сегодня их количество становится все больше.
Без стеснения женщины начинают выражать свои чувства и протесты, в том числе через искусство.
десять самых красивых историй любви
Считается, что за каждым успешным мужчиной стоит сильная женщина. В преддверии 8 марта «МИР 24» решил рассказать о десяти самых неоднозначных музах великих художников.
Спрятанный лик под «Данаей»
Рембрандт/Саския в образе Флоры
Голландскому художнику Рембрандту мировое признание принесла картина «Даная». Писал Рембрандт ее не для продажи. Картина, знаменитая своим эротизмом на грани фола, вызывала немало вопросов у искусствоведов. Они долгие годы спорили о том, чей лик запечатлен на шедевре Рембрандта. В середине ХХ века специалист Эрмитажа Юрий Кузнецов решил подвергнуть «Данаю» рентгенографическому исследованию. Аппарат высветил лицо Данаи, и в ее чертах вдруг проступила сама Саския ван Эйленбург – муза и жена художника.
Влюбились они в друг друга в Амстердаме, куда Рембрандт приехал, чтобы разбогатеть и прославиться, а скромная Саския – погостить у родни.
Тогда художнику было 27, а его будущей супруге – на 6 лет меньше. Саския вдохновила его на создание целого ряда портретов. Один из них – «Блудный сын», на котором муза творца изображена в образе блудницы, сидящей на коленях у самого Рембрандта. Полотно было написано в первые дни медового месяца супругов. Несколько раз Рембрандт изобразит свою Саскию в обличье Флоры – римской богини цветов и плодов.
Клод Моне дал рождение художественному направлению «импрессионизм» благодаря картине «Впечатление. Восходящее солнце». Но самой знаменитой его работой считается серия полотен «Водяные Лилии».
Однако критики считают, что известность ему принесла картина «Камилла, или Портрет дамы в зеленом платье». На ней творец изобразил свою музу и жену Камиллу Донсье (Камиль Домкьюз). Долгие годы она оставалась единственной моделью художника. Камилле нравилось замирать перед холстом, и большая часть женских образов Моне списана именно с нее. Супруга позировала мужу во многих картинах.
Ее задорный портрет можно увидеть на картине «Японка». В отличие от большинства других работ Моне, эта работа не столь насыщена светом. Она же прогуливается вместе с сыном по лугам на полотне «Прогулка: Камилла Моне с сыном Жаном (Женщина с зонтиком)».
Клод Моне/Женщина с зонтиком
Клод прожил с супругой 15 лет. После смерти он решил изобразить Камиллу на смертном одре, окутанной голубой дымкой. Так появилось одно из самых волнующих произведений, вышедших из-под кисти импрессионистов – «Посмертный портрет Камиль Домкьюз».
Образец французской кокетки
Пьер Огюст-Ренуар считается знаковой фигурой в импрессионизме. Холст «Большие купальщицы» – самая значимая работа французского художника. Для этой картины позировала одна из его муз – Сюзанна Валадон, впоследствии ставшая известной художницей. В «Больших купальщицах» Сюзанна предстает в образе соблазнительной пухлой красотки. Изящная фигурка и очаровательное личико Валадон очень нравилось Ренуару и он взял ее себе в натурщицы на долгие годы.
Пьер был готов днями напролет рисовать свою любимую музу. Он с наслаждением наносил на холст ее большие голубые глаза, густые темные волосы и пышную грудь. Так появился портрет «Девушка, заплетающая косу».
Ренуар/Девушка,заплетающая косу
Еще одной неимоверно популярной работой художника стали две картины из цикла «Городские танцы», на которых в роли танцующей дамы была изображена Валадон. Сам творец называл свою музу образцом французской кокетки конца XIX века.
Муза в образе Демона
Творчество Михаила Врубеля, первого русского художника-символиста конца ХІХ, в первую очередь известно по его иллюстрациям к произведениям Лермонтова. Образ лермонтовского Демона можно часто встретить в его картинах. Но в молодые годы Михаил расписывал церкви и писал ангелов. И вдохновение ему дарила Эмилия Прахова, жена профессора Адриана Прахова.
Врубель/Демон сидящий
Профессор очень долгое время искал человека, который мог бы отреставрировать фрески XII века в Кирилловской церкви.
Однажды он услышал о начинающем художнике Михаиле Врубеле и позвал его к себе, где и познакомился со своей музой. Во время реставрационных работ до Адриана доходят слухи, что у его жены появился молодой любовник в лице Михаила. Опасаясь за свой брак, он решает избавиться от соперника и отправляет художника в Италию, чтобы тот закончил работу над четырьмя иконами – «Иисус Христос», «Святой Афанасий», «Святой Кирилл», «Богоматерь с младенцем». Врубель пробыл в Венеции 3 месяца и закончил всю работу. Однако многие в образе Богородицы увидели черты лица Эмилии, а в образе Иисуса Христа – портрет ее маленькой дочери Оли. Прахова не оценила творчество и прервала отношения с Врубелем. Единственное, что оставалось художнику – это рисовать любимую. И он продолжал. Удивительно, но искусствоведы угадывают черты Эмилии Праховой даже в поздних работах художника – в знаменитом шедевре «Демоне сидящем».
Полотна австрийского художника Густава Климта известны во всем мире.
Его работы входят в топ-10 самых дорогих картин мира. Мировую известность ему принесли полотна «Поцелуй» и «Золотая Адель». Любопытно, что многие дамы с портретов для виртуозного австрийца позировали в платьях модельера Эмилии Флёге. Она же была его музой.
Климт/Поцелуй
Эмилия познакомилась с Густавом, когда ей было 18 лет. Климту было уже под 30. Браком они не стали себя связывать, скрепили свою пару негласным дружеским союзом с толикой романтики. Впоследствии она оставалась постоянной спутницей Климта более 20 лет. Художник лишь раз нарисовал свою музу, но Эмилии и ее семье портрет не понравился, она отказалась его принять. Спустя несколько лет картину приобрел Венский исторический музей. Однако эксперты считают, что Эмилия как минимум дважды появлялась на полотнах творца. Считается, что на картине «Поцелуй» изображен их автопортрет. Она же вдохновила его на написание уникальных пейзажей – мозаичные полотна из точек и узоров. Многие из них были сожжены нацистами во время Второй мировой войны.
В 2017 году его пейзаж «Цветущий сад» был продан на лондонском аукционе «Сотбис» за 59 млн долларов.
После смерти художника Эмилия Флёге сожгла все письма, полученные от него. Она пережила художника на 34 года и все это время вела уединенный образ жизни.
Девушка с картины «Последний день Помпеи»Карл Брюллов – русский художник. Самым главным произведением в творчестве мэтра искусствоведы считают полотно «Последний день Помпеи». Написал он его в возрасте 28 лет во время своей экспедиции на раскопках древней Помпеи. Потом была картина «Итальянский полдень», моделью для которой стала неизвестная симпатичная пышная итальянка.
Его музами становились девушки из реальной жизни со всеми их достоинствами и недостатками, но главной была – графиня Юлия Самойлова. Яркую красавицу Брюллов встретил в Риме. К слову, время знакомства художника и Самойловой совпало с работой Карла над «Последним днем Помпеи». Темперамент графини был взрывным, поэтому в качестве главной героини Брюллов изобразил Юлию.
На полотне ее образ запечатлен трижды: девушка с кувшином на голове, стоящая рядом с художником, женщина с младенцем на руках, мать, пытающаяся защитить от извержения Везувия своих дочерей.
Брюллов/Последний день Помпеи
На картине «Всадница» Брюллов запечатлел графиню с приемной дочерью Джованиной. Полотно вызвала огромный восторг публики. Другая приемная дочь Амацилия сопровождает Самойлову и на другом портрете Брюллова – в «Маскараде». Эта работа стала последней в их совместном творчестве.
Дама Пикассо
Картину «Девочка на шаре» искусствоведы называют самой знаменитой работой испанского художника Пабло Пикассо. Знаменитое творение художника своим появлением обязано Фернанде Оливье. Она была его первой большой любовью. С художником Фердинанда познакомилась, когда им обоим было по 23 года. В то время Пикассо был беден и никому не известен. Сначала Оливье стала его натурщицей, а потом музой. Она вдохновила творца на написание более шестидесяти картин, на которых предстает в самых разных образах.
Самой яркой совместной работой считается картина «Дама с грушами». На полотне возлюбленная Пикассо изображена вовсе не изящно. Она похожа на вырезанную из дерева массивную скульптуру, чем на стройную и утонченную женщину, какой Фердинанда была от природы.
Пикассо/Алжирские женщины
Их роман закончится через девять лет. Оливье потом всю жизнь будет пытаться опубликовать дневники с воспоминаниями о Пикассо, а гениальный художник – платить ей, чтобы эти истории никак не повлияли на его репутацию. Мемуары выпустят сразу после смерти обоих – в 1988 году.
Белорусская муза Шагала
Русско-французский художник Марк Шагал один из самых известных представителей художественного авангарда XX века. Мировое признание ему принесла картина «Над городом». Главные герои – сам художник и его жена Белла Розенфальд, парящие над землей.
Шагал/Над городом
Марк неоднократно рисовал свою музу Бэллу. Шагал познакомился с ней в Витебске (Беларусь).
Через 6 лет они поженились и провели вместе 29 лет. Все это время он посвящал любимой супруге картины. Их были сотни. Картина «Прогулка» была создана в атмосфере восторга и счастья от свадьбы с Беллой. Искусствоведы считают ее одной из самых романтичных картин Шагала.
Белла прожила с Шагалом счастливую жизнь. Как настоящая муза она делила с ним победы и поражения. Художник пережил свою жену. После смерти он напишет в шагаловском стиле картину «Одиночество» – свою Беллу, вознесшуюся на небеса.
Прекрасная Елена
Сальвадор Дали – главный сюрреалист мирового искусства. За всю жизнь он создал сотни картин. Пожалуй, самая узнаваемая – «Постоянство памяти». На написание этого шедевра Дали вдохновила его муза и жена Гала, или Елена Дьяконова. Однажды она произнесла: «увидевшие картину хотя бы раз никогда не забудут ее». Так и случилось, искусствоведы до сих пор спорят о том, что на ней изображено.
Дали/Галатея cо сферами
Гала и Дали встретились, когда ему было 25, а ей 35.
Они не расставались 53 года. Все это время Гала была главной музой и натурщицей Дали. В картине «Галатея cо сферами» жена Сальвадора изображена из множества маленьких-сфер атомов, сливающихся в единый коридор. Испанский художник беспрестанно рисовал свою Галу. В картинах Дали она была его Девой Марией и Еленой Прекрасной. Маэстро помещал ее лицо рядом с муравьями и отбивными. Последние годы Галы были омрачены болезнями, поэтому день смерти она ждала как «самый счастливый в жизни». Муза художника умерла в 1982 году, Дали пережил ее на семь лет.
Царственная Анна Ахматова
Амедео Модильяни знают во всем мире как итальянского художника и скульптора. В России он известен не только своими картинами, но и тем, что у Модильяни был бурный роман с поэтессой Анной Ахматовой. Впервые художник и его муза встретились в парижском кафе «Ротонда». Она была «Царственна!» – вспоминал Модильяни свою первую встречу с Анной Ахматовой. В ту пору 20-летняя Анна приехала в Париж на медовый месяц со своим мужем Николаем Гумилёвым, но это не помешало чувствам Анны и Модильяни.
Они провели вместе три романтичных месяца. В маленькой съёмной комнате поэтесса позировала маэстро для его новых картин. Амадео написал 16 карандашных рисунков Ахматовой, однако судьба многих работ остается неизвестной: говорили, что Анна спрятала портреты, желая скрыть свою страстную любовь. Искусствоведам известны только две работы, которые напоминают русскую поэтессу.
Модильяни/Портрет Жанны Эбютерн в красной косынке
Ахматова вернулась к мужу в Россию. Влюблённые расстались навсегда. Модильяни вскоре увлёкся французской художницей Жанной Эбютерн, которая впоследствии стала его музой на всю жизнь. Он успел написать около 25 ее портретов. В картинах Модильяни она всегда представала в образе задумчивых меланхоличных женщин. «Портрет Жанны Эбютерн в красной косынке» эксперты называют «одной из самых совершенных работ художника».
Жанна Эбютерн была очень привязана к Модильяни. Когда художник разрушал себя наркотиками и алкоголем, Жанна Эбютерн с ужасом наблюдала, как он умирает.
На следующий день после того, как Амадео умер, Жанна выбросилась из окна. Ей не было и двадцати двух лет.
10 лучших картин о любви
1 | Рембрандт
Еврейская невеста (1665)
Об этом шедевре Рембрандта мы очень мало знаем — кто эта пара, была ли девушка невестой, были ли эти люди на самом деле евреями, но в любом случае этот образ выходит за рамки портретов. Их лица сияют любовью. Их позы прекрасны: его рука мягко покоится на ее груди. Женщина, прикасаясь к руке мужчины, поддерживает этот жест. Интимность их отношений выражена именно этим прикосновением, которое составляет ядро картины. После микеланджеловского «Сотворения Адама» это, пожалуй, самый цитируемый жест в истории живописи. А сама картина — полна вдохновения для терпения, смирения и любви.
2 | Рубенс
Автопортрет с Изабеллой Брант (1609)
Эта картина создана Рубенсом вскоре после женитьбы и изображает супругов на фоне куста жимолости.
Спокойствие и безмятежность исходят от картины, на которой фигуры изображены одинаково большими и рядом друг с другом — выражение самостоятельности и равноправного положения супругов. Рубенс расположился на скамье, а Изабелла — на коленях возле него на брошенном на землю голубом плаще. Все в саду процветает и эти двое оберегают друг друга своей любовью. Поза художника исполнена крайней непринужденности и свободы, он сидит, закинув ногу на ногу. История мирового портрета еще не знала подобной раскованности движения позирующей для портрета модели.
3 | Ватто
Сюрприз (1718)
Когда солнце исчезает, и вечер полон обещаний, музыкант сидит рядом с молодой парой, соединенной в страстном поцелуе. Они настолько поглощены своими объятиями, что едва ли помнят об этом неудобно близком зрителе. Возможно, музыка — пища для их любви, а, может, они вовсе ее не слышат. Как бы там ни было, но мы видим одного из полутрагических наблюдателей Ватто.
Есть мнение, что во всех своих произведениях художник изображает чувство тоски по недостижимому миру мечты.
4 | Ренуар
Танец в деревне (1883)
Любовники Ренуара в смятении от музыки, танцев, летней жары… и друг от друга. Их пикник был оставлен в беспорядке; шляпа (его?) упала на землю; и девушке только остается поддаться поклоннику, который крепко держит ее за запястье и талию. Кажется, что вся картина колеблется. Центром мягкой и знойной композиции является улыбка на прекрасном лице девушки. Направленный прямо к зрителю, этот образ — фиксация момента истинного счастья.
5 | Климт
Поцелуй (1908)
Обернутые друг в друга, влюбленные погружены в вечный поцелуй. Нет ощущения телесности под роскошными одеждами. Голые ноги, цветы в волосах: неудивительно, что хиппи любили шедевр Климта, и он остается самым известным поцелуем в живописи.
Идеальный квадрат холста, идеальные пропорции, полная гармония, и мир растворяется в мерцании вокруг.
6 | Шагал
День рождения (1915)
Муза и жена Шагала, Белла, вспоминала, как в день рождения мужа она собрала у себя дома яркие платки, нарвала в соседнем саду синие цветы и украсила его мастерскую: «Я все еще держала цветы. Сначала порывалась поставить их в воду. Завянут же. Но очень скоро про них забыла. Ты так и набросился на холст; он, бедный, задрожал у тебя под рукой. Кисточки окунулись в краски. Разлетались красные, синие, белые, черные брызги. Ты закружил меня в вихре красок. И вдруг оторвал от земли и сам оттолкнулся ногой. Как будто тебе стало тесно в маленькой комнатушке. Вытянулся, поднялся и поплыл под потолком». Потолок раздвинулся — и влюбленные устремились в синеву витебского неба. Кто-то называет эту картину «метафорой обретенного счастья», а Марк Захарович был проще в определении: «Только открыть окно — и она здесь, а с ней лазурь, любовь, цветы.
