Рококо 18 век: Искусствоед.ру – сетевой ресурс о культуре и искусстве

Содержание

Искусствоед.ру – сетевой ресурс о культуре и искусстве

Просмотры: 32 320

Стиль рококо рождается во Франции в 20-е годы XVIII столетия. Его развитие начинается в эпоху Регентства, но расцвет приходится на время правления Людовика XV. Сначала он проявляется в архитектуре, особенно в новых тенденциях оформления интерьера дворцов и фешенебельных городских домов знати, которые приходят на смену торжественному, величавому убранству залов Версальского дворца при Людовике XIV. Парадная декорация интерьеров, в которой ведущую роль играют строгие линии ордера, постепенно уступает место изощренно-прихотливым, волнистым очертаниям. Важное место в них занимает мотив рокайля, который представляет собой стилизованную раковину в обрамлении из сплетений причудливо изогнутых завитков.

Французское слово rocaille (букв. – дробленый камень) обозначало искусственные скалы, покрытые ракушками, которые с эпохи Ренессанса использовали для создания фонтанов и гротов в парках.

Само название стиля является производным от этого слова, однако термин рококо появляется только в XIX веке. Первоначально во Франции он назывался «стиль Помпадур» по имени знаменитой фаворитки Людовика XV мадам де Помпадур, что было связано с ее значительной ролью в развитии нового вкуса и нового направления в искусстве.

Характерным для рококо является отказ от парадных анфилад эпохи Людовика XIV и создание меньших по размеру, более удобных и комфортабельных комнат, отвечающих естественным потребностям человека. Оставаясь прежде всего стилем внутреннего убранства богатого дома, рококо редко проявляется полноценно в самой архитектуре. Лучшим примером рокального интерьера являются залы и комнаты Отеля Субиз в Париже, созданные Жерменом Бофраном (1738-1739).

Легкие настенные панели с золочеными бордюрами, зеркала, золоченая лепнина плафона, гирлянды золотых цветов, изгибающиеся на белой поверхности стен, создают ощущение праздничности, роскоши, воздушной легкости.

Пространство богато украшено живописью, размещенной на небольших поверхностях на стенах, плафоне, над дверьми, имеющими сложные затейливые формы. В создании живописного декора Отеля Субиз принимали участие лучшие художники рококо – Франсуа Буше, Шарль-Жозеф Натуар, Карл Ван Лоо. Для сюжетов выбраны любовные сцены из Овидия, Апулея, Лафонтена, галантные празднества.

Необходимость декорировать интерьеры богатых «отелей» – частных домов знати, – которые активно строятся в Париже и других городах страны, стимулирует быстрое распространение стиля рококо в декоративно-прикладном искусстве. В мебели и фарфоре эпохи Людовика XV богатство, элегантность и фантазийность его форм проявляются особенно ярко. Знаменитая севрская фарфоровая фабрика, недалеко от Парижа, директором которой некоторое время был скульптор 

Фальконе, автор «Медного всадника» в Санкт-Петербурге, является одним из известнейших центров производства фарфоровых изделий в стиле рококо.

В живописи, наряду с темой любви, которая часто приобретает эротический оттенок, активно используются мотивы шинуазри, тюркери, изображающие придуманный, сказочный восток.

Интерес к экзотике, к необычному, который все более активно начинает проявляться в европейской культуре, становится важной чертой искусства рококо. Рокайльная живопись отличается красочностью, яркими колористическими эффектами. Таким образом, борьба между «пуссенистами», поклонниками Пуссена, настаивающими на первенство рисунка над цветом, и «рубенсистами», приверженцами Рубенса, охватившая французскую Академию на рубеже XVII-XVIII веков, решается для рококо в пользу цвета и богатства колорита, но само противостояние между «пуссенистами» и «рубенсистами» в XVIII веке трансформируется в спор между «древними» и «современными». В этом плане культура рококо с ее попыткой создать более естественную, комфортабельную, органичную для человека среду, созвучна идеям «современных».

Из Франции рококо распространяется в другие европейские страны. Наиболее значительными центрами становятся католические регионы южной Германии и Австрия. Церковные интерьеры баварского архитектора Доминикуса Циммерамана в Виесе, недалеко от Мюнхена и Бальтазара Ноймана в Вюрцбурге остаются выдающимися образцами рококо вне Франции. Замечательным примером архитектуры, садово-паркового и декоративно-прикладного искусства рококо является дворцовый комплекс Сан Суси в Потсдаме (Германия), построенный королем Пруссии Фридрихом Великим.

С 1760-е годы стиль рококо вытесняется зарождающимся неоклассицизмом.


Новые общественные противоречия, новые проблемы, свойственные эпохе капитализма, вели к перевороту в европейской культуре и общественной мысли, которым были отмечены первые десятилетия нового 19 века.

Восемнадцатый век, расширив и углубив достижения предшествующей эпохи, внес много нового в развитие искусства европейских стран. Значительное влияние на него оказали изменения общественной жизни, укрепление капиталистических отношений и окончательное разложение феодального строя. Философия просветителей, быстро распространившаяся по всей Европе, активно воздействовала на духовную жизнь людей даже в самых отдаленных странах. В свете новых воззрений на мир, на общество, на человека пересматривались старые духовные ценности, рушились традиционные верования и представления.

Во всех сферах культуры и искусства торжествовало светское начало. В зодчестве преобладающим стало гражданское строительство, в живописи обрели новые силы реалистические тенденции. Получили дальнейшее развитие светские жанры — портрет, пейзаж, натюрморт, изображение быта. Светский характер приобрела религиозная живопись, как правило, теряющая былую серьезность и глубину чувства.

18 век вошел в историю как век Разума, и, действительно, стремление подвергнуть все сущее контролю и суду рассудка стало господствующей тенденцией мироощущения эпохи. Однако это не означало подавления живого чувства в искусстве того времени. Критическое постижение мира часто сочеталось в нем с утонченной поэзией, ирония — с мечтательностью и причудливой игрой воображения.

В 18 столетии утверждается новое отношение к человеку, значение личности чаще, чем прежде, оказывается независимым от сословных прерогатив. Поиски новых духовных ценностей нередко ведутся в сфере частной жизни. Идея «естественного человека» оказывается неотделимой от представления о столь же естественных чувствах.

Художников, как и писателей, все больше интересует интимная духовная жизнь конкретного человека. Они углубляются в мир тонких и сложных эмоций, замечают бесконечное многообразие индивидуальных проявлений личности. Искусство, особенно живопись, становится более утонченным и изысканным, а с другой стороны, приобретает более интимный, камерный характер. 18 век — время особого расцвета станкового искусства. И хотя монументальная живопись и скульптура продолжают развиваться, лишь в редких случаях они достигают былого масштаба п значения. Открывая новые возможности развития искусства, художники 18 века постепенно теряли универсальную широту охвата явлений мира, характерную для великих мастеров Ренессанса и 17 столетия.

Искусство рококо выработало оригинальные приемы изобразительности, сопоставимые с уменьшительно-ласкательными формами естественной речи. Сентиментальность, готовность умиляться малым сквозят в языке живописи. Даже излюбленный формат рококо — овал — свидетельствует об этой наклонности. При сравнительно небольших размерах полотен эффект интимности изображенного становится полным. Масляная живопись нередко уподобляется пастели, и совсем не случайно расцвет этой нежной техники приходится именно на эпоху рококо.

Некая интригующая двойственность — неотъемлемая черта живописи рококо, о чем столь выразительно свидетельствуют «галантный жанр» или портрет. Живописец ведет со зрителем игру, взаимопонимание в которой поддерживается языком намеков. Полуоборот, легкий жест, чуть заметное мимическое движение, полуулыбка, как бы затуманенный взгляд или влажный блеск в глазах — из подобных градаций сотканы образы представителей «галантного» века. От изысканного Ватто через Буше этот язык передается Фрагонару. В излюбленных мотивах Фрагонара всегда есть некий эффект мимолетности: художник будто ловит момент, когда звучит кокетливое «ах!» или что-нибудь в том же роде. Живопись Фрагонара — это язык междометий.

Сотни и тысячи картин, номинальными героями которых выступают одни и те же мифологические персонажи: Венера, Амур, Марс, Адонис, Вакх, Диана, Актеон, Юпитер, Европа, Аполлон, Дафна, Ариадна, Психея, нимфы, сатиры, вакханки, — все это множество изображений являет собой один предмет, преследует одну цель. Предмет и цель эти — любовь как чувственное наслаждение. Превратить наготу, а прежде всего обнаженное женское тело, в утонченное пиршество для глаза и ведомых им интимных чувств — в этом французская живопись XVIII века преуспела как никакая другая. Стоит сравнить любую из пуссеновских мифологических сцен с аналогичными сценами Буше, Ванлоо или Натуара, чтобы убедиться в метаморфозе жанра, слагавшегося под знаком Любви. Картина Карла Ванлоо «Юпитер и Антиопа» (ок. 1753; Санкт-Петербург, Эрмитаж) написана для собрания эротических сюжетов (Cabinet de nudites) по заказу маркиза де Мариньи, брата маркизы Помпадур. Композиция построена таким образом, что глазу зрителя дано скорее удовлетворить эротическое любопытство, чем вожделеющему сатиру-Юпитеру. Еще более красноречив в этом смысле образ Геркулеса в трактовке Франсуа Буше («Геркулес и Омфала», 1730-е; Москва, ГМИИ им. А. С. Пушкина). Величайший греческий герой представлен как упоенный страстью любовник. Сплетенные тела, сцепленные руки, жадно пьющие друг друга уста — воспаленный эротизм сцены означает некий предел возможного, достигнутый искусством рококо.

Искусство 18 века чрезвычайно многообразно и противоречиво. Весьма значительными были различия между отдельными школами, происходила борьба течений и направлений внутри каждой из школ, а иногда противоречия проявлялись в творчестве одного художника. Поэтому не существовало единого стиля, объединяющего все разноречивые искания эпохи. Лишь с большой степенью условности можно выделить в начале и середине столетия как определяющую стилистическую тенденцию позднее барокко, перерождавшееся почти повсеместно в рококо. Во второй половине века господствующей тенденцией стал классицизм.

Искусство 18 столетия было вместе с тем важной ступенью в развитии реализма. В некоторых странах, в частности в Англии, складываются элементы критического реализма, отразившего передовые взгляды представителей третьего сословия.

По сравнению с предшествующим периодом в 18 веке меняется соотношение различных искусств в общей структуре культурно-художественной жизни. Живопись во многих странах уступила первое место музыке и литературе, увеличилась роль театра, оказавшего значительное влияние на изобразительные искусства.

Продолжалось развитие многих национальных школ, но искусство разных стран развивалось неравномерно. Некоторые ведущие школы, совсем недавно достигшие блестящего расцвета, сошли со сцены. Так, Фландрия и Голландия уже пе выдвигали художественных явлений, которые могли бы претендовать на европейское значение. Это в большой мере относится и к Испании, где возрождение национальной культуры наступило лишь в последней четверти 18 века. В Италии оригинальные и крупные произведения создавала в основном лишь венецианская школа.

Яркий расцвет культуры и искусства переживали другие страны, и прежде всего Франция, которая уже в конце 17 столетия приобрела ведущее значение в художественной жизни Европы. Английская школа впервые после эпохи средневековья начала играть видную роль в развитии мирового искусства. После долгого упадка начинали возрождаться архитектура, скульптура и живопись Германии, Австрии, Польши, Чехии. К концу 18 века относится ряд значительных достижений в изобразительном искусстве Соединенных Штатов Америки.

Развитие европейских стран повлекло за собою усиление связей между ними. Интенсивный хозяйственный обмен активизировал культурные отношения. Новые художественные идеи быстро становились достоянием живописцев, скульпторов и архитекторов во всех уголках Европы. Рим, в известной мере уступивший роль столицы европейского художественного мира Парижу, сохраняет, однако, значение крупного культурного центра, куда съезжались люди искусства со всех концов света, где происходил обмен мнениями и рождались новые художественные идеи. Значение Рима стало особенно очевидным с середины 18 века, когда усилился интерес к античному наследию и началось его систематическое изучение. Рим превратился в крупнейший учебный центр для молодежи, многие академии ведущих стран имели там свои филиалы.

Вконтакте

Facebook

Twitter

Google+

LiveJournal

Одноклассники

Мой мир

Рококо — Архитектурные стили — Дизайн и архитектура растут здесь

Рококо́ (в переводе с французского «рокайль» — «декоративная ракушка») — стиль, который появился в начале XVIII века во Франции. Он стал своеобразным продолжением стиля барокко и развивался вплоть до 60-х годов. Сам термин вошёл в употребление в середине XIX века.

Характерными чертами рококо являются утончённость, большое количество декоративных элементов, изящество. Практически во всех работах в стиле рококо прослеживается орнаментальность, часто присутствуют мифологические мотивы. 

Этот стиль изначально стал применяться в оформлении интерьеров, позже он вошёл в архитектуру и изобразительное искусство. Элементы этого стиля имитировали естественные, природные текстуры. Вместе с этим для рококо характерен избыток предметов декора и обилие завитков.

 

Рококо в архитектуре 

Рококо – переходный стиль, поэтому он не обладает ярко выраженными индивидуальными чертами, его скорей можно назвать вариацией стиля барокко. Он находил применение в дворцовых и храмовых ансамблях Европы XVIII века.

Архитектура рококо характеризовалась отказом от парадности и напыщенности, она стала более лёгкой и игривой. В рококо сочетание и распределение частей сооружения отходят на второй план.  На смену логичности форм приходит произвольность, строгой симметричность сменяется вариативностью и обилием орнаментальных деталей. 

Но это не означало, что склонность к роскоши прошла – она лишь приняла новую форму. На смену замкам 17 века пришли городские дома с зелеными садами. При этом архитекторы часто отступали от рациональности и жёсткой пропорциональности – они частично сохранялись лишь в фасаде отеля. Внутренняя же планировка изменялась. Принцип парадной анфиладности не выдерживался, проявлялась тяга к разнообразию в расположении комнат, к композициям асимметричным, разорванным, лишенным объединяющей оси. Внутреннее пространство получило свободное и рациональное расположение в соответствии с требованиями комфорта. Небольшие по размерам уютные комнаты, предназначенные для повседневного обихода, и залы обособлялись, их делали различными по форме в зависимости от назначения. Жилые комнаты обычно располагались вдоль второго фасада, обращенного в сад. Уделялось внимание и удобствам.

