Произведения современного искусства: 10 глупых вопросов о современном искусстве — отвечают эксперты

Содержание

15 новых книг о современном искусстве

Признайтесь честно, вы разбираетесь в современном искусстве? Понимаете, чем отличается перформанс от хэппенинга или инсталляции? Если нет, то не стоит стыдиться, ведь любое незнание – это прекрасный повод открыть для себя новую область знаний. Искусство современности или contemporary art не так сложно для понимания, как может показаться. А для того, чтобы помочь вам разобраться в его премудростях, мы подобрали для вас подборку искусствоведческих книг последних лет.


1. «Искусство с 1900 года: модернизм, антимодернизм, постмодернизм» Хэл Фостер и другие

Более 800 страниц структурированного текста, которые приоткроют завесу тайны над ходом развития искусства ХХ и ХХI веков. Эту книгу уже признали всеохватывающей, подробной и исчерпывающе объясняющей всё, что происходило в мире искусства за этой время. Если вы хотите разбираться в истории фотографии, понимать ход развития того или иного вида или стиля искусства, знать различия между абстракцией и минимализмом, то уделите максимум внимания для изучения этого томика.

 

2. «Nobrow. Культура маркетинга. Маркетинг культуры» Джон Сибрук

Джон Сибрук известен как журналист, ведущий колонки в таких изданиях как New Yorker, Vogue, Vanity Fair и других. Этот человек как никто другой понимает, что из себя сегодня представляет культура и искусство. И в этой книге он обещает рассказать, где пролегает разница между предметом массового потребления и предметом высокого искусства. Что стало сегодня с музыкой, кинематографом и художественной графикой? Есть ли культурная ценность у сегодняшнего поп-арта или это всё просто удачные рекламные компании, а завтра эти объекты канут в небытие? На эти и другие сложные вопросы ищите ответы в этой книге.


3. «Пять лекций о кураторстве» Виктор Мизиано

Куратор в искусстве фигура архиважная, ведь на его плечах лежит процесс создания арт-проектов от идеи вплоть до финальной презентации. Художник – натура творческая, зачастую неорганизованная и порой нуждающаяся в чутком надзоре и направляющей руке. Поэтому кураторство в определенный момент стало явлением массовым и постоянным. А книга Мизиано поведает читателям о самой кураторской практике, истоках возникновения такой фигуры в художественном кругу и особой этике и языке кураторов. Книга позволяет заглянуть в артистическое закулисье и дает представление о сложности этого мира.


4. «Современное искусство в деталях. Почему пятилетнему ребенку не под силу сделать подобное» Сюзи Ходж

В обществе живо убеждение, что если художник изображает что-то не достоверно, то у него нет таланта и никакой он не художник. Такой стереотип имеет под собой глубокие корни, в виде исторического процесса. До изобретения и распространения фотографии, рисовальщики делали максимально реалистичные портреты и детализированные пейзажи, для фиксации этого во времени. После появления фотографов необходимость в дословности отпала, и художник получил свободу самовыражения. На примере 100 резонансных работ, Сюзи Ходж в своей книге объясняет, почему современное искусство и нарочито простые картины имеют право быть и так важны в культурном пространстве.


5. «Краткая история кураторства» Ханс Ульрих Обрист

В этой книге вы не найдете анализа исторических событий как такового. Но здесь в живой и интересной форме задокументирован сам процесс создания арт-проектов. Обрист собрал интервью с одиннадцатью очень разными кураторами, которые запросто вспоминают, как бывали у Матисса или Поллока, делятся своими методамиработы и просто рассказывают о том, что они умеют и любят делать. Эта книга будет интересна не только для людей сходных профессий, но и для всех интересующихся искусством, а особенно для тех, кому под словом «авангард» видны имена, творения и жизни.


6.  «Искусство перформанса. От футуризма до наших дней» Роузли Голдберг

Сегодня перформанс пользуется большой популярностью, особенно у отечественных художников. Иногда для людей, остро ощущающих настроения в обществе, такие акции становятся единственной формой выражения, привлечения внимания или отражения действительности через себя. И для того, чтобы понимать такие явления, стоит изучить эту книгу детально. Вы найдете здесь сжатый, но тем не менее детальный обзор исторических событий и личностей, которые сделали перформанс таким, какой он есть. Она особенно хорошо подойдет тем, кто вообще не имеет понятия о перформансе и откуда он возник.


7. «Воображаемая реальность» Анри Картье-Брессон

Имя Анри Картье-Брессона известно каждому поклоннику фотографии. Этот человек творил в жанре реалистичной фотографии и стал отцом-основателем фотожурналистики и, в частности, фоторепортажа. Помимо этого он долгое время занимался живописью, что, несомненно, оказало огромное влияние на его путь как фотографа. В этой книге собраны дневниковые записи, эссе и воспоминания. Многие поклонники узнают некоторые новые, ранее неизвестные, факты из его биографии из уст самого Картье-Брессона. Здесь не будет каких-то правил фотосъемки или раскрытия секретов мастерства, но книга наполнит вдохновением и обогатит новым видением и, возможно, пониманием самой природы творчества.


8. «Всё о стилях и течениях в современном искусстве. Мировое искусство»

Если вам нужен иллюстрированный справочник по истории искусства, то обратите внимание на эту книгу. Освещаемые темы расположены здесь в алфавитном порядке, что очень упрощает поиск информации и работу с книгой в целом. Охват исторического процесса довольно большой: конец ХIХ – начало ХХI веков. Составитель выбрал более 70 направлений искусства и раскрыл суть этих явлений, их истоки и значение. Богатый иллюстративный материал наглядно продемонстрирует все достоинства и недостатки затронутых стилей.

 

9. «Лучшие фотографы мира. Рассказы о них и об их произведениях. Портрет» Фергюс Грир

Под обложкой вы найдете великолепные фотографии обозначенного жанра. О каждой фотоработе будет представлен сопроводительный очерк: история создания, информация о самой работе и ее авторе. Фергюс Грир продемонстрировал свой утонченный вкус и эрудированность, что видно выбранным фотографиям. Если вы всегда хотели узнать о чем любимая фоторабота или кто стоял по ту сторону объектива и о чем он хотел рассказать, то эта книга вам просто необходима!

 

10. «Краткая история новой музыки» Ханс Ульрих Обрист

Автор уже известной нам книги «Краткая история кураторства» в этом произведении пошел тем же путем. Он собрал особенно интересные интервью с творцами авангардной музыки ХХ века. В этих воспоминаниях вы найдете не только жизнеописания и рассказы о былом, но также сможете проследить ход развития музыки как отдельного вида искусства. Вы узнаете, какие были сделаны открытия, как они повлияли на музыку, была ли связь у нее и других сфер деятельности человека. Кроме этого затронуты глубокие вопросы взаимного влияния звука и пространства, и соотношений звука и времени.

А об известных музыкантах, которые стали актерами вы узнаете из нашей статьи.


11. «Кино» Жиль Делез

Вы ищете по-настоящему глубокую книгу, в которой были бы объединены философия и кино? В таком случае, философ Жиль Делез написал ее именно для вас! Автор не мыслил себя без кино, он им страстно увлекался и тем самым очень выделялся на фоне своих современников-интеллектуалов. Он связывал фильмы и философию, искал и находил в кинематографе особые составляющие, которые позволяли ему проводить свои параллели сходства. Искусствоведы признаются, что этим произведением философ сильно их озадачил – настолько был высок полет его мысли. Попробуйте и вы угнаться за философией самого известного и страстного поклонника кино.


12. «Ретромания» Саймон Рейнольдс

Эта книга является интереснейшим исследованием поп-культуры в свете ее увлечением прошлым. Автор здесь размышляет на тему того, что нового уже нет и не будет, а все что мы видим, есть лишь повторением старого. Но кроме размышлений, книга наполнена фактологическим материалом: огромное количество имен музыкантов, названий групп и альбомов, дат и соответствующих событий дают полное представление о ходе исторического процесса. Книга будет одинаково интересна людям, которые интересуются историей музыки, и людям, которые музыку просто слушают, а не изучают.


13. «Сериал как искусство. Лекции-путеводитель» Евгений Жаринов

Сериал уже много лет как вышел из разряда сомнительного продукта телевидения и перешел в ряды настоящего кинематографического искусства. В сериалах снимаются ведущие актеры, над ними работают талантливые команды профессионалов и инвестируются большие средства. Но любому культурному явлению что-то предшествует и в книге Жаринова вы узнаете какие истоки у современного сериала, как он вырос из штампа «низкое искусство» и поймете какие перспективы открываются перед его создателями. Обязательно к прочтению всем, кто в своей жизни посмотрел хотя бы два сериала и больше!


14. «Машина песен. Внутри фабрики хитов» Джон Сибрук

Вы знаете, что для сочинения настоящего хита не нужно обладать особыми талантами, а всего лишь нужно знать особый алгоритм? Если вам уже интересно, то Джон Сибрук с удовольствием вам поведает об этом в своей книге. Но кроме этого он расскажет, как вообще устроена современная музыкальная индустрия, кто стоит за спинами певиц и певцов и как задается ход тенденциям и веяниям в этой сфере. Так же вас ждет интересный экскурс в историю популярной музыки, анализ ее влияния на общество и неожиданные, а порой и парадоксальные, наблюдения и выводы автора.