С тех давних пор и по сей день она, одетая в белое или в черное, парит в моих картинах, озаряет мой путь в искусстве».
7 | Магритт
Влюбленные (1928)
Пара пытается поцеловаться, но их губы и глаза никогда не встречаются. А, может, эти двое вообще не знают друг друга. И это свидание вслепую? Или слепота любви… Художнику нравилось, когда тайну изображаемых им образов пытались раскрыть при помощи различных интерпретаций. Однако сам он не соглашался ни с одной из них. Магритт писал: «Мои картины – изображения, которые ничего не скрывают…они вызывают тайну и, действительно, когда человек видит одну из моих работ, задается этот простой вопрос: «Что это значит?» Это ничего не значит, потому что тайна ничего не значит, она непознаваема».
8 | Фрида Кало
Автопортрет в образе техуаны (1943)
Этот двойной портрет был начат в конце лета 1940 года после того, как художники Фрида Кало и Диего Ривера развелись.
Традиционно, Кало делает метафоры буквальными. Она не может перестать думать о Диего, одержима мыслями о муже. Фрида носит традиционный мексиканский костюм, который он любил, и корону из листьев, которая, кажется, распространяется как паутина. Художница и ее любовь будто попали в ловушку. Но это не конец. К тому времени, когда картина была окончена, в 1943 году художники вновь были вместе.
9 | Стэнли Спенсер
Воскресение: Reunion (1945)
Что есть любовь? В представлении Стэнли Спенсера, любовь является не каким-то поэтическим понятием, а призывом к всеобщим объятиям. Мы будем встречаться снова и снова, даже после смерти, наша любовь никогда не умрет. Может быть это именно то, на что мы все надеемся…
10 | Роберт Индиана
Love (1965)
Поп-художник Роберт Индиана создал чистую и концентрированную современную пиктограмму в известной картине, противопоставляя красный цвет любви голубому и зеленому фону.
Изображение было продано за миллион, это валентинка нашего поколения. Любовь — что еще имеет значение?
20 самых известных художников мира и их знаменитые картины
Рафаэль Санти (1483 – 1520)
Рафаэль был творческой, всесторонне развитой и одаренной личностью, поэтом и величайшим художником, чьи работы очень ценились в Ватикане. Это один из величайших художников мира, который нашел особую манеру изображения пространственной перспективы, как в «Обручении Девы Марии».
Известные работы:
«Святой Георгий и дракон» (1506).
«Донна Велата» (1515).
«Диспут о Святом Причастии» (1510).
«Преображение Господне» (1520).
«Сикстинская Мадонна» (1512).
В «Сикстинской Мадонне», самом известном его шедевре, впечатляет буквально все – от одухотворенного лица девственницы до прорисовки «облака свидетелей» духовного мира. Одна из «простеньких» его графических работ была продана на аукционе Сотбис за 30 млн фунтов стерлингов.
Рембрандт Ван Рейн (1606 – 1669)
Среди самых известных художников он считается менее знаменитым, но ему удалось опередить время и внести свою лепту в мировую сокровищницу:
«Даная» (1647).
«Ночной дозор» (1642).
«Саския в образе Флоры» (1634).
«Блудный сын в таверне» (1635).
«Возвращение блудного сына» (1669).
В Эрмитаже выставлено «Возвращение блудного сына», знаковое полотно на библейский сюжет. Это вечная тема взаимоотношений отцов и детей, где четко видно – сострадание отца к неразумному юноше превыше справедливого гнева владельца большого имения.
Сальвадор Дали (1904 – 1989)
Самый эпатажный среди наиболее известных художников – Сальвадор Дали, с его особым способом мышления и трансформации образов. Многие, впервые разглядывая его полотна, восклицают: «Как можно было до такого додуматься?!». Сложно забыть его работы, особенно лихо закрученные усы с автопортрета и эти текущие циферблаты.
Известные работы:
«Постоянство памяти» (1931).
«Архитектонический «Анжелюс» Милле» (1933).
«Распятие Христа» (1954).
«Живой натюрморт» (1956).
«Лик войны» (1941).
Испанец Сальвадор Дали был одинок из-за широты ума, сложным для понимания обывателями. Он был сюрреалистом, гением, но только не безумцем.
Сандро Боттичелли (1445 – 1510)
Один из наиболее значимых мастеров Возрождения внес большой вклад в развитие особой манеры флорентийской школы живописцев. Пример – «Поклонение волхвов» на библейский сюжет.
Известные работы:
«Благовещение» (1490).
«Поклонение волхвов» (1482).
«Мистическое Рождество» (1501)
«Аллегория силы» (1470).
«Рождение Венеры» (1485).
«Рождение Венеры» из пены морской – одно из всемирно известных полотен самого выдающегося художника XV века. Сегодня это один из наиболее растиражированных образов.
Поль Гоген (1848 – 1903)
Рассказывая о великих художниках мира, нельзя не вспомнить о французском живописце Гогене.
Его считают противоречивой фигурой в искусстве, в основном из-за влияния этнических мотивов на его манеру, как в полотне «День божества» (Таити).
Известные работы:
«День божества» (1894).
«Борьба Иаков с Ангелом» (1888).
«Желтый Христос» (1889).
«Больше никогда» (1867).
«Откуда мы пришли? Кто мы? Куда идём?» (1898).
Светское общество осуждало его за женитьбу на таитянке. Островитяне его боялись, видя в нем «демона», из-за которого они страдали бессонницей. Коллеги не принимали новаторства его полотен, обвиняя в расизме и женоненавистничестве. Но это не помешало ему войти в золотую двадцатку гениальных художников.
Микеланджело Буанаротти (1475 – 1564)
Он был итальянским художником в расцвет эпохи Возрождения. А еще он был непревзойденным скульптором и архитектором, украсившим Рим своими шедеврами. Каждое утро в Ватикан стекаются толпы туристов, чтобы восхищаться изваянием Матери Иисуса Христа, только что снятого с креста..jpg)
Известные работы:
Базилика Св.Петра в Ватикане.
«Фреска «Страшный суд» (1541).
«Давид», мраморная статуя (1504).
«Пьета», скульптура (1499).
«Сотворение Адама» (1512).
Две соприкасающиеся кисти руки – шедевр, который не смогли превзойти другие всемирно известные художники. Это фрагмент фрески «Сотворение Адама», где зрителей смущает не только откровенная нагота, но и пупок на животе юноши. Его не должно быть у существа, появившегося на свет не в результате рождения из материнской утробы, а по замыслу сотворения первых людей.
Густав Климт (1862 – 1918)
Среди великих австрийских художников почетное место занимает один из самых ярких представителей европейского модерна. Его «Поцелуй» и «Золотая Адель», написанные в особой манере, входят в 20-ку самых дорогих картин, проданных на аукционах после смерти гения.
Самые известные работы:
«Поцелуй» (1908).
«Портрет Адели Блох-Бауэр» (1907).
«Юдифь и голова Олоферна» (1901).
«Портрет Адели Блох-Бауэр» был выкраден нацистами. Он выставлялся в картинной галерее, был продан на закрытых торгах за 135 млн долларов. Но его законная владелица, получившая шедевр по наследству, смогла отсудить право обладания и по-своему распорядится репродукцией.
Эдвард Мунк (1863 – 1944)
Никому из великих художников не удавалось запечатлеть на полотне запахи и звуки. Но есть одно исключение – глядя всемирно известный шедевр норвежца Мунка, слышишь внутри себя этот полный тревоги и отчаянья, пронзительный «Крик». Образ был навеян переживаниями от посещения сестры в сумасшедшем доме, стоявшего возле бойни. Смешанные звуки умалишенных и обреченных животных порождали в нем ужас, дополненный ожиданием той же участи.
Картины Мунка:
«Крик» (несколько версий).
«Танец жизни» (1900)
«Мадонна» (1895).
«Меланхолия» (1896).
Имя Мунка упоминалось в серии нашумевших ограблений картинных галерей.
«Крик», «Мадонну» и другие работы разыскивали месяцами, пока не вернули. Но самым узнаваемым остается вытянутое лицо плывущей фигуры на мосту Осло в Христиании. Кто это или что это? Эксперты так и не пришли к единодушному мнению. Но образ растиражирован в кино и поп-арте.
Поль Сезанн (1839 – 1906)
Творчество французского живописца имело огромное влияние на известных мировых художников эпохи постимпрессионизма ХХ века. Благодаря творческим изысканиям, лучшие работы написаны в разной манере.
Известные работы:
«Молодая итальянка» (1896).
«Пьеро и Арлекин» (1888).
«Берег Марны» (1888).
«Игроки в карты» (1893).
«Гора Сент-Виктуар и Черный замок (1906).
Уход от масляных красок и работа акварелью принесла еще больше легкости его творениям. Приверженцы классики его так и не поняли, но это не умаляло его таланта.
Эдуард Мане (1832 –1883)
У знаменитых художников часто бывает, что мировое признание приходит после разгромной критики одной из самых «провальных» работ.
Один из родоначальников французского импрессионизма. Эдуард Мане картиной «Олимпия» бросил вызов фальшивому пуританству общества. Никому до него не удавалось так реалистично отражать мысль и едва уловимые эмоции, преображающие лица его натурщиц. Он высмеял нравы общества, тайно мечтавшего о разврате и вседозволенности, но тщательно прикрывавшего свою сущность фраками и оборками.
Какими только эпитетами не обсыпали обнаженную натуру, лишенную изъянов. Служанку на заднем плане даже сравнивали с самкой гориллы. Однако это полотно входит в сокровищницу мирового искусства, и это одна из самых узнаваемых работ того времени.
Известные полотна:
«Олимпия» (1863).
«Бар в «Фоли-Бержер» (1882).
«Аржантей» (1874).
«Балкон» (1868).
«Портрет Берты Моризо» (несколько полотен).
Существует несколько портретов Берты Моризо, его возлюбленной. Еще вначале своих творческих поисков Мане перешел от живописи к портрету. Эксперты так и не пришли к единодушному мнению в том, является ли полотно «Любитель абсента» автопортретом или зарисовкой незнакомца.
Иероним Босх (1450 – 1516)
Самым непонятным для современников и потомков среди известных художников эпохи Возрождения остается Босх. Его картины – аллегорическое изображение библейских образов и сцен ада с мифическими существами, наполовину людьми и полу-демонами одновременно.
Известные работы:
Триптих «Сад земных наслаждений» (1510).
Цикл «Блаженные и проклятые» (1505).
«Искушения Святого Антония» (1506).
«Семь смертных грехов» (1480).
«Несение креста» (1500).
«Брак в Кане Галилейской» (1501).
Жизненный путь человеческих душ, со времен грехопадения Адама и Евы, была его любимая тема. Путь от земных наслаждений до адских мук – в слегка ироничных, но таких узнаваемых картинах Иеронима Босха. Впечатляют также лица, изображенные в массовых сценах, на библейские сюжеты. Его последователи научились писать в подобной манере, но так не смогли превзойти великого мастера.
Анри Матисс (1869 – 1954)
Матисса считают основоположником и ярким представителем школы фовизма во французской живописи.
Попытки передать настроение через цвет сделали его одним из самых ярких новаторов ХХ века. Матисс своими известен творческими изысканиями, поэтому некоторые его работы больше похожи на полотна других живописцев. Танец из 5 красных фигур – самое известнее полотно, его используют в качестве эмблемы международных мероприятий.
Другие работы:
«Радость жизни» (1906).
«Женщина в шляпе» (1905).
«Роскошь, Спокойствие и Наслаждение» (1905).
«Голубая обнаженная» (1907).
Художники-импрессионисты, современники Анри Матисса, в чем-то тоже повлияли на творческие изыскания великого художника, но он остался верен своему направлению.
Фрида Кало (1907 – 1954)
Мир знает много талантливых живописцев. Но в 20-ке гениев есть только одна женщина с мужским характером – мексиканка Фрида Кало. Она писала, в основном, автопортреты, но в разных образах, дополненных аллегорией.
Известные работы:
«Две Фриды» (1939).
«Натюрморт «Да здравствует жизнь» (1951).
«Обнимая любимца мира» (1949).
«Размышляя о смерти» (1943).
«Корни – 2» (1943).
Художница прожила нелегкую жизнь, у нее было слабое здоровье, но Фрида занималась боксом даже с полиомиелитом, будучи бойцом по натуре. Она имела неуемную фантазию и особый почерк, которому позавидовали бы многие начинающие живописцы. Она писала свои полотна на грани сюрреализма, символизма и натурализма.
Франсиско Гойя (1746 – 1828)
Типичный представитель эпохи романтизма. При дворе испанского короля Гойя быстро утратил свой идеализм, присущий многим великим художникам. Видя человеческие пороки, не мог оставаться прежним. В своих полотнах изображал грешное и святое – «Экстаз Св. Антония».
Некоторые картины:
«Шабаш ведьм» (1798).
«Маха обнаженная» (1800).
«Сумасшедший дом» (1819).
«Свадьба» (1792).
«Распятие Христа (1780).
«Сострадание» (1774).
Как художник, Гойя был очень плодовитым. За 82 года жизни он оставил миру больше сотни полотен высокого художественного уровня.
Испанец с тонкой душевной организацией и ранимой душой смотрел на мир доверчивыми глазами. Но, в отличие от большинства всемирно известных художников, сумел разбогатеть на своем творчестве и дорасти до должности придворного портретиста.
Знаменитые художники очень разные по тематике работ и стилю изображения. Многие работы узнаваемые, над другими репродукциями горами спорят эксперты, обсуждая, подлинник это или хорошая копия. Сегодня любую картину можно найти на просторах интернета, сделать компьютерную версию для раскраски по номерам, распечатать на обоях или сделать вышивку. Но нельзя претендовать на авторство, потому что все знают, что это Ван Гог, Рембрандт, Мунк или Пикассо.
Смотрите также:
Картины Клода Моне
Картины Леонардо да Винчи
Картины Винсента Ван Гога
Картины Пабло Пикассо
Картины Питера Пауля Рубенса
Картины Пьера Огюста Ренуара
Картины Рафаэля Санти
Картины Рембрандта Ван Рейна
Картины Сальвадора Дали
Картины Сандро Боттичелли
Картины Поля Гогена
Картины Густава Климта
Картины Анри Матисса
Картины Поля Сезанна
Женщины в искусстве: 100 имен, которые надо знать | Культура и стиль жизни в Германии и Европе | DW
Путь женщин в искусство вымощен ненавистью и насмешками.
» Там, где есть шерсть, есть и женщина, которая ткет, пусть даже и для того, чтобы скоротать время», — писал художник Оскар Шлеммер (Oskar Schlemmer), который с 1920 года преподавал в легендарной Высшей школе строительства и художественного конструирования Баухаус. Такие замечания, нацеленные на то, чтобы опорочить женщин в их художественном творчестве, довольно странно слышать из недр авангардного и просвещенного Баухауса, но можно найти в любую эпоху вплоть до сегодняшнего дня.
Художник Георг Базелиц (Georg Baselitz), профессор Художественной академии в Карлсруэ с 1977 года, заявлял, что женщины в любом случае рисуют хуже, чем мужчины. Печально, что предрассудки сохраняются так долго, тем более что реалии в академиях искусств уже давно изменились.
Женщины в академиях искусств
Женщины составляют 60 процентов выпускников художественных академий. «Поэтому давно уже нет математического обоснования диспропорции на арт-рынке», — говорят Бьянка Кеннеди (Bianca Kennedy) и Джанин Маккенрот (Janine Mackenroth).