Основной элемент декора эпохи рококо называется «рокайль»  — он представляет собой орнамент, который выглядит как соединение природных камней с раковинами и листьями растений. Для орнамента характерны плавные линии и постепенные переходы, что позволяло создавать цельный и гармоничный декоративный фон. Данный элемент часто применялся для оформления интерьеров, садовых беседок и ротонд, для облицовки террас, отделки ворот и фонтанов. 

Что касается линий, то прямые линии и плоские поверхности почти исчезают, прикрываются фигурной отделкой. Архитектурные ордеры не встречаются в чистом виде – они видоизменяются и приукрашиваются. Например, постоянно изменяется длина колонн – они то меняют длину и скручиваются. Изменениям подвергаются и капители, карнизы становятся двойными, всё чаще можно увидеть расставленные на постаментах вазы и статуи. Как снаружи, так и внутри зданий используются затейливые лепные орнаменты – в основном они напоминают листья растений, цветы и раковины. Несмотря на отсутствие рациональности, в стиле рококо было создано много памятников, отличающихся оригинальностью и живостью.

Ландшафт в стиле рококо

После излишне роскошного барокко появилась потребность в уюте и естественности. Возникла мода на загородные павильоны, стилистически близкие к природе – это отразилось и в ландшафте. Пейзажи парка становятся более сдержанными и менее искусственными, ценилось умение сохранить впечатление природной естественности.

Была ещё одна разновидность рококо – оно носило название рококо Шинуазри (от фр. «китайский») и отражало всеобщее увлечение восточным искусством, которое в этом плане служило прекрасным примером. В Европе стали в больших количествах появляться «китайские» павильоны и мостики – правда, увлечение Востоком касалось только искусства, о философии пока речи не шло.

Сады рококо создавались специально для прогулок, что располагало к романтике больше, нежели возвышенный стиль барокко. 

Для садов рококо были характерны оптические иллюзии, лабиринты, сложные композиции и оптические иллюзии.

 

Интерьер в стиле рококо

Рококо можно с уверенностью назвать одним из самых роскошных и сложных стилей. Чтобы оформить интерьер в стиле рококо, лучше всего выбирать помещение овальной либо ассиметричной формы.

Основная идея интерьера рококо – показать все богатство помещения, так что неотъемлемым элементом стиля стала позолоченная мебель и мебель из ценных пород дерева, а также лепнина и дорогие ткани. Несмотря на то, что функция стиля рококо в основном декоративная, все элементы декора предназначены для комфортного отдыха.

Рассмотрим некоторые особенности рококо в интерьере.

Цветовая гамма. Одним из наиболее заметных отличий от предшествующего стиля стала смена палитры: вместо сочетания золотого и голубого стали применяться пастельные оттенки. В комнатах преобладают насыщенные цвета – как по отдельности, так и в комбинациях: белый цвет часто сочетается с золотым, красным, салатовым. Стали применяться перламутровый, жемчужный и лиловый оттенки.

Несмотря на то, что от строгих канонов рококо отошёл, гармония элементов всё же соблюдается. Стены и потолок отделываются одним и тем же материалом. Часто для оформления интерьера помимо лепнины применяют резные деревянные панели, настенную живопись и драпировку тканями. В качестве напольного покрытия используют паркет и керамическую плитку, а пол застилают дорогими коврами.

Одним из неотъемлемых атрибутов рококо является камин из природного камня. Не обойтись без больших окон слегка закругленной формы и украшенных шторами.

Аксессуары очень важны для оформления интерьера: часто можно увидеть статуэтки из керамики, подсвечники, античные статуи и ширмы. Приветствуется большое количество зеркал – чаще в резных рамах, также для лучшей освещённости используются многочисленные осветительные приборы: от люстр до подсвечников. Характерными атрибутами являются скульптуры, статуэтки и прочие предметы декора, стилизованные под античность.

Что касается мебели, то она фактически создаёт стиль помещения. Мебель эпохи рококо очень изящна, она украшена сложной резьбой и позолотой. Ножки мебели изящно выгнуты. 

Стиль рококо нашёл применение во многих художественных и промышленных отраслях – в частности,  в изготовлении изделий из фарфора, который довольно быстро вошёл в моду. Кроме того, большой популярностью стало пользоваться серебро – из этих материалов было изготовлено большое количество посуды. Стало развиваться искусство сервировки.

 

Примеры архитектуры рококо

 

Китайский дворец Екатерины II в Ораниенбауме

Архитекторы эпохи рококо уделяли довольно много времени созданию архитектурных ансамблей – к их числу можно отнести дворцовый комплекс в Ораниенбауме, построенный для Екатерины II итальянским архитектором Антонио Ринальди. Строительство длилось с начала 60-х до середины 70-х годов XVIII века. По проекту этого архитектора был разбит парк, включающий элементы природного парка с лужайками и зарослями, живописными аллеями, дорожками и водоемами. Это было личное жильё, которое и строилось не для приемов, а для отдыха. 

Терраса дворца облицована гранитом, вокруг него стоит ограда с изящной кованой решеткой. Внешний вид дворца отличается лаконичностью: одноэтажный, с большими окнами, стеклянной галереей. Стены с красивыми пилястрами и полуколоннами ещё возвращают в эпоху барокко, но в гораздо более простой форме. Архитектурные элементы обладают мягкостью, а пастельные кремовые и розовые тона здания придают ему спокойствие, свойственный архитектуре рококо.

В этом ансамбле можно отметить ещё одно здание в стиле рококо – Китайский дворец, который строился примерно в это же время по проекту Ринальди.

 

Архиепископский дворец в Праге

Архиепископский дворец также еще называют Вирхув дворец в честь ведущего архитектора  рококо в Праге Яна Йозефа Вирха (1732-1782), который занимался реконструкцией этого монументального здания.

В центральной части дворца изначально был расположен мраморный портал, который архитектор не только оставил, но и подчеркнул его за счёт монументального фасада. Дворец был расширен по бокам, а также добавился четвёртый этаж.

Двор разделён двухъярусным мостом, а также в нём присутствует крытый коридор на аркадах с колоннами. Яркими элементами рококо здесь стали херувимы с канделябрами на карнизе и группы скульптур на главной лестнице.

В интерьерах дворца стиль рококо ярче всего проявился в конструкции парадной лестницы и бело-золотых интерьерах светлых салонов. До сих пор в Тронном зале сохранилась коллекция из французских гобеленов. Витиеватая резьба по дереву, лепка, украшающая потолки и стены салонов и других помещений, большое количество стекла, фарфора, люстр и стильной мебели дополняют интерьеры дворца в стиле рококо.

В настоящее время стиль рококо продолжает существовать в интерьере, однако в несколько изменённом виде: он стал более лаконичным, практически пропала позолота, однако тенденция к использованию дорогих материалов высокого качества сохранилась.

 

Монументальная роскошь: архитектура барокко и рококо в Российской Империи

От готических храмов и дворцов эпохи Ренессанса мы, следом за историей архитектуры, перейдем к двум заметным стилям: барокко и рококо. Эти направления последовательно развивались во всей Западной Европе, включая Россию. Поскольку тема для изучения действительно обширная, в этом материале мы остановимся на том, какое отражение нашли барокко и рококо на территории Российской империи, прежде всего, в Санкт-Петербурге и Москве.

Начнем с вычурного и роскошного стиля барокко. Этот стиль возник в Италии в конце XVI века и развился из маньеризма. Характерные особенности барокко — торжественность и пышность декоративного убранства, использование криволинейных форм, увлечение авторов визуальными эффектами. Стиль барокко стал первым общемировым архитектурным стилем, распространившимся на всю Европу и даже Америку.

Русское барокко несколько отличается от европейского: в то время как мастера западного стиля смело нарушали каноны строительства прошлых веков, и на первое место ставились необычные формы, здания же в России характеризует большая упорядоченность и структурность и простота архитектурных планов. Вторая важная деталь — мажорные, яркие краски, смелые цветовые контрасты. Очень часто в оформлении зданий использовалось золочение.

Поскольку барокко в России было не таким экспериментальным, как в Европе, это коснулось и оформления оконных и дверных проемов: для российских зданий были характерны скорее прямоугольные окна, нежели овальные и полуциркульные. Однако богатый декор присутствовал и на них.

Развитие барочного искусства и, в частности, архитектуры в России приходится на начало XVIII века и связано с ростом и укреплением абсолютной монархии. Страна стала империей, а императорам нужны были пышные дворцы, ни в чем не уступающие французскому Версалю.

Исследователи выделяют три периода: московское барокко, в котором строились церкви и храмы, петровское, более строгое барокко, и, наконец, зрелое позднее барокко, также называемое «Елизаветинским» — пожалуй, самый известный пример русского барокко.

К первому периоду относятся постройки, возведенные в конце XVII-начале XVIII века в Москве. Часть исследователей относит их скорее к ренессансному стилю, поскольку прямого влияния европейского барокко здесь не прослеживалось. Самое характерное здание — комплекс Новодевичьего монастыря. Стиль московского барокко служит связующим звеном между патриархальными постройками старой Москвы и новыми домами Петровской эпохи.

В стиле петровского барокко построены самые первые здания в Санкт-Петербурге, будущей столице огромной Российской Империи. Архитектурный стиль, который он выбрал для Санкт-Петербурга, во многом опирается на работы голландских, немецких и шведских архитекторов. Петровское барокко стоит особняком от пышного, даже в чем-то византийского московского: зданиям свойственны простота и сдержанность.

В новую столицу по приглашению Петра прибыли архитекторы Доменико Трезини, Джованни Мария Фонтана, Георг Маттарнови и некоторые другие. У них учился талантливый мастер Михаил Земцов, который, вместе с наставником Маттарнови, построил знаменитую Кунсткамеру. Земцов также спроектировал план застройки Петергофа, бывшего до того населенным пунктом с хаотично расположенными зданиями. Второе яркое строение петровского барокко, Меншиковский дворец (сейчас один из филиалов Эрмитажа), принадлежит авторству Фонтана и Шеделя.

Отличительной особенностью елизаветинского барокко было величие и роскошь. Главным мастером этого стиля стал итальянский архитектор Франческо Бартоломео Растрелли. Ему были свойственны пышность убранства, двух-трехцветные схемы окрашивания, использование позолоты, а также исполинские масштабы построек. Растрелли спроектировал классические образцы русского барокко — Зимний дворец, Екатерининский дворец в Царском селе, Большой дворец в Петергофе.

Сохранились чертежи оконных проемов для Зимнего дворца. Обратите внимание на необычные обрамления.

В Большой галерее, главном зале Большого дворца Петергофа, присутствуют не только множество настоящих окон, но и несколько фальшивых — это зеркала, искусственно расширяющие и без того монументальное пространство. Уровень величия парадных залов достигал буквально запредельных высот. Этот же прием Растрелли использовал и при оформлении Зимнего дворца.

Среди русских мастеров выделялись архитекторы Ухтомский, Мичурин и Аргунов. Так, авторству Дмитрия Ухтомского принадлежит церковь Никиты Мученника в Москве — сохранившийся до наших дней памятник архитектуры позднего русского барокко.

Роскошный стиль барокко видоизменился в еще более причудливый и вычурный  рококо. Он возник во Франции в первой половине XVIII века во времена правления Филиппа Орлеанского и достиг апогея при Людовике XV. Архитектура рококо стремится быть еще более легкой, торжественной и праздничной, о симметрии можно забыть вовсе. Отличительная особенность стиля — изогнутые линии: здания очень часто напоминают морскую раковину. Кстати, французское слово rococo означает «причудливый», «капризный», «ракушка».

В отличие от монументального барокко, рокайльные залы делали камерными, уютными, интимными, в чем-то даже напоминающими будуары. Сами здания стали похожи скорее на небольшие особняки, нежели на масштабные дворцы. В оформлении окон используются затейливые орнаменты лепнины. Узоры напоминают листья растений, цветы и ракушки.

В России стиль рококо встречается чаще в оформлении интерьера, нежели экстерьера. Однако сохранился и памятник стиля рококо — дворец в Ораниенбауме, построенный архитектором Антонио Ринальди. В XVIII веке здание носило название «Каменный дом».

Внутренее убранство и дворца в Ораниенбауме, и других зданий в стиле рококо выполнено в пастельных тонах, преобладающие цвета — нежно-голубой, розовый, сочетание белого и зеленого, кроме того, в убранстве много позолоченных деталей. Cтоит отметить еще одну характерную особенность стиля рококо — влияние азиатской культуры. Совокупность цветочных орнаментов, перегородок и ширм, а также драгоценного фарфора относят к собственному подстилю, названному шинуазри.

Так, например, Большой Гатчинский дворец, также спроектированный Ринальди, по экстерьеру близок к классицизму, а по внутреннему убранству мы можем отнести его к стилю рококо.

Однако мода на рококо довольно быстро сошла на нет, уступив место другой «крайности» — строгому и продуманному классицизму. И хотя первоначальные постройки этого стиля сохранили в себе черты барокко и рококо, последующие работы русского классицизма ни в чем не уступают, а порой даже превосходят европейские строения той эпохи. Подробнее о русском классицизме мы расскажем в нашей следующей статье. А пока рекомендуем вам запланировать на майские праздники поездку в Москву или Санкт-Петербург, чтобы насладиться красотами монументального барочного стиля 🙂

Русское рококо

Воскресенский собор Смольного монастыря представляет собой соединение рококо, барокко и русского национального зодчества. Архитектор Растрелли. 1748 – 1757 гг.

Русское рококо вошло в моду в годы правления императрицы Елизаветы Петровны (1741—1761гг.) Французские вкусы внедрялись в России во времена ее правления благодаря европейскому воспитанию императрицы. Основоположником стиля русское рококо считают Франческо Бартоломмео Растрелли Младшего (1700—1771 гг.), сына скульптора и архитектора Растрелли Старшего. В середине 18 века с приходом к власти Елизаветы были начаты строительные работы под руководством Растрелли в Петербурге, Петергофе и Царском Селе. Растрелли сумел соединить в своих творениях элементы барокко, классики и модного в то время в Европе рококо. В Летнем дворце Елизаветы Петровны в Петербурге (1741—1744 гг.) созданном Растрелли (на его месте теперь находится Михайловский замок), декор включал рокайли, картуши в сочетании с масками львов с гребешками по краям и другие мотивы, присущие рококо. При этом в сооружении присутствуют архитектурные элементы, характерные и для барокко: повторены многие детали Версаля, например, визуальная неровность стен, созданная с помощью сдвоенных колонн, ризалитов, ваз, статуй.