15. «Семь дней в искусстве» Сара Торнтон

Сара Торнтон поставила перед собой интересную задачу: в семи главах рассказать читателям, а заодно и самой понять, что такое современное искусство. Для этого благого дела она посещала ближайшие к ней выставки и интервьюировала разных представителей этой сферы: художников, критиков, кураторов, коллекционеров и экспертов. В этих поисках и беседах вы сможете обнаружить ответы на животрепещущие вопросы: кто такой художник, какова его роль, что значит современное искусство и как его понять. Благодаря интересной форме подачи материала, книга мгновенно стала бестселлером и триумфально заняла свое место в библиотеках поклонников искусств.

Книги, представленные в этой подборке, помогут вам сориентироваться в мире современного искусства. И когда в следующий раз вы увидите своими глазами перформас, то сможете оценить не только визуальную составляющую, но и распознаете главный месседж автора. Для закрепления теоретических знаний рекомендуем посетить пару соответствующих фестивалей.

Рассказать друзьям:

Подписаться на журнал:

Как понимать произведения современного искусства

Казимир Малевич. "Точильщик" 

Существует огромное множество шуток про современное искусство. Достаточно вспомнить диалог главных героев фильма «1+1», когда они пришли в галерею и смотрели на белое полотно с пятнами, похожими на кровь: «— Эта картина излучает странное спокойствие, хотя в ней есть и жестокость. Она очень трогательная. — Красные пятна — это трогательно? И сколько она стоит? — Кажется, 30 тысяч. — Вы купите эту дрянь за 30 тысяч? У чувака кровь пошла из носа, и я должен платить за это тридцатку?» Но несмотря на огромный поток критики и сомнений со стороны потенциальной аудитории, современное искусство живет и развивается. На этот раз мы постараемся составить план, как научиться понимать современное искусство, и нужно ли понимать его вообще.

Что считать современным искусством

Для начала обратимся к терминологии.

Часть исследователей указывает на то, что современный русский язык не совсем полно отображает суть понятия «современное искусство». Например, в английском языке существует 2 определения того, что мы называем «современным искусством». Первое, «modern art», — это то, что сейчас принято называть «классический модернизм». Условно его временные рамки можно обозначить с начала до середины XX в. Одни из самых известных и ярких представителей — Казимир Малевич и Джексон Поллок. И второе, «contemporary art», — это то искусство, которое появилось со второй половины XX в. Его развитие до сих пор продолжается.

При всей кажущейся незначительности вопроса иногда из-за этого возникает путаница: что считать современным искусством, а что уже классикой? И сформировалась ли классика современного искусства? Ответы на эти вопросы можно сформулировать примерно следующим образом: Modern art — уже стало классикой, а contemporary — это все то, что уже получило распространение в широких массах, но еще не очень понятно, как воздействует то или иное произведение на все искусство в целом.

Казимир Малевич: первый толкователь современного искусства

Казимир Малевич

Основные правила для понимания современного искусства изобрел еще Казимир Малевич.

Да-да, именно изобретатель супрематизма и автор «Черного квадрата» был одним из первопроходцев среди тех, кто пытался научить других, неискушенных людей чувствовать и понимать современное искусство. И здесь с уверенностью можно сказать, что именно Малевич занимался этим на профессиональном уровне: за свою жизнь художник успел проработать в 4 учебных заведениях и, как отмечали современники, был способен из самых ярых скептиков сделать самых преданных последователей своих идей. Стоит отметить, что ему это удавалось, даже с учетом того, что на своих лекциях он использовал выдуманные термины, которых аудитория и не могла знать. Пара из них, например «невесомость» и «цветопись», вошли в широкий обиход. А попробуйте без подсказки угадать значения таких слов, как «палитерщики» и «планиты».

Если же обобщать все воспоминания современников о лекциях Малевича, то его ключи к пониманию современного искусства можно объединить в небольшой свод правил, которые будут актуальны и сейчас:

  1. Искусство и эстетика — разные вещи. Главная задача произведения искусства — передавать спектр эмоций художника и вызывать у зрителя различные чувства, а не служить лишь объектом эстетического наслаждения.
  2. Искусство развивается так же, как и технический прогресс. Здесь все достаточно просто объяснить: с появлением и развитием технических новинок появляются и новые виды искусства, которые завоевывают поклонников. А те, кто остается верен исключительно старым формам, потому что они «правильнее», «лучше», — палитерщики.
  3. Для понимания искусства необходимо хорошо знать историю. В докладе секции ИЗО Сорабиса в 1928 г. Малевич высказал следующую мысль: «Потребуется разобраться в двух направлениях искусства и в пятнадцати ныне существующих измах или течениях, ибо только после уяснения себе всего исторического опыта их развития и отношения к миру мы можем правильно построить действительно новую академию художеств». Если переносить его слова на нынешние реалии, то можно сказать примерно следующее: чтобы понять произведение искусства, необходимо понять, в какой исторический момент оно создано. При этом под историческим моментом нужно понимать историю в целом — начиная от того, какие личные моменты биографии подтолкнули автора к творчеству, и заканчивая ходом мировой истории.
  4. Искусство не обязано приносить очевидную пользу. Для лучшего понимания этого пункта стоит рассказать один исторический анекдот о Казимире Малевиче. Как-то раз он пришел к директору завода с концепцией нового чайника. «Постойте, но ведь из вашего суперматического чайника вода плохо льется», — заявил директор. «Товарищ директор, это не чайник, а идея чайника», — ответил ему Малевич. Таким образом любое произведение искусства стоит рассматривать как отражение реальности, а не как то, что обязано положительно на нас влиять.

Казимир Малевич. «Пейзаж. Зима»

Таким образом главный ответ на вопрос, который мучает многих посетителей выставок современного искусства, был сфорулирован еще в самом начале прошлого века. Но хотелось бы еще кое-что добавить:

  1. Чувства — это главное. Основное достоинство современного искусства: вы способны сами вложить свой смысл в произведение. Поэтому главной оценкой здесь выступает именно критерий «нравится/не нравится».
  2. Зачем в таком случае знать о художнике? Почитать его биографию и знакомиться с ней стоит хотя бы потому, что можно порассуждать: а как бы вы выразили свои эмоции, если бы имели тот же набор исходных данных, которые повлияли на создание того или иного объекта?

Поэтому не стоит удивляться, если то, что вы считаете шедевром, кому-то кажется полной глупостью, и наоборот. В современном искусстве основной смысл вкладывает зритель. И чем больше различных смыслов увидят в отдельно взятом произведении его зрители, тем больше вероятность того, что в дальнейшем оно станет классикой.

Если вы нашли ошибку, пожалуйста, выделите фрагмент текста и нажмите Ctrl+Enter.

Краткая история искусства | Мел

Перевод статьи «Линия времени искусства: западные течения и их влияние» (Art History Timeline: Western Art Movements and Their Impact).

История искусства насчитывает десятки тысяч лет — люди самых древних цивилизаций использовали доступные им методы для изображения значимых для них объектов. С ранних времен и до наших дней появлялось множество художественных течений, каждое из которых имело черты, отражающие политические и социальные особенности того периода, когда они возникали.

Выдающиеся произведения изобразительного искусства от эпохи Возрождения до модернизма, несомненно, оставили свой след в истории. Многие современные художники используют исторические отсылки к искусству прошлого в своих произведениях, поэтому для понимания многих картин решающее значение имеет знание исторического контекста и значения каждого периода для истории искусства в целом. Ниже представлена хронология художественных направлений, их характеристики и выдающиеся представители каждого периода в истории западного искусства.

Доисторическое искусство (~40 000–4 000 до н. э.)

Наскальные рисунки эпохи палеолита (пещера Ласко во Франции)

Истоки истории искусства восходят к доисторической эпохе, задолго до появления письменности. Самые ранние артефакты относят к эпохе палеолита или древнего каменного века — это наскальные рисунки, гравюры, живописные изображения, скульптуры и каменные композиции.

Искусство этого периода основывалось на использовании натуральных красителей и резьбе по камню для создания изображений предметов, животных и ритуалов, которые были крайне важны в жизни древних цивилизаций. Одним из самых известных примеров доисторического искусства являются наскальные рисунки эпохи палеолита, обнаруженные в пещерах Ласко во Франции в 1940 году. Их возраст превосходит 20 000 лет, и на них изображены крупные животные и растительность этой местности.

Древнее искусство (~4 000 до н. э.–400 н. э.)

Законы Хаммурапи, Месопотамия, 1754 г. до н. э.

Древнее искусство создавалось развитыми цивилизациями (которыми в данном случае считаются цивилизации с устоявшейся письменностью), включавшими Месопотамию, Египет, Грецию и страны Америки.

Произведения искусства этого периода различались в разных цивилизациях, но большая часть произведений служила одним и тем же целям: рассказывать истории, украшать бытовые предметы (посуду и оружие), изображать религиозные и символические образы, демонстрировать социальный статус. Многие работы создавались для того чтобы рассказывать потомкам истории великих правителей, богов и богинь.

Одно из самых известных произведений древней Месопотамии — Кодекс Хаммурапи, созданный около 1792 года до нашей эры. Этот предмет содержит высеченный на камне свод вавилонских законов, украшенный изображением царя Хаммурапи (шестого царя Вавилонии) и месопотамского бога Шабаша.