Эти две молодые берлинские художницы воспользовались юбилейной датой — 100 лет тому назад художественные академии в Германии начали принимать на учебу и женщин — для издания книги, посвященной женщинам в искусстве. Они пригласили для работы над книгой 100 женщин-профессионалов из мира искусства — кураторов, искусствоведов, директоров арт-галерей и музеев — и предложили представить на свой выбор одну художницу из истории изобразительного искусства в Германии за последние сто лет в формате личного авторского текста. Эти тексты и составляют содержание книги-альбома «Я люблю женщин в искусстве».
Принадлежит к числу известных в современном международном арт-мире: медиа-художница из Германии Хито Штейерл
«Еще во время нашей учебы мы обратили внимание на то, как мало женщин в альбомах и энциклопедиях по искусству. И не потому, что их в искусстве не было женщин. Они просто не воспринимались достаточно достойными для упоминания или фигурировали как жены мужчин-художников», — рассказывают издательницы»I Love Women in Arts»в интервью DW.
Искусство только с разрешения мужчины
Даже в 19 веке женщинам, которые подобно знаменитой немецкой художнице Кете Кольвиц (Käthe Kollwitz) мечтали получить профессиональное художественное образование, путь в академии искусств был закрыт. Отец Кете Кольвиц, заметив ее талант, отправил ее учиться в частную школу живописи в Кенигсберге.
Кете Кольвиц в день своего 70-летия (8 июля 1937 года)
Однако зачастую такие частные учреждения не обеспечивали надлежащего уровня обучения. По этой причине женщины-художницы продолжали носить презрительный ярлык «Malweibchen» (это можно перевести как «малевательница») вплоть до 20 века. Только после введения в Германии юридического гендерного равенства в 1919 году женщинам стали доступны государственные художественные школы.
В 1919 году расположенная в то время в Веймаре школа Баухаус также открыла свои двери для абитуриентов-женщин, а с 1920 года женщины могли поступать в большинство немецких художественных академий.
Кете Кольвиц стала первой женщиной, поступившей в Прусскую Академию художеств.
В книге «I Love Women in Arts» представлены известные, забытые и еще не открытые художницы из Германии, отобранные женщинами, работающими в Германии в сфере искусства и культуры.
Одна из портретируемых художниц — Габриэле Мюнтер (Gabriele Münter), родившаяся в Берлине в 1877 году. Ей еще нужно было разрешение отца на посещение художественной школы в Мюнхене. Позже она входила в творческое объединение экспрессионистов «Синий Всадник» (Der Blaue Reiter), основанное в 1912 году художниками Францем Марком (Franz Marc), Василием Кандинским (Wassiliy Kandinsky) и Августом Макке (August Macke).
Габриэле Мюнтер и ее спутник жизни Василий Кандинский в Париже
В сотню представляемых книгой художниц вошла и Анни Альберс (Anni Albers), супруга мастера Баухауса Йозефа Альберса (Josef Albers). Она посещала занятия по ткачеству в Баухаусе, как и почти все другие студентки этой знаменитой художественной школы в Веймаре в то время.
На другие курсы путь открыт был только мужчинам.
Книга «Я люблю женщин в искусстве» призвана, как подчеркивают ее издательницы, «расширить взгляд на искусство». Из нее также можно узнать, на какие хитрости приходилось идти женщине, чтобы получить место в мире искусства. В 15 веке две монахини Доминиканского ордена соткали молитвенный ковер, в который они в виде портретов вплели собственные портеры. «Это необычно не только для той эпохи, но и для женщин религиозного ордена», — отмечают Маккенрот и Кеннеди. Этот текстильный артефакт является старейшим примером женского искусства в книге.
Искусство женщин часто выглядит иначе, чем у мужчин
Женские темы или мотивы, такие как рождение ребенка и материнство, по мнению издательниц, не находят большого одобрения в изобразительном искусстве. «Представьте себе, если бы мужчины обладали способностью деторождения, история искусства была бы другой, и канон, несомненно, обогатился бы еще одной темой». Что касается музейных коллекций, то и в них присутствует дисбаланс: только 25 процентов новых приобретений музеев поступают от женщин-художниц.
Книга «Я люблю женщин в искусстве» представляет художниц из Германии, либо родившихся здесь, либо в Германии долгое время живших или живущих. Так, помимо немок читатели найдут в книге, в частности, японок, американок, полячек. Читатель знакомится со многими неизвестными широкой общественности художницами, хотя они в свое время своим творчеством внесли существенный вклад в развитие новейшей истории искусства — даже на международном уровне.
Мари Бауэрмайстер и одно из ее хрустальных произведений искусства
Например, Мари Бауэрмайстер (Mary Bauermeister), родившаяся в 1934 году, снимала с 1959 года мансардную квартиру в Кельне, которая стала известным местом встреч представителей художественного авангарда. Такие композиторы, как Джон Кейдж, Дэвид Тюдор и Ла Монте Янг давали там свои первые концерты, в салоне Марии Бауэрмайстер проходили вернисажи движения Флюксус, выставлялись Вольф Фостель (Wolf Vostell), Нам Джун Пайк и Христо. Определенного признания Мари Бауэрмейстер добилась и сама как художница в США, но в Германии ее работы до сих пор известны только экспертам.
Революционерок в искусстве недооценивают и по сей день
Еще одно открытие — Крис Рейнеке (Chris Reinecke), 1936 года рождения, ее имя также известно только среди знатоков искусства. Возможно, потому что ее творчество было слишком радикальным и политическим для женщины. В 1964 году она познакомилась с художником Йоргом Иммендорфом (Jörg Immendorff), который был на девять лет ее младше, через некоторое время вышла за него замуж. В 1968 году они вместе основали неодадаистскую Академию LIDL в Дюссельдорфе и устраивали совместные художественные акции. Среди них были демонстрации против спекуляций на рынке недвижимости, акции за гендерную справедливость, а также резонансное выступление на пресс-конференции четвертой по счету выставки documenta в Касселе, когда Крис Райнеке поцеловала тогдашнего куратора выставки Арнольда Боде (Arnold Bode). Работы Крис Райнеке тщетно искать в немецких музеях, но имя ее покойного мужа Йорга Иммендорфа известно во всем мире.
Маккенрот и Кеннеди издали книгу «I Love Women in Arts» по своей собственной инициативе и финансировали публикацию через краудфандинг.
Представленные портреты художниц и их работы, отобранные в наше время женщинами, занятыми в сфере искусства и культуры, лишний раз доказывают, что судить о качестве искусства следует не по полу автора артефакта, а по достоинствам самого произведения, что за минувшие сто лет, увы, еще не стало делом само собой разумеющимся. Одна книга, разумеется, не восстановит гендерное равноправие на современном арт-рынке, но эта прекрасно оформленная публикация с разнообразными по стилю авторскими текстами и фотографиями артефактов, которые редко можно увидеть в современном выставочном контексте, может стать полезным дополнением к библиотечному собранию всех почитателей изобразительного искусства, как женщин, так и мужчин, и не только в Германии.
Смотрите также:
Борьба полов в искусстве
Макс Либерман. «Самсон и Далила» (1902)
Борьба полов в искусстве
Франц фон Штук. «Адам и Ева» (1920-1926)
Борьба полов в искусстве
Мерет Оппенгейм.
«Моя няня» (1936/1967)Борьба полов в искусстве
Эдвард Мунк. «Пепел» (1925)
Борьба полов в искусстве
Жанна Маммен. «Женщина на кресте» (1908-1914)
Борьба полов в искусстве
Фрида Кало. «Маленький олень» (1946)
Борьба полов в искусстве
Ловис Коринт. «Саломея II» (1899/1900)
Автор: Ольга Солонарь
«Моя няня» (1936/1967)известных женских картин — 15 самых знаковых женских портретов
На протяжении всей зарегистрированной истории художники создавали скульптуры, женские портреты и картины женщин, которые стали всемирно известными. От самых ранних статуй плодородия до современных шедевров людям всегда нравилось исследовать тему женщин в искусстве. Возможно, именно врожденная красота и пышные линии женской формы служат источником вдохновения для художников, создавших эти шедевры.И давайте не будем забывать о самих женщинах, многие из которых также были талантливыми художниками, написавшими множество шедевров, но не вошедших в повествование истории искусства из-за их пола.
В этой статье мы рассмотрим некоторые из самых знаковых картин женщин, от работ «великих», таких как Боттичелли и да Винчи, до автопортретов женщин-художников, таких как Фрида Кало и Мэри Кассат.
Пятнадцать известных женских картин
Хотя многие всемирно известные художники-мужчины написали знаменитые картины женщин, есть также несколько прекрасных примеров того, как женщины рисуют себя автопортретами.Давайте подробнее рассмотрим пятнадцать известных картин женщин и то, что сделало их такими популярными.
Рождение Венеры (1485) Сандро Боттичелли| Художник | Сандро Боттичелли |
| Год | 1485 |
| Среднее | Холст, масло |
| Размеры | 1,72 м x 2,78 м |
| Текущее местонахождение | Галерея Уффици во Флоренции, Италия |
Флоренция, Италия, родина Сандро Боттичелли, родившегося в 1445 году.
Он был художником в движении раннего итальянского Возрождения. Сегодня Боттичелли больше всего помнят за его картины на мифологические сюжеты, хотя он также писал много других предметов, таких как религиозные фигуры и женские портреты. Он создал множество изображений Мадонны с младенцем, а также помогал в росписи Сикстинской капеллы. Здесь он участвовал в создании красивых сцен, таких как « Молодость Моисея», «Искушения Христа», «» и «Наказание сыновей Коры» .
Хотя ему приписывают множество портретов, есть только число, которое можно точно определить как его работу.
Рождение Венеры (ок. 1485) Сандро Боттичелли; Сандро Боттичелли, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Очень известный и плодовитый, его картина Рождение Венеры , вероятно, будет самой знаковой картиной женщины, когда-либо созданной . На этой картине изображена богиня Венера, прибывающая к береговой линии на раковине после своего рождения, из которой она вышла обнаженной и полностью сформировавшейся.
Слева от нее находится крылатый бог ветра Зефир, который дует на нее видимыми лучистыми линиями, пытаясь помочь снарядному кораблю добраться до берега. Справа от нее — Хора Весны, одна из трех второстепенных греческих богинь. На картине мы видим, как она протягивает плащ, чтобы прикрыть Венеру по прибытии на берег.
| Художник | Леонардо да Винчи |
| Год | 1506 |
| Среднее | Холст, масло |
| Размеры | 77 см x 53 см |
| Текущее местонахождение | Лувр, Париж |
Мона Лиза была написана в 1506 году мастером-художником Леонардо да Винчи.Другой художник из Италии, да Винчи, родился в 1452 году. Хотя он никогда не имел формального образования, сегодня его помнят за его вклад во многие научные школы, такие как искусство, наука, математика и технические изобретения.
Он считается одним из самых выдающихся людей в истории и не просто выдающимся художником, но гением своего времени. Он был левшой, но был известен тем, что писал нетрадиционными способами, например, справа налево или назад вперед. Он пытался уберечь свои концепции от посторонних глаз, разработав стиль, названный «зеркальным письмом».
Считающийся одной из самых известных картин, когда-либо созданных с изображением женщины, да Винчи создал «Мона Лизу » в 1506 году. На этом портрете изображена женщина по имени Лиза Герардини, которая была замужем за дворянином Франческо дель Джокондо. В классическом стиле ренессанса портрет показывает половину тела на фоне природного ландшафта. Чтобы изобразить отношения между природой и людьми, да Винчи создал изогнутые линии в ее волосах и одежде, которые продолжаются в их окружении, образуя часть естественных линий рек и гор.
Именно ее непреходящая красота и намек на улыбку сделали ее одной из самых узнаваемых женщин в искусстве.
| Художник | Артемизия Джентилески |
| Год | 1639 |
| Среднее | Холст, масло |
| Размеры | 98.6 см x 75,2 см |
| Текущее местонахождение | Дворец Хэмптон-Корт |
Артемизия Джентилески родилась 8 июля 1593 года в Риме, Италия. Она была художницей в стиле барокко и считается историками искусства одной из самых знаменитых художников 17 века. Она была замечательно опытной художницей, профессионально создававшей искусство с невероятно юных пятнадцати лет. В то время возможностей было мало и мало, особенно для художников-женщин, и Джентилески помог проложить путь многим последующим художницам.
Автопортрет как аллегория живописи (1638-1639) Артемизии Джентилески; Артемизия Джентилески, общественное достояние, через Wikimedia CommonsХотя картина, которую мы изучаем сегодня, изображает женщину, рисующую себя, она также была известна тем, что включала в историю темы женских мифических фигур, библейских фигур и женщин.
Считается, что Карл I пригласил Джентилески в Лондон в 1638 году, и именно там она написала свой знаменитый автопортрет.Картина призвана изобразить аллегорическую женскую фигуру олицетворения живописи. Такое восприятие живописи возникло из книги « Iconologia » Чезаре Рипа, где он описал живопись как женщину красоты, с темными густыми волосами и лицом, которое вызывает чувство глубины воображения. Таким образом, она смогла идентифицировать себя как воплощение живописи, чего художники-мужчины не могли достичь в такой личной степени, как она.
Девушка с жемчужной сережкой (1665) Иоганнеса Вермеера| Художник | Йоханнес Вермеер |
| Год | 1665 |
| Среднее | Холст, масло |
| Размеры | 44. 5 см x 39 см |
| Текущее местонахождение | Музей Маурицхейс, Гаага |
Домашние сцены и жизнь среднего класса были в центре внимания работ голландского художника эпохи барокко Йоханнеса Вермеера. Он работал над каждой картиной в течение долгих периодов времени, с огромной осторожностью применяя детали медленно и неторопливо. Он наиболее известен своим изысканным и мастерским использованием света в своих произведениях. Вермеер добился умеренного успеха в своей жизни, получив признание купола в Гааге, но его скромные картины были сделаны из особо дорогой краски, из-за которой его семья осталась в долгах, когда он скончался в декабре 1675 года.
Девушка с жемчужной серьгой (ок. 1665) Иоганнеса Вермеера; Йоханнес Вермеер, общественное достояние, через Wikimedia Commons Одно из самых известных его произведений — это прекрасно освещенный портрет Девушка с жемчужной серьгой, , один из самых узнаваемых женских портретов в истории искусства.
На протяжении веков эта картина носила множество разных имен, в том числе «Мона Лиза из Голландии», пока, наконец, не была названа в честь серьги в последние годы двадцатого века.Из-за размера, формы и отражающей поверхности некоторые историки усомнились в точном материале серьги, заявив, что она больше похожа на олово, чем на жемчуг.
Олимпия (1856) Эдуарда МанеПосле недавних реставраций многие элементы росписи были улучшены, например, нежные цвета и проницательный взгляд женщины. После тщательной реставрации этого произведения искусства было также обнаружено, что фон, который мы видим очень темным, когда-то был темно-зеленым.
| Художник | Эдуард Мане |
| Год | 1863 |
| Среднее | холст, масло |
| Размеры | 130. 5 см x 190 см |
| Текущее местонахождение | Musée d’Orsay, Париж |
Эдуард Мане родился в Париже, Франция, 23 января 1832 года. Считающийся художником-модернистом, он сыграл ключевую роль в переходе от реализма к импрессионизму с его изображениями современной жизни XIX века. Он родился в семье с сильными политическими связями, и ожидалось, что он будет заниматься политикой в качестве карьеры, и от этой идеи он отказался в раннем возрасте, чтобы реализовать свое желание стать художником.В течение последних двух десятилетий своей жизни Мане установил прочные отношения с другими современными художниками своего времени и разработал уникальный стиль, который был известен своими новаторскими решениями и оказал влияние на многих будущих художников.