Летний дворец Елизаветы Петровны со стороны Летнего сада. Картина неизвестного художника. 1750 — 1760-е гг.

Растрелли Младший, соединив модные мотивы с другими стилями, создал особое направление стиля — русское рококо. В произведениях этого архитектора русское рококо получило монументальность, мощь, масштабность. Чаще всего зодчий не только предлагал идею, но и сам рисовал эскизы. По его рисункам работали мастера И. Дункер (Иоганн Дункер — резчик, изготавливающий макеты-образцы), Л. Роллан (Луи Роллан. Louis-Roland –французский скульптор и резчик, работал в России в 1746 г, возглавлял класс «орнаментальной скульптуры» в Академии Художеств), Н.Ф. Жилле (Николя Жиле — французский скульптор). Благодаря тому, что русское барокко, созданное Растрелли, имеет много классических черт, общая композиция зданий не потребовала изменений, даже когда рококо вышло из моды, достаточно было убрать рокайль. В 1758 г. в России начинает работать сторонник русского рококо архитектор Антонио Ринальди (Antonio Rinaldi, 1710 – 1794гг.). Ринальди строит в Ораниенбауме, в крепости Петерштадт, дворец, получивший название «Каменный дом» (сейчас здесь расположен музей «Дворец Петра III»), можно считать одним из образцов русского рококо. Каменный дом напоминает парковый павильон. В плане он является квадратом с одним срезанным по дуге углом. Над центральной дверью расположен балкон с кованой решеткой. Благодаря большим окнам второго этажа здание кажется более высоким, дворец венчает балюстрада. Стены, окна и двери Каменного дома декорированы лепниной в виде вьющегося плюща, цветочных гирлянд.

Дворец Петра III в Ораниенбауме. Архитектор Антонио Ринальди. 1758 — 1762 гг.

Стены кабинета в Каменном доме были обтянуты серебристо-зеленым штофом, в спальне — серебристо-малиновой тканью, будуар был оформлен в голубых тонах с вышивками штофом. В ораниенбаумском Каменном доме китайские лаковые миниатюры украшают все комнаты: Картинный зал, Кабинет, Спальня, Будуар. В строительстве и оформлении дворца вместе с Ринальди принимали участие каменных дел мастер Михаил Кьеза, каменотес Никита Петров, подмастерья Эрих Гампус, Василий Петров, Дмитрий Головка, Василий Зотиков, живописец Федор Данилов. Еще одним зданием, созданным Ринальди в стиле русского рококо, стал Китайский Дворец Екатерины в Ораниенбауме.

Китайский Дворец Екатерины в Ораниенбауме (г. Ломоносов). Архитектор Ринальди. 1762 — 1768 гг.

По причине непродолжительной моды на стиль рококо осталось небольшое количество архитектурных произведений этого стиля как в Европе, так в России. Дворец Петра III и Китайский дворец Екатерины — это единственные сохранившиеся здания в стиле русского рококо – шедевры российской архитектуры.

Автор текста: Марина Калабухова

Архитектурный стиль рококо

Келуш (Queluz) — жемчужина архитектурного стиля рококо. Португалия. Округ Лиссабон. Строительство дворца началось в 1747 г. Проект архитектора Матеуша Винсенте де Оливейра (Mateus de Oliveira).

Стиль рококо (rococo) появился во Франции в первой половине 18 века во времена правления Регента Филиппа Орлеанского (1715—1723 гг.) В середине 18 века стиль рококо критики называли «испорченным», «выкрученным» и «вымученным». Этот стиль стал отражением светской культуры королевского двора, образа мышления французской аристократии, стремившейся создать собственный идиллический мир. Философию стиля рококо сформулировали королевские фаворитки: мадам Дюбари, маркиза де Помпадур, Мария Лещинская, которые основой жизни считали чувственные наслаждения, изысканность, утонченность. Личный комфорт, в это время, становится на первое место. Основное внимание обращалось на эротические и мифологические сюжеты в украшении комнат и зданий, детализированность декора. Продолжая традиции барокко, стиль рококо в архитектуре теряет его масштабность, грандиозность и поклонение Божественному, переключившись на интересы человека с изысканным вкусом. Стиль рококо в архитектуре стал более легким, игривым, чем предшествующее барокко. В рококо архитекторы меньше обращали внимания на функциональность, сочетание форм. Декорирование строилось на асимметрии, вариативности членений плоскостей, перегруженности деталями. Архитектурный стиль рококо стремится уйти от прямых линий.

Португальское рококо. Церковь Франциска Ассизского в Оуру-Прету архитектора Алейжадинью. 1765 г

Ордера не присутствуют в фасадах зданий. Колонны выполняют эстетические функции, они становятся уже, меняют свои пропорциональные размеры в отношении к габаритам здания. В зданиях в рококо стиле капители колонн дополняются изящными изгибами, сами колонны приобретают меньшие размеры, чем при барокко, однако, в них больше декора. Нередко вместо полуколонн, пилястр используются украшения в виде лепного ленточного переплетения, орнаментальных рельефов, составленных из завитков, щитов, масок, гирлянд, фестонов. По краю крыш создают балюстрады, для которых характерны фигурные балясины, постаменты с вазами или статуями. Криволинейные фронтоны украшены скульптурами, пирамидами, вазами, трофеями. Рельефный орнамент окантовывает оконные и дверные проемы.

Амалиенбург под Мюнхеном. «Охотничий домик» курфюрстины Амалии в Нимфенбурге, загородной резиденции курфюрстов Баварии Виттельсбах (Wittelsbacher). Выполнен французским архитектором Ф. Кювилье 18 в. /em>

В интерьерах в стиле рококо рельефный декор присутствует в обрамлении зеркал, в декоре мебели стены, потолков, плафонов. Основной мотив рококо – рокайль (изображение стилизованной ракушки). Модными становятся имитации объемных форм, когда нарисованные на стенах, потолках изображения выполнялись настолько точно, что их можно было принять за настоящие скульптуры. В те времена очень популярными были художники — квадратуристы, которые специализировались на создании подобных изображений. Чаще всего такие имитации создавали во внутренних помещениях. Стены дворцов украшали также городскими пейзажами, особенно популярными были виды Венеции, изображенные реалистически точно. Став продолжателем барокко, стиль рококо заимствовал многие детали и из других стилей. Переняв от барокко плавность форм, по своей философской сути рококо стал противоположностью этого стиля, изменив его монументальности и масштабности, заменив их тонкостью, изящностью, приблизив его к человеку. В цветовой палитре стиля рококо светлые, пастельные тона: розовый, салатный, голубой, много белых и золотых деталей.

Гостиная в стиле рококо с амурами. Зимний дворец. Акварель Э.П. Гау. 19 в.

Архитектурный стиль рококо оставил о себе память в небольшом количестве сооружений, поскольку больше применялся для оформления интерьеров, где стиль рококо в своем стремлении к легкости, стремился видоизменить пространство, увеличить его с помощью больших окон, зеркал, масштабных и перспективных росписей на стенах и потолках. Случалось, что сложный витиеватый декор внутреннего убранства в стиле рококо контрастировал со строгими фасадами здания. Примером может Малый Трианон в Версале архитектора Габриеля (1763-1769 гг.).

Малый Трианон в Версале, фасад здания. Архитектор Габриэль Жак Анж. 18 в.

Интерьер помещений Малого Трианона в Версале. Архитектор Габриэль.

Наивысшее развитие рококо в архитектуре получил в Баварии, Австрии, куда он попал из Франции, где в основном использовался для оформления интерьеров и достиг своей вершины при Людовике XV. В Германии стиль рококо называли также «Perückenstil», это название произошло от напудренных париков — характерного атрибута европейской аристократии той эпохи. Примером оформления здания в рококо стиле может служить церковь архитектора Иоганна Неймана (Johann Neumann, 1687 -1753 гг.) в Фирценхайлигене, где масштабность барокко сочетается с характерным для стиля рококо богатым скульптурным декором, создавая впечатление изысканности и лёгкости.

Церковь в Фирценхайлигене. архитектор Нейман. 1743-1772 гг.

В Англии рококо больше проявлялся в прикладном искусстве, например в инкрустации мебели и производстве серебряных изделий, здесь были известны мастера Хогарт или Гейнсборо, работы которых соответствует этому стилю. В Италии в стиле рококо работал архитектор Тьеполо. Знаменитые здания в рококо стиле, соединенном с элементами барокко — Версальский дворец, Цвингер в Дрездене, Зимний дворец в России, в Баварии — Амалиенбургский павильон замка Нимфенбург, Дворец Шарлоттенбург в Берлине, Малый Трианон в Версале и ансамбль трех площадей в городе Нанси.

Дворец Шарлоттенбург(Schloss Charlottenburg) — летняя резиденция для прусских королей. Был построен в 1699 г. королем Пруссии Фридрихом I для своей супруги Софии Шарлоты. Здание подвергалось перестройке: в 1701-1707 гг. (архитектор Э. фон Гёте), в 1740-1743 гг. (архитектор Т.В. фон Кнобельсдорф). Дворец был отреставрирован после войны.

Стиль рококо во Франции уже к середине 18 века стал терять свою популярность под влиянием исторических событий, а в странах Центральной Европы к нему относились с интересом еще до конца века.

Автор текста: Марина Калабухова

«Рококó» — происхождение и значение слова

Словом «рококо» обозначают стиль в мировом искусстве, который появился в XVIII веке во Франции. Рококо было не просто художественным направлением, а настоящей философией. Оно символизировало легкость и романтичность, пришедшие на смену величественному и торжественному стилю барокко времен короля Людовика XIV.

Рококо получило свое название от французского слова rocaille — «ракушка», «раковина». Для стиля были характерны декоративные элементы, которые по форме напоминали морские раковины: ими украшали мебель, стены, окна, зеркала. К XVIII веку такие детали приобрели более изощренную и причудливую форму. Вскоре стиль получил ответвление «шинуазри» («китайщина»): так называли веера, пагоды, ширмы и китайские зонтики в интерьере.

В середине XVIII века при императрице Елизавете Петровне рококо появилось и в России. Замысловатыми раковинами и цветочными гирляндами украшали интерьеры дворцов российские императоры и знать. Позже в стиле рококо начали строить целые здания в Санкт-Петербурге. Для них были характерны легкость, изящество и богатый скульптурный декор: рокайли, картуши, вазы, S-образные завитки.

Основоположником русского рококо считается отечественный архитектор итальянского происхождения Бартоломео Франческо Растрелли. В 1744 году он построил Летний дворец Елизаветы Петровны в Санкт-Петербурге. Спустя 13 лет Растрелли соединил элементы рококо, барокко и русского национального зодчества в оформлении Смольного собора Новодевичьего монастыря. В стиле рококо любил работать и итальянец Антонио Ринальди. Он стал автором Дворца Петра III, Китайского дворца Екатерины II и павильона Катальной горки в Ораниенбауме.

Рококо повлияло не только на архитектуру, но и на изобразительное искусство и даже моду. В Европе в этом стиле творили живописцы Антуан Ватто, Джованни Баттиста Тьеполо, Франсуа Буше, Фрагонар и многие другие. В России эстетики рококо придерживались светские художники Алексей Антропов и Федор Рокотов, которые часто писали придворных и членов императорской семьи. Образцом русского рококо считается портрет Елизаветы Петровны живописца Ивана Аргунова.

Главными особенностями стиля рококо в моде были женственность и утонченность. Дамы носили пышные юбки и корсеты, а голову украшали цветами, лентами, декоративными шпильками и перьями. Как одевались в эпоху рококо, можно увидеть в голливудских фильмах «Казанова», «Мария Антуанетта», «Герцогиня» и других.

Интерьер в стиле рококо: описание, варианты декора, фото

Роскошь и фантазии французской аристократии

Стиль рококо в интерьере – отчаянно элегантное, более легкое продолжение европейского барокко. Уже не дворцовый, но все ещё прекрасный – читайте в нашем новом гиде какой он – классический рококо.

История стиля рококо

Стиль рококо – стиль в дизайне интерьеров, декоративном искусстве, живописи, скульптуре и архитектуре, популярный в середине 18 века. Характеризуется легкостью, элегантностью, обилием изгибов, естественных форм в орнаменте.

“Слово рококо происходит от французского rocaille, означающее скальную работу, которой украшен искусственный грот”

Немного устав от строгого и пышного барокко, парижские аристократы XVIII века возвращались к более мягким конструкциям и скромным материалам. После смерти Людовика XIV, могущественного монарха, который предпочитал держать всю знать при себе в Версале, французская аристократия наконец-то получила возможность вернуться в собственные дома и украсить их по своему вкусу.

Освобожденные от придворной торжественности, парижане проводили больше времени в частных имениях, устраивали богатые вечеринки и в целом наслаждались жизнью. Новый стиль был продолжением барокко, но характеризовался асимметрией, изяществом форм и восхитительными изображениями повседневной жизни и придворной любви.  

Организация пространства для стиля рококо

В отличие от огромных дворцовых помещений барокко, стиль рококо использовался в зданиях поменьше, с гораздо меньшим количеством комнат, большая часть из которых была небольшой и личной частью дома. Поэтому, стиль отлично вписывается как в просторные залы для принятия гостей, так и в небольшие комнаты современного мира.

Как правило, в домах французской знати залы находились в центре дома. В зависимости от удаленности от общих помещений, созданных удивлять великолепных гостей, комнаты становились все меньше и меньше, создавая интимную атмосферу, больше характерную для будуаров.

Цветовая палитра и узоры стиля рококо

Интерьеры в стиле рококо были легкими и воздушными, гораздо более свободными, чем предшественники-барокко. И все-таки, комнаты оставались неизбежно роскошными. Рококо напоминал о богатстве владельцев с элегантностью и деликатностью.