Средневековое искусство (500–1400 гг. н. э.)

Распятие (Чимабуэ, Флоренция, 1288 г)

Средние века часто называют «темными веками» из-за экономического и культурного упадка после падения Римской империи в 476 году нашей эры. Большая часть произведений искусства, созданных в первые годы этого периода, отражает «мрак» этого времени и отличается гротескными образами и суровыми пейзажами. В средневековом искусстве доминирует церковная тематика; по прошествии первого тысячелетия стали появляться церкви, украшенные библейскими сюжетами и сценами классической мифологии.

В этот период в мире появляются и достигают расцвета иллюминированные рукописи (украшенные миниатюрами и орнаментами) и стиль готической архитектуры. Яркие примеры средневекового искусства включают катакомбы в Риме, собор Святой Софии в Стамбуле, Евангелие Линдисфарна, один из самых известных примеров иллюминированной рукописи, и конечно, собор Парижской Богоматери — выдающийся образец готической архитектуры.

Искусство эпохи Возрождения (1400-1600)

Афинская школа (Рафаэль, Рим, 1510)

Этот стиль живописи, скульптуры и декоративного искусства характеризовался акцентом на природе и индивидуализме, идее о независимом и самостоятельном человеке. Хотя эти гуманистические идеалы присутствовали и в позднем средневековье, но расцвета они достигли в XV–XVI веках, параллельно с социальными и экономическими изменениями, такими как секуляризация.

Ренессанс достиг своего апогея во Флоренции, Италия, во многом благодаря Медичи, богатой купеческой семье. Медичи на протяжении нескольких поклений поддерживали искусство и гуманистические философию и учения. Итальянский дизайнер Филиппо Брунеллески и скульптор Донателло были главными новаторами этого периода.

Высокое Возрождение (1490–1527) породило таких влиятельных художников, как Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэль, которые привнесли новые творческие идеи и определили идеалы эмоционального выражения в искусстве на многие поколения вперед. Произведения искусства в эпоху Возрождения характеризовались реализмом, вниманием к деталям и точным изучением анатомии человека. Художники использовали линейную перспективу и создавали глубину за счет интенсивной игры света и тени. Искусство начало стилистически меняться, когда столкновения христианской веры и гуманизма уступили место маньеризму.

Маньеризм (1527–1580)

Портрет Элеоноры Толедской с сыном (Бронзино, Флоренция, 1545)

Художники-маньеристы исходили из идеалов Микеланджело, Рафаэля и других художников позднего Возрождения, но их внимание к стилю и технике «перевешивало» смысл изображаемого объекта. Часто фигуры имели изящные вытянутые конечности, маленькие головы, стилизованные черты лица и преувеличенные детали. Это привело к созданию более сложных стилизованных композиций, вместо того, чтобы полагаться на классические идеалы гармоничной композиции и линейной перспективы, используемые их предшественниками эпохи Возрождения.

Некоторые из самых известных художников-маньеристов: Джорджо Вазари, Франческо Сальвиати, Доменико Беккафуми и Бронзино, который считался самым важным художником-маньеристом во Флоренции.

Барокко (1600–1750)

Призвание апостола Матфея (Караваджо, Рим, 1600)

Периоду барокко, следовавшему за маньеризмом, было свойственно преувеличенное изящество в живописи и архитектуре. Он отличался величием и богатством, интересом к развитию человеческого интеллекта и знаний и глобальным открытиям. Произведения художников барокко были стилистически сложными, неоднозначными.

Картины барокко характеризовались драматизмом, как это видно в культовых произведениях итальянского художника Караваджо и голландского живописца Рембрандта. Художники использовали интенсивный контраст между светлым и темным и создавали энергичные композиции, сочетающиеся с богатой цветовой палитрой.

Рококо (1699–1780)

Паломничество на остров Киферу (Антуан Вато, Париж, 1717)

Стиль зародился в Париже и охватывал декоративное искусство, живопись, архитектуру и скульптуру. Эстетика Рококо предполагала более мягкую декоративную манеру изображения по сравнению с изобилием барокко. Рококо отличается легкостью и элегантностью, с акцентом на использование естественных форм, асимметричный дизайн и нежные цвета.

Такие художники, как Антуан Ватто и Франсуа Буше, сочетали мягкую манеру письма, активные мазки кисти и свежие цвета. Стиль рококо проник не только в живопись и архитектуру, но и в украшение серебрянной, фарфоровой посуды и предметов интерьера. Многие стулья и шкафы того времени отличались изогнутыми формами, цветочным орнаментом и частым использованием позолоты.

Неоклассицизм (1750–1850)

Танцовщица с цимбалами (Антонио Канова, Венеция, 1809-14)

Как следует из названия, неоклассический стиль опирался на элементы античной классики. Руины древних цивилизаций в Афинах и Неаполе, обнаруженные во время археологических раскопок, разожгли страсть ко всему прошлому, и художники стремились воссоздать великие произведения древнего искусства. Это привело к возобновлению интереса к классическим идеалам гармонии, простоты и пропорции.

Художники-неоклассики находились под влиянием классических изобразительных элементов, в частности, стремление к идеализму. Естественно, они включали в свои работы актуальные образы своего времени. Например, итальянский скульптор Антонио Канова использовал классические элементы в своих мраморных скульптурах, но избегал холодной искусственности, заметной во многих античных творениях.

Романтизм (1780–1850)

Художник, приведенный в отчаяние величием обломков древности (Генрих Фюссли, 1779)

Романтизм пронизывал все области творчества от живописи до музыки и литературы. Идеалы, присущие каждой из этих форм искусства, отвергают порядок, гармонию и рациональность, которые были приняты в классическом искусстве и в неоклассицизме. Вместо этого художники-романтики подчеркивали индивидуальность и воображение. Еще одной определяющей романтической идеей была любовь к природе. Многие обратились к пленэрной живописи, которая «вывела» художников из темных интерьеров навстречу живым пейзажам. Художники сосредоточили свое внимание на страстях, эмоциях и ощущениях, занимавших по их мнению главенствующую позицию по отношению к интеллекту и разуму.

Выдающимися художниками романтизма считаются Генрих Фюссли, создававший странные, мрачные картины, исследующие темные тайны человеческой психологии, и Уильям Блейк, чьи таинственные стихи и изображения передают мистические видения и разочарование в социальных ограничениях.

Реализм (1848–1900)

Веяльщицы (Гюстав Курбе, 1853)

Реализм зародился во Франции в 1840-х годах и иногда считается одним из первых направлений современного искусства. Реализм стал результатом множества событий: антиромантического движения в Германии, подъема журналистики и появления фотографии. Каждый из них вызывал новый интерес к точному изображению повседневной жизни. Это внимание к точности проявляется в созданных в это время произведениях искусства, которые содержат подробные, правдивые изображения предметов.

Одним из самых влиятельных художников эпохи реализма является француз Гюстав Курбе, считавший, что «Живопись заключается в представлении вещей, которые художник может увидеть и коснуться…».

Модерн (1890–1910)

Фрукты (Альфонс Муха, 1897)

В европейских странах и странах Северной Америки стиль имел разные названия, одно из которых «ар нуво» (art nouveau) буквально переводится как «новое искусство». В период модерна была предпринята попытка создать полностью аутентичное искусство, свободное от имитации предшествующих стилей. Стиль сосредоточен на мире природы, для него характерны длинные извилистые линии и волны. Модерн сильно повлиял на прикладное искусство, графику и иллюстрацию.

Известные художники-модернисты работали в различных направлениях, включавших архитектуру, графику и дизайн интерьеров, изготовление ювелирных изделий и живопись. Чешский графический дизайнер Альфонс Муха наиболее известен своими театральными плакатами с французской актрисой Сарой Бернар. Испанский архитектор и скульптор Антонио Гауди не ограничивался прямыми линиями и создавал изогнутые, яркие конструкции, такие как Храм Святого Семейства в Барселоне.

Импрессионизм (1865–1885)

Впечатление. Восходящее солнце (Клод Моне, 1872)

Художники-импрессионисты стремились запечатлеть свое непосредственное впечатление от определенного момента. Характерные черты — короткие, быстрые мазки кисти и ощущение незавершенности картины. В качестве предмета изображения импрессионисты использовали окружающую их современность, изображая такие ситуации, как танцевальные залы и регаты парусных лодок, а не исторические или мифологические события.

Имя Клода Моне, французского художника, стоявшего у истоков идеи выражения чувственного восприятия природы, фактически является синонимом импрессионистского движения. Среди его известных работ «Пруд с водяными лилиями» (1899 г.), «Прогулка. Дама с зонтиком» (1875 г.) и «Впечатление. Восходящее солнца» (1872 г.), от которых и произошло название художественного стиля.

Постимпрессионизм (1885–1910)

Воскресный день на острове Гранд-Жатт (Жорж Сёра, 1886)

Несмотря на то, что постимпрессионисты работали независимо, не объединяясь в группу, у всех известных представителей этого течения были схожие идеи. Они сосредоточили свое внимание на субъективном видении мира и личных символических смыслах, а не на наблюдениях за внешним миром. Часто эти идеи выражались с помощью абстрактных форм.

Постимпрессионистом был Жоржа Сёра, известный своей техникой пуантилизма, в которой для формирования изображения использовались маленькие четкие точки. Винсент Ван Гог также считается художником-постимпрессионистом, искавшим личного выражения в искусстве, часто с помощью резких мазков и темных тонов.