Олимпия (1863) Эдуарда Мане; Эдуард Мане, общественное достояние, через Wikimedia Commons «Олимпия» впервые появилась на выставке Парижского салона в 1865 году.
На ней изображена обнаженная женщина, лежащая на кровати, а ее слуга приносит ей букет цветов.Викторина Мерент использовалась в качестве модели для Olympia , а Лора была моделью для служанки Олимпии. Вызывающий взгляд модели вызвал возмущение широкой публики, поскольку многие детали картины намекают на то, что она работающая девушка или проститутка. Эти детали включали ее серьги и браслет, сад в ее волосах и шаль, на которой она возлежит. Все они считались символами богатых и откровенно чувственных по своей тематике.
Мать Уистлера (1871) Джеймс Эббот Макнил УистлерМногие искусствоведы того времени презирали произведение, а консерваторы хотели его уничтожить, но со временем оно стало высоко ценимым и вдохновляющим примером женского искусства.
| Художник | Джеймс Эббот Макнил Уистлер |
| Год | 1871 |
| Среднее | Холст, масло |
| Размеры | 144,3 см x 162,3 см |
| Текущее местонахождение | Музей Орсе в Париже |
Джеймс Макнил Уистлер был американским художником, родившимся в Массачусетсе в 1834 году, но большую часть времени проводившим в Соединенном Королевстве.
Он был наиболее активен в эпоху, известную как американский позолоченный век, и его работы были известны своим моральным и сентиментальным подтекстом. Его подпись, как говорили, напоминала бабочку с длинным жалящим хвостом, который, как говорили, отражал различные аспекты его личности, такие как его мягкий стиль рисования, но агрессивный публичный образ.
Он был и художником, и музыкантом, обнаружив сходные темы в обоих предметах, что привело к тому, что он назвал определенные произведения после музыкальных терминов, таких как «гармонии» или «аранжировки», тем самым подкрепив свой акцент на тональной гармонии.Его считали основоположником тонализма.
«Мать Уистлера» (или Композиция в сером и черном № 1 ) (1871) Джеймса Макнила Уистлера; Джеймс Макнил Уистлер, общественное достояние, через Wikimedia Commons Его самое известное произведение искусства — это также один из наиболее узнаваемых женских портретов в современном искусстве, где его мать изображена сидящей в кресле с типично материнским видом.
Он также известен как «Композиция в сером и черном цветах». 1 и, как говорят, была написана, когда жила в Лондоне.Некоторые историки предполагают, что его мать была заменой модели, которая не смогла присутствовать на сеансе. Его матери, Анне Макнейл Уистлер, в то время было под шестьдесят, и в конце концов ее нарисовали сидящей после того, как она жаловалась на то, что ей приходится долго стоять на ногах.
| Художник | Клод Моне |
| Год | 1875 |
| Среднее | Холст, масло |
| Размеры | 100 см x 81 см |
| Текущее местонахождение | Национальная галерея искусств, Вашингтон, округ Колумбия |
Клод Моне родился 14 ноября 1840 года в Париже, Франция.
Моне вряд ли нуждается в представлении, поскольку он по праву считается одним из самых известных художников из Франции. Фактически, Моне также считается пионером или отцом импрессионистского движения. Он стремился изобразить природу субъективно, как он ее видел, а не так, как ее воспринимали другие. Это привело к тому, что его почитают как ключевую фигуру, ведущую к модернистскому движению.
Женщина с зонтиком — Мадам Моне и ее сын (1875) Клода Моне; Клод Моне, общественное достояние, через Wikimedia CommonsНа протяжении своей долгой карьеры он прославился как наиболее откровенный авторитет в философии импрессионистов, которая подчеркивает точку зрения художника в отличие от объективного взгляда на мир природы.
Женщина с зонтиком изображает его первую жену и сына, гуляющих по лугу в Аржантее в ветреный день. Он также известен как The Stroll и иллюстрирует использование цвета Моне в типичном стиле импрессионизма.
Спонтанность картины объясняется тем фактом, что она, скорее всего, была написана на открытом воздухе за один сеанс.Размер 100 на 81 см — это одна из крупнейших его работ того периода. Примерно десять лет спустя он написал две похожие работы, используя дочь своей следующей жены, Сюзанну Моне.
| Художник | Мэри Кассат |
| Год | 1881 |
| Среднее | холст, масло |
| Размеры | 92.4 см x 65,4 см |
| Текущее местонахождение | Метрополитен-музей |
Мэри Стивенсон Кассат, американская художница, родилась в Пенсильвании 22 мая 1844 года. Несмотря на то, что она родилась в Соединенных Штатах, большую часть своей жизни она провела во Франции. Она дружила с Эдгаром Дега и выставляла свои работы вместе с другими современными импрессионистами-мужчинами.
Ее работы часто изображали образы жизни женщин в частной социальной обстановке, такие как близкие отношения между матерью и ребенком.
«Чашка чая» (ок. 1880–1881) Мэри Кассат; Мэри Кассат, общественное достояние, через Wikimedia CommonsНаряду с Бертой Моризо и Мари Бракемон, Гюстав Джеффруа назвал Кассат одной из «трех великих женщин импрессионистского движения». Ее работы сравнивают с ее коллегами, такими как Дега, поскольку оба стремились изобразить свет и движение с современной чувственностью.
Мэри Кассат написала The Cup of Tea в 1881 году, когда послеобеденный чай был для более богатых женщин повседневным социальным ритуалом.Эта тема соответствовала желанию Кассата изобразить повседневную жизнь 1880-х годов. Остальная часть ее семьи переехала в Париж в 1877 году, и после этого ее сестра Лидия часто использовалась в качестве модели для различных картин Мэри. Картины Кассат представляли собой этюд с контрастными цветами, тонкими палитрами и блестящей кистью, и эти элементы показывают, как она приняла импрессионизм в своих произведениях.
Портрет мадам X (1884) Джона Сингера СарджентаДля женщины, рисующей в эпоху преимущественно мужчин, она по-прежнему выделялась своей уникальной техникой и стилем.
| Художник | Джон Сингер Сарджент |
| Год | 1884 |
| Среднее | Холст, масло |
| Размеры | 234,9 см x 109,8 см |
| Текущее местонахождение | Метрополитен-музей, Манхэттен |
Хотя Джон Сингер Сарджент родился во Флоренции, он был американским художником, родившимся 12 января 1856 года.Он создал около 900 картин маслом, а также более 2000 акварелей и считается ведущим художником-портретистом в своей жизни.
Джон Сингер Сарджент родился во Флоренции, Тоскана, в семье американцев.
До переезда в Лондон он тренировался в Париже и большую часть времени проводил в Европе. Портрет мадам X выставлялся в Парижском салоне, и он надеялся, что это укрепит его положение как парижского светского художника, но, к сожалению, это было омрачено скандалом.В следующем году он уехал в Англию и продолжил широко известную карьеру художника-портретиста.
T Портрет мадам X в то время считался спорным, так как предполагалось, что ее поза была сексуально провокационной. Сарджент целенаправленно и осторожно выбрал позу для модели Виржини Готро: ее тело обращено вперед в смелой позе, а ее голова нарисована в профиль.Модель была нарисована в черном платье из атласа, которое одновременно скрывает и раскрывает форму на этой женской картине.
Женщина в ванне, протирающая ноги (1884) Эдгар ДегаКритики картины отметили, что художник намеренно создал элементы картины, чтобы подчеркнуть изгибы женщины, например стол, к которому она опирается для поддержки.
| Художник | Эдгар Дега |
| Год | 1884 |
| Среднее | Пастель |
| Размеры | 19.7 см x 41 см |
| Текущее местонахождение | Musée d’Orsay, Париж, Франция |
Эдгар Дега родился в июле 1834 года в Париже, Франция. Дега также работал со многими средствами, включая гравюры, бронзовые скульптуры и рисунок, хотя он наиболее известен своими картинами маслом импрессионистов. На многих его картинах изображены танцоры и танцы, так как изображение движения представляло для него особый интерес. Этот интерес можно далее наблюдать в его картинах купающихся обнаженных женщин и скачущих лошадей.Он также писал портреты, которые пользовались уважением за мастерское отображение сложных человеческих эмоций.
Женщина в ванне, протирающая ногу (ок. 1883) Эдгара Дега; Эдгар Дега, общественное достояние, через Wikimedia CommonsБольшинство историков искусства считают его одним из отцов импрессионизма, хотя он утверждал, что ему не нравится этот термин, и предпочитал описание реализма. В отличие от других импрессионистов, многие из его работ изображали помещения.
Эдгар Дега создал Женщина в ванне, протирая ноги как часть серии обнаженных женских портретов, выполненных пастелью.Он не хотел копировать классическое искусство обнаженной натуры римлян или греков, а скорее хотел изобразить настоящих женщин в искусстве, занятых обычными повседневными делами, отнимающими у них время, такими как купание. Многие из его работ сначала создавались спонтанно, а затем завершались и детализировались позже в его мастерской. На этой картине изображена грация движения, его нежные линии изгибаются таким образом, чтобы расслабить зрителя и создать атмосферу, подобную той, которую он испытывает во время купания.
| Художник | Джон Уильям Уотерхаус |
| Год | 1902 |
| Среднее | Холст, масло |
| Размеры | 120 см x 87 см |
| Текущее местонахождение | Частная коллекция |
Джон Уильям Уотерхаус родился в Риме, Италия, 6 апреля 1849 года в семье английских художников.Он был известен своей работой в академическом стиле, прежде чем перейти к прерафаэлитскому стилю. Он был особенно известен тем, что изображал женщин на произведениях искусства, на темы которых варьировались от Легенд об Артуре до греческой мифологии. Его любимой темой было создание произведений искусства, вдохновленных такими классическими авторами, как Китс, Шекспир, Гомер, Овидий или Теннисон.
Джон Уильям Уотерхаус написал «Хрустальный шар » в 1902 году и выставил его позже в том же году вместе с «Миссал » в Королевской академии.Можно заметить влияние итальянского Возрождения на творчество художника благодаря использованию кругов, а также использованию горизонтальных и вертикальных линий по отношению друг к другу. По сравнению с готической эпохой было очевидно, что его искусство заметно отличалось от обычно заостренных арок, найденных в архитектуре этого периода.
Женщина с веером (1918) Густав КлимтТеперь принадлежащая частному коллекционеру картина была восстановлена до своей первоначальной красоты после того, как предыдущий владелец накрыл череп на столе.Детали и фактура, запечатленные художником на бархатном платье, изысканно проработаны.
| Художник | Густав Климт |
| Год | 1918 |
| Среднее | Холст, масло |
| Размеры | 100 см x 100 см |
| Текущее местонахождение | Австрийская галерея Бельведер |
Участник движения Венского сецессиона, этот художник-символист был также очень известной и выдающейся фигурой.
Густав Климт родился 14 июля 1862 года в Баумгартене. Основным предметом в его творчестве была женская форма, и его работы известны своим сильно эротическим подтекстом. Помимо женских портретов, он также был известен живописью пейзажей . По сравнению с другими художниками движения Венского сецессиона, работы Климта демонстрируют наибольшее влияние техник и стилей японского искусства .
Женщина с веером отражает смесь Густава его отличительного стиля и влияния японского искусства на современное искусство, известное как японизм.Это была одна из его последних работ, завершенная в том же году, когда он скончался.
Женщина с веером (1917-1918) — Густав Климт; Густав Климт, общественное достояние, через Wikimedia CommonsБудучи изначально частью авангардного движения, известного как Венский сецессион, более поздние работы Климта считались более страстными и эмоциональными по сравнению с его ранним творчеством.
В этот период он больше рисковал как в стиле, так и в технике. Фон напоминает его золотой период своим отчетливым желтым оттенком.Цветы и птицы написаны в ярко выраженной яркой цветовой палитре. Картина отражает большую часть своего японского влияния со стилизованными и яркими узорами, имитирующими эстетику печати на дереве. Эта работа прекрасно отображает эволюцию пути художника в искусстве, смешивая святое с эротическим, орнаментальным и тонкими аспектами искусства в идеальном балансе.
Автопортрет с терновым ожерельем и колибри (1940) Фриды Кало| Художник | Фрида Кало |
| Год | 1940 |
| Среднее | Масляная краска |
| Размеры | 47 см x 61 см |
| Текущее местонахождение | Центр Гарри Выкупа, Остин, Техас |
Фрида Кало родилась 6 июля 1907 года в Мехико, Мексика.
Она была наиболее известна своими многочисленными автопортретами. Редкий пример женщины, рисующей свой собственный портрет, она объявила свою культурную идентичность, используя стили наивного народного искусства. Она использовала свое искусство, чтобы исследовать такие темы, как класс, пол и постколониальное мексиканское общество. Она смешала элементы фэнтези с автобиографическим реализмом, чтобы создать свою уникальную интерпретацию мексиканской культуры и была уникальным голосом для женщин в искусстве.
Эта картина вызвала большой интерес у историков, поскольку она содержит множество символических элементов, которые имели личное значение для Кало.
На этом произведении она обращена к зрителю лицом к лицу. Позади нее на заднем плане видны большие зеленые листья. Черная обезьяна, кажется, работает с ожерельем из шипов на шее, которое истекает кровью из шипов.
На петлеобразных шипах можно увидеть маленькую колибри, а через другое плечо — черную кошку.Несмотря на неприятный на вид сценарий, она, кажется, терпеливо страдает от боли, и на ее лице отразилось торжественное спокойствие.
| Художник | Пабло Пикассо |
| Год | 1941 |
| Среднее | Холст, масло |
| Размеры | 128 см x 95 см |
| Текущее местонахождение | Частный коллекционер |
Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в Малаге, Испания.Хорошо известный всем, даже сегодня, Пикассо был одним из пионеров и соучредителей того, что было известно как движение кубизма. Он демонстрировал большие художественные способности с самого раннего возраста, в эти ранние годы рисовал в основном в натуралистическом стиле.
В первые десять лет 20-го века его искусство претерпело множество трансформаций, когда он экспериментировал с различными стилями и техниками. Он стал более радикальным в своем подходе к искусству, когда был вдохновлен движением фовистов, особенно такими художниками, как Анри Матисс.
Портретная фотография Доры Маар в 1937 году, снятая Роги Андре; Роги Андре, Портрет Доры Маар, указанная дата, © Центр Помпиду, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / Georges Meguerditchian, © Droits réservés, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia CommonsЕго уникальный стиль в конечном итоге привел к тому, что Пикассо стал одной из самых известных фигур 20 века.
В 1938 году Пикассо встретил женщину по имени Дора Маркович, фотограф из Югославии.Она станет моделью для его работы « Портрет Доры Маар», считается вехой в женских портретах и сдвигом в том, как женщины в произведениях искусства могут быть изображены. Дора изображена сидящей в кресле, ее улыбающееся лицо показывает сочетание вида спереди и в профиль, что было отличительной чертой работ Пикассо. Предлагая зрителю все ракурсы объекта, он смог предложить более правдивое изображение человека, чем статический вид.
Синий Мэрилин (1964) Энди Уорхола| Художник | Энди Уорхол |
| Год | 1964 |
| Среднее | Литография офсетная |
| Размеры | 69.2 см x 64,8 см |
| Текущее местонахождение | Музей Тейт |
Завершает наш список всемирно известный американский художник Энди Уорхол, который родился в Питтсбурге, штат Пенсильвания, в 1928 году. Он был режиссером и художником, известным тем, что стирал границы между формами искусства и своими экспериментами со смешиванием материалов. Он наиболее известен своими шелкографическими изображениями предметов домашнего обихода, таких как консервные банки с супом. Он считается известной фигурой в современном движении поп-арта, беря массовые и китчевые элементы коммерческой культуры и применяя эстетику изобразительного искусства, чтобы поднять произведение до чего-то ценного и значимого.