Такая эстетика достигалась благодаря сочетанию светлых пастельных тонов – голубой синевой, зеленым, желтым, розовым – с белой слоновой костью, полированным мрамором, золотом и серебром. Удивительные сочетания рококо – каждый материал или цвет в комнате был визуально легким и одновременно роскошным, словно полет сквозь позолоченное облако.

Узоры также создавали ощущение потока, с большим количеством абстрактных и ассиметричных деталей. В моде были цветочные мотивы, изящные орхидеи, тонкие деревья, аквариумные рыбы, множество заимствований из восточной культуры.

Как и в случае с барокко, в комнатах в стиле рококо к украшению стен относились как к искусству. Все углы в комнатах были скруглены, стены украшены резными панелями, золотыми орнаментами и зеркалами, которые расширяли пространство, придавая ему неопределенность. Для настенных покрытий часто использовались шелковые или дамасковые ткани с растительным или цветочным узором, гобелены.


Оформление стен в стиле рококо

Стены все еще рельефны: делятся на несколько зон, каждый из которых заполняется разным видом декора.

 

Потолок в стиле рококо

Из-за ограниченного пространства потолки в стиле рококо украшены не так ярко, как в стиле барокко. Как правило, стилю характерна однотонная светлая цветовая гамма потолков с резными извилистыми силуэтами – с цветочным орнаментом, украшенная изображением ангелов или заимствованными китайскими силуэтами.

Важная часть потолка – огромная хрустальная люстра с подсвечниками или их имитацией.

 

Оформление пола в стиле рококо

В сравнении с остальным пространством комнаты полы выглядят более спокойно. Их задача – показать статус владельца, а не украшать комнату. Продолжая тему роскоши и элегантности, для пола используются такие материалы, как высококачественная и строгая древесина или мрамор. В более интимных комнатах полы украшаются мягкими уютными коврами с восточными мотивами.

Мебель в стиле рококо


На первый взгляд, мебель в стиле барокко и рококо почти ничем не отличается. В обоих стилях мебель ярко декорирована растительными узорами, изящными ножками, повторяет S и C-формы. И все же мебель в стиле рококо более тонкая, скорее женственная, с более стройными ножками, ассимметричная, более светлых оттенков.

Мебель часто обивалась шелком серебряного, золотого или бронзового цвета. В бальных залах и прилегающих к ним комнатам находились низкие итальянские диваны, служащие скорее для украшения, чем сидения. Консоли и столики были украшены золотой или бронзовой резьбой.

Освещение


Освещение в стиле рококо роскошно и претензионно, французы очень любят подсвечники и канделябры. В интерьере в стиле рококо распространены великолепные люстры и настенные бра, подобранные таким образом, чтобы увеличить уют пространства.

Большое значение придается естественному свету: в французских домах распространены высокие и узкие окна во всю стену, их дополняло большое количество зеркал для усиления ощущения открытого пространства. Зеркала находились в роскошных позолоченных рамах с резными фигурками цветов и ангелов.

Использование предметов декора в стиле рококо

Роскошная асимметрия рококо вдохновлена естественной кривизной деревьев и цветов, раковин ракушки, облаков. Аксессуаров немного – основной декор приходится на стены, потолок и уже известные нам люстры, зеркала  и элегантную мебель.

Главным мотивом комнаты в стиле рококо часто служил низкий камин, покрытый мраморной плитой, на котором нашли себе место часы, фарфоровые статуэтки и другие украшения. Обычно над ним висело зеркало.

Основа стиля рококо – изящный орнаментальный ритм, личный комфорт и уют. Этот стиль, такой французский, такой роскошный, украсит помещение любого размера, если подходить к выбору декора с умом. Именно “элегантность” – ключевое слово той эпохи. Рококо – период выхода из реальности в мир фантазии, театральной игры с небольшим религиозным влиянием.

 

Для запоминания, рококо – это:

  • Нежные и легкие цвета, которые сочетаются с золотым и медным декором;

  • Роскошные материалы: дорогая древесина на пол, шелк и бархат, стекло и хрусталь, кованые металлические аксессуары: бронза, латунь, медь;

  • Обилие декоративных элементов: зеркал и картин в массивных позолоченных рамах, старинных часов и кованных канделябров;

  • Основами стиля являются асимметрия, гладкие линии, закругленные формы, декоративная нагрузка.

Все совпало с тем, что запомнили?

Автор: Екатерина Пигасова

Обзор движения рококо | TheArtStory

Посадка на Киферу (1717)

Художник: Жан-Антуан Ватто

На этой картине изображены влюбленные пары в элегантных аристократических платьях в идеализированной пасторальной обстановке на Кифере, мифическом острове, где находится Венера, богиня любви. рожденный от моря. Жесты и язык тела вызывают воспоминания, поскольку мужчина, стоящий ниже центра, его рука обвивает талию женщины рядом с ним, кажется, искренне умоляет ее, в то время как она поворачивается назад, чтобы с тоской смотреть на другие пары.Обнаженная статуя богини возвышается с пьедестала, украшенного гирляндами цветов справа, как если бы председательствовала на торжествах. Слева она дважды изображена в золотой статуе, которая помещает ее на нос лодки. Обнаженные путти появляются на протяжении всей сцены, парят в небе слева или появляются между парами и подталкивают их вперед, а природа — вялое, но плодотворное присутствие. В целом картина воспевает путешествие любви. Как писал современный критик Джеб Перл, «влюбленные Ватто, замкнутые в своей мучительной, восхитительной нерешительности, являются символами постоянно приближающейся и постоянно исчезающей возможности любви.«

Как писала искусствовед Холли Брубах,« образы Ватто идеально подвешены между моментом непосредственно перед и моментом после … люди, которых он изображает, заняты разыгрыванием не одного, а нескольких возможных сценариев ». Его фигуры не так легко узнаваемы. люди, как аристократические типы, с гладкими напудренными лицами, которые вместе создают своего рода хореографию цвета и удовольствия. движение рококо.Как писал Джонатан Джонс: «В туманных, тающих пейзажах картин … он недвусмысленно связывает пейзаж и желание: если искусство Ватто обращается к придворным любителям средневековья, оно начинает современную историю чувственности во французском искусстве».

Внутри художественного движения рококо, преобладавшего в позднем барокко

Признание в любви

Движение рококо было периодом искусства, возникшим во Франции и распространившимся по миру в конце 17 — начале 18 века. Это слово является производным от французского термина rocaille , что означает «садовый орнамент из камней и ракушек».

Это началось в 1699 году, после того как французский король Людовик XIV потребовал, чтобы во время его правления создавалось более молодое искусство. Его также называют поздним барокко, потому что оно развивалось, когда художники барокко отошли от симметрии к более плавному дизайну.

Искусство рококо обратилось к самому важному противоречию того времени — цвет против рисунка — и объединило их, чтобы создать прекрасные произведения.Художники этого периода больше внимания уделяли деталям, орнаменту и использованию ярких красок.

Мебель и архитектура рококо определялись отходом от строгих религиозных симметричных дизайнов барокко. Вместо этого они сосредоточились на светском, более беззаботном, асимметричном дизайне, продолжая при этом склонность барокко к декоративному чутью.

Типичное произведение рококо

В искусстве светлые тона, пышные формы и изящные линии стали характерными для движения рококо. Холсты были украшены херувимами и мифами о любви, в то время как в соответствии с шутливыми тенденциями того времени, портретная живопись была также популярна.

Художники рококо отошли от интенсивной драматургии периода барокко и стали более игривыми в своих произведениях. Хотя многие художники процветали в период рококо, наиболее известными из них являются Франсуа Буше, Жан-Антуан Ватто и Жан-Оноре Фрагонар.

Движение рококо: Жан Антуан Ватто, 1684 — 1721 гг.

Жан Антуан Ватто считается отцом искусства рококо и своим мастерством оказал влияние на всех остальных художников.Он создавал новаторские работы с асимметричным дизайном и предпочитал рисовать идиллические, счастливые сцены. Большая часть его искусства сосредоточена на ярких людях, танцующих вокруг и наслаждающихся жизнью в красивой обстановке.

Этот образ получил название отдельного жанра — fêtes galantes. Хотя он умер в молодом возрасте, его ясная и плавная работа, как говорят, возродила движение барокко, изобрела движение рококо и посеяла семена для последующих художественных движений, включая импрессионизм.

Посадка Cythera

Восторги жизни

Туалет

Венецианские удовольствия

Елисейские поля

Рококо в восемнадцатом веке

Французское происхождение.

В годы, последовавшие сразу после смерти короля Людовика XIV, дизайн во Франции начал приобретать совершенно новое ощущение. С одной стороны, общественные здания продолжали строиться с использованием классического дизайна, который французские архитекторы и королевские покровители предпочитали с начала семнадцатого века. С другой стороны, домашние помещения быстро стали элегантнее. Этот стиль известен на английском языке по итальянскому слову, описывающему его, «рококо», хотя французское слово rocaille имело то же значение.Это относилось к «каменной кладке» или гипсу, сделанному так, чтобы выглядеть так, как если бы это был камень. С шестнадцатого века эти методы использовались для создания причудливых гротов из лепнины в садах дворцов и загородных вилл. Однако примерно в 1700 году техника rocaille начала перемещаться в помещениях, и французские штукатуры широко использовали эту технику во дворцах и таунхаусах. Rocaille теперь относится к тонким завиткам лепнины в виде завитков и арабесков, рисунков, которые снова и снова воспроизводились на стенах, потолках и деревянных панелях в течение первой половины восемнадцатого века.Эти узоры впервые появились в Версале и в других королевских резиденциях около 1700 года, а через десять или два десятилетия рокайль вошел в моду в украшении домов в Париже.

Развитие рококо.

Мода на гипсовые украшения в новых причудливых формах, которые предлагала техника rocaille , была лишь одним из нескольких изменений вкусов и моды, которые произошли во Франции вскоре после смерти короля Людовика XIV в 1715 году. Важные декоративные элементы, термин rocaille суммировал все декоративные импульсы эпохи.За пределами Франции этот период в архитектурном и декоративном дизайне упоминается в итальянском эквиваленте рококо с восемнадцатого века. Возникновение нового стиля показывает довольно внезапный сдвиг в эстетических ценностях, сдвиг, вдохновленный важными изменениями, происходящими во французском элитном обществе. Обширные внутренние помещения Версальского дворца семнадцатого века отдавали предпочтение темным и звучным цветам и использованию панелей из драматического полихромного мрамора. Палитра рококо была в целом более светлой, отдавая предпочтение стенам белого цвета или цвета слоновой кости, украшенным низкими рельефами, отделанными позолотой.Утонченные оттенки пастели играли заметную роль в картинах, которые висели в этих комнатах или которые были выполнены в виде фресок на стенах. Мода на зеркала усилила яркий свет и в этих помещениях. В общем, интерьер в стиле рококо выглядел значительно веселее и менее угрожающе, чем в помещениях семнадцатого века. Масштабы этих комнат тоже часто были меньше, поскольку они предназначались больше для тихих, интимных встреч, чем формальные приемные в более ранний период.

Париж.

Именно в Париже эта новая мода быстро прижилась, и здесь новые элементы дизайна интерьера украсили многие салоны середины восемнадцатого века. Развитие рококо произошло в то время, когда Париж восстановил важный статус в первые годы правления Людовика XV. В период между 1715 и 1722 годами молодой король сосредоточил свое правительство не в Версале, а в крупнейшем городе Франции, поскольку регент Филипп д’Орлеан предпочел город стране. Это кратковременное восстановление правительства в Париже во многом стимулировало шквал внутреннего убранства и строительства, поскольку дворяне, которые поселились в резиденции Людовика XIV в Версале, вернулись в столицу, чтобы быть ближе ко двору.Вместо сложной угловатой и симметричной формальности эпохи Людовика XIV парижские дизайнеры в стиле рококо в те годы создавали комнаты, которые были образцами сдержанной и декоративной изысканности. Однако большая часть этой элегантности не могла быть замечена широкой публикой, поскольку фасады многих прекрасных таунхаусов, построенных в то время, продолжали использовать классические формы, которые были популярны в Париже с семнадцатого века. Мода рококо была почти исключительно явлением высшего сословия, которое к 1735 году стало доминирующим стилем внутреннего убранства. В том же году Жермен Боффран создал две потрясающие комнаты в интерьере Hôtel de Soubise в Париже: Овальный салон и Салон принцессы. Эти помещения сохранились до наших дней и демонстрируют многие из центральных черт стиля, когда он достиг высшей точки развития. Вместо угловой симметрии, которая преобладала во времена Людовика XIV, комнаты Боффрана отличаются творческой и изогнутой асимметрией. Стены покрыты тонким, невысоким рельефным орнаментом, но эти поверхности не так сильно украшены, как предшествовавшие им интерьеры в стиле барокко.Вместо этого большие белые пятна проступают через схему тщательно продуманных завихрений, позолоченных узоров Боффранда. За счет повторения вертикальных линий, используемых повсюду В этих помещениях дизайнер обратил внимание на высокие декоративные потолки этих комнат, хотя он использовал окна, чтобы улавливать и преломлять свет от множества позолоченных поверхностей. В результате получился эффект шкатулки для драгоценностей. В то время как комнаты Боффрана по-прежнему входят в число величайших достижений моды, многочисленные особняки высшего класса в Париже и по всей Франции реконструируются по мере изменения вкусов. Хотя большая часть этих пространств не была столь сложной, как в Hôtel de Soubise, типичные комнаты в стиле рококо были обшиты деревянными панелями, окрашенными в белый цвет или слоновую кость, и украшены типичными узорами из позолоченной штукатурки. Заметное место занимала также сложная лепнина, при этом многие гипсовые декоративные рельефы заметно использовались на границе между потолком и стенами.

Рококо покоряет Версаль.