Фовизм (1900–1935)

Женщина в шляпе (Анри Матисс, 1905)

Возглавляемый Анри Матиссом фовизм основывался на работах Винсента Ван Гога и Джорджа Сера. Будучи первым авангардным движением 20-го века, этот стиль характеризовался использованием интенсивных цветов, линий и мазков кисти, толстым рельефным слоем краски и плоской композицией.

Как видно из многих работ самого Матисса, отделение цвета от его описательного, устоявшегося значения было одним из основных элементов, сформировавших это движение. Фовизм был значимым предшественником кубизма и экспрессионизма.

Экспрессионизм (1905–1920)

Танец жизни (Эдвард Мунк, 1899)

Экспрессионизм возник как ответ на все более противоречивые мировоззрения общества начала XX века и утрату духовности. Экспрессионисты изображали внутренний мир человека, беспокойство и живые эмоции с помощью искажения форм и ярких цветов. Художники искали вдохновение во всем, выходящем за рамки сдержанного западного искусства, часто посещали этнографические музеи, чтобы пересмотреть местные народные традиции и способы самовыражения диких племен.

Корни экспрессионизма восходят к Винсенту Ван Гогу, Эдварду Мунку и Джеймсу Энсору. Две выдающиеся арт-группы, работавшие в стиле экспрессионизма, Die Brücke (Мост) и Der Blaue Reiter (Синий всадник), были созданы для коллективного творчества и проведения совместных выставок.

Кубизм (1907–1914)

Скрипка и палитра (Жорж Брак, 1909)

Кубизм был основан Пабло Пикассо и Жоржем Браком — они отвергли концепцию, согласно которой искусство должно копировать природу. Отошли от традиционных техник и перспективы, вместо этого создав фрагментированные объекты посредством абстракции. Работы художников-кубистов отличаются плоским двумерным пространством, геометрическими формами или «кубами» объектов и множеством точек обзора. Часто изображаемые объекты даже не узнаваемы в абстракции.

Сюрреализм (1916–1950)

Сын человеческий (Рене Магритт, 1964)

Сюрреализм возник из художественного движения Дада в 1916 году, представляя собой произведения искусства, бросающие вызов здравому смыслу. Сюрреалисты обвиняли логику и рациональное мышление, в том, что они завели человечество в тупик — к конфлиткам и Первой мировой войне, и считали, что он подавляет воображение. Сюрреалисты находились под влиянием Карла Маркса и теорий Зигмунда Фрейда, исследовавшего психоанализ и силу воображения.

Влиятельные художники-сюрреалисты, такие как Сальвадор Дали, искали корни происходящих вокруг событий в области человеческого подсознания. В частности, картины Дали соединяют в себе точное изображение исторических событий с яркими и причудливыми снами.

Абстрактный экспрессионизм (1940-е–1950-е)

Осенний ритм № 30 (Джексон Поллок, 1950)

Сформированный наследием сюрреализма, абстрактный экспрессионизм возник в Нью-Йорке после Второй мировой войны. Течение иногда называют нью-йоркской школой и «живописью действия». Художники и скульпторы отошли от всего, что считалось традиционным, используя спонтанность и импровизацию для создания абстрактных произведений искусства. Создавались колоссальные по размеру произведения, которые уже не мог вместить мольберт, поэтому холсты размещались прямо на полу.

Среди наиболее значимых художников-абстрактных экспрессионистов — Джексон Поллок, известный своим уникальным стилем капельной живописи, и Марк Ротко, который использовал большие цветные блоки для выражения духовных переживаний.

Оп-арт (1950–1960-е)

Blaze (Вспышка) (Бриджет Райли, 1964)

Под влиянием достижений науки и технологий, а также интереса к оптическим эффектам и иллюзиям, движение оп-арт (сокращение от «оптическое» искусство) началось с групповой выставки Le Mouvement в галерее Дениз Рене в 1955 году. Художники, работающие в этом стиле, использовали формы, цвета и узоры для создания движущихся или размытых изображений, часто в черно-белом цвете для максимального контраста. Эти абстрактные узоры должны были одновременно сбивать с толку, обманывать зрение и развлекать зрителей.

Английская художница Бриджет Райли — одна из самых известных представителей оп-арта. Ее картина Blaze 1964 года состоит из зигзагообразных черно-белых линий, которые создают иллюзию движения по кругу.

Поп-арт (1950-е–1960-е)

Банка с супом Кэмпбелл (рисово-томатный) (Энди Уорхол, 1968)

Поп-арт — одно из самых узнаваемых художественных течений XX века. Художники отказались от методов, используемых в абстрактном экспрессионизме. Вместо этого они использовали повседневные, бытовые предметы для создания инновационных произведений искусства, бросающих вызов потребительству и средствам массовой информации. Это включение в изобразительное искусство знакомых, опознаваемых образов было смещением от основной линии модернизма.

Художники поп-арта, такие как Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн, стремились обосновать идею того, что источником искусства может стать все, что угодно, и нет никакой иерархии культуры, которая могла бы этому помешать. Пожалуй, самым известным произведением искусства поп-культуры являются «Банки супа Кэмпбелла» Уорхола.

Арте повера (1960-е)

Иглу из камня (Марио Мерц, 1968)

Арте повера («Arte Povera» буквально переводится как «бедное искусство») — движение, бросившее вызов модернизму, современным политическим и социальным системам. В своем творчестве художники использовали подручные материалы: землю, камни, бумагу, веревки и другие приодные и неприродные элементы как отсылку к доиндустриальной эпохе человечества. Многие известные работы этого художественного направления — это скульптуры.

Итальянские художники Марио Мерц, Джованни Ансельмо и Алигьеро Боэтти создавали антиэлитарные работы из простых («бедных») материалов. Их «Иглу из камня» 1968 года, одна из знаковых работ из серии иглу, связанных с простейшими человеческими потребностями: укрытием, теплом и едой.

Минимализм (1960-е–1970-е)

Черная серия 1 (Фрэнк Стелла, 1967)

Движение минимализма возникло в Нью-Йорке, где группа молодых художников начала подвергать сомнению чрезмерно выразительные работы художников-абстрактных экспрессионистов. Вместо этого минималистское искусство сосредоточилось на анонимности, фокусируя внимание зрителей на материальности своих произведений. Художники использовали простые формы, порядок и гармонию и призывали зрителей сосредоточиться именно на том, что они видят перед собой, не проводя параллелей с внешними реалиями, эмоциями и мыслями.

Американский художник Фрэнк Стелла был одним из первых приверженцев минимализма, создавая беспредметные картины, например «Черная серия», созданная между 1958 и 1960 годами. Каждая из них имеет узор из прямолинейных полос одинаковой ширины, напечатанный металлическими черными чернилами.

Концептуальное искусство (1960-е–1970-е)

Один и три стула (Джозеф Кошут, 1965). Добросовестное использование, en.wikipedia.org

Концептуальное искусство полностью отвергало предыдущие направления в искусстве, а художники ценили идеи выше визуальных компонентов, создавая искусство перформансов, эфемер и других форм. «Активная поэзия» польской художницы перформанса Евы Партум состояла из разбросанных букв алфавита по разным ландшафтам. Американский художник Джозеф Кошут отразил свои размышления о появлении и роли языка в искусстве в известной работе 1965 года «Один и три стула». В нем он представляет обычный стул тремя разными способами, показав разницу значений одного и того же объекта. Поскольку этот вид искусства сфокусирован на идеях и концепциях, четкого стиля или формы в этом течении не было.

Современное искусство (1970-е–наши дни)

Мойка стены (Бэнкси, 2008)

1970-е годы стали началом периода современного искусства, который продолжается сегодня. Современному искусству свойственно разнообразие — появление различных школ и отдельные движения.

  • Постмодернизм: в противопоставление модернизму художники создают произведения, отражающие скептицизм, иронию и философскую критику.
  • Феминистское искусство (арт-феминизм): движение возникло в стремлении изменить стереотипы и модель истории искусства, в которой доминируют художники-мужчины.
  • Неоэкспрессионизм: стремление возродить оригинальные аспекты экспрессионизма и создавать текстурные, выразительные, большие по масштабу работы.
  • Стрит-арт (уличное искусство): такие художники, как Бэнкси, Кит Харинг, Жан-Мишель Баския, Барри МакГи и другие, создают рисуют в стиле граффити в общественных местах, на тротуарах, зданиях и тоннелях.
  • «Поколение картинок» (The Pictures Generation): Синди Шерман, Луиза Лоулер, Гэри Симмонс и другие художники под влиянием концептуального и поп-арта экспериментируют со знакомыми образами, исследуя то, как формируется наше восприятие мира.
  • Апроприация: движение сосредоточено на использовании в искусстве уже готовых или чужих изображений, предметов, скульптур с небольшими преобразованиями по сравнению с их первоначальной формой.
  • Молодые британские художники (YBA): группа лондонских художников шокировала публику неожиданными образами и готовностью выйти за рамки приличия. Одна из самых значимых работ — «Физическая невозможность смерти в сознании живущего» (резервуар с тигровой акулой в растворе формальдегида).
  • Цифровое искусство (компьютерное искусство): появление цифровой камеры дало развитие этому течению, в котором художники совмещают искусство и технологии — компьютеры, аудио и визуальное программное обеспечение, аудио.