Blue Marylin — одно из четырех полотен, созданных в 1964 году, под общим названием The Shot Marylins . Они были названы The Shot Marylins после того, как друг Уорхола, фотограф Дороти Подбер, увидела серию картин, сложенных у стены, и спросила его, может ли она их снять. Он, естественно, предположил, что она имела в виду камеру, но затем она вытащила небольшой револьвер и выстрелила пулей в стопку картин. Всего было пять картин, но одной из них — с бирюзовым фоном — в то время не было в стопке, и поэтому она не считается одной из работ, включенных в коллекцию The Shot Marylins .
Итак, мы узнали, что женская фигура была источником вдохновения для художников на протяжении всей нашей истории на Земле. Самые влиятельные художники своего времени создавали изысканные образцы женских портретов в стилях, известных при их жизни, давая нам женское искусство, которое варьируется от реальных до реальных стилей искусства, вплоть до странных и абстрактных.
Часто задаваемые вопросы
Все ли женские картины написаны художниками-мужчинами?
Нет, в этом самом списке можно найти несколько прекрасных примеров женщин-художников.Каждый из них добавил свой колорит движениям своих эпох и сумел выделиться даже среди своих коллег-мужчин. Среди этих женщин — Фрида Кало и ее автопортреты, великолепные произведения искусства Артемизии Джентилески в стиле барокко и картины Мэри Кассат, изображающие повседневную жизнь богатых женщин ее эпохи.
Все ли женские портреты фотореалистичны?
Нет, может быть несколько движений, которые стремились изобразить как можно более правдоподобно, но большинство женщин в произведениях искусства на протяжении всей истории человечества изображались во многих стилях.Являясь одним из наиболее распространенных предметов, нарисованных художниками, существует бесчисленное множество вариаций того, как женщины изображаются в искусстве, от импрессионизма до кубизма. Наши художники всегда любили отмечать чувственные линии и изгибы женских форм в своем искусстве, от реалистичного до фантастического.
12 известных женщин-художников, о которых вам нужно знать, если вы любитель истории искусства
История искусства усеяна именами великих людей — Леонардо да Винчи, Винсент Ван Гог, Пабло Пикассо и т. Д.Но как насчет женщин, которые помогли сформировать мировую визуальную историю? Как и во многих других областях, женщинам исторически не хотелось делать карьеру в искусстве, но есть много невероятных женщин, которые проявили настойчивость. У этих знаменитых артисток больше общего, чем их пол и карьера — все они сами по себе первопроходцы, преодолевая препятствия в личной и общественной жизни.
Конечно, эти женщины, скорее всего, были бы недовольны включением в список женщин-художников, предпочитая, чтобы их ценили как художников, не принадлежащих к их полу.К сожалению, поскольку женщины продолжают бороться за равенство во всех областях, этих выдающихся артистов все еще часто упоминают с точки зрения их пола. К счастью, больше, чем когда-либо, этих выдающихся женщин противопоставляют своим сверстникам-мужчинам и признают за их вклад в историю искусства. Такие организации, как Advancing Women Artists, работают над тем, чтобы женский талант прошлого не остался вне учебников истории.
Взгляд на некоторых великих художников-женщин прошлого также является графиком истории искусства.Женщины были ведущими фигурами во всех художественных направлениях от итальянского Возрождения до американского модернизма и за его пределами. Пройдя свой путь через историю искусства — от придворного художника 16-го века короля Филиппа II до иконы 20-го века, Фриды Кало, — давайте посмотрим на силу, характер и талант этих исключительных женщин.
Если вы любитель искусства, вот 12 известных женщин-художников, которых вам нужно знать.
Софонисба Ангиссола (1532–1625)Софонисба Ангиссола «Трое детей с собакой».около 1570-1590 гг. (Фото: Викимедиа, общественное достояние)
Художник Софонисба Ангиссола была первопроходцем итальянского Возрождения. Родившись в относительно бедной дворянской семье, ее отец позаботился о том, чтобы она и ее сестры получили всестороннее образование, включающее изобразительное искусство. Это включало ученичество у уважаемых местных художников. Это стало прецедентом для будущих художников-женщин, которые до этого момента обычно обучались только в том случае, если у члена семьи была мастерская. Талант Ангиссолы привлек внимание Микеланджело, с которым она поддерживала неформальное наставничество посредством обмена рисунками.
Хотя, как художнице, ей не разрешили изучать анатомию или практиковаться в рисовании моделей из-за кажущейся вульгарности, ей все же удалось сделать успешную карьеру. Во многом ее успех был обязан ее роли художника при дворе короля Испании Филиппа II. В течение 14 лет она развивала свои навыки как для официальных придворных портретов, так и для более интимных портретов знати. Ее картины известны тем, что передают дух и яркость ее натурщиков, и теперь их можно найти в коллекциях по всему миру.
Артемизия Джентилески (1593–1653)«Автопортрет как аллегория живописи» Артемизии Джентилески. 1638–39. (Фото: Википедия, общественное достояние)
Как дочь опытного художника, Артемизия Джентилески получила доступ к миру искусства в юном возрасте. Раньше она была в мастерской своего отца, смешивая краски, и он поддержал ее карьеру, когда отметил, что она исключительно одарена. Как известный художник периода итальянского барокко, Артемизия Джентилески не позволяла своему полу удерживать ее от ее предмета.Она рисовала масштабные библейские и мифологические картины, как и ее коллеги-мужчины, и была первой женщиной, принятой в престижную Академию изящных искусств во Флоренции.
Ее наследие иногда затмевается ее биографией: ее кровавые изображения Юдифь и Олоферна часто интерпретируются через призму ее изнасилования руками другого художника. Тем не менее, ее талант неоспорим, и ее по-прежнему признают за ее реалистичное изображение женской формы, глубину ее красок и поразительное использование света и тени.
Джудит Лейстер (1609–1660)«Счастливая пара» Джудит Лейстер. 1630. (Фото: Википедия, общественное достояние)
Родилась в Харлеме, Джудит Лейстер была ведущей художницей Золотого века Голландии. Типичный для голландских художников того периода, Лейстер специализировался на жанровых картинах, натюрмортах и портретах. Детали ее художественного образования неясны, но она была одной из первых женщин, принятых в гильдию художников в Харлеме.Позже она провела успешный семинар с несколькими учениками-мужчинами и была известна непринужденным, неформальным характером своих портретов.
Хотя при жизни она добилась больших успехов, ее репутация пострадала после ее смерти из-за неудачных обстоятельств. Все ее творчество выдавалось за работу ее современником Франсом Хальсом или ее мужем. Во многих случаях ее подпись была покрыта коллекционерами, стремящимися получить прибыль из-за высокой рыночной стоимости работ Франса Хальса. Только в конце 19 века были обнаружены эти ошибки, и ученые начали заново оценивать мастерство Лейстера как художника.
Элизабет Виже Ле Брен (1755–1842)«Автопортрет в соломенной шляпе» Элизабет Виже Лебрен. 1782 г. (Фото: Википедия, общественное достояние)
Французский художник-портретист Элизабет Виже Ле Брен создала впечатляющий объем работ, насчитывающий около 1000 портретов и пейзажей. Как дочь художника, она получила раннее обучение от своего отца и профессионально рисовала портреты к тому времени, когда была подростком.Большой прорыв в ее карьере наступил, когда ее назвали портретистом Марии-Антуанетты, а позже ей было разрешено поступить в многочисленные художественные академии.
Ее картины ликвидируют разрыв между театральным рококо и более сдержанным неоклассическим периодом. Она пользовалась неизменным успехом в своей карьере, даже находясь в изгнании после Французской революции, поскольку она была любимым художником аристократии по всей Европе. Ситтерс наслаждалась ее способностью успокаивать их, что привело к портретным картинам, которые были живыми и лишенными жесткости.Естественная, непринужденная манера ее портретов считалась революционной в то время, когда портретная живопись часто требовала формального изображения высших слоев общества.
Роза Бонер (1822–1899)«Конная ярмарка» Розы Бонёр. 1852–55. (Фото: Википедия, общественное достояние)
Как и многие женщины-художницы, Отец Розы Бонер был художником. Французская художница-реалист считается одной из самых известных женщин-художников 19 века, известной своими широкоформатными картинами с изображением животных.Она регулярно выставлялась в знаменитом парижском салоне и добилась успеха за границей, как в Соединенных Штатах, так и в Великобритании. Бонер провела много времени, делая зарисовки живых животных в движении, учитывая ее замечательную способность запечатлеть их изображения на холсте.
Bonheur также известен тем, что ломает гендерные стереотипы. С середины 1850-х годов она носила мужскую одежду, даже получив на это разрешение полиции. Хотя ее часто критиковали за ношение брюк и свободных блузок, она продолжала носить их на протяжении всей своей жизни, ссылаясь на их практичность при работе с животными.Она также была открытой лесбиянкой, сначала более 40 лет жила с партнершей Натали Микас, а затем, после смерти Микаса, наладила отношения с американской художницей Анной Элизабет Клумпке. Живя открыто в эпоху, когда правительство осуждало лесбиянство, Бонер заявила о себе как о новаторской личности как в своей карьере, так и в личной жизни.
Берта Моризо (1841–1895)«Дама за туалетом» Берты Моризо. 1875 г.(Фото: Википедия, общественное достояние)
Считается одной из великих женщин-импрессионистов, Берта Моризо жила от искусства. Она родилась в аристократической французской семье и была внучатой племянницей знаменитого художника в стиле рококо Жана-Оноре Фрагонара. Сначала она выставляла свои работы в уважаемом Парижском салоне, а затем присоединилась к первой выставке импрессионистов с Моне, Сезанном, Ренуаром и Дега. У Моризо особенно близкие отношения с Эдуардом Мане, который написал несколько ее портретов, и в конце концов она вышла замуж за его брата.
Ее искусство часто было сосредоточено на домашних сценах, и она предпочитала работать пастелью, акварелью и углем. Работая в основном в небольших масштабах, ее легкие и воздушные работы часто критиковались как слишком «женственные». Моризо написала в своем дневнике о том, как ее изо всех сил пытались воспринимать всерьез как женщину-художника, заявив: «Я не думаю, что когда-либо был мужчина, который относился бы к женщине как к равному, и это все, о чем я бы попросил, потому что я знаю, что стою столько же, сколько они ».
Мэри Кассат (1844–1926)«Детская ванна» Мэри Кассат.1893 г. (Фото: Википедия, общественное достояние)
Американский художник Мэри Кассат всю свою сознательную жизнь провела во Франции, где она стала неотъемлемой частью группы импрессионистов. Кассат родилась в богатой семье, которая сначала протестовала против своего желания стать художником. В конце концов, она бросила художественную школу после того, как ее расстроило отдельное отношение к студенткам — они не могли использовать живые модели и им пришлось рисовать по слепкам.
Переехав в Париж в возрасте 22 лет, Кассат пошла на частное ученичество и проводила свободное время, копируя картины старых мастеров в Лувре.Карьера Кассат уже начала развиваться, когда она присоединилась к импрессионистам и на всю жизнь подружилась с Дега. В то же время она откровенно высказывала свое недовольство формальной системой искусства, которая, по ее мнению, требовала от художников-женщин флирта или дружбы с покровителями-мужчинами, чтобы двигаться вперед. Она создала свой собственный карьерный путь с импрессионистами, осваивая пастель для создания мягких, легких работ, в которых часто подчеркиваются женщины, выполняющие обязанности смотрителей. На протяжении всей своей жизни Кассат продолжала поддерживать равенство женщин, даже участвуя в выставке в поддержку избирательного права женщин.
Джорджия О’Киф (1887–1986)Как художница, находящаяся в авангарде американского модернизма, Джорджия О’Киф — одна из самых знаменитых женщин-художников в истории. Ее ранние рисунки и картины привели к смелым экспериментам с абстракцией, когда она сосредоточилась на живописи, чтобы выразить свои чувства, открывая эру «искусства ради искусства». При жизни ее карьера была связана с ее мужем Альфредом Штиглицем. В то время как известный фотограф поддерживал идеи, что американское искусство может быть равным европейскому и что художницы могут создавать искусство столь же мощное, как и мужчины, он также препятствовал интерпретации ее работ.
Штиглиц рассматривал творчество как выражение сексуальности, и эти мысли, вкупе с его интимными портретами О’Киф, выдвинули идею о том, что ее картины цветов крупным планом были метафорами женских гениталий. Художница всегда отрицала эту концепцию, хотя ее работы, несомненно, чувственны. О’Киф провела большую часть своей карьеры, борясь с интерпретацией своего искусства исключительно как отражения ее пола. На протяжении всей своей жизни она отказывалась участвовать в женских художественных выставках, желая, чтобы ее определяли просто как художницу, свободную от пола.
Тамара де Лемпицка (1898–1980)Польская художница Тамара де Лемпицка известна своими стилизованными портретами и обнаженными телами, олицетворяющими эпоху ар-деко. Де Лемпицка провела большую часть своей карьеры во Франции и Соединенных Штатах, где ее работы были любимы аристократами. Одна из ее самых известных картин, «Автопортрет в зеленом Bugatti », иллюстрирует холодный и отстраненный характер фигур Де Лемпицки. В работе, созданной для обложки немецкого журнала мод, Де Лемпицка источает независимость и недоступную красоту.
Ее картины часто содержали рассказы о желании, соблазнении и современной чувственности, что делало их революционными для своего времени. Де Лемпицка пользовалась успехом до начала Второй мировой войны, но интерес к ее работам возродился, поскольку в 1960-х годах ар-деко снова стал популярным. Ее сразу узнаваемый стиль делает ее особенным фаворитом среди поклонников художников в стиле ар-деко, и сегодня ее работы более популярны, чем когда-либо, а Мадонна является известным коллекционером своих картин.
Фрида Кало (1907–1954)В настоящее время нет другой художницы 20-го века с таким узнаваемым именем на Фрида Кало . Хотя драма ее трагического несчастного случая в молодости и ее бурные отношения с мужем Диего Риверой иногда затмевали ее художественные способности, нельзя отрицать силу ее живописи. Она особенно известна своими автопортретами, в которых затрагиваются темы личности, страдания и человеческого тела.
Хотя при жизни о ней иногда писали исключительно как о «жене Диего Риверы», ее работы только набрали обороты после ее смерти. Самые известные картины Фриды Кало принадлежат важным художественным музеям по всему миру, а она получила статус защитницы феминисток, чикано и сообщества ЛГБТ.
Хелен Франкенталер (1928–2011)Выросшая в Манхэттене, Хелен Франкенталер изучала живопись в школе Далтона и колледже Беннингтона.Она начала свою обширную выставочную карьеру в 1952 году с показа своей картины « Горы и море ». Обучившись у художника Ганса Хоффмана, в молодости она стала важной фигурой в художественном движении абстрактного экспрессионизма. В ее картинах были красочные органические формы. В первые годы ее карьеры эти композиции были сосредоточены на холсте. К 1960-м годам работы Франкенталера часто охватывали все полотно. Ее работы, насчитывающие шесть десятилетий, демонстрируют постоянную эволюцию стиля.
Сегодня Франкенталера помнят как пионера живописи цветового поля — стиля, в котором большие полосы цвета являются «предметом» картины. Чтобы добиться эффекта блестящей краски, Франкенталер разбавила краски скипидаром перед тем, как нанести их на незагрунтованный холст. Результатом этого метода «замачивания» стал почти акварельный вид с органическими слоями цвета. Ее и аналогичные работы были включены в знаменитую выставку 1964 года под куратором художественного критика Клемента Гринберга под названием Post-Painterly Abstraction .Сегодня ее работы можно найти в большинстве крупных американских художественных музеев.
Июньский лист (1929 – настоящее время)Родилась и выросла в Чикаго, June Leaf короткое время стажировалась в Институте дизайна IIT, прежде чем в нежном возрасте 18 лет отправиться на самостоятельное обучение в Париж. В 1954 году она вернулась в Иллинойс, чтобы получить степень бакалавра и магистра. степени в области художественного образования. Однако в 1958 году она вернулась в Париж с финансированием своих работ от Фулбрайта.За прошедшие годы она разработала аллегорический стиль в нескольких средах. Рисунки пером и тушью, картины на холсте и кинетическая скульптура воплощают в себе абстрактное и необычное. В ее работах часто изображено человеческое тело — часто в работу включены ее собственные воображаемые руки.
Лиф и ее муж — режиссер и фотограф Роберт Франк — делят время между квартирой на Бликер-стрит в Нью-Йорке и рыбацким коттеджем в Новой Шотландии. В 2016 году Музей американского искусства Уитни провел ретроспективу ее работы под названием June Leaf: Thought Is Infinite .Хотя Фрэнк скончался в 2019 году, Leaf по-прежнему творит. В интервью 2016 года изданию Women’s Wear Daily она описала свою работу как поиск. Она сказала: «Может быть, я не хочу общественного признания. Я хочу выжить с той честностью, которая так дорога мне. Тот факт, что я смог сделать этот рисунок [показывает на мольберт], заставил меня подумать: «О, хорошо, ты все еще ученый, который может изобрести что-то, что подходит твоей жизни» ».
Эта статья была отредактирована и обновлена.
Статьи по теме:
Онлайн-база данных с упущенными из виду художницами 15-19 веков
В книге по искусству «Расширение возможностей» рассказывается о художниках-женщинах, посещаемых музеями
9 смелых и влиятельных женщин, которые сформировали мир искусства
8 знаковых художников и их любимые предметы вдохновения
10 самых известных картин с изображением женщин известных художников
Женщины были любимой темой художников на протяжении веков.В античном искусстве женщины часто изображались как богинь и мифологических персонажей . В пятнадцатом веке появилось идеализированных портретов женщин в изысканных платьях. Эти картины часто заказывались богатыми семьями, которые хотели продемонстрировать свое богатство и власть. Однако самый известный женский портрет эпохи Возрождения — это просто одетая Мона Лиза . Еще один ранний известный портрет женщины — это Девушка с жемчужной серьгой голландского художника Йоханнеса Вермеера .Обнаженные изображения женщин вызвали несколько споров, возможно, не больше, чем «Олимпия » Мане, на которой изображена проститутка высокого класса, беззастенчиво смотрящая на зрителя. В современном искусстве Le Reve Пикассо и автопортреты Фриды Кало являются одними из самых известных изображений женщин. Узнайте больше из 10 самых известных картин, изображающих женщину в качестве главного героя.
# 10 Le Rêve
Английский Название: Мечта
Автор: Пабло Пикассо
Год: 1932
Le Reve (1932) — Пабло ПикассоПикассо , возможно, величайший художник всех времен, и эта картина, возможно, является его самым известным портретом .На нем изображена его французская любовница Мария-Тереза Вальтер . В отличие от своей более поздней любовницы Доры Маар , которую Пикассо часто изображал как замученной или угрожающей , Мария-Тереза обычно появляется в его картинах как блондинка, солнечная и яркая . Пикассо создал множество работ с элементами эротизма, и эротическое содержание этого портрета часто отмечается критиками, указывающими на то, что Пикассо нарисовал эрегированный пенис, предположительно символизирующий свой собственный, на перевернутом лице своей 22-летней модели.В марте 2013 года , Le R e ve были проданы на частной продаже за 155 миллионов долларов , что сделало ее пятой по стоимости картиной, когда-либо проданной на тот момент . По состоянию на август 2017 года эта цена является второй по величине, когда-либо уплаченной за приобретение картины Пикассо после Les Femmes d’Alger (Женщины Алжира) , которая была продана за 179,4 миллиона долларов в мае 2015 года.
# 9 Обнаженная Maja
Испанский Название: La Maja Desnuda
Автор: Франсиско Гойя
Год: 1800
Обнаженная Майя (1800) — Франсиско ГойяФрансиско Гойя считается самым важным испанским художником конца 18-го и начала 19-го веков; и один из великих портретистов современности. Обнаженная Майя , один из его шедевров, известен как , первая «полностью непристойная обнаженная женщина в натуральную величину в западном искусстве» и первая большая западная картина , изображающая женские лобковые волосы без явных негативных коннотаций . Картина, скорее всего, была заказана премьер-министром Испании Мануэлем де Годой . Подлинность модели достоверно неизвестна. Вероятными кандидатами являются любовница Годоя Пепита Тудо и Мария Кайетана де Сильва , 13-я герцогиня Альба .Известный прямым и бесстыдным взглядом модели на зрителя, она считается революционной работой, которая расширила горизонты западного искусства .
# 8 Мать Уистлера
Альтернативное название: Композиция в сером и черном цвете № 1
Автор: Джеймс Эббот Макнил Уистлер
Год: 1871
Мать Уистлера (1871 г.) — Джеймс Эббот Макнил УистлерДжеймс Эббот Макнил Уистлер , хотя в основном работал в Соединенном Королевстве, был влиятельным американским художником конца XIX века.Он был против сентиментальности и моральных намеков в живописи и считал, что истинное искусство «само по себе» и отделено от таких привязанностей. Сюжетом этой картины является его мать Анна Макнил Уистлер . Изначально произведение называлось «Композиция в сером и черном» №1 , и художника раздражало настойчивое желание других рассматривать его как портрет. Картина в конечном итоге стала иконой в Америке материнства, привязанности к родителям и семейных ценностей .В 1934 году почтовое отделение США выпустило марку, на которой выгравировано стилизованное изображение матери Уистлера со слоганом «В память и в честь матерей Америки». Мать Уистлера была названа викторианской Мона Лиза , и она остается одним из самых известных портретов американского художника .
# 7 Портрет мадам X
Автор: Джон Сингер Сарджент
Год: 1884
Портрет мадам X (1884) — Джон Сингер СарджентДжон Сингер Сарджент был американским художником, проживавшим в Париже в то время, когда он создавал эту картину.Ему было под тридцать, и он пытался сделать себе имя. Виржини Амели Авеньо Готро — американская эмигрантка, вышедшая замуж за французского банкира и известная в парижском обществе своей красотой. После пары лет уговоров очаровательная мадам Готро согласилась позировать Сардженту. Когда портрет был впервые выставлен в Парижском салоне 1884 , он вызвал бурю негодования. Некоторые сочли его слишком провокационным , в то время как критики сравнили его модель с трупом и использовали такие слова, как отвратительный и отвратительный по отношению к нему.В газетах публиковались карикатуры и сатирические стихи, высмеивающие и художницу, и модель, поскольку попытки Сарджент скрыть свое имя оказались тщетными. Скандал был настолько велик, что Sargent был вынужден покинуть Париж и переехать в Лондон. Портрет мадам X со временем стал одним из самых уважаемых и известных портретов в западном искусстве . Это работа, которой больше всего известен Сарджент.
# 6 Портрет Адели Блох-Бауэр I
Автор: Густав Климт
Год: 1907
Портрет Адели Блох-Бауэр I (1907) — Густав КлимтГустав Климт — австрийский художник , который остается одним из самых известных художников.Он достиг замечательных успехов в своей «золотой фазе» , во время которой он написал этот знаменитый портрет. Модель на картине, Адель Блох-Бауэр , была женой Фердинанда Блох-Бауэра , богатого еврейского банкира и производителя сахара. Ей тогда было 25 лет . Портрет Адели Блох-Бауэр I , также известная как Женщина в золоте , была украдена нацистами в 1941 году . Спустя годы племянница Адели Мария Альтманн вела семилетнюю судебную тяжбу против австрийского правительства, чтобы вернуть культовый портрет семьи 2006 .В том же году Портрет Адели Блох-Бауэр I был продан за $ 135 миллионов , что сделало рекордом по самой высокой цене, когда-либо уплаченной за картину . По состоянию на февраль 2018 года он занимает 1 3 -е в скорректированном на инфляцию списке самых высоких известных цен, уплаченных за картины. История Марии Альтманн была запечатлена в драматическом фильме 2015 года под названием Женщина в золоте . Женщина в золоте, несомненно, один из самых известных портретов s художника современного искусства .
# 5 Лас-дос-Фридас
Английский Название: Две Фриды
Автор: Фрида Кало
Год: 1939
Две Фриды (1939) — Фрида КалоФрида Кало была мексиканской художницей , известной своими автопортретами , которые часто включают символические изображения физических и психологических ран. У нее были бурные отношения с другим известным мексиканским художником Диего Ривера , во время которых они поженились, развелись и снова поженились. Две Фриды были созданы примерно во время развода Кало с Диего Риверой и, как считается, изображают ее потерю. Это двойной автопортрет . Фрида слева одета в белое платье европейского стиля, ее сердце разорвано и истекает кровью, а Фрида справа носит традиционное мексиканское платье, и ее сердце все еще цело. Кало снова вышла замуж за Риверу через год, и хотя их второй брак был таким же проблемным, как и первый, он продлился до ее смерти. Эта картина является самой большой работой Кало , а также ее самой известной работой .
# 4 Олимпия
Автор: Эдуард Мане
Год: 1863
Олимпия (1863) — Эдуард МанеФранцузский художник Эдуард Мане считается пионером современного искусства , и его работы внесли значительный вклад в модернизацию живописи. Самая известная среди этих работ — Olympia . На картине изображена полулежащая обнаженная женщина в сопровождении горничной. Когда он был впервые выставлен на Парижском салоне 1865 года, он вызвал огромные споры; не из-за наготы Олимпии, а из-за того, что на картине присутствует ряд деталей, которые идентифицируют ее как проститутку .К ним относятся орхидея в ее волосах, ее браслет, жемчужные серьги и восточная шаль, на которой она лежит. Также на картине изображен черный кот, который традиционно символизировал проституцию. Олимпия была вдохновлена картиной Тициана «Венера из Урбино » Тициана и несколькими другими картинами; но в отличие от этих работ, он изображал не богиню или придворную даму, а проститутку высокого класса. Самый известный аспект картины — конфронтационный взгляд Олимпии ; который часто называют вершиной неповиновения патриархату .«Олимпия» Мане считается ключевым произведением современного искусства и, возможно, является самой известной обнаженной натурой 19 века.
# 3 Мэрилин Диптих
Автор: Энди Уорхол
Год: 1962
Мэрилин Диптих (1962) — Энди УорхолЛегендарная американская актриса Мэрилин Монро умерла в августе 1962 года . В последующие недели Энди Уорхол, известный как Папа поп-арта , создал этот шедевр, который содержит пятьдесят изображений актрисы .Все изображения основаны на одной и той же рекламной фотографии из фильма 1953 Niagara . 25 изображений на левой стороне работы ярко окрашены, а 25 справа — в черно-белом цвете с эффектом выцветания. Критики предполагают, что этот контраст свидетельствует о смертности звезды. Мэрилин Диптих — это культовая работа Pop Ar t , движение, отмеченное использованием узнаваемых образов из популярной культуры , таких как реклама, знаменитости и персонажи комиксов.Это также самый известный шедевр Энди Уорхола ; и самая известная картина американского художника . В 2004 году он был назван третьим по значимости произведением современного искусства по результатам опроса 500 художников, кураторов, критиков и дилеров, проведенного по заказу спонсора премии Тернера.
# 2 Девушка с жемчужной сережкой
Автор: Йоханнес Вермеер
Год: ок.1665
Девушка с жемчужной серьгой (1665) — Иоганнес ВермеерИоганнес Вермеер , пожалуй, самый известный художник голландского Золотого века после Рембрандта. Девушка с жемчужной серьгой , самая известная его работа , изображает европейскую девушку в экзотическом платье, восточном тюрбане и большой жемчужной серьге. О жизни Яна Вермеера известно немногое, и ничего не известно о модели, изображенной на картине. Тем не менее, «Девушка с жемчужной сережкой» — это , один из самых известных портретов, когда-либо созданных , и его часто называют «Мона Лиза с севера» .Возможно, таинственность, окружающая картину, добавляет ей известности. В 1999 году американская писательница Трейси Шевалье написала исторический роман с тем же названием, что и портрет, придумав рассказ о создании шедевра Вермеера. Позже по нему был снят одноименный фильм, который был номинирован на три премии Оскар.
# 1 Мона Лиза
Автор: Леонардо да Винчи
Год: 1517
Мона Лиза (1517 г.) — Леонардо да ВинчиЛеонардо да Винчи считается выдающейся фигурой итальянского Возрождения, преуспевшей во многих областях, включая искусство.Мона Лиза была признана «самым известным, самым посещаемым, самым обсуждаемым, самым воспетым и самым пародируемым произведением искусства в мире» . Его слава основана, в частности, на неуловимой улыбке на лице женщины , поэтому она также известна как «Джоконда» или смеющаяся . Согласно рассказам одного из первых биографов, картина представляет собой изображение Лизы Герардини , реальной жены купца. Для да Винчи «Мона Лиза» всегда была незавершенной работой, так как это была его попытка достичь совершенства.Картина так и не была доставлена заказчику; он хранил его при себе до конца своей жизни. Книга рекордов Гиннеса № перечисляет Мона Лиза как имеющую самую высокую страховую стоимость для картины в истории . Он был оценен в 100 миллионов долларов США на 14 декабря 1962 года, , что после корректировки инфляции составит около долларов США 7 90 миллионов в 2016 году.
Великих женских автопортретов | Christie’s
Дженнифер Хигги — автор новой книги о женских автопортретах, которая будет опубликована в марте, — о женщинах-художниках, изображения которых помогли закрепить свое место в истории
Музеи мира заполнены картинами женщин — мужчин.Спросите у окружающих, и вы обнаружите, что большинству людей сложно назвать хотя бы одну художницу-женщину до 20 века. Но женщины всегда творили искусство, даже несмотря на то, что на протяжении веков каждое разочарование — от законов до религии и условностей, давления семьи и общественного неодобрения — было, а в некоторых местах до сих пор остается на их пути.
До наступления современности считалось, что женщины должны быть женами, матерями или монахинями, а не художниками или писателями; у них не было политического влияния, и, если их отец не был художником, они имели очень ограниченный доступ или вообще не имели доступа к какому-либо художественному образованию.
(Здесь я сосредоточен на европейской традиции: во многих культурах коренных народов по всему миру творчество женщин было и остается центральным для индивидуального и общественного самовыражения.)
Мне нравится думать о автопортрете ван Хемессена как об акте неповиновения. «Я женщина, рисующая, — кажется, она говорит, — и ты меня не остановишь»
Так как это было в финансовых, культурных и, мы можем предположить, эмоциональных интересах мужчин отговорить женщин от продолжения карьеры, женщинам было отказано в доступе к материалам, к обучению и к необходимому пространству и времени, которые необходимы каждому художнику для развития своего таланта. .
Хотя в средние века женщины активно занимались ремеслами и освещением, нам известно очень мало их имен. В эпоху Возрождения женщинам было запрещено работать на строительных лесах, поэтому им нельзя было поручить изготовление фресок.
Государственных художественных школ для женщин не существовало до конца 19 века; и даже если они учились с частным репетитором, в основном женщинам запрещалось работать с натурщицами, и поэтому им не позволяли обучаться центральному навыку, необходимому профессиональному художнику.Вот почему так много женщин-художников специализировались на ботанических и научных исследованиях, натюрмортах и автопортретах: вам, возможно, не разрешили изучать обнаженного мужчину, но ваше собственное тело было другим делом.
За последние 500 лет или около того, существует бесчисленное количество историй о женщинах, которые боролись за то, чтобы их признали серьезными художниками перед лицом массовой изоляции. Вот некоторые из них.
Катарина ван Хемессен, Selbstbildnis an der Staffelei (Автопортрет у мольберта) , 1548.Масло на панели. 32 х 25 см. Художественный музей Базеля, Schenkung der Prof. J.J. Bachofen-Burckhardt-Stiftung 2015, инв. 1361
- 1
- Катарина ван Хемессен Автопортрет у мольберта , 1548
Почти 500 лет назад в Антверпене молодая женщина нарисовала автопортрет на дубовой панели. Закончив, она аккуратно написала на его поверхности несколько латинских слов.В переводе они заявляют: «Я, Катарина ван Хемессен, нарисовала себя / 1548 / Здесь в возрасте 20 лет».
Для наших глаз 21-го века автопортрет ван Хемессена можно было бы отклонить как очаровательную, немного неуклюжую диковинку, написанную женщиной в то время, когда немногие женщины были профессиональными художниками. Однако эта небольшая картина на самом деле является революционным произведением искусства: широко распространено мнение, что это самый ранний из сохранившихся автопортретов художника любого пола, сидящего за мольбертом, и ван Хемессена, который должен был стать придворным художником в Испании. , первая фламандская художница, чьи работы нам известны.
Мне нравится думать об этом как об акте неповиновения. «Я женщина, рисующая, — кажется, говорит художник, — и ты меня не остановишь».
- 2
- Джудит Лейстер Автопортрет , около 1630 г.
Джудит Лейстер (голландка, 1609-1660), Автопортрет , ок.1630. Холст, масло, габаритные размеры: 74,6 х 65,1 см (29⅜ x 25⅝ дюйма). Подарок мистера и миссис Роберт Вудс Блисс. 1949.6.1. Предоставлено Национальной галереей искусств, Вашингтон,
.В 1633 году 24-летняя Джудит Лейстер стала единственной женщиной, наряду с 30 мужчинами, принятой в Гарлемскую гильдию Святого Луки.Это означало, что она могла продавать свои работы, открывать мастерскую и брать учеников.
Несмотря на то, что она праздновалась при ее жизни, после ее смерти о ней почти забыли. До 1893 года предполагалось, что ее картины принадлежат Франсу Хальсу или ее мужу Яну Минсе Моленэру.
Ее восторг и гордость за свое ремесло очевидны. Владея 18 кистями, она пишет свою раннюю работу, Merry Company (холст, который был продан на аукционе Christie’s в Лондоне в декабре 2018 года за 1 808 750 фунтов стерлингов).Она одета в свою лучшую одежду, что свидетельствует о ее мастерстве и богатстве, которое оно ей даровало. Она поворачивается, чтобы поприветствовать нас, улыбаясь; это как если бы она обращалась напрямую к нам.
После столетий молчания теперь мы можем слышать ее: этот блестящий автопортрет, который на протяжении веков считался принадлежащим Галсу, окончательно приписали Лейстеру только после того, как Национальная галерея искусств в Вашингтоне, округ Колумбия, приобрела его в 1949 году.
Элизабет Луиза Виже Лебрен (1755-1842), Автопортрет в соломенной шляпе , после 1782 года.Масло на холсте. 97,8 х 70,5 см. Фото: © Национальная галерея, Лондон
- 3
- Элизабет-Луиза Виже Ле Брен Автопортрет в соломенной шляпе , после 1782 г.
Любимая художница Марии-Антуанетты, Элизабет-Луиза, Виже Лебрен, сейчас наиболее известна своими скандальными автопортретами. По словам историка Колина Джонса, во Франции 18-го века улыбка, обнажающая зубы, говорила о том, что испытуемый был «плебейским, безумным»… или в тисках какой-то особенно сильной страсти ». Это также могло иметь какое-то отношение к тому факту, что у короля Людовика XIV не осталось зубов к 40 годам, и это было сделано не для злорадства.
«Автопортрет в соломенной шляпе» — игривая дань уважения молодой художнице картине Сюзанны Лунден, написанной Питером Паулем Рубенсом 1622 года, « Le Chapeau de Paille» («Соломенная шляпа») . Несмотря на название, шляпа у нее фетровая, а не соломенная. В своей картине Виже Ле Брен — блестящая самореклама — исправила ошибку Рубенса: ее золотые кудри украшает роскошная соломенная шляпа, украшенная цветами и пером.Держа в руках большую палитру и пригоршню кистей, она улыбается нам, позволяя нам взглянуть на ее ослепительно белые зубы.
Паула Модерзон-Беккер, Автопортрет на 6-ю годовщину свадьбы , 1906.Museen Böttcherstraße, Музей Паулы Модерзон-Беккер, Бремен, Германия
- 4
- Паула Модерсон-Беккер Автопортрет на 6-ю годовщину свадьбы , 1906
На автопортрете Паулы Модерзон-Беккер в натуральную величину она изображает себя, обнимающую свой беременный живот, голову под насмешливым углом и с мягким выражением любопытства.У нее грубые черты лица, без макияжа или уловок; ее карие глаза сияют умом и индивидуальностью. Как и автопортрет Катарины ван Хемессен столетия назад, на картине есть надпись. В переводе оно гласит: «Я нарисовала это в 30 лет / в 6-й день свадьбы. P.B. ’- возвращение к девичьей фамилии Паула Беккер.
Зарегистрируйтесь сегодня
Интернет-журнал Christie’s каждую неделю доставляет на ваш почтовый ящик наши лучшие функции, видеоролики и новости аукционов
Подписывайся
Однако изображенная здесь беременность носит символический характер.Фактически, Модерзон-Беккер только что бросила своего мужа в Ворпсведе, Германия, и переехала в Париж, чтобы заниматься рисованием на полную ставку.
В то время, когда женщин-художников часто оттесняли или игнорировали, она ожидала не ребенка, а воплощения своего творчества. Сегодня картина вызывает восхищение не только из-за ее современности, но и потому, что она считается самым ранним из известных женских автопортретов в обнаженном виде.
Амрита Шер-Гил, Автопортрет как таитянка , 1934 год.Масло на холсте. Коллекция Вивана и Навины Сундарам
- 5
- Амрита Шер-Гил Автопортрет как таитянин , 1934
Однажды в Париже в 1934 году молодая венгерско-индийская женщина написала автопортрет в образе таитянки, несмотря на то, что никогда не была в южной части Тихого океана. За исключением небольшой ткани, перекинутой через нижнюю часть ее тела, она обнажена.Ее тело очерчено бледно-зеленой тенью мужчины. Он загораживает свет.
В последние десятилетия XIX века Поль Гоген снова и снова изображал полуобнаженных женщин во Французской Полинезии. В автопортрете Амриты Шер-Гил история искусства одновременно почитается и перерабатывается.
Молодые смуглые женщины на протяжении веков были сведены к стереотипам, как символам примитивной страсти. Здесь художница вернула себе контроль над своим изображением. В ее наготе нет ничего постыдного: ее кожа — это то, чем она гордится.Она создание Запада и Востока и никому не подчиняется. Она сикх, венгр, живописец, а ее персонаж — ее живопись. Она не типаж: она личность.
Новая книга Дженнифер Хигги, Зеркало и палитра: восстание, революция и устойчивость: 500 лет женских автопортретов , опубликована 18 марта.
10 автопортретов самых известных женщин-художников
Несмотря на то, что селфи известны как современное изобретение, они существовали веками, хотя и в более традиционной форме автопортретов.Художницы-художницы во времени и пространстве создавали автопортреты по ряду причин. Они не только представили, какими они хотели бы видеть их другие, но они также использовали их для решения социальных или политических проблем. На протяжении веков женщины представлялись образцами искусства. В знак протеста и неповиновения художницы использовали автопортреты, чтобы представить себя художниками в своих правах. Настоящий акт феминизма и олицетворение женской силы.
Давайте откроем для себя некоторые из этих шедевров, изучив 10 автопортретов самых известных женщин-художников в истории искусства.
1. Фрида Кало
Самая известная женщина-художница из Мексики, жизнь Кало, хотя и новаторская в художественном отношении, была полна проблем. Она получила травмы, изменившие ее жизнь, в автокатастрофе, у нее было много любовных романов и несколько выкидышей. Для нее способ справиться с этими травмами — это искусство. Несмотря на то, что за время своей карьеры она написала несколько автопортретов, «Автопортрет с терновым ожерельем и колибри» (1940) изобилует символическими отсылками к ее болезненным переживаниям.Она смотрит на зрителя на фоне листьев. Шипы образуют ожерелье вокруг нее, проникая в кожу и вызывая кровотечение. Колибри, обычно ассоциирующаяся со свободой, свисает с ожерелья. Однако она изображает птицу черной и безжизненной, пробуждая собственные чувства Кало. Черная кошка справа олицетворяет невезение, а обезьяна, которую обычно использует Кало, олицетворяет защиту. В результате этот автопортрет полон изображений агонии, горя и страданий.
Автопортреты художницы: Фрида Кало, Автопортрет с терновым ожерельем и колибри , 1940, Центр Гарри Рэнсома, Остин, Техас, США.Википедия.2. Софонисба Ангиссола
Ангиссола, одна из самых знаменитых художниц эпохи Возрождения, была пионером в портретной и жанровой живописи. На картине «Автопортрет » (1556 г.) художницы изображена ее картина на холсте с изображениями Девы Марии и Христа, пойманная в нежную минуту между матерью и сыном. Спокойно и сдержанно она смотрит на зрителя. Прежде всего, она делает это для того, чтобы представить себя серьезным и достойным художником.В эпоху, когда женщин-художников не воспринимали так серьезно, как их коллег-мужчин, она хотела, чтобы другие ценили ее за ее мастерство. Поэтому акцент делается не столько на ее красоте, сколько на ее творческих и интеллектуальных способностях. Кроме того, упоминания Девы Марии и Христа представляют ее желание идентифицировать себя как целомудренную, добродетельную женщину. Все эти элементы создают ее образ как выдающейся и выдающейся художницы того времени.
Автопортреты художницы: Софонисба Ангиссола, Автопортрет , 1556, Музей Ланьцут, Ланьцут, Польша.Викимедиа.3. Артемизия Джентилески
Картина итальянской художницы эпохи барокко Артемизии Джентилески, Автопортрет как аллегория живописи (1638-39) изображает саму картину Джентилески. Карл I пригласил художницу в Лондон в 1638 году, где, как считается, она написала этот автопортрет. В одной руке она держит кисть, а в другой — палитру. Таким образом, она идентифицирует себя как женское олицетворение живописи. В то время это было смелое заявление с оттенком феминизма.Джентилески также пережила некоторые неприятности в молодые годы; старший член мастерской художника, где она училась, изнасиловал ее, что сильно повлияло на нее. Следовательно, в ряде ее работ просвечиваются феминистские темы. В эпоху барокко образы женщин в искусстве были непристойными. Однако Джентилески удалось манипулировать своей картиной, чтобы она расширяла возможности, а не уничижала женщин.
Автопортреты художницы: Артемизия Джентилески, Автопортрет как аллегория живописи , 1638-39, Королевское собрание, Лондон, Великобритания.4. Ремедиос Варо Уранга
Ремедиос Варо Уранга была испанским художником-сюрреалистом. Родившись в Испании, она позже переехала в Мексику, где стала важным членом мексиканского сообщества художников и общалась с такими, как Фрида Кало и Леонора Каррингтон. Прежде всего, ее работа была синонимом духовных или фантастических концепций, таких как единороги и ведьмы. Во многом это было связано с ее восхищением Хиэронимом Босхом, чьи загадочные композиции, несомненно, повлияли на нее.Например, ее автопортрет с единорогом (дата неизвестна) показывает ее способность находить баланс между реалистичными качествами и воображаемыми. Белые и синие оттенки ее самой и единорога выделяются на фоне более теплых красных и оранжевых тонов. В основном она создает этот контраст с целью бросить вызов пониманию зрителями их собственной психологии, тел и способностей.
Автопортреты художницы: Ремедиос Варо Уранга, Автопортрет с единорогом , дата неизвестна, частное собрание.Мой ежедневный художественный показ.5. Лоис Майлоу Джонс
Джонс родилась в Бостоне, штат Массачусетс, и начала свою карьеру в области текстильного дизайна, прежде чем сосредоточилась на изобразительном искусстве. После отъезда из США в Париж в 1930-х и 40-х годах она стала одной из самых заметных фигур, прославившихся своим искусством, живя в качестве чернокожего эмигранта. Когда писала живопись, она больше всего смотрела на Африку и Карибский бассейн. Яркие цвета и ритмичные формы сильно повлияли на ее стиль. Однако только в 1970 году, в возрасте 65 лет, она впервые приехала в Африку.Тем не менее, за три десятилетия до посещения Африки ее работы уже были окрашены африканскими влияниями. Это можно увидеть в автопортрете «Автопортрет » (1940), в котором она связывает свою идентичность с традиционными африканскими культурами. Примечательно, что работы Джонс часто включают в себя произведения искусства. Например, скульптурные фигуры на заднем плане этого автопортрета символизируют ее африканские корни.
Автопортреты художницы: Лоис Майло Джонс, Автопортрет , 1940, Смитсоновский музей американского искусства, Вашингтон, округ Колумбия, США.6. Элизабет Луиза Виже Ле Брэн
Ведущий портретист, Ле Брен была известна тем, что рисовала свои предметы в лестном и элегантном стиле. В результате многие считали ее одним из самых модных портретистов своего времени. После некоторого обучения у своего отца она поступила в Академию Сен-Люк в то время, когда туда поступало очень мало женщин. К 20 годам она вошла в суд как королевский художник. Позже ей покровительствовала королева Мария-Антуанетта, из которых написала 30 портретов.После карьеры запечатления элегантности других она решила изобразить себя. Лебрен « Автопортрет » (1790) представляет художника перед холстом с палитрой в руке. Она носит элегантное черное шелковое платье, работая над образом Королевы. Ее цель здесь заключалась в том, чтобы вызвать образ власти и престижа, который она приобрела благодаря своему положению художника французской королевской семьи.
Автопортреты художницы: Элизабет Луиза Виже-ЛеБрун, Автопортрет , 1790, Галерея дельи Уффици, Флоренция, Италия.7. Тамара де Лемпицка
Живописная техника польской художницы Лемпицкой лежала в основе авангардных течений неокубизма, футуризма и ар-деко. В 1929 году немецкий журнал мод «Die Dame» поручил ей создать автопортрет для обложки. Тема номера — празднование женской независимости. Следовательно, она создала автопортрет на зеленом Bugatti (1929), одном из самых известных автопортретов художницы в истории искусства.На этом портрете она сидит за рулем гоночного автомобиля Bugatti. Примечательно, что она носит кожаный шлем и перчатки и закутана в серый шарф. Здесь она олицетворение красоты, независимости, богатства и недоступности. Таким образом, это один из самых известных примеров портретной живописи в стиле ар-деко.
Автопортреты художницы: Тамара де Лемпицка, Автопортрет в зеленом Бугатти , 1929, частное собрание. Wikimedia Commons.8. Мари-Габриэль Капе
Французский художник-неоклассик Капет преуспел как художник-портретист в 18 веке.В это время во Франции женщины начали занимать новые должности в обществе. Искусство было новой областью, открытой для женщин как профессионалов, и Капет оставила свой след на этой растущей женской арт-сцене. Ее автопортрет «» (1783 г.) представляет ее держащую мел, когда она сидит за мольбертом, глядя на нас. Ее синее атласное платье с лентами олицетворяет легкость стиля рококо того времени. Кроме того, она демонстрирует простое выражение лица, красиво подчеркивая ее молодость и чувственность.Прежде всего, картина представляет собой восходящее движение женщин-художников. С приближением Французской революции традиционные общественные практики уходили в прошлое. Грядут перемены, и женщины, как и Капет, становятся в центре внимания.
Автопортреты художницы: Мари-Габриель Капет, Автопортрет , 1783, Национальный музей западного искусства, Токио, Япония. Wikimedia Commons.9. Анжелика Кауфман
Кауфман была швейцарским неоклассическим портретистом, художником-пейзажистом и художником-декоратором.Богатая, независимая и очень талантливая женщина, она была женской силой, с которой нужно было считаться. Примечательно, что она была одной из двух женщин-основательниц Королевской академии в Лондоне в 1768 году. На ее автопортрете «» (1770–1775) изображена женщина-художник, держащая портфель и цветной карандаш. Интересно, что она изображает себя в классической одежде, чтобы подчеркнуть свое место как художника-любителя. Основная причина этого заключалась в том, что она хотела сохранить свой женский статус и избежать сплетен.Прежде всего, она рисует себя таким образом, чтобы дистанцироваться от моды и общества, предпочитая, чтобы ее воспринимали как художника, а не как женщину.
Автопортреты художницы: Анжелика Кауфман, Автопортрет , 1770–75, Национальная портретная галерея, Лондон, Великобритания.10. Амрита Шер-Гил
Шер-Гил была пионером современного индийского искусства, настолько, что ее часто называют индийской Фридой Кало. Особенно искусно сочетая традиционные и западные формы искусства, она обладала талантом запечатлеть женские формы.Прежде всего на нее повлияли картины Поля Гогена с изображением таитянских женщин. Он представил женщин, признающих зрителя, и показал их тела для наблюдения или, как думал Шер-Гил, для эксплуатации. Как «экзотическая» женщина в Париже 1920-х годов, отчасти венгерка, а отчасти сикх, она решила противостоять картинам Гогена. Следовательно, она создала Автопортрет как таитянка (1934). Здесь она бросает вызов идеализированным обнаженным телам Гогена. Поэтому в акте неповиновения она не смотрит на зрителя и не признает его взгляд.
Автопортреты художницы: Амрита Шер-Гил, Автопортрет как таитянка , 1934, Художественный музей Киран Надар, Нью-Дели, Индия. Тейт.Если вы ищете красивые шедевры, чтобы украсить свою стену — вот календарь DailyArt 2021 для вас!
Узнайте больше об артистах, упомянутых в этой статье — Фриде Кало, Амрите Шер-Гил и других:
Если вы найдете радость и вдохновение в наших историях, ПОЖАЛУЙСТА, ПОДДЕРЖИТЕ журналDailyArt, сделав скромное пожертвование.Мы любим историю искусства, и
мы хотим продолжать писать об этом.
30 самых известных женских картин
Картины не перестают удивлять зрителя. Хотя каждая картина может быть интерпретирована по-разному разными людьми, тем не менее, она никогда не перестает распространять очарование. Живописцы и художники всего мира любят запечатлеть прекрасную женщину на холсте. Амальгамация искусства всегда невыразима. А когда речь идет о двух искусствах, то есть о женском теле и живописи, оно автоматически становится радужно-красивым.Женщины запечатлены в разных позах и обстановке, и эти картины стали произведениями искусства, которые все ценят и любят. Если вы любитель искусства, вам следует знать об этих самых известных женских картинах .
Мона Лиза
Источник изображения
Источник изображения
Пожалуй, самая известная из самых известных женских картин, «Мона Лиза», написанная в 1502 году Леонардо да Винчи, висит в Лувре в Париже, и ее посещают миллионы людей.Это портрет неизвестной женщины, загадочно улыбающейся, личность которой не была установлена до недавнего времени. Леонардо да Винчи писал Мона Лизу почти 20 лет в эпоху Возрождения во Флоренции, Италия.
Мать Уистлера
Источник изображения
Источник изображения
Американский художник Джеймс Макнил написал картину «Мать Уистлера» в 1871 году, которая ранее была известна как «Композиция в сером и черном: мать художника».Вы можете найти эту картину в Музее Орсе в Париже. На картине изображена женщина, сидящая лицом боком, положив руки на колени, и ее можно интерпретировать как символ материнства или сатиры — среди самых известных женских картин ; это, конечно, другое.
Сотворение Евы
Источник изображения
Источник изображения
«Сотворение Евы» — фреска Сикстинской капеллы Ватикана в Риме, написанная Микеланджело Буонаротти с 1508 по 1512 год.Картина была заказана Папой Павлом III. Это противоречивая картина из самых известных женских картин , поскольку на ней изображены обнаженные библейские фигуры. В то время это вызвало скандал, и его защищал Папа. Однако более поздний Папа приказал прикрыть цифры.
Рождение Венеры
Источник изображения
Источник изображения
Картина Сандро Боттечелли, изображающая греко-римскую мифологическую богиню Венеру, была написана в 1483 году.На картине изображена Венера, поднимающаяся из моря. Предполагается, что моделью для картины станет Симонетта Катанео Веспуччи, которая была любовницей Джулиано ди Пьеро де Медичи. Вы можете найти картину в галерее Уффици во Флоренции, Италия.
Девушка в сорочке
Источник изображения
Источник изображения
Знаменитый художник Пабло Пикассо написал портрет молодой, немощной и, возможно, больной девушки в 1905 году.На портрете девушка одета в сорочку, которая едва прикрывает ее тело, и, несмотря на нездоровый вид, ее тело изображено желанным.
Елизавета I
Источник изображения
Источник изображения
Написанная придворным художником Николасом Хиллиардом в 1585 году, эта картина изображает Елизавету I, королеву Англии, в черном платье, которое было ее любимым цветом. Королева держит на картине оливковую ветвь мира, а на соседнем столе лежит меч правосудия.
Девушка с жемчужной сережкой
Источник изображения
Источник изображения
Яркое изображение стиля барокко и использования света, Девушка с жемчужной сережкой часто упоминается как голландская Мона Лиза и является одной из самых известных женских картин . Он был написан художником Йоханнесом Вермеером и изображает девушку в платке и жемчужной серьге. Эта картина выставлена в художественном музее Маурицхейс в Гааге, Нидерланды.
Олимпия
Источник изображения
Источник изображения
Эдуард Мане написал обнаженную куртизанку в 1856 году. Эта картина вызвала возмущение жителей Парижа. В то время проституция не была популярна, и изображение обнаженной куртизанки, смотрящей из картины, считалось оскорблением. Картина выставлена в Музее Орсе в Париже, Франция.
Источник изображения
Источник изображения
Источник изображения
Источник изображения
Источник изображения
Источник изображения
Источник изображения
Источник изображения
Источник изображения
Источник изображения
Источник изображения
Источник изображения
Источник изображения
Источник изображения
Эти самых известных женских картин , каждая из которых представляет собой уникальное произведение, на которое любой любитель искусства хотел бы взглянуть, и его нельзя пропустить, если у вас есть возможность их увидеть.Кроме того, с помощью таких сервисов, как Mavenart, вы можете создать картину женщины вашей жизни. Итак, в какую из них вы вкладываете деньги сегодня?
картин женщин — 10 самых известных
На протяжении всей истории художники делали акцент на невероятной красоте женской фигуры. Многие из величайших художников мира были в значительной степени увлечены созданием работ, запечатлевавших женщин в их самом прекрасном состоянии.
Многие из картин, которые многие искусствоведы и критики считают одними из лучших работ всех времен, в той или иной форме посвящены женщинам.
С самых ранних периодов истории человечества через эпоху Возрождения и до наших дней художники практически всех основных движений или стилей сосредотачивались на работах с участием женщин.
В этой статье мы более подробно рассмотрим некоторые из наиболее заметных когда-либо созданных картин с участием женщин и обсудим различные элементы, которые делают их такими известными среди множества произведений искусства каждого периода.
Знаменитые женские картины
1.
Мона Лиза — Да ВинчиБез сомнения, один из самых известных художников в истории — Леонардо да Винчи. Его работы являются одними из самых узнаваемых среди художников периода Возрождения, который происходил в Италии и вокруг нее, начиная с конца 1400-х годов.
Знаменитая картина да Винчи — это картина, которую искусствоведы и критики до сих пор считают самой известной работой в истории.
Картина, известная как Мона Лиза, была написана в 1503 году и изображает портрет молодой женщины, личность которой до сих пор окутана тайной.
Считается, что это самая обсуждаемая картина в истории человечества, поскольку критики обсуждали многие элементы знаменитой работы с момента ее создания более 500 лет назад.
Считается, что женщина в «Моне Лизе» знакома с да Винчи, и его цель при написании этого знаменитого портрета заключалась в том, чтобы просто подчеркнуть естественную красоту женщины, когда ее видят сидящей со скрещенными руками с несколько любопытным выражением лица.
2.
Девушка с жемчужной сережкой — Йоханнес ВермеерЙоханнес Вермеер был хорошо известен в 17 веке как один из ведущих художников так называемого голландского золотого века искусства.Он был известен своей сверхъестественной способностью изображать людей и пейзажи, а также многие другие фигуры с невероятной степенью реализма.
Многие из его наиболее известных картин обладают характеристиками, которые делают их несколько фотореалистичными по сравнению с другими работами того же периода.
Его лучшей работой считается «Девушка с жемчужной серьгой», созданная в 1665 году.
На этом простом портрете изображена молодая женщина в уникальной позе: она смотрит через плечо на зрителя с юношеской красотой, которая, как говорят, является одним из самых отличительных элементов работы.
Одежда девушки, а также ее головной убор и серьги свидетельствуют об очень дорогих вещах, которые выделяют девушку как человека с высоким социальным статусом.
Затемненный фон лишь подчеркивает выражение лица девушки и оттенок кожи, а также ее темно-синие глаза, которые соответствуют оттенку синей ткани, покрывающей ее голову.
3.
Автопортрет с терновым ожерельем и колибри — Фрида КалоФрида Кало почитается как одна из самых знаковых женщин-художников и деятелей культуры в яркой истории Мексики.Художница известна своими уникальными изображениями различных фигур, в первую очередь женских фигур, которые часто делали себя в центре внимания картины.
Картина Кало 1940 года под названием «Автопортрет с терновым ожерельем и колибри» — один из самых известных автопортретов, когда-либо созданных за всю ее долгую карьеру.
На картине она изображена одетой в белое платье или рубашку, так как ее тело покрыто ветвями тернового куста, которые, кажется, обволакивают ее голову и плечи.
На этой картине видно, что у Кало ее обычное угрюмое и несколько суровое выражение лица, когда она смотрит в сторону зрителя. Она также добавила интересные фоновые изображения с маленькой обезьянкой за одним плечом и черной пантерой за другим.
4.
Мать Уистлера — Джеймс Эббот Макнил УистлерДжеймса Макнила Уистлера помнят как одного из самых известных американских художников XIX века, когда произведения искусства страны были в основном сосредоточены на повседневной жизни тех, кто жил в Соединенных Штатах.
Его самая узнаваемая картина — это картина 1871 года, в которой его собственная мать была центральной фигурой.
Известная как «Мать Уистлера», эта картина изображает относительно простую сцену пожилой женщины, сидящей на стуле, ее взгляд устремлен на то, что находится вне поля зрения на левой стороне холста.
Есть много противоречивых описаний, которые историки искусства и критики приписывают цели данной конкретной работы, но ни одно из них не считается окончательным.
На картине изображено торжественное выражение лица матери Уистлера, одетой во все черное, как если бы она оплакивала потерю кого-то очень важного в ее жизни.
5.
Портрет Адели Блох-Бауэр I — Густав КлимтГустав Климт — один из самых выдающихся художников, который в течение своей карьеры работал в различных средах, уделяя особое внимание женской фигуре в той или иной форме.
Его работы были культовыми в начале 20-го века, когда европейские художники начали исследовать художественные стили, которые двигались в сторону того, что сейчас считается абстрактным искусством.
Читайте также: Знаменитые мужские картины
Одна из его знаменитых работ известна как Портрет Адели Блох-Бауэр I. На этой картине 1907 года изображена женщина, окутанная золотыми оттенками, которые являются частью ее платья, а также фон самой работы.
Картина была написана во время фазы, через которую прошел Климт, когда большинство его работ было выполнено с большим количеством золотого цвета и текстуры.
6.
Женщина с зонтиком — Мадам Моне и ее сын — Клод МонеКлод Моне считается одним из самых известных французских художников-импрессионистов конца 19 века, когда большая часть Европы была очарована различными формами того, что сейчас считается движением импрессионизма.В некоторых из его наиболее заметных работ этого периода жизни изображены члены его семьи.
Моне написал одно из своих самых известных произведений в 1875 году, назвав его «Женщина с зонтиком» — «Мадам Моне и ее сын».
На этой солнечной сцене изображена собственная жена Моне, одетая в струящееся платье и держащая зонтик, который используется для защиты от яркого полуденного солнца.
Сын Моне, Жан, стоит на заднем плане и смотрит в сторону зрителя, но больше всего очаровывает взгляд его жены Камиллы.
7.
Греция на руинах Миссолонги — Эжен ДелакруаВ начале 19 века некоторые европейские художники создали множество работ, изображающих различные сцены из известных легенд и историй, связанных с древнегреческой или римской мифологией.
Французский художник Эжен Делакруа был одним из таких художников, и многие из его работ содержали сцены из различных исторических событий, которые превратили Европу в то могущественное множество наций, каким она была в то время.
На его картине «Греция на руинах Миссолонги» изображена красивая женщина, представляющая греческую нацию, находящуюся в эпицентре захвата захватчиками из Османской империи в 1826 году, в том же году, когда была создана эта работа.
Женщина, несмотря на свою пленительную красоту, стоит на коленях перед победителями в поражении.
На заднем плане изображен османский полководец, заявляющий права на греческую территорию, когда он вживляет флаг в землю и смотрит на землю.
8.
Портрет Доры Маар — Пабло ПикассоИз всех художников, которые, как известно, уделяли большое внимание женской форме во всей ее красе, немногие художники были более творческими в своих усилиях, чем Пабло Пикассо из Испании.
Многие из его работ были выполнены в несколько абстрактной форме, подчеркивая различные части женского тела способами, которых никогда раньше не делали.
Большинство известных работ Пикассо, изображающих женщин, были выполнены в женской форме в обнаженном виде, но одна конкретная работа изображает одетую женщину, небрежно сидящую в кресле, смотрящую в сторону зрителя.
Работа под названием «Портрет Доры Маар» была написана в 1937 году, в разгар бурной карьеры Пикассо.
Дора Маар известна как одна из самых известных женщин-художников в истории Франции, и изображение ее Пикассо действительно является одним из его самых широко известных шедевров.
9.
Madame X — Джон Сингер СарджентХудожники середины 1800-х годов постепенно вовлекались в различные формы импрессионизма или других стилей живописи, но несколько известных художников все еще были сосредоточены на изображении своих работ в ярком реализме.
Джон Сингер Сарджент был одним из тех художников, у которых был дар изображать женские формы в гиперреалистичной манере, которая была потрясающе реалистичной.
Он создал серию работ, посвященных женской форме в различных позах и типах одежды, но одна из самых известных — «Мадам X».
Эта картина была написана в 1884 году и изображает безымянную женщину (которая на самом деле была женой известного французского банкира) в красивом черном платье.
Во время выставки в Парижском салоне работа считалась непригодной для всеобщего обозрения, поскольку многие критики сочли женское платье слишком откровенным. Тем не менее, он по-прежнему считается одним из непреходящих шедевров, который входит в число самых известных женских картин, когда-либо созданных.
10.
Ла Донна Велата — РафаэльПериод Возрождения был временем, когда художники, казалось, пробуждали различные формы творчества и углублялись в создание картин, скульптур, литературных произведений и многих других форм искусства, которые до сих пор считаются одними из самых впечатляющих из всех когда-либо созданных произведений искусства.
Итальянский художник эпохи Возрождения, известный как Рафаэль, был известен своей невероятной способностью запечатлеть людей и сцены с невероятным уровнем реализма в каждой мельчайшей детали.
Многие искусствоведы и историки считают его величайшим портретом «Донна Велата», созданным в 1516 году.