Даже в Версале, дворце, когда-то наполненном внушительными и темными интерьерами, королевская семья перестроила многие комнаты, чтобы соответствовать меняющейся моде.В годы после 1722 года Людовик XV восстановил правительство во дворце семнадцатого века, хотя к 1730-м годам он устал от запретного убранства многих комнат Версаля. В 1735 году Людовик XV решил переделать свои личные покои во дворце. Он выбрал более светлый стиль рококо, чтобы заменить темный декор, который раньше заполнял эти комнаты, и разделил свои апартаменты на несколько меньших шкафов, включая спальню, комнату с часами, личный кабинет и ванную комнату, избегая сложной спальни своего прадеда. , Людовик XIV.Но как только его новое жилье было завершено, Людовик XV больше не возвращался в эту неудобную спальню. Вместо этого он предпочитал меньшие масштабы своего нового, более уединенного окружения. Таким образом, король продемонстрировал такое же стремление к интимной обстановке, как и элита Парижа и других французских городов.

ПЕРЕМЕЩЕНИЕ


Семейные ценности

Со смертью Людовика XIV в 1715 году и перемещением двора в Париж во время регентства Филиппа Орлеанского … строительство великолепных, но, тем не менее, скромных городских домов или отелей в Париже объявило о сдвиге. в ценностях французской внутренней архитектуры.Этот сдвиг, в свою очередь, открыл перед художниками возможность изобразить эти интерьеры способами, которые воспользовались социальным смыслом большей близости и близости.

Еще до того, как его финансовые схемы пали, Джон Лоу (1671–1729), шотландский реформатор денежно-кредитной политики, работавший на Филиппа Орлеанского, помог мгновенно заработать многим парижанам богатство, которое побудило их скупать подобные дела. который ранее не был установлен за пределами королевской семьи. Филипп надеялся уменьшить огромный государственный долг, возникший в последние годы правления Людовика XIV, и поначалу планы Ло сработали.Он руководил основанием банка, который будет выпускать банкноты, заменяя дефицитную золотую и серебряную валюту, а бумажные деньги были выпущены в больших количествах. До того, как бумажная валюта потеряла большую часть своей стоимости, стратегия Ло оказала значительное влияние на строительную активность в Париже. Внезапно, казалось, у многих появились средства для строительства или ремонта существующих построек и обставления их картинами, мраморными бюстами и красивой мебелью, диванами и стульями, изготовленными мастерами, которые когда-то были у Людовика XIV.

Жак-Франсуа Блондель (1705–1774), архитектор Людовика XV, стал выразителем того, как внутренняя архитектура должна выглядеть и функционировать во Франции восемнадцатого века. Блондель утверждал, что является последователем Витрувия, римского архитектора и теоретика первого века, в утверждении того, что Блондель называл «товаром, твердостью и восторгом». Идея товара означает не только полезное и удобное, но также просторное или удобное. Хотя здание должно соответствовать прочным архитектурным традициям («твердость») и отображать эстетику эпохи («восторг»), оно также должно быть удобным.Людовик XIV и его архитекторы вряд ли стремились к комфорту. Как мы видели, это не имело первостепенного значения для процветающего салонного общества Парижа начала и середины восемнадцатого века.

Блондель понимал, что французскому дворянству нужны дома, в которых будет большая комната для церемониальных целей, приемная, которая была меньше, но все же общественная, и частные апартаменты для членов семьи. Rococo hôtel был построен для семьи, мужа, жены и детей.Домашние слуги содержались в отдельных комнатах (часто выше спален с низкими потолками) или в собственных квартирах. Таким образом, личные пространства — даже салон, который был одновременно приемной и местом для банкетов — были построены в таком масштабе, чтобы легко разместить, но не перегружать нуклеарную (а не расширенную) семью и их случайных гостей.

источник: Вернон Хайд Минор, Барокко и рококо. Искусство и культура (Лондон: Laurence King Publishing, 1999): 342–343.

Салоны.

Расцвет стиля рококо в оформлении совпал с развитием салона как учреждения французской культуры. В первой половине восемнадцатого века эти культурные встречи элит и интеллектуалов становились все более важными в общественной жизни Парижа. Хотя салон в итоге сыграл ключевую роль в На заре Просвещения, а затем и Французской революции, это было место, где собирались большие группы образованных людей, которые ценили остроумие и речь, социальную грацию и ценитель искусства и музыки.К 1750 году в таком большом городе, как Париж, было около 800 салонов, которые регулярно собирались для обсуждения вопросов гражданского, философского или художественного значения. Таким образом, повальное увлечение декором в стиле рококо было одним из следствий появления этих салонов, поскольку богатые семьи соревновались друг с другом за создание пространства, достойного высоких дискуссий, происходивших в их домах. В этих новых социальных группах представители знати смешивались вместе с купцами и студентами в новых частных пространствах, которые предлагала архитектура в стиле рококо.Женщины часто председательствовали на обсуждениях, которые происходили в этих салонах, что свидетельствует о растущем статусе, который они приобрели в то время как лидеры интеллектуальных дискуссий, а также арбитры домашних вкусов и потребления. Бесспорно женский характер большей части рококо во многом объясняется новой ролью богатых женщин как потребителей искусства и изысканных аксессуаров домашней жизни. В дизайне механизма также учитывался вкус иностранцев, хотя в них использовались простые и на удивление приземленные мотивы.В поисках экзотического вдохновения дизайнеры обратились к Ближнему и Дальнему Востоку, переняв декоративные детали из элементов китайского и арабского дизайна. В других случаях они пытались идеализировать сельскую жизнь, наполняя свои комнаты сценами с пейзажами, охотой или деревенской жизнью. В то время стала популярной ткань, напечатанная этими сценами, большая часть которой еще не была импортирована во Францию ​​из других стран в середине века. Чтобы избежать разбазаривания ресурсов страны, Людовик XV в 1762 году зафрахтовал королевскую фабрику по производству популярной ткани в Жуи-ан-Жоза, небольшой деревне недалеко от Версаля.Название деревни способствовало появлению современного термина «Toile du Jouy» или просто «toile», чтобы обозначить своего рода ткань, наполненную повествовательными сценами повседневной жизни.

Стиль распространяется.

В первую очередь декоративное измерение, которое рококо приобрело во Франции, неоспоримо. В результате историки архитектуры долго обсуждали, заслуживает ли рококо какого-либо рассмотрения как «архитектурный» период вообще. Однако за пределами Франции рококо приобрел более выраженный архитектурный аспект, особенно в Германии и Австрии.Напротив, этот стиль был непопулярным в Англии, где, за исключением небольшого количества комнат, оформленных таким образом, влияние рококо оставалось ограниченным. В Риме архитекторы и дизайнеры оставались невосприимчивыми к популярности моды и продолжали создавать здания и памятники, в которых использовались величественные, внушительные пропорции барокко. В другом месте в Италии можно было найти небольшие очаги архитектуры под влиянием рококо, в первую очередь в столице герцогства Савойи, Турине, и в Неаполе, крупнейшем городе Италии в то время.Таким образом, из всех мест, где рококо путешествовал за пределами Франции, именно в Центральной Европе, особенно в Германии и Австрии, это движение произвело свои наибольшие вехи. В этом регионе рококо развивалось не только как внутренняя мода, но и как архитектурный феномен. Ключевой фигурой, способствовавшей росту популярности стиля в этом регионе, был Франсуа де Кувильес (1695–1768), франкоязычный дизайнер, чья семья родом из Фландрии. Кувильес приехал работать в Мюнхен по необычным обстоятельствам.В 1711 году он стал придворным карликом на службе у баварского герцога Максимилиана II Эммануила, пока тот отбывал срок ссылки из своей родной страны. Несколько лет спустя Кувильес вернулся с герцогом в Мюнхен, где в конце концов получил образование при дворе. К 1720 году официальный дизайнер герцога обучал его архитектуре. Вскоре он уехал в Париж, где оставался на пять лет, чтобы закончить учебу. Таким образом, Кувильес был студентом в Париже в первые годы подъема рококо к популярности среди аристократов и богатых.Когда он вернулся в Мюнхен в 1725 году, он занял видное место среди многих опытных дизайнеров, практикующих в то время в южной Германии. За свою долгую карьеру его самые знаменитые достижения включали серию вилл, построенных для баварских герцогов в садах дворца Нимфенбург за пределами Мюнхена, комнат, спроектированных в пригородном дворце в Шляйсхайме, и Residence Theater в Мюнхене. Это последнее строение, тщательно восстановленное после разрушения во время Второй мировой войны, сегодня в Мюнхене ласково называют просто «Кувильес».«Театр богато украшен и декоративен в высшей степени, поскольку архитектор полагался на декоративные элементы, чтобы сделать очевидными различия между различными уровнями аристократов, посещавших театр. Он сосредоточил величайшие декоративные детали, например, на герцогской ложе и первом балконе. окружавшие его, предназначенные только для высших слоев общества. На балконах выше эти украшения уменьшались с каждым уровнем. В то время как его дизайн был очень декоративным, Cuvilliés был проницательным студентом театрального дизайна и предоставил пространство, которое было отличным местом для хорошей драмы.Даже сейчас он продолжает служить своей первоначальной цели, поскольку является домом для многих театральных постановок в Мюнхене.

Влияние Кувильеса.

Еще будучи студентом, Кювильес получил непосредственное представление о том, как парижские штукатуры создают свои потрясающие эффекты рокайль . За годы, когда он работал придворным архитектором в Мюнхене, его влияние гарантировало, что эти методы стали неотъемлемой частью архитектуры Баварии и южной Германии. К середине века дизайнеры использовали новые навыки с потрясающим эффектом при создании зданий, которые выглядели как скульптурные массы, построенные из плавных форм, которые давала техника rocaille . В то время архитекторы из южной Германии также использовали возможности рококо для создания церквей, которые были ярко наполнены светом. Таким образом, рококо в этом регионе превратилось в нечто большее, чем просто мода на внутренний интерьер. По всей Центральной Европе многие здания, изначально построенные в стиле барокко, такие как дворец Цвингер в Дрездене или резиденция в Вюрцбурге, приобрели детали в стиле рококо. Однако рококо достиг своего наиболее заметного развития как независимое архитектурное движение в Баварии и на юге Германии.

Основные дизайнеры.

Использование света, создание праздничных интерьеров и преобладание извилистых линий, инкрустированных орнаментом, были центральными чертами нового стиля, которые сыграли особенно динамичную роль в работах двух самых опытных немецких дизайнеров рококо: Доминика Циммерманна. (1685–1766) и Иоганн Майкл Фишер (1712–1766). Самая большая работа Циммермана — его Церковь Виса (что означает «луг»), расположенная за пределами деревни Штайнгаден в Баварских Альпах. Возникшая в 1743 году для близлежащего монастыря, в этой церкви хранилось чудесное изображение бичевания Христа, к которому развилось паломничество. Циммерманн разработал неф церкви как удлиненный овал, поддерживаемый восемью колоннами, которые сливались с потолком сооружения в буйстве инкрустированного декора. Коринфские колонны некоторых из этих опор имеют эффект ювелирных украшений, вылепленных из гипса и украшенных позолотой. Выше, в пространстве, где карниз или антаблемент обычно отделял стены церкви от потолка, Циммерманн создал плавное пространство, украшенное лепниной и позолотой. инкрустации, так что глазу трудно определить, где кончаются стены и начинается потолок.Свет проникает в пространство через широкие вытянутые окна. Извилистые линии продолжаются и в экстерьере, где архитектор использовал длинные плавные детали, подчеркивающие окна. Скромная изысканная отделка, кажется, тоже капает с пилястр и верхних поверхностей здания.

Ottobeuren.

Как и Циммерманн, Иоганн Михаэль Фишер уже имел репутацию опытного архитектора, когда он начал создавать пространства в стиле рококо. С конца 1720-х годов он спроектировал ряд католических церквей в Баварии и по всей южной Германии.Однако в своей зрелой работе он начал адаптировать новый стиль к ряду монастырских церквей, которые он создал в 1740-х годах. Самым большим и самым известным из них был Оттобойрен в небольшом одноименном городке на юго-западе Германии. Предыдущие архитекторы уже установили монументальные размеры этого сооружения и зафиксировали его форму в виде греческого креста. Фишер произвел революцию в их дизайне, построив две огромные башни снаружи церкви и установив между ними выпуклую центральную часть.Эти две башни обрамляют искусно украшенный фронтон, который проходит над центральным входом в церковь. Колонны, установленные по обеим сторонам входа, еще больше подчеркивают строго вертикальные линии экстерьера. Внутри Фишер максимально использовал пространство греческого креста, установив огромные окна в огромных стенах и позволяя свету заполнять структуру. Центральные опоры, поддерживающие главный купол этого сооружения, украшены цветными пилястрами из искусственного мрамора, поэтому они кажутся даже больше, чем есть на самом деле. Во всем интерьере Фишер оставил широкие участки стен, пространства, позже украшенные картинами Иоганна и Франца Цайлера и скульптурами Иоганна Йозефа Кристиана. Эти декоративные элементы умело подчеркнули монументальные линии, разработанные Фишером в конструкции. В результате Оттобойрен является одним из главных памятников немецкого рококо, архетипом того, что немцы давно называют Gesamtkunstwerk , шедевра, в котором творческое слияние всех искусств работает для достижения единой, великой цели.

Последствия рококо.

Великие произведения архитектуры рококо, такие как Вис или монастырская церковь в Оттобойрене, сегодня, кажется, суммируют творческие возможности, а также ограничения рококо как архитектурного и стилистического движения. В этих сооружениях украшение сочетается с искусным архитектурным дизайном, создавая произведения несравненной красоты и величия. Однако в руках более слабых источников света мода на инкрустацию привела к появлению гораздо менее творческих пространств. Мода поддерживала подъем рококо с момента его зарождения в Париже в начале восемнадцатого века. По мере приближения второй половины восемнадцатого века и по мере того, как дизайн рококо приближался к завершающей стадии витиеватой обработки, мода так же быстро начала меняться. Во второй половине восемнадцатого века неоклассические пространства, часто безмятежные и суровые, произвели революцию в домашней, церковной и общественной архитектуре по всей Европе так же быстро, как рококо изменило моду в первой половине века.

источников

Энтони Блант, изд., Барокко и рококо: архитектура и украшение (Нью-Йорк: Icon Editions, 1982).

Джулиус С. Хелд и Д. Познер, Искусство семнадцатого и восемнадцатого веков (Энглвуд Клиффс, Нью-Джерси: Прентис Холл, 1971).

Вернон Хайд Минор, Барокко и рококо. Искусство и культура (Лондон: Лоуренс Кинг, 1999).

Кэти Скотт, Интерьер в стиле рококо: оформление и социальные пространства в Париже в начале восемнадцатого века (Нью-Хейвен, штат Коннектикут.: Издательство Йельского университета, 1995).

см. Также Изобразительное искусство: рококо

Художники рококо (18 век)

Мебель в стиле рококо

Искусство изготовления мебели в стиле рококо было пример французского дизайнера Андре-Шарля Буля — см. Французская мебель (1640-1792) — а, в Венеции Андреа Брустолон.Искусством инкрустации руководили такие художники, как как Пьетро Пиффетти (1700-77), работавший в Савойском доме в Турине. Для мастеров из Франции см .: Французские дизайнеры (1640-1792). В Англии дизайном мебели руководил Чиппендейл, дизайнер и автор книги «Джентльмен и директор краснодеревщика» (1754 г.).

Список художников рококо

Среди множества мастеров архитектуры рококо, дизайн, живопись, скульптура и другие виды изобразительного искусства 18 века, были следующие:

Аллегрен, Кристоф-Габриэль (1710-1795) Французский скульптор (Париж)
Андриссен, Юрриан (1742-1819) Голландский художник (Амстердам)
Антропов, Алексей Петрович (1716-1795) Русский художник
Аргунов, Иван Петрович (1729-1802) Русский художник
Эшфорд, Уильям (ок.1746-1824) Ирландский художник (Дублин)
Аттире, Клод-Франсуа (1728-1804) Французский скульптор (Париж)
Огюстен, Жан-Батист-Жак (1759-1832) Французский миниатюрист
Бартолоцци, Франческо (1727-1815) Итальянский График (Лондон)
Батони, Помпео (1708-1787) Итальянский художник (Рим)
Байё-и-Субиас, Франсиско (1734-1795) Испанский художник (Мадрид)
Байеу-И-Субиас, Рамон (1746-1793) Испанский художник (Мадрид) )
Беллотто, Бернардо (1720-1780) Итальянский художник
Бернар Д’агески (1756-1829) Французский художник (Ньор)
Бонавиа, Карло (Работал 1751-1788) Итальянский художник (Неаполь)
Боровиковский, Владимир Лукич (1757- 1825) Русский художник
Боттани, Джузеппе (1717-1784) Итальянский художник
Буше, Франсуа (1703-1770) Французский художник
Будар, Жан-Батист (1710-1768) Французский скульптор (Парма)
Бозе, Жозеф (1745-1826) ) Французский художник (Париж)
Бромптон, Ричард (1734-1783) Английский художник
Байс, Якобус (1724-1801) Голландский График (Амстердам)
Caffiéri, Philippe (1714-1774) Французский ювелир
Callet, Антуан-Франсуа (1741-1823) Французский художник
Carlevaris, Marianna (1703-c.1750) Итальянский художник (Венеция)
Карлин, Мартин (около 1730-1785) Французский краснодеревщик (Париж)
Карничеро-и-Мансио, Антонио (1748-1814) Испанский художник (Мадрид)
Тачки, Лоран (1699-1771) Французский художник-график (Париж)
Касали, Андреа (1705-1764) Итальянский художник (Лондон)
Кастелли, Бернардино (1750-1810) Итальянский художник (Венеция)
Кошки, Якоб (1741-1799) Голландский художник
Казес, Пьер- Жак (1676-1754) Французский художник (Париж)
Ходовецкий, Даниэль Николаус (1726-1801) Польский художник (Берлин)
Христиан, Иоганн Йозеф (1706-1777) Немецкий скульптор
Клодион (1738-1814) Французский скульптор
Кочин, Шарль-Николас II (1715-1790) Французский художник-график (Париж)
Кок, Поль Де (1724-1801) Фламандский художник (Брюгге)
Копли, Джон Синглтон (1738-1815) Английский художник
Косуэй, Ричард (1742-1821) Английский миниатюрист
Козенс, Джон Роберт (1752-1797) Английский художник
Креспи, Луиджи (1709-1779) Итальянский художник (Болонья)
Криэрд, Матье (ок. .1689-1776) Французский краснодеревщик (Париж)
Крозато, Джованни Баттиста (около 1685-1758) Итальянский художник (Венеция)
Дефернекс, Жан-Батист (около 1729-1783) Французский скульптор (Париж)
Делоне, Николя (1739-1792) Французский художник-график (Париж)
Дескурти, Шарль-Мельхиор (1753-1820) Французский художник-график (Париж)
Дизиани, Антонио (1737-1797) Итальянский художник (Венеция)
Доден, Шарль-Николя (1734-1803) Французский художник (Севр)
Дюбуа, Рене (1737-1799) Французский краснодеревщик (Париж)
Дюш де Ванси , Гаспар (1756-1788) Французский художник
Дюмон, Франсуа (1751-1831) Французский миниатюрист
Дюплесси, Жозеф-Сиффред (1725-1802) Французский художник (Париж)
Эрл, Ральф (1751-1801) Американский художник
Эрлом, Ричард (1743-1822) Английский график (Лондон)
Эберлейн, Иоганн Фридрих (1695-1749) Немецкий скульптор (Мейсен)
Элиэртс, Ян Франс (1761-1848) Бельгийский художник (Антверпен)
Фальконе, Этьен-Морис (1716-1791) Французский скульптор
Фессар, Этьен (1714-1777) Французский художник-график (Париж)
Фишер, Иоганн Мартин (1740-1820) Немецкий скульптор
Фонтебассо, Франческо (1707-1769) Итальянский художник (Венеция)
Фрагонар , Жан-Оноре (1732-1806) Французский художник (Париж)
Гейнсборо, Томас (1727-1788) Английский художник
Гаремейн, Ян Антун (1712-1799) Фламандский художник (Брюгге)
Жерар, Маргарита (1761-1837) Французский Художник (Париж)
Жермен, Франсуа-Тома (1726-1791) Французский ювелир (Париж)
Гилрей, Джеймс (1756-1815) Английский художник-график
Гонсалес Веласкес, Антонио (1723-1794) Испанский художник (Мадрид)
Гутьер, Пьер (1732-1813) Французский ювелир
Графф, Антон (1736-1813) Немецкий художник
Грин, Валентин (1739-1813) Английский художник-график (Лондон)
Грёз, Жан-Батист (1725-1805) Французский художник-жанрист (Париж)
Гуарана, Якопо (1720-1808) Итальянский художник (Венеция)
Гварди, Франческо (1712-1793) Итальянский художник (Венеция)
Гварди, Джакомо (1764-1835) Итальянский художник (Венеция)
Гварди, Джанантонио (1699-1760) Итальянский художник (Венеция)
Герен, Жан-Урбен (1761-1836) Французский миниатюрист
Гюнтер, Франц Игнац (1725-1775) Немецкий скульптор (Мюнхен)
Гюнтер, Маттеус ( 1705-1788) Немецкий художник
Хаккерт, Якоб Филипп (1737-1807) Немецкий художник
Холл, Питер Адольф (1739-1793) Шведский миниатюрист
Халле, Ноэль (1711-1781) Французский художник (Париж)
Херрейнс, Виллем (1743) -1827) Фламандский художник (Антверпен)
Ходжес, Уильям (1744-1797) Английский художник
Хореманс, Ян Юзеф II (1714-1790) Фламандский художник (Антверпен)
Хуасс, Мишель-Анж (ок.1680-1730) Французский художник
Гудон, Жан-Антуан (1741-1828) Французский скульптор
Хубер, Жан (1721-1786) Швейцарский художник (Женева)
Иббетсон, Юлий Цезарь (1759-1817) Английский художник
Яннек, Франц Кристоф (1703-1761) Австрийский художник
Джонс, Томас ( 1742-1803) Английский художник
Жюль, Йенс Йоргенсен (1745-1802) Датский художник
Жюльен, Пьер (1731-1804) Французский скульптор
Кауфманн, Анжелика (1741-1807) Швейцарский художник
Кракер, Иоганн Лукас (1719-1779) Австрийский художник
Крафт, Пер Старший (1724-1793) Шведский художник
Крейтцингер, Йозеф (1751-1829) Австрийский художник
Кухарский, Александр (1741- 1819) Польский художник (Париж)
Лабиль-Гьяр, Аделаида (1749-1803) Французский художник (Париж)
Лагрене, Жан-Жак (1739-1821) Французский художник
Лагрене, Луи-Жан-Франсуа (1725-1805) Французский Художник
Лампи, Иоганн Креститель I (1751-1830) Австрийский художник
Лоне, Николя Де (1739-1792) Французский художник-график (Париж)
Лоуренс, Томас (1769–1830) Английский портретист
Ле Принц, Жан-Батист (1734- 1781) Французский художник (Париж)
Лейхер, Феликс Иво (1727-1812) Австрийский художник
Лели, Адриан Де (1755-1820) Голландский художник (Амстердам)
Линза, Андриес Корнелис (1739-1822) Фламандский художник
Лепичье, Николас -Бернар (1735-1784) французский художник (Париж)
Левицкий, Дмитрий Григорьевич (1735-1822) Русский художник
Лиссабон, Антонио Франсиско (1738-1814) Португальский скульптор (Бразилия)
Лонги, Алессандро (1733-1813) Итальянский художник (Венеция)
Лутербург, Филипп Жак Де 1740-1812 Французский художник (Париж)
Мачадо Де Кастро, Иоахим (1736-1822) Португальский скульптор
Маджотто, Доменико (1712-1794) Итальянский художник (Венеция)
Маджини, Карло (1720-1806) Итальянский художник (Фано)
Малле, Жан -Баптист (1759-1835) французский художник
Маре, Джордж Де (1697-1776) шведский художник (Мюнхен)
Марин, Джозеф Шарль (1759-1834) французский скульптор
Маро, Даниэль I (1661-1752) французский архитектор
Мартинкур , Этьен (ок.1735-1791) Французский скульптор (Париж)
Матье, Георг Давид (1737-1778) Немецкий художник
Маульбертш, Франц Антон (1724-1796) Австрийский художник
Майер, Мария-Констанция (1775-1821) Французский художник (Париж)
Мейсонье, Жюст-Орель (1698-1750), французский ювелир (Париж)
Мелендес, Луис (1716-1780) испанский художник
Менажо, Франсуа-Гийом (1744-1816) французский художник
Мерсье, Филип (c.1689-1760) Французский художник (Лондон)
Мессершмидт, Франц Ксавье (1736-1783) австрийский скульптор
Миньо, Пьер-Филипп (1715-1770) Французский скульптор (Париж)
Милдорфер, Жозеф Игнац (1719-1775) Австрийский художник
Молитор, Бернар (1755-1810) Французский краснодеревщик ( Париж)
Моро, Жан-Мишель (1741-1814) Французский художник-график (Париж)
Морен, Жан-Луи (1732-1787) Французский художник (Севр)
Морлайтер, Джован Мария (1699-1781) Итальянский скульптор (Венеция)
Морланд, Джордж (1763-1804) Английский художник (Лондон)
Натуар, Шарль-Жозеф (1700-1777) Французский художник (Париж)
Ногари, Джузеппе (1699-1766) Итальянский художник (Венеция)
Оммеганк, Бальтазар Поль ( 1755-1826) фламандский художник (Антверпен)
Опи, Джон (1761-1807) английский художник (Лондон)
Ос, Ян Ван (1744-1808) голландский художник (Гаага)
Уотер, Исаак (1750-1793) голландский художник (Амстердам)
Пажу, Огюстен (1730-1809) Французский скульптор
Парет-И-Алькасар, Луис (1746-1799) Испанский художник
Паш, Лоренц Младший (1733-1805) шведский художник
Паскетти, Фортунато (ок.1700-1773) Итальянский художник (Венеция)
Петерс, Иоганн Антон Де (1725-1795) Немецкий художник (Париж)
Петито, Эннемон-Александр (1727-1801) Французский архитектор
Пьер, Жан-Батист-Мари (1714-1789) Французский художник (Париж)
Пигаль, Жан-Батист (1714-1785) Французский скульптор
Пиллеман, Жан-Батист (1728-1808) Французский художник
Реберн, сэр Генри (1756-1823) Шотландский художник
Рагене, Николя-Жан-Батист (1715-1793) Французский художник (Париж)
Рамзи, Аллан (1713-1784) шотландский художник
Рау, Жан (1677-1734) французский художник (Париж)
Рейнольдс, сэр Джошуа (1723-1792) Английский художник
Роберт, Юбер (1733-1808) Французский художник
Рокка, Микеле (1666-1751) Итальянский художник
Роде, Бернхард (1725-1797) Немецкий художник (Берлин)
Рокотов, Федор (ок.1735-1808) Русский художник
Ромни, Джордж (1734-1802) Английский художник
Рослин, Александр (1718-1793) Шведский художник
Рослин, Мари-Сюзанна (1734-1772) Французский художник (Париж)
Роулендсон, Томас (1756) -1827) Английский художник-график (Лондон)
Рассел, Джон (1745-1806) Английский художник
Сен-Обен, Шарль-Жермен Де (1721-1786) Французский художник-график (Париж)
Сен-Обен, Габриэль Де (1724-1780) Французский художник (Париж)
Саммартино, Джузеппе (1720-1793) Итальянский скульптор (Неаполь)
Соваж, Пиат-Жозеф (1744-1818) Фламандский художник (Париж)
Шаль, Жан-Фредерик (1752-1825) Французский художник
Шмидт, Мартин Иоганн (1718-1801) Австрийский художник
Силос, Адам (ок.1674-1772) Голландский художник (Амстердам)
Смарт, Джон (1741-1811) Английский миниатюрист (Лондон)
Зонненшайн, Иоганн Валентин (1749-1828) Немецкий скульптор
Штрауб, Иоганн Креститель (1705-1784) Немецкий скульптор
Стюарт, Гилберт (1755-1828), американский художник
Стаббс, Джордж (1724-1806) Английский конный художник, анималист
Тассарт, Жан-Пьер-Антуан (1727-1788) Фламандский скульптор
Таунаэ, Николя Антуан (1755-1830) Французский художник
Тербуш, Анна Доротея (1721-1782) Немецкий художник
Тьеполо, Джованни Баттиста ( 1696-1770) Итальянский художник (Венеция)
Тьеполо, Джованни Доменико (1727-1804) Итальянский художник (Венеция)
Тьеполо, Лоренцо (1736-1776) Итальянский художник (Венеция)
Тишбейн, Иоганн Генрих Младший (1742-1808) Немецкий художник (Кассель)
Траверси, Гаспаре (ок.1722-1770) Итальянский художник (Неаполь)
Триппель, Александр (1744-1793) Швейцарский скульптор
Унтербергер, Кристоф (1732-1798) Австрийский художник (Рим)
Валлайер-Костер, Анна (1744-1818) Французский художник (Париж)
Вассе, Луи-Клод (1716-1772) Французский скульптор (Париж)
Верхаген, Питер Йозеф (1728-1811) Фламандский художник
Верне, Клод-Жозеф (1714-1789) Французский художник
Виже-Лебрен, Элизабет (1755-1842) Французский художник
Vleughels, Nicolas (1668-1737) Французский художник
Volaire, Pierre-Jacques (1729-1790s) Французский художник
Voogd, Hendrik (1768-1839) Голландский художник (Италия)
Watteau, Jean- Антуан (1684-1721) Французский художник (Париж)
Ватто, Луи-Жозеф (1731-1798) Французский художник (Париж)
Уэббер, Джон (1751-1793) Английский художник (Лондон)
Вейсвайлер, Адам (1744-1820) Французский краснодеревщик (Париж)
Вест, Бенджамин (1738-1820) Американский художник (Лондон)
Винтерхальтер, Йозеф Младший (1743-1807) Немецкий художник (Моравия)
Цайлер, Якоб Иоганн (1708-1783) Немецкий художник
Циммерманн, Доминик (1685-1766) Немецкий скульптор (Бавария)
Циммерманн, Иоганн Баптист (1680-1758) Немецкий художник (Бавария)
Цоффани, Иоганн (1733-1810) Немецкий художник (Лондон)
Цуньо, Франческо (ок.1708-1787) итальянский художник (Венеция)

Раскрытие и понимание стиля искусства рококо

Известный беззаботностью своего изобразительного и декоративного искусства, стиль рококо процветал во Франции 18-го века. Художники, работающие в этой легкомысленной эстетике, опирались на пышность периода барокко, адаптируя его впечатляющую эстетику для создания столь же экстравагантных, но отчетливо игривых произведений искусства.

Движение рококо преимущественно связано с двумя видами искусства: живописью и декоративными произведениями.Здесь мы раскрываем этот уникальный стиль, чтобы понять его значение в истории искусства.

Каким был период рококо?

Стиль рококо был модным с 1730 по 1770 год. Хотя он зародился во Франции, со временем он распространился на другие части Европы, включая Великобританию, Австрию, Германию, Баварию и Россию.

Термин Rococo происходит от rocaille , — особого метода украшения фонтанов и гротов, восходящего к итальянскому ренессансу.Используя эту технику, ремесленники смешивали морские ракушки, гальку и другие органические материалы с цементом, получая кульминацию в натуралистической, вдохновленной подводным миром среде.

Вход в грот Буонталенти в садах Боболи Фото: DinoPh через Shutterstock Stock photo

Художники, работающие в стиле рококо, разделяли это увлечение водой эпохи Возрождения, что проявляется как в плавности форм, так и в использовании морских мотивов в их работах.

Рококо Арт

Живопись

Причудливая природа рокайль повлияла на живопись того периода, проявляясь в легкомысленной иконографии, внимании к декоративным деталям и обилие пастельных тонов.

Игровая тема

Многие картины в стиле рококо имеют изысканный, но веселый сюжет — подход, который популяризировал французский художник Антуан Ватто . Как отец fête galante жанр живописи, который предпочитает садовые вечеринки, фестивали и другие мероприятия на открытом воздухе в качестве тематики Ватто создавал причудливые сцены людей, общающихся в пасторальных пейзажах.Эти изображения, в которых часто изображены развевающиеся купидоны, греческие богини и другие мифологические персонажи, сочетают фантазию с реальностью.

Антуан Ватто, «Посадка на Киферу» (1717 г.) (Фото через Wikimedia Commons Public Domain)

В дополнение к этим декорациям под открытым небом, многие картины в стиле рококо размещены в роскошных интерьерах. Как и картины fête galante , эти произведения часто имеют забавную иконографию и мифологические мотивы.

Внимание к деталям

Картины в стиле рококо демонстрируют изысканное внимание к деталям.Вдохновленный художниками эпохи Возрождения, французский художник Франсуа Буше известен своим интересом к подчеркиванию замысловатости сцены. Его детально-ориентированный подход к живописи воплощается в невероятно богато украшенных костюмах и «искусно декоративных» небесах (Музей Гетти).

Франсуа Буше, «Ринальдо и Армида» (1734 г.) (Фото: Джоконде через Wikimedia Commons Public Domain)

Палитра пастельных цветов

В то время как картины в стиле барокко ассоциируются с глубокими цветами и эмоциональными тенями, произведения рококо характеризуются воздушной пастельной палитрой. Жан-Оноре Фрагонар запечатлел манящую беззаботность этой цветовой схемы в своей самой известной картине « Качели ». В обрамлении светло-зеленой листвы The Swing изображена женщина в бледно-розовом платье, играющая на качелях и кокетливо сбрасывающая обувь.

Жан-Оноре Фрагонар, «Качели» (1767-1768) Фото: произведение искусства только через Wikimedia Commons Public Domain)

Декоративное искусство в стиле рококо

Помимо живописи, художники также создавали предметы декоративно-прикладного искусства в стиле рококо.Эти произведения демонстрируют интерес к асимметрии и театральному подходу к изображению природы.

Асимметричные кривые

Декоративное искусство рококо часто включает в себя замысловатые асимметричные формы. Эти змеевидные силуэты по своей сути натуралистичны, но, несомненно, преувеличены и встречаются в целом ряде предметов, включая замысловатые столы и привлекательные канделябры.

Фрагмент гравюры Габриэля Хьюкье (Фото: Купер Хьюитт через Wikimedia Commons Public Domain)

Природные мотивы

Большинство из этих органических, но богато украшенных дизайнов вдохновлены природой — особенно морскими ракушками, волнами и другими морскими мотивами.Однако в дополнение к этому фокусу рокайль , многие художники рококо также использовали мотивы листьев в своих работах, в том числе позолоченные, похожие на виноградную лозу украшения стен и потолка, а также орнаменты со стилизованными акантами листьями .

Интерьер салона принцессы в Hôtel de Soubise, Париж (Фото: NonOmnisMoriar через Wikimedia Commons CC BY-SA 3.0)

Наследие

Наряду с импрессионизмом рококо считается одним из самых влиятельных французских течений в искусстве.Он известен как своими легкими и воздушными картинами, так и причудливым декоративным искусством, которые вместе демонстрируют элегантный, но кипучий вкус Франции 18-го века.

Статьи по теме:

Интервью: Сюрреалистические картины женщин, исследующих районы, затронутые изменением климата

9 известных французских художников, которых вы должны знать

Как цветы превратились в один из самых популярных предметов истории искусства

Что мы можем узнать из изысканной истории и изысканной эстетики готической архитектуры

Виктория и Альберта · Стиль рококо — введение

Рококо было, пожалуй, самым бунтарским из дизайнерских стилей.Часто описываемый как последнее выражение движения барокко, он был исключительно орнаментальным и театральным — стилем без правил. По сравнению с порядком, утонченностью и серьезностью классического стиля рококо считалось поверхностным, дегенеративным и нелогичным.

Рококо впервые возник во Франции в 1720–30-х годах как стиль, разработанный мастерами и дизайнерами, а не архитекторами, что объясняет, почему он встречается в основном в мебели, серебре и керамике.

Рококо берет свое название от французского слова «рокайль», что означает камень или сломанная ракушка — природные мотивы, которые часто составляли часть дизайна, наряду с рыбками и другими морскими украшениями. Лист аканта ( Acanthus mollis ) или, скорее, его сильно стилизованная версия, также был фирменным мотивом. Другой ключевой особенностью дизайна является изогнутый асимметричный орнамент, где его формы часто напоминают буквы «S» и «C», и где одна половина рисунка не совпадает с другой.

Слева направо: Письменный шкаф, вероятно, Майкл Киммель, 1750–55, Дрезден, Германия. Музей № W.63-1977. © Музей Виктории и Альберта, Лондон; Ваза, фарфоровый завод Челси, ок. 1758 — 68. № музея. 828-1882. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Рококо процветал в английском дизайне между 1740 и 1770 годами. Впервые он появился в Англии в серебре и гравюрах с орнаментом в 1730-х годах, когда художники-иммигранты и мастера, в том числе беженцы-гугеноты из Франции, такие как Поль де Ламери, сыграли ключевую роль в его создании. распространение.

Слева направо: Корзина, Поль де Ламери, 1742–43, Лондон, Англия, серебро. Музей № М.6-2001. © Музей Виктории и Альберта, Лондон; Камерный подсвечник, Поль Креспин, 1744 — 45, Лондон, серебро. Музей № M.2-1980. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Важное значение имела также Академия Сен-Мартинс-Лейн, известная сегодня как Королевская академия художеств, которая была организована в 1735 году художником Уильямом Хогартом (1697–1764) из круга художников и дизайнеров, собравшихся в кофейне Slaughter’s на верхнем этаже. конец переулка Святого Мартина в Лондоне.Этот художественный набор, в который входили, среди прочего, книжный иллюстратор Юбер-Франсуа Гравело (1699 — 1773) и художник Андиен де Клерман (умер в 1783 году), а также уроки рисования, которые они проводили в академии, оказали большое влияние на представление и продвижение стиля рококо. в Англии.

Дизайн интерьера в стиле рококо, автор Джон Линнелл, около 1755 года, Англия. Музей № E.263-1929. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Многие считали, что стране не хватает дизайна и необходимых навыков, чтобы конкурировать с импортными французскими товарами, что привело к инициативам по улучшению стандартов дизайна в те годы, когда в Великобритании было распространено рококо.С 1742 года дизайнеры мебели и краснодеревщики Маттиас Лок и Генри Копленд опубликовали серию гравюр, которые представили отчетливо британскую форму завитков в стиле рококо. Этот стиль широко использовался для резьбы по дереву и других декоративных работ и впоследствии доминировал в британском стиле рококо до середины 1760-х годов. Впервые в Великобритании большинство гравюр были оригинального дизайна, а не копий континентального производства. Тем не менее, британские дизайнеры продолжали подражать современной французской работе с серебром, фарфором и мебелью, которые производились на верхнем уровне рынка.

Слева направо: гравюры из «Новой книги украшений с двенадцатью листьями», Матиас Лок и Генри Копленд, 1752 г., Лондон, Англия. № музеев E.2809-1886 и E.2810-1886. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Многие выкройки орнаментов в стиле рококо, подобные изданным Локком и Коплендом, были изданы в Англии в 1740-х и 1750-х годах. Их популярность проистекала из сложных и нерегулярных трехмерных форм стиля рококо и его упора на разнообразие и изобретательность, что предъявляло высокие требования к дизайнерским и модельным навыкам британских мастеров.Эти дизайны в основном предназначались для мастеров и дизайнеров и оказали огромное влияние на распространение стиля рококо. Вместо того, чтобы копировать весь дизайн, резчики по дереву черпали из него вдохновение, разрезали и добавляли свои собственные идеи.

Самая влиятельная единственная серия принтов с узорами была выпущена в виде сборника дизайнов мебели. Джентльмен и директор краснодеревщика Томаса Чиппендейла Старшего был опубликован сначала по частям, а затем как сборник в 1754 году.Эта книга открыла новые возможности как источник дизайнерских идей, так и книга шаблонов для потенциальных клиентов. Шаблоны оказали наибольшее влияние на мелких производителей мебели, в основном за пределами Лондона.

Изучите выбор шаблонов принтов из Джентльмен и директора кабинета министров в нашем слайд-шоу ниже:

Фоновое изображение: эскиз рамы в морской тематике, номер 187 из книги «Джентльмен и директор краснодеревщика» Томаса Чиппендейла, издание 1762 года, Лондон.Музей № 2594. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Стиль рококо (18 век)

Выдающимся в искусстве инкрустации был Пьетро Пиффетти (1700-77), который работал на Дом Савой в Турине, создавая очень индивидуальная мебель, сочетающая в себе вставки из дерева и слоновой кости с такими доработки в металле в виде масок по углам и крепления для ног. В Королевский дворец в Турине содержит несколько захватывающих произведений искусства, буквально покрытых с инкрустацией из слоновой кости и иногда кажется, что поддерживается исключительно случайно, настолько хрупки ноги под их сложными верхними частями.В музее Civico в Турине — это карточный стол Пиффетти с печатью и датой 1758 года. Совершенно убедительный обман игральных карт из слоновой кости и редких пород дерева.

В области малых искусств в Италии не производилось ничего значительного. по сравнению с другими странами Европы, и, конечно же, фабрика керамики не появилась. чтобы соперничать с Севром. Но две фабрики производили фарфор, большая часть что, безусловно, очень красиво — Виново в Пьемонте и Каподимонте за пределами Неаполя.Фарфор Каподимонте отличается блеском. его окраски, часто в неожиданных сочетаниях, как в знаменитых Фарфоровый зал из дворца в Портичи (1754-59).

Итальянская живопись рококо

Резюме

Рококо возникло в Италии несколько позже. чем во Франции. Ранние следы можно увидеть в более светлом стиле поздних Живопись в стиле барокко, представленная в Риме, а также в Неаполе такими художниками, как Лука Джордано (1634-1705) и Франческо Солимена (1657-1747).

Затем, через 25 лет, Венеция произведено Giambattista Тьеполо (1696-1770), его сын Джандоменико (1727-1804) Антонио Каналетто (1697-1768), Пьетро Лонги (1701-85), Франческо Гварди (1712-93), Джованни Баттиста Пиранези (1720-78) и племянник Каналетто Бернардо Беллотто (1720–1780). Все они, кроме двух последних, отработали живет в Венеции, хотя Каналетто посетил Англию в 1746 году. Лонги и в меньшей степени младший Тьеполо изображал повседневную жизнь Венеции, первые на небольших холстах, вторые — на рисунках; в то время как Каналетто, Гварди и Беллотто рисовали уличные сцены на каналах и на площади.Пиранези, хотя родился в Венеции, но приехал в Рим в 1738 году. Его картины не известны. и его слава полностью основана на его архитектурных гравюрах и руинах. Старший Тьеполо известен своими необычными фресками. парадной столовой ( Kaiseraal ) и потолка Большого Лестница ( Trepenhaus ) в Вюрцбургской резиденции принца-епископа Карла Филиппа фон Грайффенклау, который, несомненно, был величайшим и самый творческий шедевр его карьеры.Фокусом был парящий фреска Аполлон приносит невесту (1750-1) в центре Трепенхаус, произведение, завершающее итальянскую традицию. фресковой живописи, инициированной Джотто (1270-1337) четыреста лет ранее.

Тьеполо

В старшем Тьеполо и в нем одном, можно ли говорить о чистом стиле рококо, во многих отношениях родственном позднему барокко. способов, но создавая совершенно новый тип визуального опыта.Не удивительно, многие из величайших венецианских качеств прошлого присутствуют в его работы: колорит и оригинальная фантазия Тициана; типы фигур и роскошные материалы Паоло Веронезе, вместе с его любовью к роскошной классической архитектуре как фон для богатых театрализованных представлений истории и мифологии.

Искусственность атмосферы в его ранние фрески сразу связывают Тьеполо с мейнстримом рококо. искусства, но в то время, когда он не мог много знать о современном Французская живопись.С тех пор его карьера имела головокружительный успех, пока его затмение в Мадриде в конце его жизни от рук неоклассиков при Менгсе (1728-79).

Его самый большой заказ пришел в 1750 году, когда он поехал в Вюрцбург рисовать. фрески для недавно построенного дворца и оставались там до 1753 г. украсить лестницу (самый большой панно живопись в мире), Кайзерсал и часовня. Незадолго до уезжая в Вюрцбург, Тьеполо украсил Палаццо Лабиа в Венеции. с историей Антония и Клеопатры, одним из самых запоминающихся его произведений. классической истории.

Сравнение стиля Тьеполо со стилем его современника Буше, обнаруживает другой и, возможно, более интеллектуальный темперамент. Его ледниково элегантные, но все же сладострастные обнаженные тела и его тонкое сопоставление типов, как в Вюрцбургской лестнице, где ярко контрастируют «континенты», оригинальнее и сложнее, чем что-либо от Буше. Это было не случайно что Буше восхищался Тьеполо больше всех остальных; «гораздо больше, чем у Ватто, его искусство — это искусство театра, со сценой, которая намеренно возвышается над нами и актеры, которые держатся на расстоянии », — говорит Майкл Леви.В самом деле, его искусство — последнее, что действительно представляет аристократическую аристократию. идеалы, которые вскоре будут заменены республиканскими ценностями Французской революции, искусство, которое могло процветать только в таком упадочном городе-государстве, как Венеция в восемнадцатом веке

View Painters

В то время как Тьеполо, отец и сын, были лучшими декораторами в городе, были ведутисти , или живописцы, такие как Canaletto (1697-1768), чья большая известность привела его в Англию между 1746 и 1756, и его племянник Бернардо Беллотто (1720-80).

Картины Франческо Гарди (1712-93) — триумф атмосферных исследований и понимания об уникальном влиянии венецианского света на воду и архитектуру. С участием минимальная палитра, в некоторых случаях сведенная почти полностью к простой зелени и серые, Гварди вызывает ассоциации с пейзажами и видами на каналы во многих так же, как Тьеполо изображает фигуры, и волшебными цветными точками предлагает людям спешить или разговаривать на площади Сан Марко или любой из многих площадей Венеции, которые он так явно любил.

Пьетро Лонги (1702-85), напротив, специализировался на несколько грубых интерпретациях современной жизни; в их однако в их великом очаровании кроется неуклюжесть, а зачастую восхитительно неожиданный выбор сюжета, например, «Носорог» (Национальная галерея, Лондон) или «Мавританский вестник» (Ка ‘Реццонико, Венеция).

Но Италия никогда не была так довольна стилем рококо, как раньше. предшествующий стиль барокко или неоклассицизма, оба из них тяжелее и способнее выразить столь любимую grandezza итальянского постренессансного искусства.Это, однако, появляется у Тьеполо в измененная форма, и это его имя остается выдающимся.

Стиль рококо в Англии — Характеристика

из всех европейских стран, в которых переняла или внесла свой вклад в стиль барокко, Англия была той, которая Меньше всего обращал внимание на рококо.

Архитектура английского рококо, Интерьер Дизайн и оформление

По крайней мере, в архитектуре Англия переехала непосредственно от стиля барокко Рена и Ванбру до палладианизма, переход настолько быстр, что не допускает промежуточного развития.Со зданиями, такими как Strawberry Hill Уолпола, Туикенхем, построенными из 1748 г., и Арбери, Уорикшир, того же дня, что и другой готик. здания, возведенные в эпоху позднего архитектура восемнадцатого века, именно сантименты помещают эти работает скорее в категории рококо, чем в каких-либо отношениях с рокайлем.

Фактически Английский Gothick разделен на две отдельные категории — «ассоциативные» и «рококо», последняя беззаботная форма украшения, основанная на средневековых прецедентах но достаточно легкомысленный, чтобы стать почти двойником континентального рококо. в его самоотверженности и поверхностности. Уильям Кент (1684-1748), архитектор и декоратор, придумавший собственный словарь готического декора, которые распространились по Англии так же быстро и эффективно, как арабески континентального рококо. Но, помимо этого, рокайль в Англии коснулся только несколько интерьеров, немного качественной мебели, некоторые картины и немного фарфора, в частности изделия Chelsea и Bow.

Самый ранний образец рокайля в Англии. было поручено великому французскому дизайнеру Meissonnier герцогом Кингстоном в 1735 году за набор столовой мебели из серебра.Но это был довольно редкий экземпляр и оформление в стиле рококо в основном ограничивалось. гравированному декору на твердых формах, почти полностью не подверженном влиянию стиль. Новые тенденции распространялись преимущественно в моделях. например, «Джентльмен или Строитель» Матиаса Лока или Джонса. Спутник »1739 г., сделавшего доступными детали рококо или квазирококо. каждому мастеру, который мог себе позволить объем. Тот факт, что это были только детали, оторванные от их окружения, составляют часто Грубое качество большей части английской мебели в стиле рококо.так как мастер мог не следует ожидать, что он оценит органический характер стиля с простого фрагменты.

Как и в Италии и Франции, вкус покровителя восемнадцатого века часто расширялся. к Востоку в той или иной форме. с учетом нескольких рококо известные комнаты в Англии, такие как спальня в Nostell Priory, Йоркшир, 1745 г., или, что самое главное. Дом Клейдона в Бакингемшире (около 1768 г.), где ряд комнат украшал некий Лайтфут, о котором Мало что известно.Однако в этих комнатах стиль отнюдь не такой. чистый, как континентальный рококо.

Появление декоративно-прикладного искусства в стиле рококо на других английских языках интерьеры загородных и загородных домов, а иногда и высочайшего качества — особенно в холле в Рэгли, в соседнем Хэгли и в клубах штукатурка братьев Франчини. который выполнил много лепных работ в Ирландия, и особенно известны своей работой в Рассборо. Но это привлекательное местное мастерство далеко от непревзойденного, всеобъемлющие схемы континента.

Английский стиль рококо Мебель и декоративный Искусство

В отличие от французских, английских краснодеревщиков обычно не подписывали свои работы, и поэтому известно сравнительно мало мужчин, таких как Джон Линнелл , Джон Кобб , Бенджамин Гудисон и William Vile , которые, по всей видимости, много работали в новая мода. Название Chippendale , однако, выдающееся, не только из-за качества его произведений, но и из-за его издание «Джентльмен и директор краснодеревщика» (1754 г.).

В своих проектах зеркал и каминных полок, часто приправленный шинуазри, можно увидеть экзотические образцы стиля рококо, каждый не менее дотошный как французские буазери, но предназначены для использования в качестве отдельных элементов и редко как часть единой декоративной схемы. Точно так же продуманный и фантастический резьба в холле Клейдона изолирована в классическом стиле. параметр.

Английский рококо Живопись

В живописи два английских художника пошли на уступки рококо. — Уильям Хогарт (1697-1764) и Томас Гейнсборо (1727-88).Хогарт категорически против этого типа живописи истории барокко, столь востребованной «любителями» и ввел в свою работу так называемую «линию красоты», которая он объяснил в своем «Анализе красоты» (1753 г.), что была змеевидной линией, похожей на удлиненную букву «S». Это было, конечно, именно форма многих украшений в стиле рококо.

Гейнсборо, с другой стороны, начал жизнь как художник небольших, неестественных портретов, позже развивая более утонченный стиль после его переезда в модную баню.Он нарисовал некоторые портреты в стиле рококо, удивительно близкие Буше, их парящие манера письма и перистые пейзажи, ярко-розовый и серебристо-серый оттенки ярко выражены больше рококо, чем любая современная английская живопись. Также Регентство светский портретист Thomas Лоуренс .

Неоклассицизм охватил Англию после возвращения в страну Роберта Адама. в 1758 году, но даже его целомудренный и эпицентский стиль перекликается с изящным, скрупулезным качество большинства французских декораций в стиле рококо и его готика как рококо как любое украшение того периода в Англии.Швейцарский художник-портретист и исторический художник, Анжелика Кауфманн (1741-1807), которым очень восхищался сэр Джошуа Рейнольдс за ее портреты, работал с Робертом Адамом над рядом его архитектурных украшения.

Стиль рококо в Германии — Характеристика

В отличие от превосходной сдержанности лучшее французское рококо, Германия предлагает захватывающий дух ассортимент некоторых самой возмутительной и великолепной архитектуры и интерьера в стиле рококо украшение в истории европейского искусства.

Немецкая архитектура рококо, Интерьер Дизайн и отделка

Этот высокий стандарт качества распространился от архитектуры до прикладной искусство — мебель, предметы интерьера и фарфор — хотя они редко превосходили те из Франции. Ничего подобного в соперниках Франции, Италии или Англии XVIII века. явный избыток таких архитектурных шедевров, как Мельк или Дрезден Цвингер, и только по количеству первоклассных церквей и дворцов Германия легко опережает остальных.Это может быть связано с тем, что мы теперь называемая Германией, в восемнадцатом веке была разделена на несколько различные княжества, царства и епископства, так что определенное соперничество должны были определить создание важнейших зданий — в отличие от Франция или Англия, где неизменно выполнялись действительно важные комиссии. ограничивается небольшим количеством постоянных посетителей.

Немецкое рококо можно увидеть, чтобы проследить его истоки к римским церквям периода барокко, таким как Сант Бернини Андреа аль Квиринале, где цвет, свет и сложная скульптура — все это комбинированный.Впервые это видно в Германии в аббатстве. Церковь Вельтенбург, построенная после 1714 года, с срезанным внутри овальным куполом чтобы показать расписанное фресками видение небес наверху.

Цвет основной тетивы для лука немецкого рококо — розовый, сиреневый, лимонный, синий — все они были объединены или использованы индивидуально для создания выразительного эффекта, как в Амалиенбурге, недалеко от Мюнхена. Более тяжелые, изогнутые формы В немецком рококо барокко превращается в ритмы стаккато, и один находит влияние крупного памятника в стиле барокко, такого как балдахин Бернини в г.Рим Петра, преобразованный Бальтазаром Neumann (1687-1753), в кондитерское изделие высшего ранга. алтарь в Vierzehnheiligen, возможно, самый сложный и приятный из Немецкие церкви.

В то время как формы комнат во Франции в восемнадцатом веке не менялись много, а план церковных построек почти совсем не Немецкие архитекторы в стиле рококо изучали все возможности. Стены не только кажутся качаться, несмотря на их огромные масштабы, но целые участки, кажется, были срезаны так, что огромные потолки, расписанные фресками, полностью доминируют в большинстве этих церквей, кажутся парящими над верующим.

Одна из самых интересных особенностей немецкого Архитектура рококо — это очень драматичное место расположения некоторых из самых важные примеры, такие как аббатство Мельк J. Prandtauer , начат в 1702 году. Намеренно поставлен на руководящую должность высоко над Дунай, две большие башни возвышаются над двором перед открытым во внешний мир большой аркой палладианского типа. Такое чувство к драма, и для полного вовлечения верующих как внешне, так и внутри, также находится в Эттале, в обратной роли, с монастырем преобладают окружающие горы.

Светское строительство также достигло высокого уровня совершенства. Возможно самые сложные примеры можно найти в Мюнхене и его окрестностях, где, как придворный карлик и архитектор, Франсуа Кувилли (1695-1768) был участвует во многих зданиях, пожалуй, самым прекрасным из них является Амалиенбург. Этот небольшой павильон, построенный между 1734 и 1739 годами и названный в честь курфюрста У жены, по словам Хью Хонура, «легкая элегантность и тонкая тонкость».Его мягко покачивающийся фасад, неглубокий руст и необычные фронтоны предвещают один из самых красивых залов Европы — знаменитый Зеркальный зал с его серебряная рокайль на пудрово-синем фоне и сверкающем стекле. На противоположном конце шкалы — театр Cuvillies Residenz в Мюнхене. (1751-53) использует богато позолоченные фигуры и музыкальные инструменты для обрамления весь зрительный зал, ярко контрастирующий с красным штофом и бархатом стен и сидений.

Потсдам и Дрезден никогда не создавали такого утонченного стиля рококо, как стиль Мюнхен, но такие здания, как Цвингер (1709-19) от Poppelmann в Дрездене поражают своим масштабом и изобилием декоративных деталей. Эффект такой архитектуры ощущается и в маленьком дворце. Сан-Суси в Потсдаме (1745-51), построенный для Фридриха Большой.

Для абсолютного масштаба, роскоши и подавляющего величия деталей, рококо Германии занимает лидирующие позиции в Европе.

Подробнее об интерьерах в стиле рококо в России смотрите работу Бартоломео Растрелли (1700-71).

Поздние варианты рококо

Стиль рококо так и не умер в провинциальной Франции.

Похожие записи

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *

DARS © 2019 Все права защищены