История западного искусства — это череда сменяющих друг друга художественных стилей и техник, форм и носителей искусства. Разные течения оставляют после себя выдающиеся живописные полотна, скульптуры, архитектурные сооружения. Каждое творческое направление отражает не только эстетические идеалы, но и мировоззрение людей соответствующего времени. Нам оно помогает заглянуть в прошлое, понять своих предков и найти истоки всего, что создается сегодня вокруг нас.

Технологии в искусстве

Арсенал художественно-выразительных средств постоянно пополняется. Технологии помогают художникам создавать новые виды произведений искусства. Критики могут относится к ним скептически, однако факт широкого признания налицо – искусственный интеллект уже рисует картины, которые расходятся на престижных аукционах за сотни тысяч долларов. Остается решить вопрос – что в технологичном мире считать искусством и кого называть автором произведения?

От глины до искусственного интеллекта

До перехода от ручного труда к машинному художники использовали камень, глину, цемент, дерево, краски в качестве материалов для создания произведений. Благодаря достижениям в сфере науки в XIX веке появилась фотография. Развитие технологий в XX веке добавило к арсеналу инструментов художников компьютерные технологии.

В XXI веке набор художественно-выразительных средств пополнился 3D-печатью (лазерные технологии упростили процесс резки материала и создания арт-объектов), виртуальной и дополненной реальностью (обеспечивают вовлеченность зрителя), искусственный интеллект (может сам рисовать картины). Современные художники используют программное обеспечение и методы визуализации для создания более реалистичных или объемных объектов. Так, американский художник Джордж Пэсли с помощью Tilt Brush сделал картины Ван Гога «Звездная ночь» и Жоржа Сёра «Воскресный день на острове Гранд-Жатт» объемными.

Объемная интерпретация картины Ван Гога «Звездная ночь»

Источник: sketchfab.com

Развитие технологий сопровождается всплеском абстрактного искусства: у мастеров появилась возможность создавать более сложные и замысловатые произведения. Художник из Вирджинии Эрик Стэндли (Eric Standley) придумывает новую работу несколько недель. Когда чертеж готов, он кладет на стол более 100 листов бумаги и включает лазер. В результате создаются объемные витражи. Художник черпает вдохновение в готических и исламских архитектурных орнаментах.

Объемный витраж из бумаги, работа Эрика Стендли

Источник: thisiscolossal.com

В целом технологии используются в искусстве по трем причинам:

  • создание традиционных и цифровых произведений;
  • предоставление доступа широкой аудитории к различным произведениям;
  • создание новых бизнес-моделей для художников.

Реальность, дополняющая искусство

Эксперты интернет-ресурса Artsy назвали виртуальную реальность «самой мощной художественной средой нашего времени». Одним из первых с дополненной реальностью начал экспериментировать Амир Барадаран, иранско-канадский художник и искусствовед. В январе 2011 года Амир показал ролик «офранцуживания» Моны Лизы. Достаточно было навести смартфон с мобильным приложением на картину в Лувре или любой репродукции, как Мона Лиза оживала, укутывалась во французский флаг подобно хиджабу. Это был своего рода протест против закона 2010 года, запрещающего носить паранджу во Франции. Президент Николя Саркози назвал мусульманский платок «символом порабощения и унижения», а министр по делам иммиграции Эрик Бессон – «ходячим гробом».

«Дополненная реальность предвещает значительные концептуально-эмпирические сдвиги в искусстве. С помощью AR я выражаю свой интерес к радикальным субъективностям. Для принятия дополненной реальности как способа выражения потребуется время», – говорил художник.

«Офранцуживание» Моны Лизы, видео

Источник: Vimeo

Уличный художник МОМО специализируется на создании абстрактных огромных фресок. Чтобы придать объемность, он создал приложение виртуальной реальности (VR), в котором элементы фрески разлетаются по трем измерениям. Пользователи на экране смартфона могут нажимать на фрагменты, чтобы вызвать новые элементы. Художник говорит, что так связь между случайными прохожими и уличным искусством становится интерактивной.

VR-приложение «оживляет» фрески на улицах

Источник: 

Иногда посетители музеев могут стать художниками. В музее Кливленда есть интерактивные доски-экраны, на которых можно рисовать и лепить из виртуальной глины.

Технологии расширяют музейное пространство

В 2017 году коллекционер Джордж Кремер вместе с сыном Джоэлом создали музей в виртуальной реальности. Первой идеей семьи было строительство реального музея. Виртуальное пространство выбрали из экономии и за возможность показать экспозицию большему количеству людей.

В VR-музее представлена частная коллекция голландского и фламандского искусства XVII века. Картины можно просматривать с разных сторон, в том числе и сзади, и даже с помощью «рентгеновского зрения», чтобы увидеть детали и первые версии, скрытые за слоями краски.

Каждую из 74 картин пришлось фотографировать от 2,5 до 3,5 тыс. раз. Так была создана визуальная модель сверхвысокого разрешения произведений искусства. Гидом по музею выступает голограмма Джорджа Кремера. «Крупнейшие музеи мира ежегодно принимают до 10 млн человек. Если учесть численность населения Земли, то этой цифры явно недостаточно», – считает коллекционер. По его словам, многие музеи перейдут на подобную систему посещения. Так проще показать картины, которые находятся в разных музеях и даже на разных континентах.

Для виртуального музея Кремера каждую картину фотографировали до 3,5 тыс. раз, видео

Источник: Kremer Collection

Ожившие картины

Музей современного искусства Сан-Франциско (SFMOMA) использует технологии, чтобы привлекать новую аудиторию. На выставке «Рене Магритт: Пятый сезон» посетители могли играть с работами художника. Решение, которое используется в галерее, уникально и создавалось в сотрудничестве с дизайнерской компанией Frog. Экспозиция включала четыре окна, шесть экранов Samsung, шесть компьютеров, шесть стереокамер и т.д. В Interpretive Gallery экраны только ссылаются на элементы картин Рене Магритт, а не повторяют работы точь-в-точь. Посетители сами становятся частью картин, когда камеры захватывают их изображения и переносят на экраны, дополняя картины.

Посетители становятся частью картин, видео

Источник: Frog

В SFMOMA говорят, что художники всегда заинтересованы в разрушении границ между естественными и искусственными реальностями.

Трехмерная визуализация

Одним из первых трехмерную графику задействовал Музей Средиземноморья в Стокгольме. В 2013 году на специальном интерактивном столе были отсканированы древние египетские мумии. Посетители могут детально изучить содержимое саркофага и даже сами мумии. Кроме того, объекты нетрудно превратить в физические при помощи 3D-печати.

Посетители могут изучить содержимое саркофага

Источник: Fickr.com

Национальный музей Финляндии представил виртуальную адаптацию картины Роберта Экмана «Александр II официально провозглашает открытие сессии Сейма Финляндии в 1863 году». Двумерная живопись преобразована в виртуальную реальность, образно «снята» с холста и воссоздана в трехмерной обстановке. Реализация позволила посетителям «входить» в картину, передвигаться внутри нее. Виртуальная репродукция помогает пережить исторический момент.

Вид на сейм со стороны императора в виртуальной репродукции картины, видео

Источник: VRFocus

Интерактивное искусство

В 2012 году художник Скотт Гарнер «создал» интерактивные натюрморты. Казалось бы, перед посетителем обычная картина. Но поворот багетной рамы кардинально меняет положение объектов на холсте. Все потому, что натюрморт создан с использованием 3D-технологии. Холст – это сверхчувствительный тонкий дисплей, выполненный по специальному заказу.

Наклон багетной рамы приводит к падению предметов натюрморта, видео

Источник: Scott Garner

Нейросети учатся на художников

Картины, которые рисует искусственный интеллект, интересны даже взыскательным коллекционерам. На аукционе Christieʼs картина «Портрет Эдмона Белами» приобретена за $432,5 тыс. Скептики у

ТОП-10 самых известных произведений искусства

Самые популярные полотна всегда вдохновляли публику и давали толчок развитию культуры и истории. Такие известные художники, как ван Гог, Пикассо, Вермеер, Ренуар, да Винчи, Моне и по сей день имеют огромное количество верных почитателей их таланта. Мы расскажем Вам о 10 великих картинах, которые известны во всем мире.

 

10. «Из озера», Джорждия О’Кифф

 

 

Нью-Йорк начала ХХ века вдохновил Джорджию на создание многих работ, в том числе и «Из озера». Нежные переливы волн, мелкая рябь – так она видела Лэйк Джордж.

 

9. «Постоянство памяти», Сальвадор Дали

 

 

Эта картина является одной из самых известных произведений художника. Она была написана в 1931 году, сегодня ее можно увидеть в музее Современного Искусства в Нью-Йорке. Примечательно, что для создания этого шедевра Дали использовал кусочки разбитых карманных часов.

 

8. «Сон», Пабло Пикассо

 

 

Пикассо, несомненно, стал первооткрывателем в таком направлении современного искусства, как кубизм. Пабло считается самым известным художником ХХ века.

 

7. «Уголок сада в Монжероне», Клод Моне

 

 

Моне известен как представитель классического импрессионизма. Эта картина была написана на углу сада в Монжероне в 1877 году. На ней Моне запечатлел непрерывно меняющуюся природу цвета и света.

 

6. «Ночная терраса кафе», Винсент ван Гог

 

 

В своей уникальной манере глубокой перспективы и мягких цветов нидерланский живописец в 1877 году изобразил кафе в Арле (Франция). Сейчас оно носит имя ван Гога.

 

5. «Девушка с жемчужной серёжкой», Ян Вермеер

 

 

Картина представляет собой довольно простой портрет девушки в тюрбане. Отсутствие фона обусловлено тем, что внимание зрителя сфокусировано на жемчужной сережке девушки.

 

4. «Завтрак гребцов», Пьер Огюст Ренуар

 

 

Ренуару удалось передать атмосферу беззаботного веселья среднего класса во Франции конца XIX века. По-настоящему живое полотно изображает друзей Ренуара, которые наслаждаются отдыхом на балкончике на берегу Сены.

 

3. «Поцелуй», Густав Климт

 

 

В 1907 году венский художник Густав Климт написал картину, на которой влюбленная пара в окружении золотого орнамента делит момент нежной страсти: идеальный поцелуй.

 

2. «Звездная ночь», Винсент ван Гог

 

 

Сегодня это одна из самых узнаваемых картин. На ней изображены два совершенно разных состояния: безмятежность церковного шпиля и дикие краски ночного неба.

 

1. «Мона Лиза», Леонардо да Винчи

 

 

Несомненно, самой известной картиной в мире признана «Мона Лиза». Полотно принадлежит правительству Франции и выставляется в Лувре. Улыбку, с которой женщина глядит с портрета на зрителя, называют «загадочной». Если бы полотно продавалось, то оно стало бы самым дорогим за всю историю искусства, или даже за всю историю человечества.

Искусство: классика vs. современность

Ни для кого не секрет, что классику сейчас рассматривают в качестве канона. О ней нужно помнить при создании новых шедевров, хотя использовать её как точку опоры вовсе не обязательно. Тем не менее, на каждом углу мы слышим: «Классика важна! Без неё никуда!» Что это: мнение наших современников или отголоски морали прошлого?

Мы держимся за память поколений, считая её самым важным и ценным, что у нас есть. Нельзя оставить прошлое без внимания как нельзя закрыть историю в большом и тёмном подвале. Поэтому взрослые, больше знакомые с классикой, пытаются сейчас всеми способами пробудить в своих чадах интерес к «вечному». Однако чем больше появляется нового, привлекательного на вид, тем сильнее современные дети отдаляются от классики в любом виде искусства: кинематографе, литературе, музыке и многом другом.

Ещё поколение назад было намного проще заинтересовать десятилетнего ребёнка «Электроником» или «Приключениями Тома Сойера». Сейчас это становится почти невозможным. Всё потому, что есть «новое» и «блестящее», не покрытое пылью. В этом и заключается проблема современности. Жизнь стала сложнее, её ритм ускорился, а содержание произведений искусства упростилось. Понять их можно легко и быстро, не затрачивая времени на размышление. Правда такова, что современное искусство стало привлекательнее классического.

Что скажут «герои нашего времени»

Однако эталоном любого искусства остаётся именно она – классика. В её произведениях содержатся грандиозные идеи в отношении устройства нашего мира и осмысления места человека во Вселенной, по кусочкам собирается вся история человечества. Но многое в них уже устарело и стало не слишком понятным для подрастающего поколения.

Возьмём, например, литературу. Из-за трудности восприятия описаний, исторических понятий, из-за неполноты знаний подростки зачастую избегают встречи с классикой и находят её скучной.

Интернет-опрос, проведённый нашим изданием в социальной сети «ВКонтакте», проходил среди молодых людей и подростков в возрасте от 15 до 20 лет.

Им были заданы следующие вопросы:

  • читаете ли вы классическую литературу и каких именно авторов?
  • как вы относитесь к классике вообще?
  • увлекаетесь ли вы изучением живописных работ русских художников XIX – XX веков?
  • нравится ли вам искусство?
  • нужно ли современному человеку изучение классики, должен ли он интересоваться прошлым своих предшественников?

Исходя из ответов на данные вопросы, можно сказать следующее: если не считать школьную программу по литературе, люди в этом возрасте читают в основном зарубежную классику. Как правило, это книги, которые «навязываются» интернет-ресурсами, социальными сетями. Многие не могут понять всю сложность сюжета этих произведений.

С художниками дела обстоят несколько иначе: их творчество большинство знает на уровне «Девочки с персиками» и «Мишек в сосновом бору». По-настоящему изобразительным искусством интересуются в основном те, кому приходится с ним работать или кто действительно получает от этого удовольствие. И эти молодые люди действительно в нём разбираются. Остальные же не могут отличить картину Рафаэля от произведений других художников, а Моне от Мане.

При этом многие из опрошенных считают, что классическое искусство необходимо современному человеку для поддержания и осмысления моральных ценностей. Но не все его изучают, и далеко не всем оно нравится. Кому-то просто не хватает времени на тщательное ознакомление с произведениями искусства, а кто-то плохо понимает все те аспекты, которые содержит в себе классика. Некоторые привыкли читать, слушать и смотреть то, что сейчас актуально. Вместе с тем, говоря о классике, многие вспоминают о традициях и истории, что побуждает людей интересоваться этими предметами. И это замечательно.

Когда искусство становится классикой?

Перед тем, как стать классическим, любое произведение проходит длинный путь. Разве могли, например, современники Есенина и Маяковского предположить, что стихи этих поэтов попадут в школьную программу и станут очень важными для понимания того времени, той эпохи? Вспомним теперь Ван Гога. Его современники не понимали творений художника, а сейчас его картины оцениваются в миллионы долларов.

Довольно трудно ответить, как или когда классика становится классикой. Произведения, называемые классическими, обычно имеют ряд общих признаков. Прежде всего, их авторы должны поднимать проблемы, волнующие его современников. Такие произведения искусства быстро становятся заметными, их начинают обсуждать или перечитывать и надолго запоминают. Но самое главное – это испытание временем. Только оно помогает по-настоящему понять, насколько важны содержание и смысл произведений не только для людей одной конкретной эпохи, а для человечества в целом. И только со временем произведения великих авторов занимают достойное место в огромном хранилище мировой культуры.

Виктория Соколова
12+

По всем вопросам пишите главному редактору в Instagram Direct.

Современное искусство - история, живопись, художники

Термин « современное искусство » описывает художественные движения, направления и философию произведений искусства, которые были созданы после 1950 года и стали альтернативой модернизму. Это понятие появилось и укоренилось в истории искусства после окончания Второй мировой войны, и до сих пор вызывает дискуссию о том, что подразумевается под «современным» или «актуальным», и можно ли применить это определение через два или три года. десятилетия.В начале 21 века современное искусство называлось комплексом сотен художественных практик и направлений, возникших и развивавшихся во второй половине 20 века.

Формирование художественного движения началось во второй половине 19 века - в эпоху изменений в науке, технологиях, производстве и образе жизни людей. Новые технологии в дизайне и архитектуре, развитие фотографии сильно повлияли на изобразительное искусство и побудили художников изучать и реализовывать новые идеи и методы.Философские концепции Фрейда вызвали рост популярности концепции подсознания, ставшей основой для развития символизма и сюрреализма в живописи. Искусство стало менее привлекательным эстетически, а форма устарела в пользу содержания, идеи работы. Допускалась дематериализация произведений искусства, вошли в моду перформансы и хепенинги.

Провокацией стал новый тренд: отказ от старых традиций и ценностей, поиск самовыражения.Зритель не должен видеть красоты, теперь зритель скажет «ах, какой непонятный бред» и ... задумается. Произведения искусства признавались современными, если их авторы придерживались правила - картина или скульптура отличаются своей внутренней ценностью и отражают философию художника независимо от техники. Картины создавались не для того, чтобы соответствовать преобладающему общественному мнению или политической системе. Они стали проявлением воли свободного человека, который сам решал «что», «как» и «куда».Основная цель современного искусства - эмоциональное воздействие на зрителя, продвижение идей и понимания объективной реальности.

Изобразительное искусство вышло за рамки живописи, графики и скульптуры, которые оказались слишком малы для новаторского и радикального направления с его новыми техниками, методами и материалами. Живопись в сочетании с коллажем, фотографией, анимацией. Художники не боялись создавать шедевры из обрезков газет, бытовых инструментов, канцелярских товаров, синтетических красок и эмалей.Картины современного искусства легко узнаваемы по богатой многоуровневой фактуре и поверхности, свободной композиции и неожиданным размерам картин. Объектом изображения были не люди или вещи, а изображение, отражение или проекция в материальном мире. Экспонаты выходили за рамки музеев и галерей, художники рисовали на асфальтовых дорогах, стенах домов, скульпторы устанавливали объекты на улицах и площадях, вдоль дорог или в дикой природе. Тематический спектр современных художников стал чрезвычайно широким: он отражает изменения внешнего мира и рефлексию художника, его попытки осознать свое место в развивающемся, меняющемся мире.

Живопись и скульптура современного искусства:
«Автопортрет с журналом» 1961; «Лица» 1970-х Питера Блейка; «Художник работает, отражение» 1993 г., «Социальный надзиратель спит (Большая Сью)» 1995 г., «Ее Величество королева Елизавета II» 2001 г. Люсьен Фрейд; «Зеленые пересекают зеленые», 1966 г. Дэна Флавина; «Майкл Джексон и Пузыри» 1988 г., «Цветочный щенок» 1992 г. Джеффа Кунса; «Бесконечная зеркальная комната» 2018 Яёи Кусамы; «Опьянен до глубины души» 2002 Трейси Эмин.

Современные художники:
Джефф Кунс, Фрэнсис Бэкон, Эрик Фишл, Яёи Кусама, Питер Блейк, Люсьен Фрейд.

Движение современного искусства (1970-настоящее время)

Britart: Young Британские художники (1980-е)

Молодые British Artists (YBA) впервые появились на сцене в 1980-х годах. и были официально признаны в 1997 году в " Sensation ". выставка. Во многом благодаря стилям начала 20 века, таким как дадаизм и сюрреализм, их работы часто называют «Бритарт»."Группа состояла из работает ряд художников, скульпторов, художников-концептуалистов и художников-инсталляторов в Соединенном Королевстве, многие из которых учились в Голдсмит-колледже в Лондоне. Его шокирующие работы широко освещались в СМИ. и доминировал в британском искусстве 1990-х годов. Известные участники включают Дэмиена Херст (отмечен за Физическая невозможность смерти в уме). из Someone Living , мертвой тигровой акулы, маринованной в формальдегиде, и недавно за его усыпанный бриллиантами череп Во имя любви к Богу ) и Трейси Эмин (известна как My Кровать , растрепанная двуспальная кровать с очень личным мусором).

Возможно, многие YBA никогда бы не добились успеха но за покровительство и продвижение своих произведений современным искусством коллекционер Чарльз Саатчи кто впервые встретил Дэмиена Херста на студенческой выставке Goldsmiths College 1988 "Freeze", на котором были представлены 16 YBA. Саатчи приобрел многие из работы на выставке. Два года спустя Херст курировал еще двух влиятельных Выставки YBA, «Современная медицина» и «Игрок». Саатчи посетил обе выставки и купил больше работ.К 1992 году Саатчи был не только главный патрон Херста, он также был самым большим спонсором другие молодые британские художники - вторая группа из которых появилась через такие шоу, как «Новые современники», «Новое британское лето», и "Minky Manky", включая таких артистов, как Трейси Эмин. Между тем, экономический спад в Британии усилился, что спровоцировало крах. рынка современного искусства в Лондоне. В ответ Саатчи устроил серия выставок в его Саатчи Галерея, продвигающая название "Young British Art", из которой движение ретроспективно обрело свою идентичность.Первый представленный работы Сары Лукас, Марка Уоллингера, Рэйчел Уайтрид и, конечно же, Дэмиен Херст, чья мертвая акула быстро стала культовым символом Бритарта по всему миру.

В 1993 году YBA Рэйчел Уайтред выиграла Приз Тернера, за которым в 1995 году последовал Дэмиен Херст. В 1997 году Young British Художники стали мейнстримом, когда Лондонская Королевская Академия вместе вместе с Саатчи провел "Сенсацию", основную выставку Искусство YBA вызывает немало споров.Затем он отправился в Бруклин. Музей искусств в Нью-Йорке. В 1999 году вышла работа Трейси Эмин «Моя кровать». был номинирован на премию Тернера, а в 2000 году экспонаты YBA были включены в новом Тейт Модерн, все это подтвердило устоявшуюся репутацию группы.

См. Также: Contemporary Ирландские художники и 20-е Ирландские художники века.

Некоторые известные YBA включают: Джеймс Рилли (портреты), Кейт Ковентри (художник-абстракционист), Саймон Каллери (городские пейзажи), Мартин Мэлони (художник-экспрессионист), Гэри Хьюм (минималист), Ричард Паттерсон (суперабстрактный), Фиона Рэй (абстракция, поп-арт), Маркус Харви (экспрессионистские фигуративные работы), Ян Давенпорт (геометрическая абстракция), Гленн Браун (скульптор и экспрессионистская живопись) и Дженни Сэвилл (экспрессионистский стиль). женские тела), некоторые из которых Тернер Призеры (1984-2014).

Деконструктивист Типовой проект 1985-2010 гг.

Деконструктивизм - «антигеометрическая» форма 20-го века. архитектура века, которая впервые появилась в конце 1980-х в Калифорнии и Европе. Во многом этому способствовало компьютерное программное обеспечение, разработанное аэрокосмическая промышленность, деконструктивистская архитектура поддерживает непрямолинейный подход к дизайну, который часто искажает внешний вид строения.Деконструктивизм был первым канадско-американским Франком О. Гери (р. 1929), один из самых новаторских американских архитекторы эпохи постмодерна. Другие известные практикующие включали Питера Эйзенмана, фирму Coop Himmelb (l) au, Рема Колхаса и Даниэль Либескинд. К наиболее известным деконструктивистским зданиям относятся: Музей Гуггенхайма (Бильбао), Здание Nationale Nederlanden (Прага) и The Experience Music Project (Сиэтл), все разработано Фрэнком Гери; УФА-Паласт (Дрезден), разработанный Coop Himmelb (l) au; и Сиэтлская библиотека спроектированы пользователя Rem Koolhaas.См. Также: Искусство дизайна 1850-1970 гг.

Боди-арт (1990-е)

В конце 1960-х гг. появился арт, получивший название Body art , в котором собственное тело художника стало, так сказать, «холстом» за пассивное произведение искусства, или которое затем "выполняет" шокирующее путь. Наиболее типичными формами пассивного боди-арта являются боди . живопись , татуировки, нейл-арт, пирсинг, раскрашивание лица, клеймение или имплантаты.Более активные виды боди-арта, связанные с исполнением, в которых художники злоупотребляют своим телом, чтобы выразить свое особое "художественное сообщение ", может включать нанесение увечий, употребление наркотиков, экстремальную физическую активность, или чрезмерная выносливость боли. Одной из спорных групп выступлений была Венская группа действий, основанная в 1965 году Гюнтером Брусом, Отто Мюлем, Германом Нич и Рудольф Шварцкоглер. Среди других известных художников по телу - Мишель. Журняк (1935-1995), Кетти Ла Рокка (1938-76), Вито Аккончи (род.1940), Улай (Франк Уве Лайсипен) (р. 1943) и выдающийся сербский художник Марина Абрамович (р. 1946).

Ведущий боди-художник - новозеландец. Джоан Гейр (род. 1958). Известен своей бодиарт-росписью и мастерство макияжа, она наиболее известна одним из ее артистичных женских обнаженные, озаглавленные "День рождения Деми Мур" - которые появились на обложке журнала Vanity Fair в августе 1992 года. сфотографировано современным фотографом Энни Лейбовиц (р.1949 г.).

китайский Циничный реализм (1990-е)

Циничный Реализм - термин, впервые придуманный влиятельным искусствоведом и куратор Ли Сяньтинь (1949 г.р.) как намеренная игра на официальном санкционированный стиль социалистического Реализм - описывает стиль живописи, принятый рядом Пекина. художники в мраке после 1989 года после подавления площади Тяньаньмэнь Площадь демонстрации.Его ироничная, иногда в высшей степени сатирическая критика современного общества в Китае, произвело большое впечатление на западных коллекционеров искусства, хотя китайские искусствоведы смотрят на это неоднозначно, которым не нравится его известность на Западе. Художники, связанные с К циничному реализму относятся: Юэ Миньцзюнь (род. 1962), Фан Лицзюнь (р. 1963) и Чжан Сяоган (р. 1958), каждый из которых продал свои картины дороже 1 миллион долларов. Движение связано с "политической поп-музыкой" - конца 1980-х. форма китайского поп-арта.

Неопоп Арт (с конца 1980-х гг.)

Термины "нео-поп" или "пост-поп" обозначают возрождение американского интереса к темам и методам Поп-арт 1950-1960-х годов. В частности, это касается работы художников, таких как Эшли Бикертон, Джефф Кунс, Алан МакКоллум и Хаим Штайнбах. Используя узнаваемые предметы, изображения знаменитостей (например, Майкла Джексона, Мадонны, Бритни Спирс) как а также иконы и символы из популярной культуры 1980-х и 1990-х годов, эта обновленная форма поп-арта также черпала вдохновение у дадаистов (в их использование готовых и найденных объектов), а также современного концептуального искусства.Классические образцы нео-попа искусство - "Крысиный король" (1993) скульптура Катарины Фритч, и скульптура Джеффа Кунса 1988 года «Майкл Джексон и Пузыри». Как и его родительский стиль, нео-поп подшучивал над звездными звездами и открыто поставил под сомнение некоторые из самых ценных предположений общества. Сам Кунс добился значительной известности благодаря тому, что поднял китч на высокий уровень. Изобразительное искусство. Его "Собака-воздушный шар" (1994-2000) - блестящая скульптура из красной стали. (10 футов высотой), чья детализированная монументальная форма абсурдно контрастирует с тривиальность его предмета.Среди других известных исполнителей нео-попа Американцы Дженни Хольцер, Кэди Ноланд и Дэниел Эдвардс; Молодой британец Художники Дэмиен Херст, Гэри Хьюм и Гэвин Терк, а также Майкл Крейг-Мартин, Джулиан Опи и Лиза Милрой; Россияне Виталий Комар и Александр Меламид; и бельгийский художник Лео Копер.

ПРИМЕЧАНИЕ. Одна из непонятных вещей, связанных с Неопоп - это тот факт, что несколько создателей оригинальных 1960-х и 70-е. В 90-е годы поп-арт все еще создавал интересные произведения.В лучший пример - скульптор Клаас Ольденбург (р. 1929 г.), чьи гигантские скульптуры поп-музыки включают Free Штамп (1985-91, Уиллард-Парк, Кливленд) и Apple Core (1992, Музей Израиля, Иерусалим).

Стакизм (С 1999 г.)

Спорная британская арт-группа, соучредитель в 1999 году Чарльз Томсон и Билли Чилдиш вместе с одиннадцатью другими художники.Название происходит от оскорбления Чайлдиша британцами. художница Трейси Эмин, которая сообщила ему, что его искусство «застряло». Отклонение стерильность концептуального искусства, а также перформанса и инсталляции таких YBA, как Эмин, которые, как они утверждают, по сути лишены художественного ценности, художники-стакисты выступают за возвращение к более живописным качествам как на примере фигуративной живописи и другое изобразительное искусство. Группа провела многочисленные выставки в Британии. в начале 2000-х, в том числе "Первый Арт-Шоу Нового Миллениум »(1 января 2000 г.) и« Отставка сэра Николаса. Серота »(март 2000 г.), а также несколько ежегодных шоу под названием« The Настоящее шоу призов Тернера », а также ряд других мероприятий.В группа также в Париже, Гамбурге, Кельне, Лейпциге, Нью-Джерси, Нью-Хейвене США и Мельбурн, Австралия. Stuckism также был отмечен в двух недавних книги: "Стили, школы и движения: энциклопедический справочник по Современное искусство »Эми Демпси и« Создатели вкуса: искусство Великобритании сейчас » пользователя Рози Миллард. В центре Лондона открылась также галерея Stuckist. В группу Стакистов входили, в частности, Чарльз Томсон, Билли Чайлдиш, Билл Льюис, Филип Абсолон, Санчиа Льюис, Шейла Кларк, Элла Гуру и Джо Машин.

Новая Лейпцигская школа (с 2000 г.)

Привлечение внимания общественности в первую очередь годы нового тысячелетия, Новой Лейпцигской школы (на немецком языке: « Neue Leipziger Schule "), также называемый" молодых немецких художников ". (YGAs) - это свободное движение художников и скульпторов, получивших обучение в Hochschule für Grafik und Buchkunst (Академия визуальных искусств) в Лейпциге, Восточная Германия, где он был в значительной степени изолирован от течений современного искусства Запада.Методы обучения были традиционно традиционными, сосредоточение внимания на основах традиционного штрафа искусство, с упором на рисование, рисунок рисование, рисование жизни, использование сеток, теория цвета и законы перспективы. После воссоединения в 1989 году в школе начали преподавать студенты со всей Германии и ее выпускники искали возможности продавать свои работы на Западе. Первый появившийся успешный художник Нео Раух, которому была предложена персональная выставка в галерее Дэвида Цвирнера. в Нью-Йорке в 2000 году.Его успех теперь открыл двери для других, не менее талантливые лейпцигские художники, чьи работы выставляются в Европе и Соединенные Штаты. Их стиль обычно образный, с сильным акцентом. на повествовании и характеризуется приглушенными цветами.

Классический реализм и постмодерн Движение Ателье
Новая Лейпцигская школа - один из нескольких современных центров традиционной мастерство.В Соединенных Штатах традиционная живопись изобразительного искусства была возрожденный в 1980-х годах "классическим реализмом", современным движение, основанное Ричардом Лаком (1928–2009), бывшим учеником Бостонский художник Р. Х. Ив Гаммелл (1893–1981) в начале 1950-х годов. В 1967 году он основал Atelier Lack , учебную мастерскую по образцу на ателье Парижа XIX века.

Проекция Арт (21 век)

Проекционное искусство - также известное как Проекция картографирование, или видеомэппинг, или пространственная дополненная реальность - это высота постмодернистского артистизма.Использование компьютеризированной проекционной технологии нужна только поверхность (например, здание, фасад церкви, дерево и т. д.) на который проецируется готовый продукт. Любые изображения можно нанести на карту на принимающую поверхность, и эффекты могут быть впечатляющими: он может буквально преобразить внешнее или внутреннее пространство, и в то же время рассказывая историю и создавая оптический праздник. Известные художники-проектировщики включают Паоло Бурони, Клемента Бринда, Росс Эштон, Дженнифер Стейнкамп, Энди Маккеон и Феличе Варини, и это лишь некоторые из них.

Компьютерное искусство (21 век)

датируется машиной для рисования Генри, разработан Десмондом Полом Генри в 1960 году, термин «компьютер » art "обозначает любое искусство, в котором компьютеры играют важную роль роль. Это широкое определение также охватывает более традиционные формы искусства. которые используют компьютеры, такие как: компьютерная анимация или кинетическая искусство или компьютерная живопись, а также те формы, которые основанный на компьютерном программном обеспечении, подобном деконструктивистской архитектуре.Компьютер искусство может также называться «Цифровое искусство», «Интернет-искусство», «Программное искусство» или «Компьютерная графика». Пионеры к этому виду искусства относятся Гарольд Коэн, Рональд Дэвис, Джордж Гри, Жан-Пьер Хеберт, Бела Джулес, Ольга Киселева, Джон Лэнсдаун, Моэн Мейсон, Манфред Мор и Йозеф Нечваталь. Среди более поздних цифровых художников: Чарльз Чури, Лесли Мезей, Фридер Наке, Георг Нис, А. Майкл Нолл, Нам Джун Пайк и Джон Уитни. Среди других важных пионеров исследований: профессор Гарольд Коэн, UCSD, и Кен Голдберг из Калифорнийского университета в Беркли.Самые ранние выставки компьютерного искусства: "Генеративная компьютерная графика" (1965) в Высшей технической школе в Штутгарте, Германия; "Компьютерная Картины »(1965) в галерее Howard Wise в Нью-Йорке;« Компьютер Образы »(1965) в Galerie Wendelin Niedlich, в Штутгарте, Германия; «Кибернетическая интуиция» (1968) в Институте современности. Искусство в Лондоне. В 21 веке компьютерное искусство стало последним арена современного искусства - этакий предельный постмодернизм.По факту, Компьютерное искусство является в высшей степени революционным - не в последнюю очередь потому, что оно обладает способностью (по мере роста искусственного интеллекта) достигать полной художественная независимость. Смотрите это пространство!

ДЛЯ ПОИСКА КОНКРЕТНОГО ДВИЖЕНИЯ,
ПРОСМОТРЕТЬ НАШИ ДВИЖЕНИЯ от А до Я

Какие бывают современные художники?

Современные художники - это те, кто создает произведения современного искусства. Современное искусство - это обобщающий термин, который может включать искусство, созданное либо после Второй мировой войны, либо искусство, созданное в течение 20 лет после нынешней даты.Типы используемых материалов или произведения искусства, созданные современными художниками, могут сильно различаться. Эти художники могут включать в себя тех, кто работает с виртуальной реальностью, видео и цифровыми медиа, граффити, звуковым искусством, инсталляциями и земляными работами, перформансом и интерактивным искусством, а также с более традиционными медиа, такими как живопись, скульптура и рисунок.

Живопись в стиле импрессионизма.

С 1950-х гг. В мире искусства существовало более 50 движений, подпадающих под общее понятие современного искусства. Каждое направление в искусстве включает в себя свой набор правил и эстетики. Художественные направления варьируются от абстрактного экспрессионизма до минимализма и от поп-арта до электронного искусства. И мировые события, и достижения в области технологий повлияли на типы работ, создаваемых этими художниками.

Сюрреалистическая художественная инсталляция на фасаде музея Дали.

Термин «современное искусство» часто используется как синоним современного искусства. Однако современное искусство - это произведения искусства, созданные с 1880-х до середины 20-го века, включая движения, известные как импрессионизм, кубизм и сюрреализм.Современное искусство, хотя оно может немного пересекаться с современным искусством, обычно ищет новые технологии и новые формы выражения. В целом, не существует единого набора правил, определяющих, какие произведения искусства создают современные художники.

Некоторые художники предпочитают граффити.

Современные художники 1960-х годов открыли новые применения акрилового полимера, который ранее использовался только учеными. Благодаря своим экспериментам они популяризировали то, что впоследствии стало акриловой краской. В 1970-х годах эти артисты освоили новую видеотехнологию и начали создавать видео-перформансы.В 80-е годы цифровое искусство вышло на первый план с появлением персональных компьютеров. 1990-е продвинули цифровой аспект еще дальше, создав интерактивное искусство на основе Интернета.

В то же время были современные художники, реагирующие на эти новые технологии по-разному, создавая произведения искусства, в которых использовались отходы или побочные продукты, созданные в результате появления новых технологий.Например, художник Эд Россбах начал плести корзины из пластиковых отходов. Другие художники, такие как художник-инсталлятор и скульптор Энди Голдсуорси, пошли в противоположном направлении в ответ на новые технологии, снова погрузившись в более традиционные формы создания искусства. Сегодняшние художники могут позволить себе роскошь работать в любых доступных средах, будь то технологические, традиционные или их комбинация.

Похожие записи

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *