Рокотов картины с названиями: Федор Рокотов: картины, портреты, биография

Содержание

Федор Рокотов: картины, портреты, биография

Портрет Петра III

Биография Рокотова

Федор Степанович Рокотов (1735, с. Воронцово, ныне в черте Москвы, — 12(24). 12.1808, Москва), русский живописец-портретист.

Сын крепостного. Федор Рокотов учился в петербургской АХ (с 1760). С 1762 адъюнкт АХ, с 1765 академик. Изучая исполненные в России произведения Л. Токке и П. Ротари, Фёдор Рокотов одним из первых русских живописцев уверенно овладел приёмами западноевропейского парадного портрета середины 18 в. (портрет Екатерины II, 1763, Третьяковская галерея и Русский музей, Ленинград). Вместе с тем безыскусственность, непосредственность образов, свойственные ранним погрудным портретам Рокотова (портрет И. Л. Голенищева-Кутузова, 1-я половина 1760-х гг., Русский музей), характеризуют его как продолжателя традиций русского портрета 1-й половины 18 в. В 1765 году Фёдор Рокотов переселился в Москву, где положил начало своеобразной "московской" ветви русского портретного искусства.

Сблизившись с наиболее просвещёнными московскими семьями (Воронцовы, Струйские и др.), с представителями интеллигенции той поры, Рокотов нашёл круг людей с созвучным ему образом мыслей, проникся показательным для московского дворянства духом оппозиционности по отношению к петербургскому укладу жизни, с его показным блеском и суетностью. Единый круг персонажей предстаёт в портретах поэта В. И. Майкова (около 1765), А. И. Воронцова (конец 1760-х гг.), А. П. Струйской (1772), неизвестной в розовом платье (1770-е гг.), неизвестного в треуголке (1-я половина 1770-х гг.; все — в Третьяковской галерее). Особенно привлекали Федора Рокотова серьёзные юношеские лица. Они выступают на свет словно из глубокого мрака, исполненные поэтичности и проникнутые обаянием молодости, сквозящем в нежном цвете губ и румянце щёк, во влажном блеске глаз из-под тёмных полукружий бровей. Эмоциональное воздействие живописи Рокотова во многом зависит от всё преображающей силы света. Поток неяркого, но интенсивного света как бы утончает фигуры, часто не охватывая модель в целом, но лишь вызывая из темноты освещенную сторону лица и шеи, выдвинутое вперёд плечо; жидкие мазки белилами или розовой краской создают впечатление мерцания в полутьме кружев, драгоценностей или муаровых лент.
В 1780-е гг. в портретах Рокотова среда, атмосфера словно проясняются. На смену манящей полумгле приходят более отчётливые красочные тона, объёмы становятся более определёнными (портреты: В. Е. Новосильцовой, 1780, Третьяковская галерея; супругов Суровцевых, 2-я половина 1780-х гг., Е. В. Санти, 1785; все три — в Русском музее). Портреты, чаще всего овальные по формату, становятся наряднее и импозантнее, а всегда увлекавший Рокотова идеал человеческого достоинства и красоты осознаётся теперь как свойственное модели чувство высокого, нередко чуть высокомерного, духовного превосходства над окружающим. В позднем творчестве Рокотова сказывается общий для русского искусства переход от утончённости рококо к ясности и строгости классицизма. Последние известные работы Фёдора Рокотова относятся к 1790-м гг.

Федор Степанович Рокотов принадлежит к числу удивительных портретистов восемнадцатого столетия. Редкий дар художника передавать «души изменчивой приметы», его неповторимое чувство цвета и виртуозное владение кистью были отмечены еще современниками и до сих пор продолжают пленять зрителей, приходящих в наши музеи и выставочные залы.

Оригинальные, исполненные обаяния творения Рокотова нельзя спутать с произведениями других мастеров. Развивая традиции русского портрета, художник шел по пути усложнения и углубления образных характеристик. Он первым из русских портретистов достиг европейского уровня живописного мастерства.
В камерных рокотовских портретах запечатлены неповторимые черты просвещенных людей его времени, их внутренний мир, их сущность. Художник был знаком со многими видными деятелями науки и культуры: ученым-энциклопедистом М. В. Ломоносовым, гравером Е. П. Чемесовым, архитектором В. И. Баженовым, ему позировали «театра русского отец» А. П. Сумароков и поэт-сатирик В. И, Майков. Рокотов сумел воплотить идеал человека, сложившийся в передовой общественной среде и привлекающий своей духовной содержательностью. Открывая новые грани человеческих переживаний, творчество Рокотова в какой-то степени предвосхищало поиски мастеров последующего поколения, художников романтического направления.

Портрет великого князя Петра Федоровича. 1758

Портрет графа И.Г. Орлова. Между 1762 и 1765

Портрет Екатерины II. 1763

Портрет князя Д.М. Голицына. 1760-е

Портрет неизвестного. 1757

Портрет П.Н. Ланской. Начало 1790-х

Портрет П.И. Вырубова. Около 1768

Портрет неизвестной в темно-красном платье. 1760-е

Портрет неизвестной в голубом платье с желтой отделкой. 1760-е

Портрет неизвестного в треуголке. Начало 1770-х

Портрет неизвестного в зеленом кафтане. 1770-е

Портрет князя И.И. Барятинского. Начало 1780-х

Портрет княгини Е.Н. Орловой. Около 1779

Портрет графини Е.В. Санти, рожденной Лачиновой. 1785

Портрет графа И.И. Воронцова. Первая половина 1770-х

Портрет графа Г. Г. Орлова в латах. 1762-1763

Портрет графа А.И. Воронцова. Около 1765

Портрет великого князя Павла Петровича в детстве. 1761

Портрет В.Н. Суровцевой. Вторая половина 1780-х

Портрет В.Е. Новосильцевой. 1780

Портрет В.А. Обресковой. 1777

Портрет А.П. Сумарокова. Около 1777

Портрет А.П. Струйской. 1772

Портрет А.М. Римского-Корсакова. Конец 1760-х

Портрет А.М. Писаревой, рожденной Дурасовой. Первая половина 1790-х

 

 

Последние материалы в этом разделе:

↓↓ Ниже смотрите на тематическое сходство (Похожие материалы) ↓↓

Картины Рокотова | andrey-eltsov.ru

На странице представлены картины Рокотова Фёдора Степановича, все из которых являются портретами. Специалисты по живописи обычно отделяют портреты от картин, но обычный зритель разницы не видит и запрашивает чаще всего картины.

Мы также  портреты Рокотова будем называть картинами.

Тем не менее, почти все работы Рокотова портреты, в которых реализм естественно сочетается с передачей внутреннего субъективного содержания персонажа. Как говорили о нём современники художник не только передавал «вид лица», но и умел показать «нежность сердца».

Далее следуют фото с названиями и описаниями картин (портретов) Рокотова.

Портрет неизвестного в треуголке. Рокотов.

 

Одна из самых популярных и загадочных картин (портретов) Рокотова. Кто на ней изображён?

Кто-то считает, что это сын Екатерины II и графа Г. Г. Орлова Бобринский. Другие полагают, что лицо вообще женское. Костюм только мужской надет. Загадочный портрет.

Картины Рокотова загадочные.

На фото портрет Екатерины II. Рокотов.

Портрет был написан в 1763 году. Именно в этот год и вступила на престол Екатерина II. Сама императрица находила этот портрет свой самым удачным из всех её портретов.

Портрет неизвестной в розовом платье. Рокотов.

Тёплый и доверчивый взгляд у девушки и милая у неё улыбка.

Очаровательный портрет. Картины Рокотова наполнены интимным очарованием.

На фото портрет Струйской.

У Рокотова много женских портретов. На них удивительно живые и загадочные женские глаза.

Картины Рокотова нежные!

На фото портрет Суровцева.

Грустные и напряжённые  глаза.

Картины Рокотова одухотворённые!

Портрет Вырубова. На всех портретах глаза одухотворённые!

Картины Рокотова наполнены теплом и светом!

На фото портрет Василия Майкова.

Поэт-сатирик Майков был остроумный и злой на язык человек.

Взгляд надменный и насмешливый на портрете.

Портрет А. С. Тулиновой

На фото портрет Тютчева

На фото портрет Петра III. Недолго правил.

Портрет неизвестного. Рокотов.

На фото портрет графа Г.Г. Орлова в латах. Известный был и влиятельный фаворит Екатерины II.

У В.

Пикуля об этом интересно и подробно написано.

На фото портрет великого князя Петра Федоровича

Портрет графа А. И. Воронцова.

Взгляд молодого графа Воронцова полон ума и грусти. Только губы в улыбке.

Портрет княгини Прасковьи Ивановны Голицыной

Портрет неизвестной. Рокотов.

 

Портрет Лачинова

Портрет неизвестной в голубом платье с желтой отделкой.

Много у Рокотова неизвестных женщин с прекрасными и одухотворёнными лицами.

Картины Рокотова одухотворённые!

Картины Рококо

Рокайльным антуражем картин рококо становится сказочная природа с куртинами, россыпями цветов. Живопись рококо – станковые картины, панно, росписи – отличается дробностью и ассиметричностью композиций. Картины художников в стиле рококо отличались оптимистичным настроением, мягкими и яркими оттенками и служили украшением салонов и жилых помещений. Репродукции картин в стиле рококо смогут украсить любые интерьеры и выбрать подходящую вы можете в интернет-магазине Твой Постер.

На картинах стиля рококо можно часто увидеть изображение нимф, богинь, обнаженной натуры, сельских пейзажей. В плане портретной живописи периода рококо особенно выделялись картины Антропова и Рокотова, Антуана Ватто, Франуса Буше, Тьеполо, Каналетто, Беллотто, Лонги, Котс, Гюбер и проч. Одни из самых известных картин в стиле рококо «Отплытие на остров Цитеру» Ваттоо, «Танцующая Камарго» Ланкре, «Вулкан вручает Венере доспехи Энея» Буше, «Качели» Фрагонара и другие. Каталог БигАртШоп представляет известные картины ярких представителей рококо Артуро Риччи, Франсуа Буше и др.

Художник Франсуа Буше и красота в стиле рококо

Наступившие в живописи господство светской тематики обусловило отказ от присутствия в интерьере иконописи. Его модели – артисты, писатели, близкие друзья художника и их дочери. Всюду, в обрамлении окон, дверей, стенных пространств внутри здания, в плафонах, пускается в ход затейливая лепная орнаментация, состоящая из завитков, отдалённо напоминающих собой листья растений, выпуклых щитов, неправильно окруженных такими же завитками из масок, цветочных гирлянд и фестонов, раковин, неотделанных камней (рокайль) и т.

п. Если для барокко характерны массивная мебель, яркие балдахины, цветовые контрасты и богатая настенная живопись (фрески на потолке, мрамор на стенах, обилие позолоты, лепнина с растительными узорами, скульптуры), то в рококо цветовая гамма интерьеров очень нежная. Лозунгом краткого, недолговечного «века» рококо становится «искусство как наслаждение», цель которого — возбуждать легкие, приятные эмоции, развлекать, ласкать глаз причудливым узором линий изысканными сочетаниями светлых нарядных красок, что особенно выразилось в архитектурном убранстве интерьеров, с новыми требованиями которого сообразовалась и живопись рококо., на Волыни в Борках бы. Спектр сюжетов картин Буше охватывает всю тематику, характерную для стиля рококо. Рококо (фр. Вот таким образом рокайль не несет в себе конструктивного смысла и качеств тектоничности. Королевская мануфактура гобеленов в Париже выпускала серии замечательных шпалер.

Рокайль (от фр. rok – скала, утёс) – главный элемент орнамента стиля рококо, напоминающий форму завитка раковины.

Термин «рококо» (или «рокайль») вошел в употребление в середине XIX в. Изначально «рокайль» – это способ убранства интерьеров гротов, фонтанных чаш и т. п. различными окаменелостями имитирующими естественные (природные) образования и «рокайльщик» – это мастер, создающий такие убранства. После шести месяцев, проведенных у Шардена, Фрагонар возвращается к Буше и вскоре становится самым блестящим его учеником. Характерны их названия: розовый помпадур, цвет бедра испуганной нимфы, сомон (цвета семги), палевый, бланжевый (кремового оттенка), карникино (телесный), гри де перль (жемчужно-серый), перванш (серо-голубоватый), планшевый (желтоватый, светло-охристый цвет).

Рококо – стиль лёгкости бытия в картинах художников

В то же время здесь сказывается увлечение русского художника европейскими образцами, жанровыми сценками с так называемыми «галантными прогулками» или «костюмированными увеселениями». Люди хотели видеть себя со стороны, красоваться перед собой и друг перед другом (это, в частности, стимулировало развитие портретного жанра).

Место недосягаемого идеала красоты занимает доступное и пикантное.

Фрагонар Жан-Оноре – французский художник эпохи рококо

Кроме этого в Италии в это время развилось и другое направление, которое не совсем вписывается в рамки стиля. Приложение 5). Три года Фрагонар вместе с другими учениками штудирует под руководством известного академического живописца Карла Ван-Лоо анатомию, перспективу, геометрию историю и «аллегорию», рисует слепки и живую натуру.

мастера: С. Стражевський, М. Филевич, М. Полейовский, И. Оброцький и др. Происходящее лукаво созерцает также статуя амура. Фарфор в стиле Р. производили фабрики в Корце, Волокитино и др. Помпео Батони не был мастером-монументалистом.

Как всякий настоящий художник, Фрагонар передает чувство прежде всего цветом и пластикой. Рядом дама, держащая в руках угольник, необходимый для измерений. Учился в Париже у Ж. Б. С. Шардена, Ф. Буше, К. Ванлоо, во Французской академии в Риме (1756–1761) работал в Париже.

Рококо (Rococo), стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале 18 века и распространившийся по всей Европе. Откровенно чувственно-поэтический, подчас изящно-жеманный характер живописных полотен сочетается с неглубоким идейным содержанием. В гравюре у И. Зарицкого, черниговского гравера на меди (Богородица в картуше) и др. В своих горячих тонах Фрагонар здесь – подлинный наследник Рубенса.

«Будуарная живопись» эпохи рококо

(см. слово рококо не являлось названием художественного стиля, его употребляли исключительно в негативном значении иногда в качестве синонима слова барокко (которое тоже считали наименованием дурного вкуса).

Связь с рококо проявляется в заостренно-пикантных и вместе с тем иронических ситуациях ("Свидание", "Погоня"). Так изменились критерии физической красоты. Излишне использовалась косметика – белила, пудра, румяна, черная краска (сурьма) для бровей, мушки. Появление стиля рококо обусловлено изменениями в философии, вкусах и в придворной жизни. Это — ведутизм, реалистическое и точное изображение городских видов, прежде всего Венеции.

Его творчество относят к реализму, он изображал жизнь придворных довольно справедливо. rocaille — декоративная раковина, ракушка, рокайль), реже рококо — стиль в искусстве (в основном, в дизайне интерьеров), возникший во Франции в первой половине XVIII века (во время регентства Филиппа Орлеанского) как развитие стиля барокко. Косметику обильно использовали как женщины, так и мужчины. В жаркое лето кавалеру с дамой было приятно зайти в прохладный полумрак пещеры, где бил небольшой фонтан, бежал ручеек, а на стенах среди грубо обработанных, поросших мхом камней виднелись искусно сделанные лепные украшения в виде раковин (атрибутов морского бога) и переплетающихся растений. Продумывая изображение, Б. В.

Идейная основа французского рококо

Крупнейшие представители рококо в Германии — архитекторы Бальтасар Нейман и Кнобельсдорф, художники Цик, Маульберч, Дитрих, скульптор Доннер. В этом случае нарисованное на плоскости с расстояния кажется скульптурой. Его рассматривают в качестве этапа, связующего эпохи ЛюдовикаXIV (Большой стиль) и ЛюдовикаXV, но в истории искусства Франции «стиль ЛюдовикаXV» («Le style de Louis Quinze»), совпадающий по времени с годами правления этого короля (1715—1774), не отождествляют с Рококо. школы (дворцы в Подгорцах, Ровно, Олесько, Жовкве и др. ).

Вельможи эпохи рококо поставили цель ежедневные наслаждения. по образцам изделий мануфактуры Севр (см. В 80-е гг.

Иосиф, на мгновение оторвавшийся от чтения книги, чтобы взглянуть на играющего Христа и протягивающая к младенцу руки святая Анна, данные слева изображены как конкретные персонажи, с простонародными чертами лиц. Нимфы, защищавшие Цитеру, согласились решить исход войны единоборством предводителей. Они находились в полном согласии с эстетикой Рококо.

Сценка откровенно театральна. Родился 29 сентября 1703 в Париже, где и прожил всю жизнь. Живопись рококо отображает богатство тонких переливов цвета. Причем подобное обмирщение считалось похвальным и находчивость художника всегда получала одобрение.

Шумского. Есть только настоящее, без прошлого и будущего. при отделке кафедры св. В 1726г. Почти главным словом эпохи рококо было слово прихоть (каприз). предшествовал французский стиль Регентства (1715—1722).

Отличался грациозностью, легкостью интимно-кокетливым характером. В последнем этапе развития скульптуры рококо, в нин. В России в начале XIXв.

Представители рококо в живописи

Венера, нимфы и амуры затмевали остальные божества. Во Франции в трактовке фасада продолжал господствовать классицизм 17 в. Только ряд незначительных изменений смягчал строгость архитектурного образа. Одним из толчков к созданию этой серии послужила поездка с Бержере по Италии, во время которой Фрагонар выполнил ряд замечательных графических изображений итальянских (а после возвращении и французских) парков.

В распространении стиля Рококо важное значение имеют биографии отдельных мастеров. В архитектуре церквей, таких, как церковь в Фирценхайлигене (1743-1772 гг. ) (архитектор Нёйман), пространственные конструкции, торжественность барокко превосходно сочетаются со свойственным Рококо изысканным скульптурным и живописным внутренним убранством, создавая впечатление лёгкости и сказочного изобилия. Всюду, в обрамлении окон, дверей, стенных пространств внутри здания, в плафонах, пускается в ход затейливая лепная орнаментация, состоящая из завитков, отдалённо напоминающих собой листья растений, выпуклых щитов, неправильно окруженных такими же завитками из масок, цветочных гирлянд и фестонов, раковин, необделанных камней (рокайль) и т. п. Несмотря на такое отсутствие рациональности в пользовании архитектоническими элементами, на такую капризность изысканность и обременённость форм, стиль рококо оставил много памятников, которые доныне прельщают своей оригинальностью, роскошью и весёлой красотой, живо переносящими нас в эпоху румян и белил, мушек и пудреных париков (отсюда немецкие названия стиля: Perckenstil, Zopfstil).

Это портретная живопись Антропова и Рокотова. в Петербурге. Главное место в творчество Фрагонара во второй половине 60-х и в 70-е гг.

Архитектор Ж. Ф. Блондель Младший назвал Н. Пино Ватто орнамента. Однако искусство рококо имело ярко выраженные, только ему присущие особенности. Однако изучение Рафаэля и идеи неоклассицизма вскоре изменили его творчество.

Используя пятна краски, зигзаги, спирали, росчерки, беглые штрихи, Фрагонар создает впечатление «тотального» движения, полета и становления. Почти все большие художники XVIII века были также блестящими рисовальщиками (Ватто, Фрагонар), ряд крупных мастеров целиком посвятил себя графическому искусству (Сент-Обен, Кошен, Дебюкур во Франции, Ходовецкий в Германии). Создано много картин изображающих обнаженную натуру, различных нимф, Венеру. В 1761 г. Фрагонар возвращается в Париж. Стиль Рококо (исключая его разновидности в других странах) является истинно французским изобретением, не связанным с тенденцией перерастания архитектуры Классицизма в Барокко. Индивидуальную манеру Кювийе иногда считают высшей точкой развития рокайльного стиля. Чуть сзади другой наблюдатель, он смотрит в прямой телескоп. Практически не затрагивается душевная и духовная стороны изображаемой личности, а лишь её импозантность.

Внимательный зритель даже угадает фактуру ткани. Выдающиеся образцы интерьера эпохи рококо дал и Антонио Ринальди (1710, – 1794) в Китайском дворце Ораниенбаума (итальянец, почти всю жизнь работал в Петербурге, Российская империя). Неопределенные — лавандовый цвет (цвета льна или холодного золота), серо-лавандовый (зеленоватого оттенка) — и экстравагантные названия: цвет живота только что постригшейся монахини. Картина была удостоена римской премии, однако поездке в Рим по установленному обычаю предшествовала длительная стажировка в Париже. Все вместе это составляет праздничное, феерическое зрелище.

Страницы в категории «Художники рококо»

Тяжелый прибор любезно поддерживает кавалер. Юра и Распятие для костела св.

Внимание придворных художников концентрируется вокруг достаточно банальных жанровых идиллических сцен с дамами, кавалерами, комедиантами играющими пути. Музыку к произведениям Метастазио создавали Гендель, Вивальди, Моцарт, Антонио Сальери. – Рембрандта, Остаде, Ватто (позднее – Рубенса, венецианских колористов, Тьеполо, Ф. Гальса, Рейсдаля и др. ). Но в мощный динамизм барокко он вносит легкость, грацию и театральность рококо. Здесь явно проявилась рокайльная страсть художника к вычурной элегантности изяществу. В эпоху раннего рококо здесь работали преимущественно мастера немецкого происхождения, авторы многочисленных статуй, украшавших Римско-Католические костелы: Т. Гуттер, К. Кученратнер (костел бернардинцев во Львове), Т. Фершер (в Белз), Ю. Маркварт (в Жовкве и костел Иезуитов во Львове) и др.

были подражательными и художник больше никогда не возвращался к ним). Самым известным из его учителей был Франсуа Лемуан. К XVIII веку интерес к ним только рос.

Юра, в церквях Успенской, Николаевской и св. Приложение 8). В эпоху рококо широко развилось мист. Отправной точкой его творческого развития могло стать искусство именно Буше – художника динамичного и необыкновенно яркого декоративного дарования. стр. Они усложнялись и переплетались, становились всё более изощренными и причудливыми.

в трактовке любовной темы у Фрагонара намечаются новые тенденции.

Описание картины Владимира Боровиковского «Портрет Дмитрия Левицкого»

Импрессионисты чтили его как одного из своих живописных предтеч и учителей. При распространении в искусстве других европейских стран (постройка Нёймана И. Б., Кнобельсдорфа Г. В., Пёппельмана М. Д. ), рококо частенько выступало местным вариантом позднего барокко. Наиболее ранними были «экспрессивные головы» – изображения стариков, написанные как бы в одном вдохновением порыве и напоминающие величественных библейских персонажей. Батони родился в Лукке, в семье золотых дел мастера и первые художественные навыки получил у своего отца.

Существуют сведения о том, что в XVIIIв. С барокко данный стиль схож общим стремлением к завершенности форм. Одна из самых обширных областей творчества Фрагонара – портрет.

В период Неоклассицизма середины и второй половины XVIIIв. Стиль получил имя от французского слова rocaille — ракушка или декоративная раковина. Это лишило поэта от материальных препятствий и позволило сосредоточиться на творчестве. Центром интерьера становится камин, над ним — огромное зеркало. В то же время вся композиция кажется стройной и организованной. Центром развития скульптуры рококо был Львов. Створки триптиха населены умилительно лирическими фигурками влюблённых.

Философские темы ванитас, суеты сует, пляски смерти, распространенные в эпоху Возрождения и Барокко (XVI—XVIIвв. ) исчезают вместе с ощущением времени, которое будто бы останавливается. Кстати, сам Фальконе был управляющим знаменитой Севрской фарфоровой мануфактуры. Подобный инструмент и линейка лежат поодаль на земле. В своих колористических исканиях рокайльные мастера шли от Рубенса, Веронезе и венецианцев, но предпочитали не их насыщенные, сочные цвета, но бледные полутона: красный становится розовым, синий — голубым, появляются лимонно-желтые, блекло-голубые, розовые, сиреневые цвета, даже вымышленные — вроде «цвета бедра испуганной нимфы».

Остров Цитера — неприступная цитадель богини любви Венеры. — Нескромные сокровища Д. Дидро. В 1754г.

Именно в стиле Рококо формируется композиционная схема оформления салонов и гостиных. Он создал 27 либретто, неоднократно положенных на музыку, а также тексты ораторий, кантат. Он предпочел «живое искусство», передающее дух новой эпохи.

Появление же самого слова рокайль граничит с эстетикой Большого стиля эпохи Короля Солнце ЛюдовикаXIV (вторая половина XVIIв. ).

Краски то сгущаются в тенях почти до черноты, то сияют золотистыми, розовыми и перламутрово-белыми оттенками свет наполняет пространство и мягко обволакивает все формы, сообщая им характерное фрагонаровское туше. К примеру, пересказанная братьями Жюлем и Эдмоном Гонкурами — авторами обстоятельных исследований «Искусство XVIII века» и «Любовницы ЛюдовикаXV» (1859—1870) — история создания «чудесной вазы» для фруктов, некогда украшавшей Малый Трианон в Версале, форма которой была будто бы отлита из золота с «несравненной груди Марии Антуанетты». Творчество Фрагонара завершило собой французское искусство XVIII в. Наследник Ватто, Буше, Тьеполо, Рубенса, «малых голландцев», он органично сплавил в своих образах реализм и театральность, чувственную полноту жизни и почти бесплотные грезы, энергию и несравненную утонченность. Уподобленная маскараду жизнь светских салонов французской столицы была поставлена в зависимость от моды и капризов королевы Марии Лещинской (1725—1768) и фавориток короля: герцогини де Шатору (с 1743г. ), маркизы де Помпадур (с 1745г. ), графини Дю Барри (с 1769г. ). Это же слово встречается в Карманном словаре изящных искусств аббата А. Булье (1759).

Описание картины Владимира Боровиковского «Портрет Императрицы Екатерины »

Художникам рококо были присущи тонкая культура цвета, умение строить композицию слитными декоративными пятнами, достижение общей легкости, подчеркнутой светлой палитрой, предпочтение блеклых, серебристо-голубоватых, золотистых и розовых оттенков. bagatelle — безделица, пустяк). Женщина стала главным объектом искусства.

Фарфоровые заводы (Севр во Франции, Мейсен, Нимфенбург в Германии) производили художественную посуду, а также статуэтки из бисквита и фарфора. В Италии крупнейший представитель того времени — Джамбаттиста Тьеполо (1696, Венеция — 1770, Мадрид). Например, в «Источнике любви» влюбленные устремляются к любовному источнику, как бы повинуясь неумолимой и роковой силе. Маркиза Помпадур была творцом эпохи Рококо.

Фигура женщины, алчной, но образованной, — средоточие нового стиля. В последующих работах Фрагонар создавал уже более конкретные и индивидуальные образы. Цветы на муаре рассыпаны без учета складок, подобное «узорочье» ложится на плоскость, как в древнерусской миниатюре. Если в Большом стиле ЛюдовикаXIV комод (изобретение мастера А. Ш. Булля) еще сохраняет тектоничность, проистекающую от ящичной конструкции (нескольких ящиков, расположенных один над другим, на четырех ножках), то в эпоху Рококо появляются пузатые комоды, в которых за слоем грунта, позолотой и нежно-голубой, розовой и салатной окраской с росписью цветами абсолютно невозможно опознать изначальную конструкцию. В конце 70-х гг.

Братья Мартен прославились изобретением цветных лаков, не хуже китайских. Сюжет пьесы сводится к следующему. Франсуа Буше (1703–1770), французский художник, рисовальщик, гравер и декоратор. Художник представляет нам сцену в парке. Их краски то звучат, подобно фанфарам, то образуют более утонченные гармонии.

В скульптуре рококо других европейских стран также преобладали предназначенные для украшения интерьеров рельефы и статуи, небольшие статуэтки, в том числе из терракоты и фарфора (изделия немецкого скульптора, мастера фарфоровой пластики Иоганна Иоахима Кендлера). Они не позируют, а как бы на мгновение обращают к зрителю свое лицо. Но даже и в крупных формах (операх, балетах и кантатах) все эти черты проявили себя в полной мере. В росписях плафонов, стен, наддверных панно (дессюдепорт), в гобеленах преобладали пейзажи, мифологические и современные галантные темы, рисовавшие интимный быт аристократии, пасторальный жанр (пастушеские сцены) идеализированный портрет изображающий модель в образе мифологического героя. в Майссене).

Лучшие иконостасы эпохи рококо были в Киеве церквах: Успенской на Подоле, Щекавицкой, Петра и Павла, Георгиевской, Трех Святителей, Выдубецкого Михайловского монастыря, некоторых церквей Лавры также в Ромни (1764), Изюме, Лохвице, Гадяче, Козельце, Чемерис грецкого (1766), Ярышев (1768), Печанивци (1771) и др. К этому сюжету Батони обращался уже в своем раннем творчестве. Живопись Буше диктовала законы целой плеяде мастеров (Натуар, братья Ванло, Антуан Куапель и др. ) и это влияние продержалось во Франции вплоть до Революции 1789. Рококо получил своё название от характерного для данного стиля орнамента рокайль., гл. Пино вернулся во Францию, где стал одним из ведущих орнаменталистов стиля Рококо.

Но в его картинах явно просматривается и новый стиль. Эпикурейский вкус (главный интерес для эпикурейцев представляет чувственный мир, вот таким образом их основной этический принцип — удовольствие) регента воплотился в светлых и интимных интерьерах Пале-Рояля, новой парижской резиденции. Его творчество относят к реализму, он изображал жизнь придворных довольно справедливо. Батони стоит у истоков парадного репрезентативного неоклассического портрета. Большое внимание тогда уделялось фрескам, росписи потолков, сводов, стен.

Подобно мастерам XVII в., он видел природу огромным и структурно организованным целым. Кременца и желобков бы. В эрмитажном полотне замысел художника прозвучал более отчетливо, хотя и здесь авторская позиция выражена недостаточно ясно. выглядят иллюстрацией «педагогических» и сентиментальных романов Руссо.

Виды Венеции пишут Каналетто и Франческо Гварди. Клубящиеся массы деревьев парка «отвердевают» на переднем плане в филигранные листья и цветы и в то время как все погружено в зеленовато-коричневый, пронизанный солнцем полумрак, розовая фигура женщины на голубом фоне напоминает яркое и чистое пламя. Одна из лучших картин галантного цикла – «Купальщицы». Классическая барочная сюита, обычно состоявшая из 3-5 танцев с простыми жанровыми названиями сначала обогатилась новыми «вставными» французскими танцами, такими как паспье, бурре, менуэт, павана, гальярда, а затем начала включать в себя и свободные, фантазийные части с пейзажными, жанровыми или даже персональными названиями. Была даже особая специализация среди художников — квадратурист. Стилю Рококо 1730—1740-хгг.

Фрагонара). Художник выполнял также эскизы для изделий из фарфора Венсенской и Севрской мануфактур. В частности, в церквях в Сорочинцах, Марте (Грехопадение), Св. -Покровской церкви в Междуречье (Сон Иакова, Зишествие в ад, Видение Савла, Усикновения) и в Смеле (евангелиста, жизнь мученицы Варвары), фрески в Троицком монастыре в Чернигове (Видение Савла) и др. Во многом иным выступает Фрагонар в иллюстрациях к «Неистовому Роланду» Ариосто – тут потребовались такие его качества, как полет воображения, мечтательность. Первые работы в России итальянского архитектора Антонио Ринальди (1709—1794), приехавшего в Петербург в 1754г. Полностью порвал со стилем рококо и Жак-Луи Давид во время своего пребывания в Риме.

В таком случае «стиль ЛюдовикаXV» является историко-региональным, а стиль Рококо — историческим. Роскошь венецианского искусства соединилась с утонченностью культуры XVIIIв. Его кисти принадлежат такие произведения, как "Падение Симона-мага" (Церковь Санта Мария дельи Анджели в Риме), "Ахилл среди дочерей Ликомеда" (Флоренция, Уффици), "Возвращение блудного сына" (Турин), "Кающаяся Магдалина" (Дрезденская картинная галерея), "Святое семейство", "Геркулес на распутье", "Великодушие Сципиона Африканского" (Государственный Эрмитаж), портреты императора Иосифа II и его брата Леопольда Тосканского (Вена, Художественно-исторический музей), Джона Стейпла (собрание Систиери, Рим) и другие (см.

Но в его картинах явно просматривается и новый стиль. Наиболее известные произведения этого типа: «Галантная Индия» Рамо, «Венецианские празднества» и «Галантная Европа» Кампра. В 1789-1794 Фрагонар был хранителем Национального музея – Лувра.

Описание картины Дмитрия Левицкого «Портрет Екатерины Воронцовой»

В этом состояло главное отличие рококо от барокко.

На другом полюсе стиля Фрагонара – «Счастливые возможности качелей», образец чисто галантного жанра рококо. Мебель рококо была с тонкими, причудливо изогнутыми, золочеными ножками, со светлой обивкой. Выдающимися представителями позднего рококо были С. Фессингер (каменные статуи на фасадах костелов в Подгорцах, Доминиканцев и Марии Магдалины во Львове), А. Осинский (алтарные фигуры в костелах бернардинцев в Збараже, Доминиканцев во Львове и др. ) и И. Пинзель (скульптуры для фасады кафедры св.

В эпоху рококо строили сравнительно небольшие, снаружи простые здания, хотя бывают и исключения. Г. Гейне назвал первую половину XVIIIв. Те же сочетание чисто декоративной красоты (некоторые из его работ служили картонами для гобеленов), свободы воображения, легкости кисти и изящества с развлекательным и условно-поверхностным характером образов и самого живописного языка. портретные образы становятся в целом менее бравурными и эффектными.

Описание картины Дмитрия Левицкого «Портрет Марии Дьяковой»

Фирсов, Б. В. Суходольский. Ни одно войско в мире не может овладеть ее крепостью. Здесь преобладает принцип точной передачи действительности. Рококо – стиль в искусстве, возникший во Франции в первой половине XVIII века.

И здесь рококо ждало открытие. Основной декоративный мотив – раковина. Ведь в представлениях европейца Восток — край утонченной неги и изысканных наслаждений.

Описание картины Жана Шардена «Серебряный кубок»

Иконостасы рококо не имеют сплошной площади и не сохраняют симметрии и структурной логики. Чрезвычайно характерен для эпохи рококо расцвет графики. Буше – самый знаменитый и удачливый мастер, работавший в стиле рококо.

Преимущественно декоративный характер имела богатая тонкими переливами цвета и одновременно несколько блеклая по колориту живопись рококо (картины и росписи Франсуа Буше, Джованни Антонио Гварди, Никола Ланкре, Джованни Пеллегрини, Жана Оноре Фрагонара). Он мастер мимолетного наброска с натуры. Здесь происходит его настоящее рождение как художника, превращение из эпигона Буше и академиков в неповторимо самобытного мастера. Вместо обычного букета ярких красок художник использует здесь почти монохромную гамму и главным средством его выражения является светотень. Сами названия картин говорят об обобщенном и зачастую аллегорическом оттенке образов – «Пение», «Музыка», «Чтение», «Вдохновение», «Философ», «Воспоминание».

В Галиции во Львове в кафедре св. Нежно-голубые и розовые краски зазвучали в пейзажах Каналетто и Ф. Гварди. Расписывал карету Ф. Буше, бронзовые детали выполнил Ф. Каффиери Второй. Дама слева с любопытством взирает на них в телескоп, который дает перевернутое изображение. создал панели Дубового кабинета ПетраI в Большом дворце.

Описание картины Федора Рокотова «Портрет Александры Струйской»

В его ранних работах сказались традиции барокко, отразившиеся в перегруженности композиции, в беспокойном ритме форм и цветовых контрастов ("Падение Симона-мага"). Обилие мелких звуковых украшений и завитков (так называемых «мелизмов», аналогичных извилистым линиям стилизованных раковин «рокайлей»), преобладание маленьких (ювелирно отделанных в деталях) и камерных форм, отсутствие ярких противопоставлений и драматических эффектов, господство тех же, знакомых по картинам Буше, тем и образов: игривых, кокетливых и галантных.

Особую роль стали играть зеркала. Они не просто беседуют, но и сами являются объектом изучения. К этому времени он воспринимался как символ легковесности и был вытеснен неоклассицизмом. Рококо больше не ждал от своих героев подвигов и преодоления себя.

Так, в знаменитом интерьере — Зеркальном зале Отеля принца де Субиз (Htel Soubise), классике французского Рококо, оформленном по проекту архитектора Жермена Боффрана (1667—1754), живописные десюдепорты созданы выдающимися художниками своего времени, в том числе Франсуа Буше. Представители рокайльного художественно-стилевого направления в совершенстве проиллюстрировали эстетический идеал эпохи, кредо которого заключалось в отказе от прозы реальной жизни и признании лишь одного мира – мира искусства. Так родилось название нового стиля. Например, в "Святом семействе" (Государственный Эрмитаж) композиция делится на две стилистически различные части. Суходольский показал прекрасное умение сочинить и разнообразить сюжет.

Скульптурная деталь, применяемая для украшения фасада, делается более выпуклой, приобретает самодовлеющее значение, не подчиняясь больше основным архитектурным линиям. Ярко-красный, алый цвет именовали la fillette (как у девочки). Еще одна неотъемлемая черта его искусства – насыщенность светом. По иронии судьбы Кювийе был карликом и в его творчестве, как в кривом зеркале, отразились все причуды стиля рокайля.

За пределы портретного жанра несколько выходит образ «Вдохновения» (1769, Париж, Лувр), подчиненный одной страсти — патетическому взлету мысли, мечты. Среди мастеров декоративной живописи выделялись братья Иван и Алексей Бельские, И. И.

С 1740-х pp. Особенно большую роль он сыграл в комплектовании луврского Кабинета рисунков. Волюта — завиток с двойным S-образным изгибом — происходит от античной гелики или консоли, — элемента имеющего конструктивное значение, вот таким образом в форме волюты идеально выражено конструктивное усилие, напряжение. В эпоху рококо скульптура (преимущественно полихромные) стала существенной частью архитектурной композиции, а орнамент (в частности в резьбе) набрал форм раковины (rocaille).

Описание картины Федора Рокотова «Портрет Варвары Суровцевой»

Серия называлась «Любовь пастухов» и состояла из четырех панно под названиями: «Штурм», «Преследование», «Объяснение в любви» и «Увенчание любовника». К характерным работам мастера относится его картина "Геркулес на распутье между Добродетелью и Пороком" (Государственный Эрмитаж).

Кроме того обязательны различные скульптуры, статуэтки и другие декоративные предметы интерьера. Сложнейшие асимметричные резные и лепные узоры, затейливые завитки внутреннего убранства контрастировали с относительно строгим внешним видом зданий, например Малый Трианон, выстроенный в Версале зодчим Габриелем (1763-1769 гг. ). В 1780-е гг. План зала — овальный (форма, типичная для стиля Рококо), но даже эта форма зрительно замаскирована раскреповками (выступающими трюмо и заглубленными зеркалами).

Описание картины Федора Рокотова «Портрет Петра »

С 1759г. На этом основании Рококо иногда представляют как естественное развитие Барокко. Поначалу юный Фрагонар работал клерком у нотариуса. Синтез искусств обеспечивал им единый художественный эффект, максимальную впечатляющую выразительность, эстетически полноценную пластическую декоративность и привлекательность. в живописи С. Риччи и Дж. Б. Тьеполо, к примеру в Палаццо Лабиа.

Группа Богоматери с младенцем Христом на руках и с Иоанном Крестителем, помещенная слева изображена в условном неоклассическом духе. Он обращался к литературным, аллегорическим и мифологическим сюжетам (особенно связанным с Венерой) изображал деревенские ярмарки, фешенебельную парижскую жизнь игривые экзотические «китайские» сценки и пасторали, писал пейзажи и портреты, а иногда и картины на религиозные темы. Однако до середины XIXв. mise-en-abme — положения в бесконечности). Форма в работах Фрагонара строится именно цветом: она лепится текучими и широкими мазками и пятнами краски или резкими, короткими ударами кисти, нервными штрихами.

В рококо была достигнута почти первобытная синкретическая нерасчленённость жанров искусства: скульптура и живопись сливались с архитектурой, театр – с парком и самим образом жизни салона, хореография – с этикетом и манерами поведения. Такие росписи есть, например, в вестибюле Зимнего дворца. Изысканное серо-зелено-голубое платье поражает богатством многослойной живописи и имеет тенденцию к уплощению. Художественный стиль Рококо был зарожден во Франции в начале восемнадцатого века.

Описание картины Федора Рокотова «Портрет Прасковьи Ланской»

Попытки отойти от стилистики рококо делал скульптор Эдм Бушардон (1698-1762). Во всех этих картинах в нижней части холста разыгрываются сюжетные действия: «шарлатаны» и кукольники показывают представления, продавцы игрушек торгуют своим товаром в окружении нарядной толпы, дамы и кавалеры играют в прятки, качаются на качелях или наблюдают за этим зрелищем среди цветов в соседстве с фонтанами и высокими, увитыми плющом парковыми оградами. Пышность и яркость, действительно, роднили этот стиль с барокко.

Девятнадцатилетним юношей Батони переезжает в Рим и остается здесь до конца своей жизни. Приложение 1). активизировалась критика всего «выкрученного» и «вымученного» и в литературе стало встречаться именование «испорченный вкус». В 1736г.

Духа, в Николаевской церкви в Золочеве (1765), Бродах, Роману, в Покровской церкви в Бучаче, в Белой, Галиче, Новицы, Болехове, Креховичи (с фигурным Преображения Господня), пойло, подборке, Жиравци (1770), Руданцы, Нагирцях, Зборове, Пикуловичи, Гриневе (фигурный Юрий Победитель), Скваряве Новой и др. Уже к началу 1730-х годов относятся первые произведения и в общих чертах оформляется стиль Батони, который на протяжении последующих десятилетий лишь так или иначе модифицировался в соответствии с изменением художественных привязанностей мастера. Однако главное действующее лицо этой серии все же не человек, а природа. Roc). «Стиль ЛуиXV» трактуют в качестве переходного к стилю рокайля. Термин рококо в ироничном смысле (добавив к слову рокайль двойное окончание, наподобие: обезьянничанье) использовал Ж. Ж. Руссо, когда высмеивал вкусы и нравы эпохи маркиз. Жан Оноре Фрагонар (1732–1806), французский художник и график. 1760-х pp., работали уже преимущественно местн.

В инструментальной музыке господствовала такая же галантная жанровая, портретно-пейзажная, пасторальная или танцевальная миниатюра (для клавесина, виолы иногда с добавлением флейты, скрипок и гобоя). Фрагонар женится (супруга его была также уроженкой Граса и художницей-любительницей) и вместе с женой совершает в 1773-1774 гг. Фрагонар пишет портрет Дидро под впечатлением от его инвектив против фривольных сюжетов, а писатель посвящает ему статьи в своих «Салонах». Однако к неудовольствию официальной критики художник избирает путь свободного творчества.

Он изображал иллюзорные архитектурные формы, служившие обрамлением, а то и фоном. Его произведения исполненные трепетной эмоциональности, чувственной неги, ощущения радости бытия, отличаются изысканной декоративностью колорита, легкостью живописной манеры, плавными композиционными ритмами (Качели, 1766, собрание Уоллес, Лондон Праздник в Сен-Клу, 1775, Французский банк, Париж Поцелуй украдкой, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). Однако в отношении французского искусства подобная трактовка неприемлема. Среди его лучших произведений – картина туалет Венеры (1740, Стокгольм, Национальный музей) и Портрет мадам де Помпадур (см. Большинство из них не сохранилось и они известны только по литературным описаниям.

Наиболее ярко живопись рококо проявилась во Франции и Италии. Стиль и манера Фрагонара разнообразны, они менялись, эволюционировали от декоративного решения то к классическому, с характерным для него точным, упругим рисунком и локальным сдержанным цветом, данным в границах формы («Задвижка. », 1778г. ), то к романтическому, с типичной для него экспрессивностью мазка, живописностью (серия портретов 1760-х гг. ), тонкостью свето – воздушных эффектов. В основе композиции «Астрономии», вероятно, лежат картины или гравюры западноевропейских мастеров. Более тёмные цвета и пышная, тяжёлая позолота барочного декора сменяются светлыми тонами – розовыми, голубыми, зелёными, с большим количеством белых деталей. Постепенно форма раковины действительно стала одним из основных мотивов стиля Рококо.

В Италии, в Венеции возникло так называемое венецианское рококо. Этим объясняется происхождение названия рокайль. Любимыми темами художников Рококо были не сила и страсть, а нежность и игра. В 1721г. Здесь господствуют безудержная фантазия и камерная подчеркнуто хрупкая декоративность.

Камерный, небольшого (или даже совсем маленького) размера инструмент, с негромким звуком, быстро затухающим и требующим большого количества мелких нот для заполнения пространства. Еще один цвет, зеленовато-бежевого оттенка, называли caca doie (тот же продукт, но не дофина, а гуся). В мист.

Описание картины Франсуа Буше «Мадам де Помпадур»

Оно передано иллюзорно-вещественно. То, что мы сейчас называем «рококо», в свое время называлось «живописным вкусом», но в 1750-х гг. Наиболее ярко живопись рококо проявилась во Франции и Италии. Возникшее во Франции, рококо в области архитектуры сказалось главным образом в характере декора, приобретшего подчеркнуто изящные, утонченно-усложненные формы распространяясь в зодчестве других стран Европы (постройки Георга Кнобельсдорфа, Бальтазара Нёймана, отчасти Маттеуса Даниеля Пёппельмана), рококо часто выступало как местный вариант позднего барокко. caca du dauphin — первое слово в переводе не нуждается дофин — малолетний наследник престола). Он деструктивен и атектоничен, это объясняет тот факт, что стиль Рококо не получил распространения в композиции архитектурного экстерьера (внешнего вида зданий).

Главная цель Фрагонара – запечатлеть интенсивность самой жизни, воплотив на холсте как бы «момент красоты». А использование в композиции рисунка изгибающихся линий позволяет придавать произведениям живописи особую вычурность и нарядность. В моде были всевозможные украшения, вазы, веера в китайском стиле. Влияние стиля сказался и на иконописи. В 70-е гг.

Сюжетные оценки окружены утонченным и изящным, сияющим белизной пейзажным антуражем. В России рококо развивалось под непосредственным влиянием приезжих французских и немецких мастеров (Токке, Рослин, Фальконе) под сильным этим влиянием в России выдвинулись такие мастера, как Растрелли (в малых архитектурных формах), Ринальди (особенно его постройки в Ораниенбауме), Ухтомский, в большой степени Рокотов и Левицкий. Но вскоре Батони встает на путь самостоятельных занятий, пристально изучая и копируя картины Рафаэля и Аннибале Карраччи, а также неустанно зарисовывая античные статуи, наполнявшие тогдашний Рим. В этом плане особенно показательна «Соната-квартет» Гийома Гиймена, носящая подзаголовок «Галантные и занимательные разговоры между поперечной флейтой, скрипкой, басовой виолой и виолончелью» (1743).

Скульптура рококо во Франции менее значительна и своеобразна, чем живопись. Эволюция портретного стиля Фрагонара соответствовала общей эволюции его искусства. 2 270-71). На основе архитектуры рокайльных построек синтезировалось жанровое многообразие искусств.

Рококо (франц. Они не учились за границей, большинство из них сформировалось в так называемой «живописной команде» Канцелярии от строений. К этому времени он воспринимался как символ легковесности и был вытеснен неоклассицизмом. Бернардо Беллотто работал также в Германии. Однако Фрагонар уже не находится внутри этого целого, а смотрит на него со стороны. Для живописи, скульптуры и графики характерны эротические, эротико-мифологические и пасторальные (пастораль) сюжеты.

Так, выдающийся рисовальщик, орнаменталист и резчик по дереву Николя Пино (1684—1754), ученик отца — Пино Старшего, работавшего в Версале и Ж. Боффрана, в 1716г. Стиль рококо внес существенные изменения как в построение, так и в декорацию иконостасов. Он успешно работал в Петергофе, где в 1718—1720гг. Очень популярен был также жанр пасторали, с такими же галантными пастухами и пастушками, разумеется, ничего общего не имеющими с реальными крестьянскими типажами, занимающимися выпасом скота.

Описание картины Франсуа Буше «Одалиска»

Живопись Буше диктовала законы целой плеяде мастеров (Шарль-Жозеф Натуар, братья Ванлоо, Антуан Куапель, отчасти Элизабет Виже-Лебрен и другие) и это влияние продержалось вплоть до Великой Французской революции 1789 года. художник лишается и заказчиков и славы. Усыновлен аристократом Гравина, подросток Пьетро Трапасси получил от него два значительных подарки – прозвище Метастазио (перевод Трапасси греческом языке) и все свое наследство.

За пределами Франции Рококо наибольшего расцвета достиг в Германии и Австрии, где впитал в себя традиционные элементы барокко. В некоторых картинах тех лет, таких, например, как «Посещение детской комнаты», появляются назидательность и суховатость письма. ремесло – ткачество, ювелирство, фарфор, мебель, гобелены. Меняется и формальный строй его работ. Архитектор Кнобельсдорф создал в Потсдаме один из наиболее прославленных рокайльных ансамблей (Сан-Суси).

При этом полотна рокайльных живописцев очаровательны и привлекательны. Шинуазри представляет собой отдельное романтическое стилистическое течение внутри Рококо. Художник смело разрушал каноны аристократического портрета 18 в. В «Портрете Дидро» (Париж, частное собрание) он запечатлел философа в мгновение внутреннего озарения, оторвавшегося от чтения, с устремленным вдаль вдохновенным взглядом. С тем же совершенством Фрагонар пользовался тушью, акварелью, свинцовым и итальянским карандашами, офортом. (до этого архитектор работал в Украине), созданы в стиле рокайля. Он оказался прежде всего в ПЛАН и декорации интерьера (дворцов, церквей, костелов).

Подобные элементы отрабатывались художниками-орнаменталистами. Таким же быстрым, экспромтным кажется все исполнение портретов и они действительно зачастую выполнялись Фрагонаром в необычайно короткое время (так, на обороте одного из портретов Сен-Нона и Ла Бретэша значится: «Написано Фрагонаром за час»).

Портреты Фрагонара по существу антипсихологичны. rococo, от фр. Как декоративные элементы (или вместо икон) кое-где появляются скульптурные изображения. Многократные отражения зеркал друг в друге и падуга (закругление перехода от вертикальной плоскости стены к плафону) не дают возможности оценить конфигурацию и истинные размеры помещения. В 90-е гг. Он пишет картины-воспоминания об итальянских виллах, создает необыкновенно свежие жанровые сцены, пейзажи, полные огня композиции на тему поэмы Тассо «Освобожденный Иерусалим», а также серию портретов (так называемый «экспрессивные головы»).

Другой, характерной чертой того времени, была эротика. Особенно модным в век Рококо считали цвет кака дофин (франц. Справа молодой человек и его юная подруга, составляющие единую группу. Наивысшее развитие в архитектуре стиль получил в Баварии. Неизменной популярностью пользовались яркие звукоизобразительные пьесы, например, такие, как «Курица» Рамо (для клавесина) или «Маленькие ветряные мельницы» Куперена (тоже, между прочим, части клавесинной сюиты). Одновременно он работает над картинами в историческом жанре и пишет для вступления в Академию художеств большое полотно «Жрец Корез жертвует собой для спасения Каллирои».

огромную популярность имели сентиментальные сочинения Ретифа де ла Бретона и Ш. де Лакло. Стиль рококо создан для женщины и приспособлен к ее вкуса и прихотей. Кисти последнего принадлежит картина «Астрономия» (Ок. На смену его утонченному искусству приходит героический классицизм. Перед камином — каминный экран, столик, кресла.

Описание картины Франсуа Буше «Портрет Мари-Луизы ОМерфи»

Его кисти принадлежат великолепные виды Дрездена и других мест. Буше делал декорации для опер и спектаклей и картоны для гобеленов мануфактуры Бове две серии картонов, Итальянские деревенские праздники (1736) и Благородная пастораль (1755), находятся в коллекции Хантингтон в Сан-Марино (Калифорния). Рококо привнёс в искусство любовь к сельским идиллиям и пасторалям. приехал с архитектором Ж. Б. Леблоном по приглашению ПетраI в Петербург.

в Германии встречается синоним рокайля — «Grillenwerk» (вычурная работа). Приложение 6). В конце 60-х гг. В меблярстви работали мастера-резчиков из Глухова, Нежина, Одесская.

Описание картины Франсуа Буше «Рождение и триумф Венеры»

Чаще всего художник писал знатных лиц.

В работе мастеров-мебельщиков показательна эволюция формы комода. Особенно преуспели в критике Энциклопедисты, по мнению которых в «испорченном вкусе» отсутствовало разумное начало. Внутренняя связь с его искусством ощущается в произведениях всех «чистых живописцев» ХХ века фрагонаровская радость жизни воскресает в полотнах Ренуара, Боннара и Матисса. Картины Фрагонара конца 70-х гг. Ныне это уникальное произведение хранится в музее Московского Кремля. появились Персидские письма Ш. Л. Монтескьё, в 1748г.

1754, ГТГ). Их сердца, сделанные из железа, Марс посчитал неуязвимыми для стрел Амура. В конце 70-х и в 80-е гг. Лучшие образцы архитектуры эпохи рококо в Украине: Покровская (1766) и Набережно-Николаевская (1772 – 1774 архитект И. Григорович-Барский) церкви на Подоле, Лаврская колокольня (1731 – 1745 архитект И. Шедель), Андреевский собор (1747 – 53 архитект Б. Растрелли) – в Киеве, ратуша в Бучаче (1751) и собор св. Юра во Львове (1745 – 1770, Б. Меретина-Мардерера), собор Рождества Богородицы в Козельце на Черниговской (1752 – 1763 архитект А. Квасов и И. Григорович-Барский), собор Успения Почаевской Лавры (1771 – 1783 архитект Г. Гофман), Римско-Католический костел Доминиканцев (1745 – 1749 архитектор А. Мощинский и Т. Тальовський) в Тернополе и (1747 – 1764 архитектор Я. де Витте) костел Доминиканцев во Львове, приходской костел в Холме (1753).

Причем подобные названия не казались смешными или постыдными. Видным художником является Пьетро Лонги. для обозначения причудливых форм предшествующей его творчеству эпохи. На полу — ковер мануфактуры Обюссон.

Описание картины Франсуа Буше «Туалет Венеры»

Эти рисунки стали хорошей школой для мастера. Его творчество начала 60-х гг. Помпео Джироламо Батони (1708-1787 гг). Этот художник обучал маркизу де Помпадур рисованию, в 1755—1770гг. Его искусство было открыто вновь только во второй половине ХIХ века, во многом благодаря братьям Гонкурам, посвятившим Фрагонару яркие страницы в своей книге «Искусство XVIII века».

В иллюстрациях к Ариосто, так же как в ранних живописных работах к поэме Тассо, художник выступает мастером «большого стиля». Но в графике этот унаследованный от барокко «большой стиль» еще более бесплотен, призрачен и фееричен. (Замечательными фарфоровыми изделиями славились также заводы в Челси и Мейсене).

Описание картины Франсуа Буше «Фонтан любви»

Архитектурный (точнее — декоративный) стиль рококо появился во Франции во времена регентства (1715—1723) и достиг апогея при Людовике XV, перешёл в другие страны Европы и господствовал в ней до 1780-х годов. Одним из основоположников стиля «рококо» был талантливый художник Антуан Ватто, давший наиболее абсолютное воплощение принципам этого стиля. Яркие краски уступили место разбеленным, приглушенным тонам. В образах купальщиц есть ключевое для творчества художника соединение материальной красоты бытия с его эфемерностью и театральной зрелищностью. Принципиальное различие обоих стилей можно рассмотреть на примере их типичных мотивов.

rococo, от rocaille, рокайль – декоративный мотив в форме раковины), стилевое направление в европейском искусстве 1-й половины 18 века. Судя по иллюстрации в книге, ваза воспроизводит тип античного сосуда — мастоса.

Реферат на тему Живопись рококо

Картелль (франц. преимущественно в дворцовой скульптуре работали мастера-французы (Лябен) или франц. руководил мануфактурой Гобеленов (обязанность первого живописца короля), где выполнил картоны для известной серии Любовь богов. годами больного поколения, которое пребывало в веселом греховном блеске и цветущем тлении.

В рисунке Фрагонар такой же колорист и «люменист», как и в живописи. Его персонажи всегда переполнены радостью бытия, подняты над обыденностью. Рококо имеет в основном орнаментальную направленность само название происходит от сочетания двух слов: "барокко" и "рокайль" (мотив орнамента, затейливая декоративная отделка камешками и ракушками гротов и фонтанов). Кювийе прославился и своими графическими фантазиями, собранными в альбомах Книга картушей («Livre de Cartouches, 1737), Обрывки причуд (Morceaux de Caprice, 1745—1755) и других (позднее эти сборники издавались в Париже).

Живопись, графика и декоративно-прикладное искусство рококо

Жан-Оноре Фрагонар родился в 1732 г. в Грасе (Прованс, Франция). Не все благосклонно относились к стилю рококо даже во Франции. Стилистика рококо проявляется в прихотливой форме десюдепорта (панно, висящее над дверью), особенностях живописной гаммы. Графиня Дю Барри была созданием этой эпохи.

В искусстве определяется легкими, нервными, нежными и причудливыми формами (игривое рококо). Под аркой, на заднем плане сидит молодой человек, задумчиво вращающий небесный глобус. Мифологические сюжеты, обязательные в искусстве Классицизма и Барокко, продолжали использовать, но круг персонажей сузился. В графике заметное влияние Р. у И. Филиповича (орнаментика на портрете И. Сапеги) и др. Это относится и к живописи и к другим видам искусства.

В 1752 г. двадцатилетний Фрагонар пишет для представления в Академию художеств картину на библейский сюжет («Иеровоам приносит жертву идолам») в более строгом историческом стиле.



Тропинин василий андреевич картины с названиями. Художник василий андреевич тропинин биография картины. Но в це­лом романтические влияния были чужды трезвому характеру Тропинина, он воспринимал их скорее внешне, отдавая дань настроениям эпохи. Наиболее уд

К 240-летию со дня рождения

МАСТЕР РУССКОГО ПОРТРЕТА

Русский художник Василий Андреевич Тропинин (1776-1857)

Тропинин прожил долгую творческую жизнь. Его искусство находилось в напряженном взаимодействии с эстетическими идеалами той эпохи. Будучи «последним сыном XVIII века», в конце жизни он уловил основные тенденции середины XIX века - верность натуре, аналитический взгляд на мир - и вплотную подошел к критическому реализму второй половины столетия. В портретах Тропинина современники отмечали его умение передать «характерность» каждого жизненного типа. Картины художника обладают особой ценностью еще и потому, что по точности отбора социальных типажей русского общества середины XIX века и глубине их воссоздания не имеют себе аналогий в отечественном искусстве своего времени. Тропинин стоял у истоков целого самостоятельного направления в русском искусстве, связанного с внимательным, серьезным анализом народного характера. Это направление развилось во второй половине XIX века в творчестве передвижников.

Художник и исследователь изобразительного искусства А.Н. Бенуа писал о Тропинине: «Что дает Тропинину особенно почетное место в истории русской живописи, это то, что он посеял семена того реализма, на котором вырос и окреп впоследствии чисто московский протест против чужого и холодного, академического, петербургского искусства. Все его «девушки-садовницы», «кружевницы», «швеи», «молочницы», «гитаристы» и прочие предвещали своими «жанровыми» ужимками, почти анекдотическим заигрыванием последующее блуждание москвичей в «типах» и «рассказиках» и являлись прямой параллелью той непосредственности взгляда на природу, которая была драгоценнейшей чертой, например, в венециановском творчестве».

Тропинин родился в Новгородской губернии в крестьянской семье и до 1823 года оставался крепостным графа И.И. Моркова. В 1798 году имевший склонность к рисованию юноша стал вольнослушателем в петербургской Академии художеств, но в 1804 году был отозван своим помещиком. В 1812-18 годах Тропинин жил с Морковыми в Москве, где выполнил два семейных групповых портрета

Семейный портрет графов Морковых

Портрет Морковых. Этюд. Начало 1810-х

и исполненный внутренней значительности портрет историка Н.М. Карамзина.

В пожаре 1812 года погибли многие из его ранних работ. С 1821 года художник постоянно жил в Москве, где быстро приобрел славу портретиста. В 1823 году Тропинин получил от Моркова вольную, а позже удостоился звания академика Академии художеств. Отказавшись от официальных постов, он поселился в квартире с мастерской в доме на углу улиц Ленивки и Волхонки, где проработал большую часть жизни. Именно сюда зимой 1826-27 годов приходил позировать для своего портрета А.С. Пушкин.

Тропинин изобразил Пушкина другом каждого из нас, прикоснулся к чему-то личному. Современники стали наперебой говорить о поразительном сходстве портрета с оригиналом. Портрет полно передает и внешность, и духовную сущность поэта. 1820-30-е годы - время творческого расцвета Тропинина. Художник сумел выразить некоторые специфические черты умонастроения московского общества, противопоставлявшего свободный стиль общения официальной регламентированности петербургской жизни. Портреты 1820-х годов - Н.А. Майкова, П.А. Булахова и, особенно, Пушкина - отличаются романтической воодушевленностью, внутренней динамикой, яркой эмоциональностью цветового строя. Тропинин мастерски передавал индивидуальность моделей и нередко при помощи острохарактерных деталей подчеркивал их особый московский колорит (например, портрет В.А. Зубова).

Оставаясь до середины XIX века главным московским портретистом, Тропинин создал более трех тысяч портретов, запечатлев представителей родовой московской знати, купечества, творческой интеллигенции (скульптора И.П. Витали, акварелиста П.Ф. Соколова, актера П.С. Мочалова, драматурга А.В. Сухово-Кобылина). В 1832 году художник перебрался в левый флигель той же усадьбы - на Ленивку. Своеобразный итог творчества Тропинина и его неразрывная связь с Москвой выражены в «Автопортрете на фоне Кремля».

Считается, что окно, изображенное на картине, - это окно мастерской художника на Ленивке. С 1833 года он стал заниматься с учениками открывшегося в Москве публичного художественного класса (впоследствии Московского училища живописи, ваяния и зодчества). В 1843 году Тропинин избран почетным членом Московского художественного общества. В 1855 году он купил окруженный фруктовым садом маленький домик на Большой Полянке (не сохранился). Умер Тропинин в 1857 году и был похоронен на Ваганьковском кладбище.

На доме № 9 по улице Волхонке есть мемориальная доска, посвященная Тропинину. Удивительно, но доска установлена на доме, построенном через двадцать один год после смерти Тропинина на месте главного дома усадьбы, в котором художник не жил. В 1969 году в Москве был открыт музей Тропинина и московских художников его времени (Щетининский пер., 10). Собрание музея насчитывает несколько тысяч предметов. Кроме картин Тропинина там есть произведения И.П. Аргунова, Ф.С. Рокотова, Д.Г. Левицкого, В.Л. Боровиковского и других художников.

Музей Василия Тропинина

Видеофильм о музее:

http://vk.com/video159262563_171446529

"Конфетный художник"-звучит, может быть, немного невежливо. Но не по отношению к Тропинину! Свое мастерство он оттачивал в Петербургской кондитерской, куда его определили из графского имения учиться, потому что изделия для хороших домов требовали вкуса и кулинарного, и художественного. До сих пор работы Тропинина можно увидеть на конфетных коробках!
Романтические портреты- Кружевница, Гитарист, кудрявый Арсений, сын художника -с шоколадом вполне рифмуются. За теплый колорит, голландский стиль, понятный натуралистичный рисунок симпатичных персонажей эти изображения любили и в советское время. Художник писал много простых людей- крестьян, мещан, мастеровых и в каждом видел присущую особенность и красоту.

Впрочем, у Тропинина была Академическая школа- в Петербурге успел поучиться, но графом-хозяином Морковым был отозван в имение на Украине, вместе с семьею. Был слугой, архитектором, пастухом и художником при графе. Такая разносторонность занятий оказалась полезна художнику- сам признавался в воспоминаниях. Писал и графских знакомцев, и дворовых, и бедноту. Из крепостной зависимости был отпущен уже известным. Представил работы в Петербурге, получил звание академика и место преподавателя в художественном классе. За свою жизнь написал более тысячи портретов.

Тропинин В.А. Портрет Александра Федоровича Заикина. 1837. Из собрания Приморской картинной галереи


Тропинин В.А. Портрет А.Ф.Заикина. Этюд. Около 1837. Из собрания Государственного исторического музея


Автопортрет

. «Портрет Ф.П. Крашенинникова» (1824)

«Портрет А.В. Васильчикова»

Портрет Константина Георгиевича Равича. . 1823

«Портрет Н.И.Морковой»


В.А.Тропинин. Портрет А.И.Тропининой(матери художника). 1820


Портрет сестры


Портрет сына художника


В.А.Тропинин. Портрет сына(?) художника за мольбертом. 1820-е

В.А.Тропинин. Портрет К.П.Брюллова. 1836

«Портрет Александра Александровича Сапожникова»

Портрет Е.В. Мешковой, урожденной Билибиной

Портрет писательницы Л. Н. Кожиной. . 1836.

Портрет Е.В. Мазуриной
1844 гг., холст, масло, 67.2 х 57.2 см (овал)
Музей В.А.Тропинина и московских художников его времени, Москва

Самые известные упоминавшиеся работы "Кружевница", "Гитарист", "Портрет сына" и портрет Александра Сергеевича Пушкина- вошедший в большинство учебников, известный и в мире, был написан художником Тропининым в крепостном состояньи. Проявить и реализовать свой талант и труд можно на всяком месте. И вполне успешно, как видим на примере Василия Тропинина.


Гитарист


Кружевница, 1823. ГТГ

"Наиболее ярко и сам жанр как новое явление в русском искусстве, и позиция самого художника, его отношение, его понимание цели и задач жанра проявились в одной из самых первых работ этого рода живописи — знаменитой “Кружевнице” (1823). Природа жанра определила и сам характер композиции. Мы как бы вместе с художником заглянули туда, где трудится эта красивая молодая девушка. И она на наш неожиданный визит, словно на мгновение, отвлеклась от своих коклюшек и внимательно, как это и присуще портретам Тро-пинина, смотрит на нас. Но в ее взгляде нет ни кокетства, ни любопытства. Напротив. В этих широко открытых глазах — какой-то свой потаенный мир, какая-то полнота чувств и мыслей, которые тесно переплелись в ее душе, как это тонкое, прозрачное кружево, что не выставлено на показ, как свидетельство ее труда, а виднеется маленьким фрагментом, теряющимся в широких складках белой ткани — основы. Эта картина не о социальной характеристике труда, а о его творческом начале, рождающем красоту, обогащая окружающий нас мир. Тонкий нос, красивые очертания припухлых губ, мелкие завитки волос, выбивающиеся из-за ушей, и какой-то глубоко сокрытый темперамент, сила жизни в этих глазах и в этом взгляде. И сама эта девушка — вся как бы соткана из ощущения красоты, которую художник привнес и в живопись ее лица, и в этот плавный, изысканный изгиб ее руки, эти пальцы, легко, изящно перебирающие коклюшки, и в эту ткань, ниспадающую красивыми изломами. И лицо девушки, тронутое нежным румянцем, и фисташковый отлив ее платья, красиво гармонирующий с кисейным платком, будто сотканным из солнечных лучей, и руки, тонко прописанные прозрачной лессировкой, да и сам предмет ее труда — все это залито здесь светом. Им, можно сказать, живет, дышит пор-трет, обнаруживая, как писал тогдашний критик, “чистую, невинную душу” "
(М. Петрова. Мастер русского портрета)


Мальчик с пушкой. Портрет кн. М. А. Оболенского. Около 1812


Портрет писательницы В. И. Лизогуб. 1847


На академической выставке 1804 года была представлена картина В. Тропинина «Мальчик, тоскующий об умершей своей птичке», которая была отмечена императрицей.


Девушка со свечой


Портрет Ж.Лович. Этюд. 1810-е


Портрет П. И. Сапожниковой. 1826


Портрет Е. И. Нарышкиной. Не позднее 1816


Портрет Левицкой-Волконской. 1852


Портрет А. И. Тропининой, жены художника


Женщина в окне (казначейша) 1841

Портрет Е. А. Сисалиной


Портрет Д. П. Воейкова с дочерью и англичанкой мисс Сорок. 1842


Портрет Е.И. Корзинкиной


Золотошвейка


«Голова девочки»

Девочка с канарейкой.


Мальчик с жалейкой. . 1820-е.


Девочка с куклой, 1841. ГРМ


Портрет Н. И. Уткина. 1824


Старик-ямщик, опирающийся на кнутовище Этюд. 1820-е


Портрет С.К.Суханова


ПОРТРЕТ ТЕОДОСИЯ БОБЧАКА, СТАРОСТЫ СЕЛА КУКАВКИ. 1800-Е

В.Тропинин. Нищий старик.

Старый солдат. 1843

Разбойник (Портрет кн. Оболенского). 1840-е

ВАСИЛИЙ АНДРЕЕВИЧ ТРОПИНИН (1776-1857),
великий русский художник, мастер портрета

Родился Василий Андреевич в селе Карповка Новгородской области в крепостной семье. Способности к рисованию проявлял ещё мальчиком, когда учился в Новгородской городской школе. В девять лет Тропинин был определен в воспитанники Императорской Академии художеств.

Тропинин поступил в мастерскую портретной живописи, которую возглавлял Степан Семёнович Щукин (лучший портретист Академии художеств). Тропинин жил в доме учителя. Платить юному художнику за проживание и питание было нечем, поэтому Тропинин старался быть полезным приютившему его учителю: готовил ему краски, натягивал и грунтовал холсты. Учился Василий Андреевич блестяще и получил серебряную и золотую медали.


«Семейный портрет Морковых»

Портрет Натальи Морковой — одно из самых вдохновенных произведений художника:


В 1823 году появляется одно из самых популярных произведений Тропинина - «Кружевница». Миловидная девушка, плетущая кружева, изображена в тот момент, когда она на мгновение оторвалась от работы и обратилась взглядом к зрителю. Уделяет внимание и художник деталям, мы видим, кружева, ящик для рукоделия.


Аналогичных картин Тропинин написал много. Обычно на них изображены молодые женщины за рукоделием — золотошвейки, вышивальщицы, пряхи.

«Золотошвейка»

В начале 1827 года Александр Сергеевич Пушкин заказал Тропинину портрет для подарка своему другу. Он написал Пушкина в халате, с расстегнутым воротом рубашки и небрежно повязанным галстуком-шарфом. Особую внушительность образу поэта придаёт гордая осанка и устойчивая поза. У этого портрета была странная судьба. С него было сделано несколько копий, а сам оригинал пропал и появился лишь много лет спустя. Его купил М. А. Оболенский. Художника просили подтвердить подлинность портрета и подновить его, поскольку он был сильно испорчен. Но Тропинин отказался, сказав, «что не смеет трогать черты, положенные с натуры и притом молодой рукой», и только почистил его.

«Портрет А.С. Пушкина»


Василий Алексеевич Тропинин в течение своей жизни написал около 300 произведений. Про художника говорили, что он переписал «буквально всю Москву».

Портреты С. С. Кушникова, бывшего военного губернатора Москвы и С. М. Голицына, попечителя московского учебного округа.

«Портрет Д. П. Воейкова с дочерью и гувернанткой мисс Сорок».

Будучи уже признанным художником, Василий Тропинин оставался крепостным графа Моркова. В украинском имении Морковых великий художник Тропинин исполнял обязанности домашнего живописца и лакея.

Для одного из крупнейших русских живописцев своего времени, немолодого человека, обремененного семьей, положение крепостного становилось все горше и унизительнее. Мечты о творческой свободе, о независимом от прихотей самовластного вельможи образе жизни не оставляли художника. И подспудно они сказались в этом незаказном домашнем портрете, наполнив его поразительным ощущением эмоциональной раскованности и чистоты.

«Портрет человека пишется для памяти близких ему людей, людей его любящих» - эти слова Василия Андреевича Тропинина вспоминаются, когда смотришь на портрет его сына, Арсения.


„Портрет сына"... Сколько в облике этого ребенка изящества и благородства, внутренней красоты!
Написанный в теплых, золотистых тонах, портрет Арсения Тропинина и сегодня остаётся одним из лучших детских портретов в мировой живописи.

Художник Василий Тропинин получил свободу только в 47 лет, а его сын Арсений остался крепостным, и это было большим горем художника.

Художники Кипренский и Тропинин. Первый показал поэта-романтика, служителя муз, второй - «домашнего» Пушкина, но не менее вдохновенного.

Биография и творчество Василия Тропинина

Василий Андреевич Тропинин родился в семье крепостных графа А.С.Миниха 19(30).03.1776 года. Отец его был управляющим у графа и за усердие к работе получил вольную. Семья же оставалась в крепостной зависимости. Новым хозяином Тропинина стал граф И.Морков. Юношу отправили в Петербург учиться на кондитера. Впрочем, там Тропинина с головой захватила живопись. В конце концов, Морков дал согласие на то, чтобы юноша посещал классы при .

Годы, проведенные в Академии, стали самыми счастливыми в судьбе Тропинина. Они совпали с его стремлением во что бы то ни стало стать художником, с проснувшимся призванием к живописи. Попал туда Тропинин по настойчивой просьбе двоюродного брата графа, желавшего, чтобы самоучка развил свой природный талант. Так, в 1799 году Тропинин стал учеником художника Степана Щукина, имевшего славу придворного портретиста.

Товарищами Тропинина по учению были Сильвестр Щедрин, Александр Иванов. Они как могли, помогали 19-летнему юноше, понимая, как тяжело ему, попавшему сюда недавно, и куда легче им, обучавшимся здесь с детства. Копирование картин великих мастеров в Эрмитаже оттачивало стремительно растущее мастерство самого Тропинина. Его прозвали «русским Грёзом» - за пристрастие к копированию детских головок. Одна из работ приглянулась императрице Елизавете Алексеевне.

Граф Строганов стал хлопотать об освобождении Тропинина из крепостной зависимости. Щукин же написал Моркову письмо с тем содержанием, что, дескать, если не хотите потерять хорошего слугу, то забирайте его скорее обратно. Так мечты разбились о грубую реальность. Тропинина отозвали обратно на Украину, и он занял место между поваром-кондитером и личным лакеем графа.

Жизнь на Украине Тропинин тоже считал своеобразной академией. Здесь он много рисовал людей из народа, а также крепостных - товарищей по несчастью. Последующие выезды с графом в Москву были для Тропинина как глоток свежего воздуха. Изредка он встречался со старыми товарищами, в частности, с Орестом Кипренским. В 1823 году граф Морков дал своему крепостному художнику вольную. На тот момент Тропинину было уже 44 года. Он был гол, как сокол, зато наконец-то свободен! Сам и только сам теперь он вынужден был обеспечивать себя и свою семью средствами к существованию.

Москва приняла Тропинина. В доме на Ленивке он прожил 32 года. Он стал известным портретистом и вскоре, как полушутя выражались современники, переписал чуть ли не всю Москву. Первый и последний раз Тропинин выставил свои работы на академической выставке 1824 года. От заказов и без того не было отбоя. Неожиданно радостным для Тропинина оказался 1836 год. Он познакомился и близко сошелся с Карлом Брюлловым.

Из прогулок по Москве Тропинин никогда не возвращался без новых впечатлений. Так, незаметно, за работой и проходила жизнь художника Тропинина. В 1856 году умирает горячо любимая жена, Анна Ивановна. Двух лет не дожила она до их золотой свадьбы. В свое время она пошла за крепостного, будучи свободной. Венчались они еще на Украине, в поместье графа Моркова, в новопостроенной церкви. Возводил ее, кстати, тоже сам Тропинин, за плечами которого к тому времени было шесть лет учения в Академии художеств. Граф же считал, что раз учился - то должен уметь всё. Вот и заставил своего крепостного заниматься строительством - ремеслом, которым тот не владел вовсе.

Последние годы Тропинин провел в небольшом домике в Замоскворечье. Умер Василий Андреевич 3(15).05.1857 года. Похоронен художник на Ваганьковском кладбище Москвы.

  • Когда Тропинин получил вольную, его единственный сын и жена оставались в кабале еще около пяти лет и лишь со смертью графа Моркова семья воссоединилась.
  • Со знаменитой «Кружевницы» Тропинин сделал целых семь копий - настолько велика была популярность этого полотна. Она же стала для него своеобразным «пропуском» в академики - сперва «назначенные», а потом и действительные.

Василий Андреевич Тропинин (19 марта 1776, с. Карпово, Новгородская губерния - 3 мая 1857, Москва) - русский живописец, мастер романтического и реалистического портретов.

Василий Андреевич Тропинин родился (30) марта 1776 год в селе Карпово Новгородской губернии в семье крепостного, Андрея Ивановича, принадлежавшего графу Антону Сергеевичу Миниху. Дочь графа вышла замуж за выдающегося военачальника И. М. Моркова, и село Тропинина и он сам стали собственностью Моркова. Василия другие крепостные ненавидели, так как его отец был старостой, но Василий никогда не жаловался на избиения и издевательства крепостных, в том числе за то, что он с детства рисовал людей и обнаруживал их характерные черты в своих рисунках.

Около 1798 года Василий был отдан в обучение к кондитеру в Петербург, так как кондитерское дело тоже требовало способностей изображать фигуры людей и животных. После его обучения кондитерскому делу двоюродный брат графа Моркова убедил отдать имеющего прирождённый талант и склонность к рисованию юношу вольнослушателем в петербургскую Академию художеств. Здесь он занимался у С. С. Щукина. Но когда Василий дважды занял первое место в конкурсах Академии и по сложившейся в Академии традиции должен был получить вольную, вместо этого он в 1804 году был отозван в новое имение графа Моркова - подольскую деревню Кукавку на Украине - и стал одновременно слугой, пастухом, архитектором и художником графа. За него вышла замуж вольная поселенка, а муж и жена должны были иметь по закону равный статус, но вместо предоставления свободы Тропинину граф записал в свои крепостные его жену, вечными крепостными Моркова и его наследников должны были стать и их дети. Но Тропинин как добрый человек в своих мемуарах писал, что он благодарен хозяину, так как Украина сделала его большим художником.

У него появился сын - Арсений. До 1821 года жил в основном на Украине, где много писал с натуры, затем переселился в Москву вместе с семейством Морковых.

В 1823 году в возрасте 47 лет художник наконец получает свободу - под влиянием новых веяний граф безвозмездно отпускает его на волю. Через некоторое время свободными становятся и его близкие. В сентябре 1823 года он представляет Совету Петербургской АХ картины «Кружевница», «Нищий старик» и «Портрет художника Е. О. Скотникова» и получает звание назначенного художника. В 1824 году за «Портрет К. А. Леберехта» ему присваивают звание академика.

С 1833 года Тропинин на общественных началах занимается с учениками открывшегося в Москве публичного художественного класса (впоследствии Московское училище живописи, ваяния и зодчества). В 1843 году его избирают почётным членом Московского художественного общества.

Всего Тропинин создал более трёх тысяч портретов. Он скончался 3 (15) мая 1857 года в Москве. Похоронен на московском Ваганьковском кладбище.

В 1969 году в Москве был открыт «Музей В. А. Тропинина и московских художников его времени».

РУССКИЕ ХУДОЖНИИ.Тропинин Василий Андреевич (1776-1857), часть 1

Василий Тропинин родился 30 марта в 1776 году в селе Карповка Новгородской губернии крепостным графа А. С. Миниха. Впоследствии он перешел во владение графа И. И. Моркова в составе приданого за дочерью Миниха, Натальей. Отец его, управляющий у графа, за верную службу получил вольную, однако без детей. Тропинин еще мальчиком посещал в Новгороде городскую школу, а затем, когда способности к рисованию стали очевидны, он был отдан учеником кондитера в дом графа Завадовского в Петербурге.


«Автопортрет на фоне окна, с видом на Кремль»
1846г.
Холст, масло 106 х 84,5

Москва

В девять лет Тропинин был определен в воспитанники Императорской академии художеств. В Императорской Академии художеств разрешалось посещать академические классы крепостным в качестве “посторонних”, вольноприходящих учеников.
После рисовальных классов Тропинин поступил в мастерскую портретной живописи, которую возглавлял С. С. Щукин. В 1810-х годах в портретном классе Щукина ученикам и пенсионерам задавались следующие темы: “Возвращение ратника к своему семейству”, “Русская крестьянская свадьба”, “Русская крестьянская пляска” и “Ворожба на картах”. Таким образом, Щукин ориентировал своих учеников на правдивую передачу сцен народной жизни.
В мастерской Щукина были заложены стилистические и технические основы живописи Тропинина. Будучи крепостным, Тропинин жил в доме учителя, тер ему краски, натягивал и грунтовал холсты. Отсюда — определенное сходство палитр художников. Излюбленное Тропининым сопоставление красновато-охристых тонов с глубокими оливково-зелеными и легкими голубовато-серыми напоминает одно из лучших произведений русской живописи рубежа XVIII и XIX веков — “Автопортрет” Щукина.


По свидетельству Николая Рамазанова Тропинин “мягкостью своего характера и постоянной любовью к искусству скоро приобрел себе дружественное расположение и уважение бывших в то время на виду лучших учеников Академии: Кипренского, Варнека, Скотникова”.
На академической выставке 1804 г. его картина “Мальчик, тоскующий об умершей птичке”, написанная по картине Грёза, была замечена самой императрицей.


«Мальчик с мертвым щегленком», 1829
Холст, масло, 60х47
Ивановский областной художественный музей
1829г, холст, масло
Областной Xудожественный музей, Ивaново
Это повторение сгоревшей картины 1804 г.\

О Тропинине заговорили как о “русском Грёзе”. Этого живописца Тропинин копировал и цитировал всю жизнь.


Девочка с собакой. Копия картины Ж.-Б. Греза. 1820—1830
Будучи слушателем Академии, Тропинин получил возможность приобщиться к мировой художественной культуре. Академия художеств обладала значительным собранием картин западноевропейских мастеров. Ученики академии копировали также с картин, находившихся в Императорском Эрмитаже.

По копиям Тропинина можно судить о его интересе к голландским и фламандским мастерам — Рембрандту, Йордансу, Тенирсу.
Если с Грезом Тропинина сближало сентименталистско-просветительское мировоззрение, присущее им обоим, то в работах голландцев и фламандцев он находил поддержку своей реалистической ориентации, исканиям в области жанра.


Учился Василий Андреевич блестяще и получил серебряную и золотую медали. Будучи учеником Академии, Тропинин оказался в центре художественной жизни Петербурга. Кроме Щукина, он общался с Егоровым, Шебуевым, Андреем Ивановым, Угрюмовым и Дуайеном.

В 1804 г. его учеба внезапно прервалась — граф Морков приказал своему крепостному следовать за ним в имение на Украине. Здесь Тропинин был и кондитером, и лакеем, и архитектором; он построил церковь в селе Кукавка, где граф предполагал поселиться. Знания, с которыми Тропинин вышел из Академии, отличались от обычной академической программы. По его ранним рисункам можно сделать вывод, что он не изучал анатомии, мало посещал классы рисования с натуры, плохо владел перспективой и искусством композиции. Недостаточность академического образования Тропинин преодолевал долгие годы. Раннее творчество Тропинина весьма неровно.

Незлобивый и добрый по натуре, Василий Тропинин со смирением переносил превратности судьбы, не ожесточился, не впал в депрессию от сознания несоответствия собственного дарования и того положения, которое он занимал, напротив, воспринял пребывание на Украине как продолжение обучения, своего рода стажировку. “Я мало учился в Академии, но научился в Малороссии: я там без отдыха писал с натуры, и эти мои работы, кажется, лучшие из всех до сих пор мною написанных”, — вспоминал он позднее.

Красоту национального малороссийского типа Тропинин запечатлел в картинах “Украинская девушка с Подолья” (1800-е), “Мальчик с жалейкой” (1810-е), “Украинец с палкой”, “Пряха” (обе 1820-е) и др. Стремясь создать живые, непринужденные образы, художник утверждает чистоту и цельность народных характеров. Колорит этих работ мягкий, приглушенный — преобладают сероватые, охристые, зеленые тона.


«Девушка-украинка, собирающая сливы», 1820
Дерево, масло
24х18,8


«Пряха», 1820
Холст, масло. 60.3 x 45.7 см
Государственная Третьяковская галерея

Следы активной работы над украинской тематикой обнаруживает графика Тропинина. В его акварелях и рисунках 1810-х — начала 1820-х годов встречаются изображения женщин в украинском костюме, горбатого скрипача, подростков, пастухов, украинских крестьян. Лучшие жанровые эскизы художника — “Жницы” и “У мирового судьи” — также связаны с Украиной.


У мирового судьи. Около 1818


«Девушка украинка в пейзаже», 1820
Холст, масло. 41.5 x 33 см
Музей В.А.Тропинина и московских художников его времени



«Украинец с палкой», 1820
Холст, масло, 65,5х49,6
Киевский музей русского искусства

Сохранился живописный эскиз сцены жатвы и два подготовительных карандашных наброска к нему. Художнику удалось передать значительность крестьянского труда. Замысел, непосредственно предшествующий картине Венецианова “На жатве. Лето”, проникнут тем же эпическим настроем.


Жатва. Этюд. Около 1820

В 1807 году под руководством Василия Андреевича было закончено строительство Кукавской церкви. По ее освящении Тропинин был обвенчан с Анной Ивановной Катиной, свободной поселянкой, которая не побоялась выйти замуж за крепостного художника.


«Портрет жены художника»
Ок. 1809 г

В 1812 г. семья Морковых вернулась в Москву. Тропинину пришлось отделывать интерьер их дома, пострадавший при пожаре. В это время он выполнил портреты членов семьи Морковых, лучшим из которых стал этюд, изображающий братьев Н.И. и И.И.Морковых (1813 г.).


Портрет Ираклия и Николая Морковых
(этюд к "Семейныму портрету Морковых")
1813 г., холст, масло

Ираклий и Николай — cыновья И.И.Моркова.


«Семейный портрет графов Морковых»
1815 г
Холст, масло 226 х 291
Государственная Третьяковская галерея
Москва

“Портрет Арсения Тропинина” (1818 г.) написан рукой уже зрелого мастера. Портрет подкупает искренностью и чистотой эмоций, написан он легко и обобщенно. Изысканный колорит построен на сочетании золотисто-коричневатых тонов. Сквозь красочный слой и лессировки просвечивает розоватая тональность грунта и подмалевка.


«Портрет сына Арсения Васильевича Тропинина»
1818г.
Холст, масло 40,4 x 32
Государственная Третьяковская галерея
Москва

Портрет Натальи Морковой — одно из самых вдохновенных произведений художника. Лицу молодой графини с его неправильными чертами присуща необычайная прелесть. Одухотворенность модели передается всем строем произведения. Поверхность холста сохраняет трепетные движения кисти. Этот этюд, шедевр Тропинина, стоит особняком в его творчестве. Он обладает удивительной живописной свежестью и демонстрирует духовную и художественную зрелость мастера.

В духе элегической поэзии Жуковского написан “Мальчик с жалейкой. Портрет Ираклия Моркова” (1810-е).


«Мальчик с жалейкой»
(Портрет Ираклия Моркова)
1810е гг
Холст, масло 60,2 x 45,6
Государственная Третьяковская галерея
Москва

В портрете главенствует настроение меланхолического раздумья. Пейзаж, как это часто бывает в романтической поэзии, поясняет внутреннее состояние героя.
В живописной стилистике и в портретной концепции Тропинина в 1810-е годы сохраняются многие черты искусства XVIII века — рокайльная гамма смягченных дополнительных цветов, с преобладанием золотого тона, мягкая подвижная кисть, прозрачная, мерцающая фактура.


Девочка с куклой, 1841г,
холст, масло, 57 x 48 cм


1840-e г., холст, масло
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Детские образы были для Тропинина особенно привлекательны. Большая часть детских портретов имеет жанровую завязку.
Он изображает детей с животными, птицами, игрушками, музыкальными инструментами.


Мальчик, выпускающий из клетки щегленка. 1825

Несомненна связь детских портретов Тропинина с традициями XVIII века, с сентименталистски-просветительским направлением в философии.
Просветители считали ум ребенка tabula raza (“чистой доской”), объясняя многие пороки общества отсутствием разумной системы воспитания.

Годы с 1813 по 1818-й были очень плодотворными для художника. Москва приходила в себя после нашествия Наполеона.
В середине 1810-х годов ему позировал издатель П.П.Бекетов, задумавший серию гравированных портретов известных русских деятелей.
Тогда же свой портрет Тропинину заказывает самый известный в Москве поэт И.И.Дмитриев.


Портрет И. И. Дмитриева. 1835

Эти ранние портреты, поясные на нейтральном фоне, восходят к традиции русского камерного портрета XVIII века.
Постепенно круг заказчиков Тропинина расширяется. Он пишет портреты героев Отечественной войны — генералов И. И.Алексеева, А.П.Урусова, Ф.И.Талызина, П. И. Багратиона.


«Портрет князя П.И.Багратиона, 1816»


«Портрет сына художника за мольбертом»
1820-е гг.

В 1821 году Тропинин навсегда возвращается в Москву. Снискав в Москве уважение и популярность, художник, тем не менее, оставался крепостным, что вызывало удивление и недовольство в кругах просвещенного дворянства.
Особенно хлопотали за Тропинина А. А. Тучков — генерал, герой 1812 года и коллекционер, П. П. Свиньин, Н. А. Майков. Однако граф Морков дал вольную своему крепостному живописцу лишь в 1823 году.


Портрет Н. А. Майкова. 1821

При поддержке Щукина и издателя Свиньина, неоднократно помогавшего художнику, Тропинин в сентябре 1823 года представил свои работы Совету петербургской Академии художеств и вскоре был удостоен звания “назначенного в академики” за картины “Кружевница”, “Нищий старик” и “Портрет гравера Е. О. Скотникова”.


«Нищий старик»
1823г.

Эти ранние произведения Тропинина, продолжающие линию украинского периода, прочно связаны с традициями русского академического искусства XVIII века. Особенно наглядно такого рода связь проявляется в образе “Нищего старика”.


Портрет E.O.Скотникова
1821 г., холст, масло, 58.5 x 42.5 cм
Государственная Третьяковская галерея, Москва
Скотников, Егор Осипович, (1780-1843), художник, гравер на меди, академик.


«Кружевница»
1823г.
Холст, масло 80 x 64

Москва

“Кружевница” (1823) — одно из самых популярных произведений Тропинина. Миловидная девушка, плетущая кружева, изображена в тот момент, когда она на мгновение оторвалась от работы и обратилась взглядом к зрителю, который таким образом оказывается вовлечен в пространство картины. Тщательно и с любовью написан натюрморт — кружева, коклюшки, ящик для рукоделия. Ощущение покоя и уюта, созданное Тропининым, убеждает в ценности каждого мгновения повседневного человеческого бытия. Эстетические вкусы эпохи в данном случае счастливо совпали с особенностями дарования художника, поэтически воспринимающего жизнь.
Аналогичных картин Тропинин написал много.
Обычно на них изображены молодые женщины за рукоделием — золотошвейки, вышивальщицы, пряхи. Их лица похожи, в них ясно просматриваются черты женского идеала художника — нежный овал, темные миндалевидные глаза, приветливая улыбка, кокетливый взгляд.
Образы рукодельниц 1820 — 1830-х годов свидетельствуют об эволюции художественной манеры Тропинина. От живописного стиля ранних работ он приходит к линейно-пластическому, с более четким контуром и корпусным наложением красок. Живописная фактура приобретает плотность. Мелкие, плотно положенные мазки делают картины похожими на миниатюры в технике эмали.
“Кружевница” выполнена в изысканной гамме голубовато-сероватых тонов, в “Золотошвейке” (1826) цветовое решение более активно.


«Золотошвейка»
1826 г
Холст, масло 81 х 64
Государственная Третьяковская галерея
Москва

Говоря об идеализированном решении тропининских женских образов, надо иметь в виду и то обстоятельство, что эстетические вкусы эпохи в данном случае счастливо совпали с особенностью дарования художника, воспринимавшего жизнь не критически, а поэтически, не обличавшего, а утверждавшего. Вот почему труд в его произведениях предстает не как изнурительное необходимое занятие, а как радостная сторона жизни, в которой раскрываются прекрасные качества женской натуры.

Однако, создавая мужские портреты-типы, Тропинин более трезво осмысливает действительность. Здесь невольно сказалось глубокое понимание им простого народа, той среды, откуда он вышел сам.
Вот почему образам русских крестьян (“Старик крестьянин”, 1825; “Ямщик, опирающийся на кнутовище”, 1820-е; “Крестьянин, обстругивающий костыль”, 1834; “Странник”, 1847) художник уделял подчас больше внимания и тепла, чем своим великосветским “героям”.


«Крестьянин, обстругивающий костыль»
1830-е
Холст, масло 76 x 56
Музей В. А. Тропинина и московских художников его времени
Москва


«Старый ямщик, опирающийся на кнутовище»
Этюд.
1820-е
Холст, масло 54,6 x 44,5
Музей В. А. Тропинина и московских художников его времени
Москва

Среди его мужских изображений особой любовью современников пользовался тип “гитариста”.
Начало ряду одноименных работ положил “Гитарист в косоворотке. Портрет Моркова” (первая половина 1820-х гг.).
Морков представлен в момент исполнения романса в сценическом костюме, повторяющем народную одежду.

В 1824 году за “Портрет медальера К. А. Леберехта” Тропинин был признан академиком портретной живописи.


Портрет К. А. Леберехта. 1824

Портрет К. А. Леберехта. Фрагмент. 1824

Совет Академии художеств предлагал ему остаться в Петербурге и принять должность профессора.
Но холодный чиновничий Петербург и перспектива официальной службы не привлекали художника.
В том, что Тропинин выбрал Москву, сыграло свою роль несколько немаловажных факторов. И чисто личный — в Москве жила семья его бывшего владельца графа И. Моркова, крепостным которого оставался сын художника, и явно ощущаемое Тропининым чувство свободы, которое дарила ему московская жизнь, а также новое для художественной жизни России стремление художника обеспечить себе независимое профессиональное положение.

Искусство в России всегда было делом государственным. Императорская Академия художеств распределяла государственные заказы, “пенсионерство” и субсидии, определяла судьбу художников.
Тропинин же, живя в Москве исключительно частными заказами, сумел завоевать славу одного из лучших портретистов, создать себе независимое положение, которым обладали очень немногие русские художники.
Василий Андреевич занял в московской культурной жизни ту нишу, которая до него пустовала, и стал самым знаменитым московским портретистом, отразившим в образах современников и гармонию, и противоречивость московской жизни.

Живя и работая в Москве, Тропинин не принимал участия в академических выставках и, как следствие, остался почти не замеченным критикой, связанной в основном с Академией и ее показами. Однако это обстоятельство вовсе не помешало его признанию. Карл Брюллов, отказываясь писать портреты москвичей, говорил: “У вас есть собственный превосходный художник”.
В Москве Тропинин поселился в доме Писаревой на Ленивке, около Большого Каменного моста. Здесь он и написал знаменитый портрет А. С. Пушкина.

В начале 1827 года Пушкин заказал Тропинину портрет для подарка своему другу Соболевскому. В этом портрете художник с наибольшей отчетливостью выразил свой идеал свободного человека. Он написал Пушкина в халате, с расстегнутым воротом рубашки и небрежно повязанным галстуком-шарфом. Особую внушительность, почти монументальность сообщают образу поэта гордая осанка и устойчивая поза, благодаря чему его домашний халат уподобляется античной тоге.

У этого портрета была странная судьба. С него было сделано несколько копий, а сам оригинал пропал и появился лишь много лет спустя. Его купил в московской меняльной лавке директор московского архива Министерства иностранных дел М. А. Оболенский, которого Тропинин писал, когда тот был еще ребенком.
Художника просили подтвердить подлинность портрета и подновить его, поскольку он был сильно испорчен. Но Тропинин отказался, сказав, “что не смеет трогать черты, положенные с натуры и притом молодой рукой”, и только почистил его.

На 1830 — 1840-е годы приходится наибольшее количество портретов, написанных Тропининым.
Про художника говорили, что он переписал “буквально всю Москву”.
У него сложился широкий и разнообразный круг заказчиков.
Тут и первые лица в городской иерархии, люди государственные, частные лица — дворяне, купцы, а также духовно близкие Тропинину актеры, писатели, художники.

Среди них можно выделить “Портрет С. С. Кушникова” (1828) — бывшего военного губернатора Москвы, члена совета Московского воспитательного дома,
и “Портрет С. М. Голицына” (после 1828) — “последнего московского вельможи”, попечителя московского учебного округа, председателя опекунского совета. Князь Голицын покровительствовал Тропинину.



«Портрет Сергея Сергеевича Кушникова»
1828
Холст, масло 76,5 x 64,7
Музей В. А. Тропинина и московских художников его времени
Москва

«Портрет Сергея Михайловича Голицына»
После 1828.
Холст, масло 71 x 58,2
Музей В. А. Тропинина и московских художников его времени
Москва


Такие же отношения покровительства и почтительной дружбы связывали художника с А. А. Тучковым.
Постепенно известность Тропинина становится очень широкой. Для выполнения заказов его приглашали Общество любителей сельского хозяйства, Скаковое общество. Он написал также портреты знаменитых актеров Малого театра М. С. Щепкина, П. С. Мочалова, актера петербургской “Александринки” В. А. Каратыгина.


«Портрет архимандрита Феофана»
1837
Холст, масло 99 x 78
Государственная Третьяковская галерея
Москва

Значительную часть заказчиков художника составляли московские купцы, которым был близок тропининский трезвый и вдумчивый взгляд на модель, умение подчеркнуть достоинство личности.
Фамильные купеческие галереи часто создавались в подражание дворянским, но во многом отражали и вкусы своей среды.
Тропинин писал портреты членов купеческих династий Киселевых, Карзинкиных, Мазуриных, Сапожниковых.
“Портрет Е. И. Карзинкиной” (после 1839) решен как парадный. Купчиха изображена в стилизованном русском костюме и кокошнике.


«Портрет Екатерины Ивановны Карзинкиной»
1838
Холст, масло 102,5 x 80
Музей В. А. Тропинина и московских художников его времени
Москва

В 1830 — 1840-е годы русский народный костюм был в большой моде.
При дворе Николая I устраивались балы в русском стиле.
На торжественные мероприятия с присутствием членов царской семьи купеческие жены должны были являться в народных костюмах.
В портрете Карзинкиной художник выразил свойственное ему чувственное восприятие мира. Он с любовью передает блеск шелка, прозрачность вуали, красоту золотого шитья, переливы жемчугов на матовой коже. В этом портрете Тропинин выделял те черты женского идеала, которые к тому времени уже сложились в его жанровых произведениях.

Также типичен “Портрет Е. В. Мазуриной” (1844), решенный просто, без каких-либо аксессуаров на нейтральном фоне. Ее лицо, выхваченное прямым светом, вылеплено очень энергично. Минимальными средствами художник создает образ сильной, уверенной в себе женщины.


«Портрет Елизаветы Владимировны Мазуриной»
1844
Холст, масло 67,5 x 58,5
Музей В. А. Тропинина и московских художников его времени
Москва


Портрет молодого человека в зеленом халате. 1839


Разбойник (Портрет кн. Оболенского). 1840

Спасибо за внимание. ПРОДОЛЖЕНИЕ СЛЕДУЕТ...

«прощание», кристиан крог — описание картины

Не вспоминай тех чудных дней Что вечно сердцу будут милы, — Тех дней, когда любили мы. Они живут в душе моей. И будут жить, пока есть силы — До вечной — до могильной тьмы. Забыть… Все, что связало нас? Как слушал я стук сердца страстный, Играя золотом волос…

Клянусь, я помню, как сейчас, Твой томный взор, твой лик прекрасный, И нежных уст немой вопрос. Как льнула ты к груди моей, И глаз твоих полу призыв, Полу испуг — будил желанье… И мы сближались все тесней, Уста к устам, весь мир забыв, Чтоб умереть в одном лобзании!..

Потом склоняла ты чело, И глаз лазуревую негу Густых ресниц скрывала сень, Она — как ворона крыло, Скользя по девственному снегу, — На блеск ланит кидали тень… Вчера пригрезилась во сне Любовь былая наша мне… И слаще было сновидение, Чем в жизни новой страсти пыл; Сиянье глаз иных — затмил Твой взор в безумии наслаждения.

Не говори ж, не вспоминай Тех дней, что снов дарят нам рай, Тех дней, что сердцу будут милы, Пока нас не забудет свет, Как хладный камень у могилы, Вещающий, что нас уж нет!..

Джордж (Лорд) Байрон — «Не вспоминай…»

Hals, Dirck — De buitenpartij, 1627

Давид Жак-Луи (1748 — 1825) — Прощание Телемаха и Эвхариды

Картина французского художника Жака Луи Давида «Путешествие Телемаха». Эта картина также известна под названиями «Телемах и Эвхарида» и «Прощание Телемаха и Эвхариды». Эвхарида (греч. Eucharis, очень изящная), в древнегреческой мифологии, была одной из нимф, спутниц Калипсо.

Во французском романе «Путешествие Телемаха» (1699), основанном на гомеровской истории Одиссеи, автор Фенелон, описывает как Телемах, сын Одиссея, неистово полюбил прелестную нимфу Эвхариду. Однако, Телемах был вынужден прервать их романтические отношения, чтобы продолжить поиски своего пропавшего отца Одиссея.

На картине Давида несчастные влюбленные прощаются в гроте на острове Калипсо.Рау Жан (1677 Монпелье — 1734 Париж) — Орфей и Эвридика
Westall, Richard — Vertumnus And Pomona
Collier, John — Horace And Lydia
Hera In The House Of Hephaistos — Sir William Blake Richmond
Rebecca and Sir Brian de Bois-Guilbert Léon Cogniet (1794–1880)
Fritz Zuber-Buhler (1822–1896) Woodland Idyll
Bayeu y Subías, Francisco El paseo de las Delicias, en Madrid 1785
Bayeu y Subías, Ramón 1778
Bayeu y Subías, Ramón 1778
Kaemmerer, Frederick Hendrik — A Flirtation (Also Known As The Lady In Red)
Buytewech, Willem Pietersz. — Een deftig gezelschap op een terras, 1616-1620
Castillo, José del La pradera de San Isidro 1785
Cesare Auguste Detti (1847-1914) The royal audience
Cesare Auguste Detti
Codde, Pieter — Galante dames en heren, 1633
Эсайас ван де Вельде — Компания в дворцовом саду
Ланкре Никола (Париж 1690-1743) — Танцы у фонтана
Буше Франсуа (Париж 1703-1770) — Фонтан любви
Бомпиани Роберто (Рим 1821-1908) — Древнеримское застолье
The Riven Shield — Philip Richard Morris
Goya y Lucientes, Francisco 1786
Goya y Lucientes, Francisco 1787
Graat, Barend — Een gezelschap in een tuin, 1661
Frédéric Soulacroix
Henry Gillard Glindoni
Henry Guillaume Schlesinger (1814-1893)
Henry Gillard Glindoni
John Haynes Williams (1836-1908) The Introduction signed
Love Sonnets by Robert Alexander Hillingford
Ludovico Marchetti (1853-1909) Before the Tournament
Scholten, Hendrik Jacobus — De prinses van Oranje bezoekt het atelier van Bartholomeus van der Helst, op de achtergrond de ’Schuttersmaaltijd’ van 1648, 1850-1870
Rubens, Pedro Pablo El jardín del Amor 1635
Moritz, Louis — De Muziekles, 1808 Мне сладких обманов романа не надо, Прочь вымысел! Тщетно души не волнуй! О, дайте мне луч упоенного взгляда И первый стыдливый любви поцелуй! Поэт, воспевающий рощу и поле! Спеши, — вдохновение свое уврачуй! Стихи твои хлынут потоком на воле, Лишь вкусишь ты первый любви поцелуй! Не бойся, что Феб отвратит свои взоры, О помощи муз не жалей, не тоскуй. Что Феб ! Что парнасские хоры! Заменит их первый любви поцелуй! Не надо мне мертвых созданий искусства! О, свет лицемерный, кляни и ликуй! Я жду вдохновения, где вырвалось чувство, Где слышится первый любви поцелуй! Создания мечты, где пастушки тоскуют, Где дремлют стада у задумчивых струй, Быть может, пленят, но души не взволнуют, — Дороже мне первый любви поцелуй! О, кто говорит: человек, искупая Грех праотца, вечно рыдай и горюй! Нет! цел уголок недоступного рая: Он там, где есть первый любви поцелуй! Пусть старость мне кровь беспощадно остудит, Ты, память былого, мне сердце чаруй! И лучшим сокровищем памяти будет — Он — первый стыдливый любви поцелуй!

Джордж (Лорд) Байрон — «Первый поцелуй любви»

Франс ван Мирис I — Магазин тканей
Франс Франкен II — Танцевальный вечер
Antonio Ermolao Paoletti
A Flirtatious Couple by Jean Henri de Coene
Aerts, Hendrick — Gefantaseerd renaissance paleis., 1602
Albert Schrader
Coene, Jean Henri de — The Proposal
Benjamin Eugène Fichel (French, 1826-1895) Game of chess
Brice, Ignace — De poelier.

, 1827
Card Players in a Drawing Room Pierre Louis Dumesnil the Younger ( 1698–1781)
Charles Francois Pecrus French, 1826-1907 The Love Letter, 1859
Труа Жан Франсуа де (1679 Париж — 1752 Рим) — Перед балом
Якоби Валерий Шуты При Дворе Императрицы Анны Иоанновны
Никколо Мария Росси — Прогулка вице-короля Неаполя графа Харраха из королевского дворца.

ок1730
Жак-Луи Давид — Антуан Лоран Лавуазье (1743-1794) и его жена (Мари-Анна-Пьеретта Паульц, 1758-1836)
Джордж Морланд The Angler’s Repast
Вильбо Жак (Шато-Порсьен 1729-1806) — Портрет герцога Шуазеля с компаньонами
The Soldier's Return by Marcus Stone, 1900
Jean Carolus Choosing the Ring
Gaisser Jacob 1825-1899
FRANZ XAVIER SIMM Theatre scene
Gallant Scene by Jose de (Chavez y Ortiz) Chavez, 1876
GEORGE GOODWIN KILBURNE (1839-1924)
Haigh Wood Charles Fair Deceivers
Jens Juel (1745-1802) — Niels Ryberg with his Son Johan Christian and his Daughter-in-Law Engelke, née Falbe, 1797
John Arthur Lomax
JOSEPH FRANQOIS DUCQ Interior of an Artist’s Studio with a Couple examining Engravings
Luis Alvarez Catalá
Luis Alvarez Катала The Artist-s Model
Carl Schweninger jun. (1854–1903) The Tryst
Воздушный океан частицами своими Трепещет вкруг меня, воспламенясь, горит; Дробятся небеса лучами золотыми, Колеблется земля и радостно дрожит. Я слышу — на волнах гармонии небесной Несется шелест крыл и поцелуев звук… Я светом ослеплен… О, что за свет чудесный? — Любовь, любовь прошла! гремит ответ вокруг…

Густаво Беккер — «Любовь»

A. L. Grace (British, 1870 — 1900)
Thomas Kent Pelham (1860-1891) Gossips
Gilbert, Victor Gabriel → Бал
Giuseppe De Nittis, Italian, 1846-1884 — Return from the Races
Baron, Henri → Обед в Тюильри [Dinner at the Tuileries] 1867
Oscar BLUHM Elegant Ladies at the Races
P. RIBERA La femme trompée Huile sur toile signée, datée et située, Paris.
Sörensen, Jacobus — Portret van de heer en mevrouw Thijssen op het ijs, 1845
Marcus Stone R.A. A Honeymoon
Ренуар Пьер-Огюст (1841 Лимож — 1919 Кань) — Променад
Vincente Gonzalez Palmaroli
JULES SALLES WAGNER (1814-1898) THE HANDSOME VISITOR
John Callcott Horsley, English, 1817-1903 — Lovers under a Blossom Tree
Coene, Jean Henri de — Marktnieuws, 1827
Camille leopold Cabaillot lassalle (1839-1881) The railway carriage
ALICE BARBER STEPHENS (1858-1932)
Malczewski, Jacek — Portret Karola i Malgorzaty Lanckoronskich (Portrait Of Margaret And Charles Lanckoronski), 1905
Basile Lemeunier
ТРУТОВСКИЙ Константин — Сцена у колодца
ТРУТОВСКИЙ Константин — На сеновале
Artz, David Adolph Constant — Jongen en meisje in het duin., 1870-1890
Вильгельм Петерс → Под перекрёстным огнём, 1896
Neuhuys, Albert — Vissersvrijage, 1880

СПАСИБО,

Маргарита мудрец

  • Активность: 90k
  • Репутация: 9915
  • Пол: Женщина

Маргарита мудрец

Источник: https://obiskusstve.com/489628279185869047/zhivopis-ne-vspominaj-teh-chudnyh-dnej-chto-vechno-serdtsu-budut-mily/

Картины про несчастных невест в русском искусстве

?

Categories: Свадьба — один из самых праздничных дней в жизни женщины. Но только не в русской живописи!Художники XIX века постоянно использовали тему женитьбы для создания полотен весьма трагических, бичующих всевозможные социальные пороки Российской империи. Даже если не брать картины, посвященные суровой судьбе крестьянской женщины и посмотреть лишь произведения про более обеспеченные социальные слои — купечество, мещанство и дворянство, все равно получается печальненько.Особенно усердствовали на эту тему передвижники, но общего настроения не избежали и другие художники-жанристы.Итак, окунемся в бездны слез!

Конечно,«НЕРАВНЫЙ БРАК» ВАСИЛИЯ ПУКИРЕВА

И также его «прерванное венчание»

Самая знаменитая картина на эту тему написана Пукиревым.Славе полотна способствовали и художественные достоинства, и слухи, что художник запечатлел в работе собственную сердечную трагедию. Правда ли это — исследователи спорят до сих пор.

Полтора десятилетия спустя мастер, так и оставшийся в истории искусства «художником одной картины», вернулся к теме в работе «Прерванное венчание». На вопрос о причине остановки этой свадьбы отвечает второе название картины — «Двоеженец».

А еще«прерванное обручение»

адриана волкова

В картинах передвижников и других русских реалистов второй половины XIX века часто можно встретить сцены из купеческой жизни, которую тогда же начинают активно высмеивать на театральной сцене, в особенности Островский.

На этой изображен жених купеческой дочки, помолвка которого срывается из-за появления прежней возлюбленной с младенцем на руках. Скандал!

По эскизу видно, что замысел был смелее: там дочка в белоснежном платье, то есть срывалась не помолвка, а само венчание.

«К ВЕНЦУ (ПРОЩАНИЕ)» И «ВЫБОР ПРИДАНОГО»ВЛАДИМИРА МАКОВСКОГО

Известный художник-жанрист Владимир Маковский сравнения с Пукиревым не боялся: он писал свои свадебные картины 40 лет спустя. Но современный зритель и не заметит особой разницы в стиле их живописи. А подсказка прямо перед глазами — фасон свадебного платья.

Хотя основной набор атрибутов неизменен — фата, венок из флердоранжа, белая ткань, но модный силуэт заметно поменялся. На картине Пукирева, написанной в 1862 году, — у невесты большой громоздкий кринолин; с таким из-под венца не убежишь.

А вот у невест 1890-х юбка значительно сужена и выглядит намного более удобной. Любопытно, что невесты XXI века все-таки предпочитают фасон полуторавековой давности, с кринолинами.

На первой из картин изображен трогательный старик, прощающийся с дочерью-невестой.

Оба с такими лицами, как будто свадьба — это что-то плохое.В пандан ей можно привести картину Сергея Грибкова «Перед свадьбой» (1872) года: тут уже страдающая мать.

На второй картине Маковского — невеста, замершая будто агнец перед закланием, ей подбирают приданое и, конечно, эта ситуация для нее невероятно оскорбительна!Как вы понимаете, писать про счастливых невест в ту эпоху было совершенно не комильфо.

Брак рассматривался как сделка, а невеста — как живой товар, с приятным багажом, что подтверждает еще одна обличительная картина, на сей раз Пукирева, «Прием приданого в купеческой семье по росписи» (1873).На полотне Николая Неврева «Смотрины» (1888) тоже особой радости у девушки при встрече с потенциальным женихом не заметно.

«ПЕРЕД ВЕНЦОМ» И «ПОСЛЕ ВЕНЧАНИЯ»ФИРСА ЖУРАВЛЕВА

Картина Журавлева «Перед венцом» за которую он получил звание академика, пользовалась такой популярностью, что он позже написал ее второй вариант. В первом, из Русского музея, полно свидетелей, причем костюмами и атрибутами явно подчеркивается: семья купеческая, то есть можно и посмеяться над ними.

  1. Второй вариант, из Третьяковской галереи, более лаконичен и трагичен: тут разговор идет только между отцом и дочерью.Картину, пытаясь угадать предысторию, называли и «Благословение невесты», и «Брак по приказу»…

В более позднем его полотне, «После венчания», и интерьер изящный, аристократический, и отец-дворянин (у него нет бороды, и на шее не круглая медаль, а крест).

А невеста все равно рыдает. Впрочем, может, это жених? Не волнуйся, милая, он скоро помрет!

В сравнении с этими картинами произведения Федотова — прямо отрада для сердца, хоть для каких-то женщин сватовство и свадьба были в радость! Хоть они и изображают томление и пугливость.

«В ОЖИДАНИИ ШАФЕРА»ИЛЛАРИОНА ПРЯНИШНИКОВА

Однако похвалить русских художников за оригинальность трагической темы нельзя: ровно в те же годы по всей Европе все подряд пишут полотна про несчастливых невест.

В викторианскую эру, когда стал господствовать капитал и развелось много богатых стариков, тема неравных браков стала весьма актуальной.

Кроме того, плачущие девушки в белом просто эффектно смотрятся!

Названия иностранных картин говорят за себя: «Пока смерть не разлучит нас» (Эдмунд Блэр Лейтон), «Несчастная невеста» (Огюст Толмуш), «Первая слеза» (Норберт Гёнётт), «Отвергнутая невеста» (Эдуард Свобода) и так далее…

Полотно Прянишникова «В ожидании шафера» из этой традиции бытописательства c подразумеванием какой-то скрытой драмы не выбивается. Но зато тут русский антураж: шубы, самовар, иконы.

«СВАДЬБА В ТЮРЬМЕ»НИКОЛАЯ МАТВЕЕВА

Впрочем, одним русское искусство отличалось от европейского: живописцы были прогрессивными и либерально относились к многочисленным арестантам. Ведь это были политзаключенные — боровшиеся с режимом революционеры и террористы, герои и подвижники, как считало интеллигентное общество той поры.

Отсюда такие доброжелательные тюремные картины, как «Не ждали» и «Отказ от исповеди» Репина, «Всюду жизнь» Ярошенко, «По этапу» Владимира Маковского и т. д.

Поэтому неудивительно появление картины про венчание заключенного.

Невеста, увы, не в белом, и брачная ночь вряд ли будет, но зато теперь ей намного легче будет получать разрешение на визит.

«ВЕНЧАНИЕ НИКОЛАЯ II И АЛЕКСАНДРЫ ФЕДОРОВНЫ»ЛАУРИЦА ТУКСЕНА И ИЛЬИ РЕПИНА

Невеста на этих картинах — гессенская принцесса Алиса, в православии — Александра Федоровна, и, конечно, она совсем не печальна. Наоборот, торжествует.

Спустя пять лет ожидания ее мечты о браке с любимым, да вдобавок императором, осуществились, как бы ни возражали родственники жениха.

Но мы-то знаем, что эта свадьба — самая печальная из всех.

Потому что она настоящая, а не придуманная живописцем. И придет это все в итоге к трагедии не только этой семьи, но целой страны.

Источник: https://shakko-kitsune.livejournal.com/1152965.html

Белая гвардия и Гражданская война на картинах русских художников

Опубликовано пользователем сайта

Дмитрий Шмарин

«Автопортрет на фоне картины «Расказачивание»

Дмитрий Александрович Шмарин родился в Москве в 1967 году, отец – коренной москвич, мать происходит из семьи кубанских казаков. По окончании детской художественной школы и МСХШ при Суриковском институте, в 1985 году Дмитрий поступил в МГАХИ им. В.И. Сурикова. Темой трагедии казачества пронизано всё его творчество.

«Расказачивание»

По приказу ВЦИК от 24 января 1919 года о поголовном уничтожении казачества большевики стали хладнокровно истреблять казачье сословие, начав с Донских станиц. Не выдержав надругательств, казаки восстали, но восстание было подавлено с чудовищной жестокостью.

Ранней весной 1919 года в станицах Вешенская и Казанская производились расстрелы. Казаков выбивали семьями, – от мужчин, способных держать оружие, до несмышленых детей. Вместе с казаками убивали и станичных священников.

Для исполнения кровавого приказа в качестве палачей русского народа были призваны отряды китайцев и латышей, не гнушалась власть и уголовниками. Страшный миг предстояния казаков перед лицом смерти Дмитрий Шмарин избрал сюжетом для своей картины «Расказачивание».

Достойное смирение перед волей Божией поражает не менее, чем суровое мужество в стоянии за правду людей, представленных на полотне. На фоне призрачной серой нежити, – большевистских палачей, ярко сияют белые рубахи приговоренных мучеников, синевой горит васильковая юбка казачки, рыдающей на плече у мужа.

Вдалеке, в прозрачной дымке, подчеркивая трагичный и торжественный покой, тихо светятся купола станичного храма, мирно дремлют светлые хаты, широко расстилается Донская степь. Все замерло…  В работе

«За Русь Святую»  ранит сердце образ «белых витязей», – русских детей, подростков, наравне со взрослыми вставших в боевые ряды.

«Молитва перед дорогой» 

«Ледяной поход»

«Белые пришли»

  • «Расстрел белых в Крыму»
  • «Прощание. Осень»
  • Дмитрий Белюкин

Дмитрий Белюкин родился в Москве в 1962 году, сын известного художника, книжного иллюстратора Анатолия Ивановича Белюкина. Закончив МСХШ им. Сурикова в 1980 году, поступил в Московский государственный художественный институт им. В. И.

Сурикова на факультет живописи, мастерскую портрета (руководитель – профессор И. С. Глазунов). Художником больших тем называют Дмитрия Белюкина искусствоведы. Пожалуй, не будет преувеличением сказать – главных тем.

Ведь в своих работах он размышляет о смысле жизни и истории, пытается заглянуть в будущее России через ее прошлое… В свои 50 лет Дмитрий Белюкин удостоен высших для российского художника регалий, выставки его имеют успех, репродукции с картин публикуются на обложках книг, в учебниках истории.

В Москве открыта постоянная галерея его работ. И главное — никто не сможет упрекнуть его в том, что за все годы творчества он хоть в чем-то изменил своему изначальному кредо.

Выдержка из интервью:

— Ваш отец в 1990-е написал серию «Галерея предков», есть в ней и портрет его деда, вашего прадеда Сергея Кузьмича Белюкина из деревни Кораблинка Серебрянопрудского района Рязанской (ныне Московской) области. Мне кажется, в этом суровом старике с тонкими чертами лица отражены характерные черты вашего рода…

— Возможно. Большая была семья, образованные крестьяне, которым, вероятно, порадовался бы Петр Аркадьевич Столыпин… Они выписывали сельскохозяйственные журналы, покупали технику.

Отец нередко вспоминал деревенское детство. Он запросто мог мне вырезать дудочку или городки.

Чтобы в лесу попить воды из родника, делал из бересты ковшик, который мы потом оставляли на ближайшем дереве для других.

  1. А сейчас нет не только нашего дома в деревне Кораблинка, нет и самой деревни. XX век стер ее с лица земли…
  2. Некоторые работы Дмитрия Белюкина:
  3. Казак Сухой
  4. «Есаул Кострыкин и Биплан»
  5. «Эвакуация корниловцев из Крыма»
  6. «Исход»
  7. Фрагмент картины «Исход»
  8. «Осколки»

Художник Иван Владимиров (1869 – 1947) автор известной картины “Ленин и Сталин в Разливе” известен еще и своими акварельными зарисовками социалистической революции. Делал он их в 1917 году с натуры, то что видел своими глазами. Вот здесь показано как революционные массы устраивают погром в Зимнем Дворце:

  • А здесь – пролетарии грабят винный склад:
  • Местный поп и помещик перед революционным судом. Вскоре они будут казнены:
  • Большевики изымают у крестьян хлеб:
  • Февраль 1917, арест белогвардейских генералов:
  • Агитатор в деревне с портретом Троцкого в руках, вот так и одурачивали народные массы:
  • Павел Рыженко

Павел Рыженко(род. в 1970 г.) – выпускник и преподаватель Российской Академии живописи, ваяния и зодчества. Он пишет в стиле «классического русского реализма».  Его учитель Илья Глазунов говорит, что «Павел Рыженко – страстный в работе талантливый художник, у него большое будущее».

О своем творчестве сам Рыженко говорит: «Я предлагаю людям еще раз взглянуть на наше неоднозначное прошлое, полное трагических событий, в которых во всей полноте проявился великий дух нашего народа. Понять, что мы не серая масса, не так называемый «электорат», а народ с богатой историей и самосознанием.

Мне хочется верить, что я предлагаю людям альтернативу массовой, «мишурной» культуре, которая заставляет нас забыть о главных вопросах бытия».

«Прощание с погонами»

Живопись Рыженко — это не просто талантливо написанные картины. Это бронебойные снаряды, разрушающие насаждаемое ныне равнодушие к великой истории России. Это тяжелые колокола, пробуждающее в нас стремление сделать себя лучше. Картины Рыженко – выражение его внутреннего мощного духа, горячего и безкомпромиссного стремления, как он сам говорит, «видеть Россию сильной и свободной от греха».

«Прощание Государя с войсками»

Одно из самых известных произведений Павла Рыженко – триптих, посвящённый трагической судьбе Императора Николая Второго и его семьи, в который входят картины «Прощание Государя с войсками», «Заточение в Царском селе» и «Ипатьевский дом после убийства царской семьи». В «Прощании Государя…» художнику с удивительным психологизмом удалось передать всю трагичность момента. Ставка в Могилёве.

Здесь ещё несколько дней назад Николай Романов был самодержцем всероссийским, правителем великой Империи. И, вот, он вернулся сюда, отрёкшись от престола, вернулся не Императором уже, а полковником Романовым, вернулся, чтобы проститься с дорогими своему сердцу войсками.

Согбенный, идёт он вдоль их молчаливого ряда, заглядывая в глаза каждому, ища в них не то поддержки, не то прощения… А они в последний раз отдают честь своему Царю, которого не суждено им больше увидеть. На Россию движется страшная, непоправимая уже беда. Катит по ней, по определению Солженицына, роковое красное колесо… Молох запущен, и его не остановить уже.

Россия шагнул в бездну, и скоро она поглотит и её, и Государя, и верные ему войска… И эту атмосферу надвигающейся, набирающей обороты катастрофы передаёт февральская вьюга, изображённая на картине.

Словно дымом, укутано мглою небо, ветер гнёт деревья, полощет знамёна, поднимает хлопья снега и швыряет их в лица русских воинов и русского Царя, заметает их, слепит глаза… Своим отречением Государь окончательно раскрыл двери Империи для февральских оголтелых ветров, разгулявшихся теперь на её просторах. И ветра эти сдуют скоро с лица земли Великую Россию…

  1. «Заточение в Царском селе»
  2. «Ипатьевский дом после цареубийства»
  3. Приблизительно к тем же роковым для Русской земли годам относится картина Павла Рыженко «Веночек», поразительная по глубинной, неизбывной печали своей, проникающая в самую душу и вызывающую в ней странную, необъяснимую тоску и горечь утраты…

На картине ранняя весна. Снег едва стаял, и оттого вся земля напоминает собою болото. Деревья окутаны лёгкой зеленоватой дымкой. За их ветвями маячит серое, дождливое небо, унылое и скорбное. Кажется, что вся природа плачет в этот миг, сочувствуя пришедшему с фронта солдату.

Выжил он в страшной войне, дошёл, раненый, до дома, а здесь уж и нет никого.

Никто героя не ждёт… И пришёл солдат на погост, поклонился родной могилке, уронил скупую слезу… Вспомнил он былые мирные годы, вспомнил, как уходил отсюда защищать родную землю, как прощался с тою, что покоится теперь на этом заболоченном кладбище. Многое вспомнил солдат.

Думал он сказать «здравствуй» дорогому себе человеку, а приходится снова прощаться, теперь уже навеки…  Кто покоится под этим серым деревянным  крестом с веночком из жёлтых цветов? Мать ли солдата? Или жена? Нам этого не узнать… Мы можем лишь видеть бесконечную скорбь пришедшего с войны героя, и скорбеть вместе с ним…

  • До слёз драматичен и трогателен сюжет картины «Зонтик»:
  • «Зонтик»

Что еще может тронуть душу грешника-убийцы, вчерашнего матроса с линкора «Гангут»? Возможно, абсурдность ситуации и щемящая незащищенность девочки, раскрывшей свой зонтик над убитой мамой? Что ему стоит пристрелить девочку? Но сполз по стене бравый матрос и опустился на снег. Нет у него сил поднять винтовку, и могучая рука свесилась с колена. Он растерян. Придет ли к нему осознание содеянного? И что станет с ним самим потом?

  1. И ещё несколько работ но уже разных художников, посвящённых этой теме.
  2. Олег Ожогин «Офицер»
  3. Ю. Репин «Портрет Василия Михайловича Максимова»

В. Мирошниченко. Петр Николаевич Врангель

Р.В. Былинская. Александр Васильевич Колчак

Д. Трофимов. Антон Иванович Деникин

Илья Глазунов «Разгром храма в пасхальную ночь»

Источник: http://www.spletnik.ru/blogs/kruto/66266_belaya-gvardiya-i-grazhdanskaya-voyna-na-kartinakh-russkikh-khudozhnikov

П. В. Рыженко «Прощание с конвоем»

    «В чем, на ваш взгляд, секрет художника сегодня?» — спросили однажды Павла Рыженко. Он ответил: «Секрет художника в ответе на вопрос: как в России, в 21–м веке, остаться человеком? …Надо быть совестливым. Надо жить с совестью,…она, как компас, выведет верно, не ошибётся».
   Павел Викторович Рыженко — заслуженный художник РФ, один из ведущих мастеров Студии военных художников имени М.Б. Грекова, родился в 1970 году в городе Калуге. Рисовал с пяти лет. В 11 лет поступил в Московскую среднюю художественную школу при Институте им. Сурикова. Затем была служба в армии. В 1990 г. поступил в Российскую академию живописи, ваяния и зодчества, учился у профессора, народного художника России И.С. Глазунова, которого очень уважал и любил. С 1999 года преподавал в Российской Академии живописи, ваяния и зодчества. С 2007 года работал в Студии военных художников им. М.Б.Грекова. Ушёл из жизни в 2014г.
   Когда Павел Рыженко учился в Академии, в какой-то момент он понял, что не может жить по-прежнему. В 23 года крестился, потом хотел уйти в монастырь. Был послушником на Валаамском подворье в Приозерске. Но понял, что это не его путь. Он должен писать. И уже с позиции Веры стал рассматривать творчество, сюжеты будущих своих картин.
   В последние годы Павел Рыженко создал множество масштабных живописных произведений, посвященных Куликовской битве, преп. Сергию Радонежскому, Первой мировой войне, эпохе Николая II. Художник шёл к успеху «через собственный труд, покаяние, работу над своей душой». Его работы – настоящие шедевры классической школы живописи.
   Одной из известных работ художника является триптих «Царская Голгофа». Сегодня мы познакомимся с первой картиной этого триптиха «Прощание с конвоем» (2004г.).

   Мы видим суровый зимний день. Войска Императорского конвоя — казаки, выстроены в несколько шеренг. Император Николай II прощается с ними, после своего отречения от Престола, в марте 1917 года. Из документов известно, что прощание происходило не на улице, а в здании казарм и в Ставке, но картина, по словам вдовы художника, символична, и я думаю, такие подробности не так важны.

   Хмурость, ветреность дня подчёркивают тяжесть и безысходность ситуации, нависшей над Россией. В лице конвоя бывший Государь прощается со всем своим народом. Когда-то эти люди были очень преданы ему, они присягали служить Верой и Правдой. Николай II был с ними на фронте, в госпиталях и в тылу.    Многих он знал лично, кто-то из них служил, быть может, его отцу, Александру III.

Русская армия на протяжении веков выступала под знаменами «За Веру, Царя и Отечество». В личный конвой Государя отбирались лучшие из лучших казаков и офицеров, чтобы даже ценой своей жизни они готовы были защитить Престол и Отечество. И что мы видим?
   Некоторые офицеры уже сорвали погоны и нацепили красные банты. Как же тяжело было смотреть на это предательство Николаю II.

Словно земля ушла из-под ног, и не на что стало опереться. На переднем плане казаки, их глаза опущены, – стыдно смотреть в глаза отцу, которого предали. Но совесть ещё жива в их душах. Один не выдержал позора и упал в ноги царю, другой рыдает, закрывшись папахой. У многих есть нательные святые образки, которые каждому лично подарила Императрица Александра Фёдоровна перед отправкой на фронт.

И не жгут ли эти образки теперь сердце под шинелью? Возможно, казаки были обмануты, думая, что армия нужна России, не зависимо от политического строя. А некоторые и не понимали, что фактически предают Отечество. Осознание придёт позже. Конвойцы не приняли ни Февральский переворот, ни Октябрьский.

И беда их в том, что они, в большинстве своём, не заняли ни одну из сторон, покинув пределы России.
   Посмотрим на Государя. Мы видим, как тяжело Ему далось решение об отречении от Престола: усталая осанка, опущенные плечи. Но ведь это не Он отрёкся от Отечества, — это бóльшая часть России отреклась от царя! Он честно и открыто смотрит на тех людей, которые верой и правдой служили ему.

Он прощает их, понимая противоречивость времени. Николай II пишет в своём дневнике: «…прощался с офицерами и казаками конвоя и Сводного полка — сердце у меня чуть не разорвалось!» Так искренне Он любил их…
   А в небе уже кружится вороньё, пророча смуту и террор.

Вдали, в открытом автомобиле привстал представитель новой власти в чёрных одеждах, ждёт не дождётся своей «добычи», предвкушая момент «Царской Голгофы». Скорей уничтожить Государя, его ни в чём неповинную семью, а за ними и всю православную державу – такой целью задалась новая власть.

   Эта картина, как набат, призывающий услышать уроки прошлого…Она заставляет нас задуматься о своём месте в истории, принять правильное решение, чтобы не пришлось потом бежать из России. Да и куда бежать? По словам Рыженко, «картины художника должны быть не только надеждой, но и подсказкой, как исправить самого себя». На мой взгляд, для нас эта картина — хорошая подсказка.

Текст подготовила Лилия Нестерова.

Источник: http://iz-sssr.ucoz.ru/publ/opisanija_kartin/p_v_ryzhenko_proshhanie_s_konvoem/6-1-0-64

Тайна безумия Ван Гога: о чем говорит его последняя картина?

Аластер Сук BBC Culture

Правообладатель иллюстрации Van Gogh

Летним днем в 1890 году Винсент Ван Гог застрелился на поле в окрестностях Парижа. Обозреватель BBC Culture исследует картину, над которой он работал тем утром, чтобы понять, что она говорит о состоянии психики художника.

  • 27 июля 1890 года Винсент Ван Гог вышел на пшеничное поле, раскинувшееся позади замка во французской деревушке Овер-сюр-Уаз в нескольких километрах от Парижа, и выстрелил себе в грудь.
  • К тому моменту художник уже полтора года страдал от психического заболевания — с тех самых пор, как декабрьским вечером в 1888 году, в период своей жизни в городе Арле во французском Провансе, несчастный отрезал себе бритвой левое ухо.
  • После этого у него эпизодически случались приступы, которые подрывали его силы и после которых он по несколько дней, а то и недель находился в состоянии помутненного сознания или утрачивал связь с реальностью.
  • Впрочем, в промежутках между срывами его ум был спокоен и ясен, и художник мог писать картины.
  • Более того, пребывание в Овере, куда он приехал в мае 1890 года после выхода из психиатрической лечебницы, стало самым плодотворным этапом его творческой жизни: за 70 дней он создал 75 картин и более ста рисунков и эскизов.

Умирая, Ван Гог выговорил: «Вот так я и хотел уйти!»

  1. Однако несмотря на это, он чувствовал себя все более одиноким и не находил себе места, убедив себя в том, что жизнь его была напрасна.
  2. В конце концов он раздобыл небольшой револьвер, принадлежащий хозяину дома, который он снимал в Овере.
  3. Это-то оружие он и взял с собой в поле в тот роковой воскресный день в конце июля.
  4. Однако в руки ему попал всего лишь карманный револьвер, не очень мощный, так что когда художник спустил курок, пуля, вместо того, чтобы пронзить сердце, отрикошетила от ребра.

Правообладатель иллюстрации EPA Image caption В Музее Ван Гога в Амстердаме выставлено оружие, из которого, как считается, застрелился художник

Ван Гог потерял сознание и упал на землю. Когда наступил вечер, он пришел в себя и стал искать револьвер, чтобы довести дело до конца, но не нашел и поплелся обратно в гостиницу, где ему вызвали доктора.

О случившемся сообщили брату Ван Гога, Тео, который прибыл на следующий же день. В течение некоторого времени Тео думал, что Винсент выживет — но поделать уже ничего было нельзя. Той же ночью, в возрасте 37 лет, художник умер.

«Я не отходил от его изголовья, пока все не было кончено, — писал Тео своей жене Йоханне. — Умирая, он выговорил: «Вот так я и хотел уйти!», после чего прожил еще несколько минут, а потом все закончилось, и он обрел покой, которого не мог найти на земле».

  • Выставка «На грани безумия» в Музее Ван Гога в Амстердаме дает подробное и целостное представление о последних полутора годах жизни художника.
  • Точный диагноз Ван Гога посетителям не называют (за прошедшие десятилетия выдвигались самые разные гипотезы — от эпилепсии и шизофрении до алкоголизма, психопатии и пограничного расстройства личности), зато среди экспонатов есть проржавевший револьвер, найденный в полях за замком в Овере где-то в 1960 году.
  • Анализ револьвера показал, что из него стреляли и что он пролежал в земле от 50 до 80 лет, — иными словами, вполне вероятно, что это именно тот револьвер, с помощью которого Ван Гог покончил с собой.
  • Корни всех бед
  • Кроме того, на выставке можно взглянуть на недавно обнаруженное письмо, о котором много говорилось в средствах массовой информации.
  • Его написал лечащий врач Ван Гога в Арле Феликс Рэй, снабдив повествование рисунком, показывающим, какую именно часть уха отрезал себе художник.

В течение долгих лет биографы спорили о том, лишился ли Ван Гог всего уха или только мочки. Письмо, найденное независимым исследователем Бернадеттой Мерфи, которая написала о своем открытии книгу «Подлинная история уха Ван Гога», неопровержимо доказывает, что несчастный безумец отхватил себе ухо целиком.

Правообладатель иллюстрации AP Image caption Письмо французского провинциального врача Феликса Рэя, показывающее, какую часть уха отрезал себе Ван Гог в декабре 1888 года

Разумеется, письмо стало на выставке гвоздем программы. Однако во время недавнего посещения музея мое внимание привлек другой экспонат — неоконченная картина шириной около метра под названием «Корни деревьев» (1890 год).

Ван Гог работал над ней утром 27 июля, за несколько часов до попытки самоубийства. Это было его последнее полотно.

На первый взгляд эта насыщенная картина кажется почти абстрактной: как можно «прочитать» эту массу синих, зеленых и желтых мазков, между которыми просвечивает холст?

Правообладатель иллюстрации Van Gogh Image caption «Корни деревьев» Ван Гога — сложное «сплошное» полотно без какого-либо определенного акцента

Но постепенно сквозь беспорядочные пятна проступает пейзаж: обнаженные корни и нижние части деревьев на фоне светлой песчаной почвы на крутом известняковом склоне. В верхнем левом углу картины проглядывает небольшой клочок неба.

За исключением этого крохотного кусочка весь холст занят тесным сплетением узловатых корней, стволов, ветвей и буйной растительности. Как отмечает Мартин Бэйли, историк-искусствовед и автор книги «Южная студия: Ван Гог в Провансе», которая сейчас готовится к публикации, «верхушки деревьев обрезаны очень необычным образом — примерно как на японских гравюрах, которыми так восхищался Ван Гог».

Ван Гог писал вопреки своей болезни, а не благодаря ейНинке Баккер, сотрудница музея

  1. На самом деле, «Корни деревьев» — во многом экстраординарная картина: это новаторская сплошная композиция без какого-либо определенного акцента.
  2. Возможно, она стала предтечей дальнейших форм развития современного искусства, таких как абстракция.
  3. И в то же время невозможно не воспринимать это полотно в ретроспективе, зная, что вскоре после работы над ним Ван Гог попытался покончить с собой.
  4. Что же эта картина говорит нам о состоянии его психики?

Прощай, жизнь?

От картины, все всякого сомнения, веет возбуждением, она вся словно пропитана эмоциональной неустойчивостью.

«Это одна из тех картин, глядя на которые можно почувствовать психические муки Ван Гога», — рассказывает Бэйли.

Более того, тема этой работы, по-видимому, тоже имеет значение. Несколькими годами ранее Ван Гог создал этюд, изображающий корни деревьев, который, как он написал в своем письме Тео, должен был символизировать жизненную борьбу.

Незадолго до смерти в другом письме брату он сообщил, что его жизнь «подрублена под самый корень».

Могло ли это полотно быть задумано Ван Гогом как прощальное?

Правообладатель иллюстрации Van Gogh Image caption В картине «Пшеничное поле с воронами», тоже написанной в июле 1890 года, использована та же беспокойная техника, но общая атмосфера более темная и зловещая

Впрочем, когда я поделился своими соображениями с сотрудницей музея Нинке Баккер, которая отвечает за изобразительную часть коллекции, она предостерегла меня от поспешных выводов.

«В работах последних недель жизни Ван Гога — таких как «Пшеничное поле с воронами» или «Пшеничное поле под грозовыми тучами» — заметно сильное эмоциональное возбуждение, — поясняет она. — Очевидно, он пытался выразить свое собственное эмоциональное состояние».

«Однако картина «Корни деревьев» получилась очень яркой и полной жизни. Это очень смелая работа. Трудно поверить, чтобы человек, написавший такое утром, в конце того же дня попытался свести счеты с жизнью».

«Мне сложно утверждать, будто Ван Гог сознательно задумал эту картину как прощание, — это был бы чересчур рациональный поступок», — считает Баккер.

Наконец, Нинке Баккер решительно пресекает предположения о том, будто болезнь Ван Гога и сделала его гениальным художником.

«Все эти искореженные узловатые корни оставляют впечатление чего-то беспорядочного, крайне эмоционального. Но эта картина не является порождением больной психики», — полагает она.

«Он знал, что делает. До самого конца своей жизни Ван Гог писал вопреки своей болезни, а не благодаря ей. Об этом не следует забывать».

Прочитать оригинал этой статьи на английском языке можно на сайте BBC Culture.

Источник: https://www.bbc.com/russian/vert-cul-37158960

Картины с описанием

Картина, похожая на детский рисунок — яркий красный пол, сиреневые стены, цветастая драпировка, накинутая на ширму, за которой раздевается натурщица, желтый коврик на полу — все это создает ощущение детской радости, когда ребенок берет любой яркий

Картина создает радостное ощущение жизни — синяя река, деревья, отражающиеся в воде, а на другом берегу среди гущи сочной травы двое влюбленных — он и она…

Картина наполнена таинственной лунной ночью — столик у окна, принадлежащий женщине, о чем говорят украшения на столе; флаконы с духами, цветы…А за окном все заливает голубая луна…

Картина напоминает работы импрессионистов — мелкими мазками изображены цветущие деревья в саду. Сочетание нежных розовых и темных красок создает впечатление декоративности.

Художник любил использовать в своих картинах красный цвет. Здесь он изобразил комнату с красными обоями, такая же скатерть на столе, женщина раскладывает в вазы фрукты. За большим окном пейзаж с цветущим садом, цветами.

На картине изображена часть мастерской художника, но все внимание зрителя обращено на аквариум. Гармония зелено-розовых тонов интерьера разбивается всплесками горячих красных пятен — это золотые рыбки и их дрожащее отражение.

Матисс часто писал сад, деревья в саду или, как здесь, молодых женщин под сенью деревьев. На переднем плане, на скамье, укрытой ковром, наслаждается отдыхом, запахами листвы лежащая молодая женщина в белом платье.

Полотно напоминает картины Синьяка — морской пейзаж, написанный мелкими разноцветными мазками, похожими на точки.
Берег моря, обнаженные купальщицы наслаждаются морем, солнцем, общением с друзьями пикником.

Картина лаконична по содержанию, но полна глубокого смысла. Группа любителей музыки самозабвенно наслаждаются музыкой. Двое исполняют, а трое слушают сладостные звуки скрипки и свирели.

Этот натюрморт уже совсем другой — на голубой. расписанной синими узорами, скатерти расположены глиняный кувшин, зеленого стекла графин и желто-красные яблоки.

И снова натюрморт написан в духе неоимпрессиониста Синьяка. На столе, покрытой пестрой скатертью, расположилась разная посуда , небрежно брошено полотенце. Все изображение написано мелкими мазками, а радостное.

На квадратной салфетке круглый поднос, на котором ваза с цветами — тюльпанами, ромашками. Сочетание ярких, сочных мазков желтого, красного, синего цветов делает натюрморт радостным.

В центре картины — молодая женщина в белой блузе и ярких красных шальварах лениво расположилась на ярком полосатом матрасе в комнате гарема. Закинув одну руку за голову, она о чем-то мечтает, ожидая своего господина.

Здесь художник изобразил свою семью в спокойной домашней обстановке — на диване за любимым рукоделием вышиванием сидит жена Амели. С книгой в руке стоит дочь Маргет, как бы в раздумье от прочитанного остановившись на полпути.

Крупным планом выступает лицо безмятежно спящей молодой женщины. Уютно устроившись на белой подушке, укрывшись пестрым одеялом, она сладко спит, чуть приоткрыв рот. Возможно, ей снится какой-то хороший, добрый сон.

Пять женских тел танцуют в хороводе. Никаких деталей, только сцепленные руки и плавные изгибы женских тел, только танец. Картина передает живую динамику движений, самозабвенность танцовщиц, отдающихся волшебству музыки и танца.

На фоне черного плиточного пола стол под красной скатертью. На нем блюдо с устрицами, бутылка. желтые лимоны, чашка с голубым узором, а в центре — белая ваза с большим букетом красных и белых тюльпанов.

Мастерская художника, в которой сам художник сидит за мольбертом к нам спиной и лица его мы не видим. А перед ним, в центре комнаты, ему позирует обнаженная женщина, его натурщица, модель.

Геркулес (лат), Геракл (греч.) — самый популярный из греческих героев, сын Зевса и смертной женщины Алкмены. Его мать, жена царя Амфитриона, была из рода Персея.

Перед нами девочка из известного семейства Говардов. Она изображена на фоне парка, у куста роз в вазе. Художник, как всегда, с большим искусством передает переливы белого шелка юбки и черного — накидки.

Очень нарядный, изысканный групповой портрет матери с детьми. Женщина очень красивая, с нежным спокойным лицом, с высокой прической каштановых волос. Она о чем-то задумалась, но думы ее не печальны.

Китти Фишер — английская натурщица и куртизанка. Дочь чеканщика, лютерантка. Славилась красотой и скупостью. Она была очень известна и востребована.

Сара Сиддонс (1755-1831) — величайшая актриса своего времени. Прославилась исполнением трагических, мрачных ролей, особенно созданием классических и мрачных ролей леди Макбет.

Картина привлекает своей интимностью, изяществом изображения. Богиня красоты и любви Венера кокетливо закрывает рукой лицо от нескромных взглядов.

На фоне темного вечернего неба сидит на скамье одинокая молодая женщина в белом легком платье с атласными лентами, с цветком на груди. Пышную пудреную прическу украшает шляпа с перьями и синей лентой.

На портрете молодая женщина на фоне парка облокотилась на тумбу. Ее стройная фигура одета в длинное, струящееся к полу платье с шарфом, перекинутым через руку. Пышную прическу украшает шляпка.

Как всегда на фоне природы в картинной позе стоит молодой человек в военном красном мундире с перчатками в одной руке и шпагой в другой.

Перед нами портрет молодой знатной леди в роскошном платье, в напудренном парике, украшенном перьями. Женщина изображена на фоне пейзажа, опираясь на дерево. Ее лицо красиво изысканной, нежной красотой, а глаза светятся добротой и умом.

Портрет молодой графини в роскошном одеянии: белое атласное, с пышными рукавами, платье; плащ-накидка из красного бархата, красиво отделанная белым горностаевым мехом, украшенная драгоценными камнями, скрепленная у пояса золотым шнуром.

Здесь практически не видно пейзажа, лишь огромное тревожное небо с темными дождевыми облаками. На фоне этих облаков, в контрасте с ними, на весь холст изображена молодая девушка.

Поздний вечер. природа утопает в темных сумерках. По парку гуляет молодая красавица — брюнетка с большим страусиным пером в руке — возможно, отмахиваться от москитов. Чуть ниже ее статуя, указывающая, что это парк, а еще ниже пруд.

Джейн Флеминг, урожденная фламандка, служила леди Спальни Шарлотте Макленбург. Вышла замуж за графа Харрингтона в 23 года.

Гарик Дэвид — знаменитый английский актер, выступал в театре «Друри-Лейн». Один из реформаторов сцены и основоположник реализма в европейском театре. Прославился в пьесах У.Шекспира (25 ролей).

На фоне богатой плюшевой занавеси с кистями, мраморной колонны и парка вдали в свободной, раскованной позе сидит молодая богатая красавица в домашнем белом, воздушном платье, с слегка растрепанной прической, без украшений.

На портрете Томас Брюс Брюденель, граф Айлсбури. Он одет в роскошный коричневый бархатный костюм, вышитую узорами рубашку с кружевными манжетами; сверху наброшен богатый горностаевый плащ. На голове пудреный парик.

Лорд Хитфилд, адмирал, был защитником Гибралтарской крепости, которую он отстаивал от нападения французов и испанцев. После освобождения от врагов он стал губернатором крепости.

В то время Майков был уже известным, вокруг него группировались представители московских художественных кругов. Однако, Рокотову позировал не спесивый новоявленный вельможа, а талантливый и дружелюбный человек.

Рокотову были заказаны парные портреты Струйского и его будущей жены перед свадьбой. Из неопределенного дымчатого фона мягко выступает нежное, обаятельное лицо прекрасной молодой женщины. Художник почти не обращает внимания на детали одежды.

Это второй портрет из парного портрета четы Струйских — супруга Николая Струйского. Пара была несчастлива в браке, может, оттого, что Струйский был очень неординарным, интересным, но и одновременно неуживчивым, порою странным человеком.

В доме Струйских хранился портрет молодого человека с приятными, женственными чертами лица, жабо и накидкой, драпировавшей фигуру. Образ неизвестного в треуголке полон обаяния беспечной юности.

Портрет написан на основе портрета шведского художника Александра Рослина. По оригиналу Рокотов воссоздал образ императрицы в молодом возрасте: гладкое лицо, отсутствие морщин, глубокое декольте, прикрываемое в зрелом возрасте.

Иван Иванович Барятинский — сын знаменитого дипломата И.С.Барятинского. В свое время известный англоман и агроном, крупный землевладелец. Был русским послом при дворе короля Баварии в Мюнхене.

Завораживающий южный пейзаж, почти осязаемое ощущение теплой лунной ночи на берегу моря. На переднем плане гущи деревьев, высокий пирамидальный тополь. Чуть дальше белый дом с беседкой, калитка, выходящая прямо на берег.

Это знаменитое сражение прославило российский флот. Объединенный флот союзников (русские, французы, англичане) вошел в Наварринскую бухту, где был сосредоточен турецко-египетский флот.

На творчество Айвазовского оказала влияние романтическая школа. Особенно пленило воображение художника море, как образ «свободной стихии», воспетый романтиками. Художник написал свыше трех тысяч марин (морской пейзаж).

Раннее утро. Море. На море полный штиль. К берегу причалили лодки с людьми — одни только что подошли, другие готовятся отплыть, — это, скорее всего, рыбаки, одни рано вышли в море, и уже плывут обратно, а другие только что уходят на ловлю рыбы.

Это одно из своих основных произведений, полное величия и силы. Внешне картина настолько проста, что ее невозможно описать, и вместе с тем это одно из наиболее выразительных полотен Айвазовского.

Дорога над пропастью…по самому краю движется обоз с людьми и лошадьми все выше и выше, кажется, к самому богу, в небо…А под ногами клубятся облака, и где-то глубоко внизу города, села, люди, там жизнь.

Утро. На море легкий, едва заметный бриз. Рыбаки уже вышли на ловлю рыбы — кто на паруснике, кто на простой лодке. Вдали возвышается Везувий, а над ним поднимается жаркое южное солнце, заливая золотым светом все вокруг.

В центре картины деревья с пышными кудрявыми кронами, слева мечеть с с устремляющимися в небо стрелами минаретов. Справа край моря и город. На переднем плане у зеленого пригорка группа отдыхающих людей. День летний, жаркий.

Мыс Фиолент — мыс на юго-западном побережье Крыма. Самое древнее название — Партениум (или мыс Девы с греч.) и связано с греческим мифом об Ифигении, которая была унесена сюда Артемидой, чтобы стать жрицей в храме Девы.

Перед нами корабль, упорно противостоящий волнам. Но эта буря не внушает страха, напротив, разыгравшаяся стихия обладает завораживающей силой. А край голубого неба олицетворяет собой ту надежду, тот свет, что всегда присущ картинам Айвазовского.

Грандиозное полотно Айвазовского. На картине изображено Средиземное море. У берега — рыбачья лодка. Рыбак отдыхает на берегу. Рыбачка охраняет его сон. Полдень. Зной. Море спокойное, величавое, уходящее в бесконечную даль.

Глядя на эту картину, хочется затаить дыхание — от нее веет такой тайной, какой-то неизведанностью, ожиданием необычного…Ветрами, водой и временем в скале образовался грот, в котором видны несколько входов в пещеры.

Полотно хочется назвать «Алая картина»…Раннее утро. Но солнце уже поднялось над морем и все небо и море залило золотисто-алым солнечным светом. И только край моря у песчаного берега отливает нежным лазоревым светом.

Пенятся зеленые волны, накатывают на высокий каменистый берег, а в волнах бьется, словно раненая птица, корабль, пытается уплыть от страшных скал, избежать смерти, но не в силах…Стихия сильнее — тянет, рвет паруса, они падают и комкаются рваным

Источник: http://cvetamira.ru/art?page=1

Описание картины Ивана Айвазовского «Прощание»

Описание картины Ивана Айвазовского «Прощание»

«Прощание» – новое звучание в творчестве знаменитого мастера морских пейзажей. Иван Айвазовский пишет эту картину в 1868 году, в то самое время, когда из его техники уходит цепкий реализм, который ранее вознес его на вершину славы. На примере данного произведения можно проследить появление импровизации и порывистости, отступление от слепой «имитации» окружающего мира.

В новом свете предстаёт и композиционная модель изображения, выбранная художником. Большая часть занята небом, приковывающим внимание своей широтой и переливающимися оттенками пурпурно-алой гаммы.

Полупрозрачность и нежность красок придаёт воздушность, эффект предрассветной дымки, смягчающей яркость восходящего солнца. Сюжет пропитан покоем и меланхолическим звучанием.

Пленительная элегия перекликается с безмятежностью морской глади.

Иван Константинович воссоздал лиричное настроение, которое, с учетом алых всполохов, не вызывает грусть или печаль. Нежно золотистые мазки разбавляют сцену разлуки, заставляя думать о радости скорой встречи.

Прощание семьи на берегу моря трогательно и в какой-то мере «сладостно». Романтическая напряженность, присущая Айвазовскому, не тревожит чувства. Корабль, словно мираж, застыл вдалеке, а лодка у берега терпеливо ждёт, когда путешественник взойдет на неё.

Всё вокруг укрыто утренней дымкой гармонии и тишины.

Новый способ построения диалога с современной действительностью, тем не менее, не исключал испробованных художественных трюков в картинах.

Иначе говоря, художник не отказывался от своих принципов, а преобразовывал их. Особенно явно это проступает в цвете.

Иван Константинович меняет «утрированные» краски на более сдержанные и исполненные большей универсальности. Это придаёт некую «фантазийность» и особую воздушность сюжету.

(1 votes, average: 5.00

Источник: https://opisanie-kartin.com/opisanie-kartiny-ivana-ajvazovskogo-proshhanie/

Истории от Искуссницы: 2015

П.А. Федотов
Автопортрет
200 лет со дня рождения

    Осенью 1848 года в Академии художеств открылась выставка, и всё население Санкт-Петербурга пришло в возбуждение, до отказа заполняя залы. Неумолкающий гул публики явно указывал на рождение некой сенсации. Старик вахтёр, едва успевающий через окно подвального помещения, выдавать впускные билетики, припоминал, что уже видывал подобное столпотворение, лет 15 назад, когда возвратившийся из Италии Карл Брюллов выставлял своё знаменитое полотно «Последний день Помпеи». И тогда любители живописи ждали священного момента, стоя в одной, общей очереди, невзирая на высокие звания и ранги. Только бы увидеть чудо! Нынче же в залах Академии экспонировалась сама Красота с большой буквы – огромные полотна, запечатлевшие древних богов и героев, копии с картин великих художников прошлого, выполненные русскими академистами, но зрители что-то не задерживались перед ними, и торопливо, не без усилий, поскольку толпа напирала, пробирались в предпоследний зал, выходивший окнами на Третью линию Васильевского острова. Здесь были выставлены три небольшие картины с непривычными для того времени названиями – «Свежий кавалер», «Разборчивая невеста» и «Сватовство майора». Имя автора этих бытовых сценок, привычных и потому  часто не замечаемых современниками, гремело по всему Петербургу: Федотов, Павел Андреевич, отставной лейб-гвардии капитан.      

    Раздавались возгласы:

    - Вот как круто человек поменял жизнь!

    - Из молодцов-гвардейцев, да в свободные художники! И какой успех, Господи помилуй! Звание академика и всеобщее восхищение!

    - Ба! Что за сюжеты! Прямо из жизни взятые! А ведь порой сам участвуешь в них и не замечаешь, чем люди живут, что чувствуют?

    Художник охотно давал пояснения к своим сюжетам. Невысокий, худощавый, одетый в аккуратное партикулярное  платье, слегка сутулый, с сединой в волосах, человек стоял возле картин и напевным речитативом, читал собственные стихи, «рацеи».

Честные господа,

Пожалуйте сюда!

Милости просим,

Денег не спросим:

Даром смотри,

Только хорошенько очки протри.

Начинается, начинается

О том, как люди на свете живут,

Как иные на чужой счет жуют.

Сами работать ленятся,

Так на богатых женятся.

    Павел Андреевич выглядел старше своих 34 лет. Неудивительно при его распорядке жизни! Выйдя в отставку в 1844 году, он работал с такой великой жадностью, что один прожитый год, мало было считать за два. С великим упорством Федотов преодолел путь, от офицера-самоучки до всероссийской знаменитости. Один из современников вспоминал, что после выставки во всех кругах петербургского общества только было и речи, что о новоявленном таланте и его картинах. Вскоре известность Федотова шагнула за пределы столицы. Жители отдаленных губерний  узнавали о нем из журналов, его поэмы, поскольку он был не только талантливым живописцем, но и поэтом, переписывались от руки, к примеру, запрещённая цензурой «Поправка обстоятельств», повествующая о жизни майора, которому пришлось поправить своё благосостояние женитьбой на купеческой дочке. Собратья-художники возносили хвалы Федотову без зависти, видя в нем пионера нового направления в изобразительном искусстве – бытового критического реализма. Всего за шесть лет художнику пришлось испытать необычайный взлёт популярности, признания и трагедию в конце жизни.

    О себе он писал с юмором, в третьем лице:

    «Павел Федотов родился в Москве, у Харитонья в Огородниках. В Москве же в корпусе был кадетом и в числе нескольких считался способным к живописи, но охотнее всего занимался математикой и химией и в 1833 году при выпуске первым в гвардию был отмечен в рисовании и черчении ситуационных планов ленивым…

    Павел Федотов был сыном суворовского солдата Андрея Ларионовича Федотова, отличившегося в походах и вышедшего в отставку по ранению, в офицерском чине. Позже дворянство было закреплено за ним с семейством, и дворянская грамота висела в доме на почетном месте. На гражданской службе Андрей Ларионович дослужился до титулярного советника. Он дважды женился. Первой женой была пленная турчанка, второй москвичка, купеческая вдова. Из нескольких сыновей только Павел был крепким и смышлёным, и отец связывал с ним свои тайные надежды. Когда Паве, так его звали дома, исполнилось одиннадцать лет, он переступил порог Первого московского кадетского корпуса.  Воспитанный строгим отцом, который сумел внушить ему понятия чести и совести, Павел учился на отлично и, окончив корпус первым номером, был выпущен в гвардию, с правом выбирать себе место службы. Он выбрал лейб-гвардии Финляндский егерский полк в Санкт-Петербурге, и, вероятно, выбор молодой офицер сделал с определенной целью. Рисунок в корпусе преподавал друг и однокашник Брюллова, исключенный из академии за участие в ученическом бунте Владимир Каракалпаков, из «крещёных киргизов». Он давал своим ученикам неплохие начатки, а любительство было распространено в офицерской среде. Федотов блистал сразу несколькими талантами. Он играл на гитаре, сам сочинял романсы и походные солдатские песни, пел чистым тенором, но желание творить, в конце концов, нашло себя в рисовании. Федотов рисовал портреты своих товарищей, а также смешные карикатуры: как люди сидят, едят, играют в карты, ссорятся. Под картинками делал едкие подписи. Затем последовали сложные композиции акварелью: «Установление бивуака», «Освящение знамен», «Встреча великого князя Михаила Павловича в лагере лейб-гвардии Финляндского полка 8 июля 1737 года». За последнюю работу ему жалуют бриллиантовый перстень.


«Встреча великого князя Михаила Павловича
в лагере лейб-гвардии Финляндского полка 8 июля 1737 года». 

Федотов тщательно выписывает все детали акварели, каждый аксельбант, каждую выпушку, придаёт портретное сходство лицам. Теперь товарищи по полку сами заказывают ему портреты, хвалятся ими. Близкое соседство на Васильевском острове Академии художеств и лейб-гвардии Финляндского полкадало возможность походить иногда в свободные часы в вечерние рисовальные классы поучиться… Сладко недостаточному и без связей человеку попасть туда, где каприз фортуны нипочем. Дорога открыта всякому…».

    В 1834 году Федотов приобретает билет на право посещения рисовальных классов, однако посещает их «прерывисто». Его привлекает, что номера на экзамене ставят не по чинам. Спустя три года, он становится обладателем билета на право копирования в Эрмитаже. Чем дальше, тем упорнее, самозабвеннее, он работает, беря на себя истинно непосильный труд. С одной стороны, утомительная служба, муштра и шагистика по воле того же великого князя Михаила, а с другой – каждый свободный час отдаётся искусству. По воспоминаниям товарищей в первой половине жизни Федотов был жизнерадостным, весёлым человеком, любившим посмеяться и пошутить. Потому его произведения той поры окрашены в юмористические тона. Горький сарказм будущих работ ещё редок.

Модный магазин


 Неосторожная невеста

Девушка в затруднительном положении: она дала обещание выйти замуж и подарила свой портрет одновременно двоим поклонникам, а они, к тому же, старые товарищи.


"Ах, папочка, как тебе идёт этот чепчик!
Правду мама говорит, что ты ужасная баба!"

    Однако приходят и начинают терзать, сомнения: правильно ли он тратит жизнь свою? И в 1848 году Федотов решает показать свои работы Карлу Павловичу Брюллову. Как же ему было при этом боязно, но «страшный судия» неожиданно разражается самыми лестными похвалами.

    - Вам 25 лет и уже поздно приобретать технику рисунка, а без неё вам не поможет бездна таланта, но вы пытайтесь и трудитесь.

    А через несколько лет великий баснописец Крылов подтолкнул гвардейского офицера к выходу в отставку:

    - Оставляйте, Павел Андреевич, службу ради истинного призвания – изображения народного быта!

    Что делать? На руках Федотова старик-родитель и сестры. Сохранилась чудесная картина «Прогулка», где художник изобразил себя молодым, бравым офицером, гуляющим с отцом и старшей, сводной сестрой Анной. Он в Москве, в долгосрочном отпуске по болезни отца.

 

Прогулка. Групповой портрет с отцом и сестрой

    1837 год. Павлу Федотову 22 года. Юный, стройный, в мундире с иголочки, полный молодых сил, и сдерживающий полёт шага, чтобы за ним поспели отец и сестра. Он пока не предвидит тяжкой, но великой судьбы. Теперь же, спустя годы, сознательно делает свой выбор, берёт на себя непосильный труд. Итак, отставка.

    Высочайшие особы, надо отдать им должное, благосклонно отнеслись к офицеру, чьи удачные работы показывали и Михаилу Павловичу, и даже его брату-императору Николаю I. Капитану Федотову разрешили выйти в отставку с пенсией в размере оклада. Ему полагался и денщик. Оказавшись теперь свободным художником, он поселился на Васильевском острове, в маленьких холодных комнатах. Верный денщик по фамилии Коршунов будет теперь неизменным спутником его жизни до конца дней. Ежедневный бюджет художника и его слуги составлял 25 копеек серебром, потому что половина пенсии отсылалась в Москву, отцу и сестрам. Работая до изнеможения, Федотов, естественно, отказывает себе в развлечениях. Не изменяет только пению под гитару. Он не женится, потому что боится изменить искусству: «Меня не станет на две жизни, на две задачи, на две любви – к женщине и искусству». Один из друзей свидетельствует: «Федотов работает утром, вечером и ночью, при лампах и солнечном свете, в Академии и дома, работает так, что смотреть страшно».

    Художник оставляет батальную тему и обращается к бытовым сценам. Ни одна живая деталь не укрывается от его зоркого глаза. Быт купцов, чиновников, полицейских ремесленников – всё это находит отражение в бесчисленных набросках, сценках, карикатурах, составляя богатейший натурный материал для картин. Он говорил об этом друзьям: «Моего труда в мастерской немного: только десятая доля. Главная моя работа на улицах и в чужих домах. Я учусь жизнью, я тружусь, глядя в оба глаза». 

    В 1847 году Федотов создаёт две первые картины, которые принесли автору известность - «Свежий кавалер» и «Разборчивая невеста». Первым делом он решается показать оба творения своему кумиру Карлу Брюллову, в это время уже тяжело болевшему.

    - Что-то вас давно нигде не видно, - поприветствовал его худой и бледный Брюллов, откинувшись в вольтерьянском кресле.

    - Вот, всё не осмеливался тревожить вас в болезни, Карл Павлович, едва  решился показать вам две законченные вещицы. - С этими словами Федотов поставил на пол перед креслом Брюллова свои картины, прислонив к стульям. - Прошу прощения, ежели сильно вам докучаю. Не откажитесь взглянуть.

    - Что вы, дорогой мой! Очень рад видеть вас и ваши творения. – Брюллов принялся внимательно рассматривать картины. – Ба! Павел Андреевич, да вы, гляжу, меня обогнали! Что за удовольствие окунуться в обыденную жизнь – и, в то же время, облегчение. Я рад, я вам завидую, но хорошей завистью. Не следовало так пропадать! Вы – мастер, настоящий художник. Разрешите мне пожать вашу руку!

    - Да что вы, Карл Павлович! Я мало учился и никого из великих не копировал, - застеснялся Федотов.

    - И в этом – ваше счастье! Ведь вы смотрите на натуру своим ясным взглядом. А кто много копирует, у того глаз замыливается от манерности и предрассудка. Покажите ваши работы на осенней Академической выставке. Ещё раз поздравляю вас! Ах, обогнали вы меня, обогнали, хотя я и чувствовал и ожидал этого.

    Ободренный Брюлловым, Федотов закончил третью, свою самую значительную, картину «Сватовство майора». За неё его удостоили звания академика живописи.

    Так в русском искусстве прозвучало новое слово: свежее, смелое, искреннее, глубоко правдивое. Родилось новое критическое направление.

 

Свежий кавалер

1846 г. ГТГ

    «Свежий кавалер» - первая картина, написанная Федотовым маслом. За девять месяцев непрерывного труда, художнику удалось добиться полной реальности изображения людей и предметов обстановки. Тщательно выписаны все детали, уделено внимание каждому кусочку, бедного, захламленного пространства. Герой картины - самодовольный и ограниченный чиновник, стремящийся сделать карьеру. Он беден. но первый небольшой успех - и он уже чванится перед теми, кто его ниже. Художник не просто высмеивает задавалу, а пытается через изображение быта показать, что сделало человека таким. Комизм сцены раскрывается Федотовым наглядно, через отношения барина, демонстрирующего первую в жизни награду, кухарке, которая портит ему торжество ухмылкой и дырявыми сапогами, которые показывает ему. Крестик крестиком, а сапоги-то дырявые, и других у вас нету! Тесная и темноватая комнатушка служит жилищем молодому чиновнику, откуда-то приехавшему в Петербург на службу. Или переведенного, милостью покровителя его отца, дяди? За усердную службу чиновник получил орден, первый в его жизни крестик. То-то радость! На радостях он закатывает пирушку для друзей. Дома, поскольку на ресторан не хватает денег, или пирушка продолжилась на убогой квартире, в какой жил в столице гоголевский Хлестаков. И погуляли же, в своё удовольствие, до утра. Товарищи разбрелись, а наш герой всё ещё в возбуждении, от выпитого вина, голова кругом. Не в состоянии уснуть, он, босой и полураздетый, возвышается среди безобразных останков пирушки, нацепив орденский крестик на халат. Хотя, папильотки перед сном закрутить не позабыл. На службе в присутствии необходимо появиться при всём параде. Без стука, скорее всего, в комнатушку вбегает молодая смазливая кухарка с драными сапогами барина. Видя его напыщенную позу, выпяченную губу, она язвительно усмехается и тычет под нос ему сапоги. По её виду, выпирающему животу, можно догадываться, что она состоит с барином в амурной связи. Отсюда её бойкость и непочтение к хозяину, гордо указывающему ей на крестик: ох, дура, не понимаешь, что за фигура перед тобой? Но не только девушка, но и кот не почтителен к новоиспеченному кавалеру. Проснувшись, потянулся и ну драть когтями обивку видавшего виды стула.

Деталь картины

    

    Федотов-сатирик не уступает Гоголю. Он бьёт не по хвастуну-чиновнику и смазливой девке, а целится много дальше – в чванство и пошлость, которые, собственно и составляют жизнь чиновничьего круга. «Свежий кавалер» – образ сатирический, анекдотический, возведённый до апогея: мелкий бедный чиновник, орденок низшего ранга и море спеси - перед теми, кто ещё ниже.

   Теперь Федотов уверен в своей кисти и работе маслом. Каждую картину он мыслит, как отличную вещь, сделанную без изъяна. Историк искусства Н.Г. Машковцев пишет об этой картине: «Свежий кавалер» замечателен не только как новая тема в творчестве Федотова, но и как первая картина, написанная маслом, в которой художник добился полной реальности в изображении предметов обстановки. Цвет и самый материал масляной живописи сообщают изображению предметов полную материальность и такую отчетливую характеристику, которые недостижимы ни для какой иной техники. Вся картина исполнена, как миниатюра: она написана чрезвычайно детально с неослабевающим вниманием и к каждому куску пространства и к каждому предмету».

 

«Разборчивая невеста»

1847 г. ГТГ

    Вторую картину Федотов написал на сюжет одноименной басни И.А. Крылова. Некая красавица до того придирчиво копалась в женихах, в каждом находя недостатки, что в итоге осталась в старых девах. С каждым годом претендентов на её руку становилось меньше, а вместе с этим и красота увядала. Тут она опомнилась и приняла предложение от… калеки. Федотов иллюстрирует последние слова басни Крылова: «И рада была, что вышла за калеку».

   Перед нами - красивая гостиная, обитая красным штофом. Картины в золоченых рамах, богатый канделябр, камин с зеркалом и ширмой, клетка с попугаем. Упавший на колено горбун делает предложение руки и сердца перезревшей деве, которая жеманно прижимает к сердцу букет и кокетливо, то ли отнимает, то ли отдаёт в его власть холёные пальцы другой руки. Глаза её полузакрыты, на устах блуждает улыбка. За шторами родители разборчивой невесты со страхом ждут исхода объяснения. Папенька крестится, а маменька чутко прислушивается, молясь про себя: Господи Боже, только бы на этот раз глупая согласилась!

    Полотно яркое и красочное, напоминает живопись самого Брюллова. Федотов работал над ним быстрее, чем над первым, и профессура Академии художеств, признала его готовым к получению звания академика живописи.

 

«Сватовство майора»

1848 г. ГТГ

    И снова сюжет картины Федотов черпает из обыденной жизни. Случай вполне типичный, когда промотавшийся дворянин сватается к богатой купеческой дочке. Ему надо поправить дела, а купчине, отцу невесты, хочется зятя-дворянина, с чином и званием. Поначалу картина так и называлась: «Поправка обстоятельств, или Сватовство».

    Какой переполох в купеческом доме! Господа уже нарядились, слуги мечутся, накрывают на стол. Хозяйская кошка усердно намывает гостей. Дом прибран и приготовлен к значительному событию. Блестит паркет, навощенный до зеркального блеска. Каждой хрустальной подвеской переливается и сияет огромная золоченая люстра. На стене аккуратно развешены картины в больших рамах тусклой позолоты и небольших простых рамках, тоже тщательно протёртых. А вот, что на них изображено, трудно рассмотреть при неясном освещении. На выставке автор картины сам приходил на помощь зрителям, читая свою рацею:

Разные висят по стенам картины,

Начнем с середины:

На середине висит

Высокопреосвещенный митрополит;

Хозяин православный  христианскую добродетель в нем чтит.

Налево – Угрешская обитель

И в облацех над нею – спаситель…

………………………..

По сторонам митрополита – висят двое

Наши знаменитые герои:

Один батюшка Кутузов,

Что первый открыл пятки у французов,

А Европа сначала

Их не замечала…

………………………………….

А вот извольте посмотреть:

На правой стороне хозяйский портрет

В золоченую раму вдет;

Хоть не его рожа,

Да книжка похожа:

Значит, грамотный!

    Стол у стены накрыт розовой скатертью, расшитой коричневым шёлком и заставлен закусками. Горничная только что принесла и ставит на середину стола аппетитную кулебяку. Мерцает стекло графинчика с наливочкой, наготове бутылка дорого вина и высокие фужеры. И в самом деле, гость уже стоит на пороге. Стареющий бравый майор, с брюшком, подбоченившись, накручивая ус, и явно красуясь, остановился в дверях. Нравится – не нравится, а выбора другого нет. Хорошо, что дочка свеженькая, румяная, пышечка, с пылу с жару. А уж жеманница – спасу нет. Ну, была, не была!

Невеста и мать

    

    Центр картины – середину комнаты – занимают фигуры купчихи и её дочки. Мать и дочь разряжены в дорогие туалеты. На грузной маменьке - платье из плотного переливчатого шёлка, отливающее металлическим блеском. Чтобы блеснуть богатством, она набросила на плечи дорогую расшитую шаль, но ей и в голову не пришло причесаться по моде. При богатом платье повойник – головной убор замужних крестьянок и городских простолюдинок, на её голове, выглядит совершенно нелепо. Лицо купчихи, вероятно, миловидное в молодости, с годами огрубело. Гладкое, полное, одутловатое, оно выдаёт властность, грубость, мещанское честолюбие и духовную нищету купчихи. Федотову удалось передать артикуляцию матери, бранящей глупую дочку. Взгляните, как выписан приоткрытый рот, с губ которого срываются грубые слова. И явственно слышишь: "Дура!» 

    А дочка, в белом воздушном платьице, едва услышав от свахи о прибытии жениха, бросилась вон из комнаты, да так и замерла, уронив платок. Это мать хватко вцепилась в пышные оборки. Рука у маменьки крепкая. Фигура дочери, исполненная движения – голова и торс отклонены вперёд – а мать стоит крепко и осаживает её резко. Художник поместил руку купчихи, схватившую подол дочери, почти в центре картины. О невесте он говорит в рацее:

А вот, извольте посмотреть:

Как и наша невеста

Не найдёт сдуру места:

«Мужчина! Чужой!

Ой, стыд какой!

Никогда с ним я не бывала…

Век в светличке своей я высокой

Прожила, проспала одинокой;

Кружева лишь плела к полотенцам,

И все в доме меня чтут младенцем!

Гость замолвит, чай, речь…

Ай, ай, ай! – страм какой!

А тут нечем скрыть плеч:

Шарф сквозистый такой –

Всё насквозь, на виду!..

Нет, я в светлицу уйду».

    Правда, образ невесты у Федотова вовсе не примитивен, как матушкина персона. Её душевное состояние построено на оттенках противоречивых чувств. Она смущена, чувствует себя неловко в новом богатом платье с огромным декольте. Её впервые увешали драгоценностями – длинные бриллиантовые серьги, тройное жемчужное колье, кольца, браслеты на обеих руках. Жест разведённых рук девушки, выражение капризного личика, поза, всё говорит о неискренности и жеманстве. Ей, конечно, хочется стать майоршей, но она смущается и боится – как-никак, свататься пришёл важный человек. Она думает, что, изображая перед ним скромность и робость, заставит его плениться собой, а не миллионами тятеньки.

    Федотов, большой мастер, стремится помочь зрителю прочесть сцену, увязывая жесты и позы героев, подсказывая направление и последовательность осмотра картины.

Майор

     От группы матери и дочери взгляд зрителя скользит сразу в соседнее помещение, где стоит первопричина переполоха – кандидат в женихи. Федотов любит изображать действие в смежных комнатах. Этот приём позволяет обогатить действие и яснее выразить общий смысл и характеры героев. В «Сватовстве майора» изображен момент, когда хозяева и гость ещё не увидели друг друга. Острый момент, когда участники сделки ещё не успели надеть на лица приличествующие маски. Майор, стоящий в проёме дверей, полностью уверен, что пока невидим и с нетерпением ждёт встречи с невестой и её родителями. От их благосклонности зависит его будущее, и он хочет произвести на них впечатление, заранее готовит эффектную позу, уперев левую руку с шляпой в бок, подле эфеса сабли. Правой рукой он подкручивает ус. Фигура его ещё не утратила военную выправку, подтянута. Глаза прищурены, в усах прячется геройская усмешка. Он чувствует себя, как перед сражением, которое будет выиграно.

И вот извольте посмотреть,

Как в другой горнице грозит ястреб горлице, -

Как майор толстый, бравый,

Карман дырявый,

Крутит свой ус:

«Я, дескать, до денежек доберусь!»

    Федотов посвящает этому герою поэму, повествуя о жизни майора до сватовства, его неудачах по службе. Майор приходит к выводу, что с военной карьерой пора кончать, мечтает о «тёплом месте»,  на таможне, в полиции, провиантском складе. Увы, чтобы занять одно из этих местечек, необходимо дать немалую взятку.

Ведь нельзя сказать – берут:

Чист-начисто дерут,

Начиная с самой справки.

Ты придёшь, как точно в лавке

Там на всё уж такса есть.

    Мелкие чиновники берут полсотни, а в высших сферах огребают десятки тысяч. Вот и приходится майору крепко призадуматься о женитьбе на приданом. Поэма Федотова кончается на том, как он посылает слугу за свахой Панкратьевной, чтобы она отправилась с предложением руки и сердца офицера и дворянина к дочери миллионера, лесного подрядчика Кулькова. Невеста в поэме непривлекательна, ряба, неуклюжа, «Отче наш» и «Богородицу» читает по слогам. Майор ни разу её не видел, но комедия брака в том, что любовь там питается к денежному мешку и чину. Майор наставляет сваху, как следует его расхваливать. Конечно, он, подобно Хлестакову, лжёт, лицемерит. Ему не впервой волочиться за юбками, и супругу с богатством подцепить. Хотя, в варианте картины 1948 года, который мы рассматриваем, бравый майор – совсем не эта, отталкивающая личность, из поэмы. Он моложав и подтянут, хотя побуждения его к женитьбе и тут очевидны. За спиной его – только пустая светло-зелёная стена. Этим приёмом художник хочет остановить движение глаз зрителя в глубину и вернуться в гостиную по направлению руки свахи, стоящей у порога и возвещающей о прибытии жениха. Фигура свахи расположена между майором, на которого указывает рука, и купчиной, к которому обращен взгляд. Сваха – посредница при продаже невесты за дворянское звание и чин. От неё взгляд зрителя падает на фигуру купца. Денежный мешок что-то уж слишком беспокоен. Суетливыми движениями дрожащих пальцев, он никак не сладит с сюртуком, не попадёт пуговицей в петлю. Сюртук, надетый по случаю торжества, неудобен. То ли дело армяк! На лице купца застыла заготовленная заранее улыбка.

Вот сам хозяин-купец,

Денег полон ларец,

Есть, что пить, есть, что есть…

Уж чего бы ещё? Да взманила, вишь, честь:

«Не хочу, вишь, зятька с бородою,

И своя борода –

Мне лихая беда,

На улице всякий толкает,

А чуть-чуть под хмельком,

А пойди-ка пешком вечерком,

Глядь! – очутишься в будке

Прометёшь потом улицу сутки.

А в густых (эполетах) – будь-ко зять –

Не посмеют нас взять!

Мне по крайности дай хоть майора…»

    Далее взгляд зрителя направляется в глубину комнаты, где накрывается праздничный стол. Горничная, ставящая на стол кулебяку, искоса, прищурив глаза, с неодобрением смотрит невесту. Служанка – единственный положительный герой картины, сторонник автора. Кому, как не знать капризницу барышню. Девица давно спит и знатного жениха видит. Вишь ты, жеманиться, а сама рада, радёхонька стать майоршей!

    Взгляд горничной – беспощадный. Встретившись с ним, зритель отметает последние сомнения в том, что девушка искренне смущается и боится, что она участвует в этом спектакле по приказу родителей.


Горничная

    За спиной горничной ещё два характерные фигуры. Старуха-приживалка, привлеченная суетой, бесплотной тенью суётся в комнату и шёпотом спрашивает у лакея, что здесь такое? Старуха в повойнике, морщинистое лицо – одна из толпы приживалок, бедных родственниц, обитающих в доме. Лакей – сиделец из трактира, приглашенный прислуживать господам. Он – лицо в доме чужое, и потому шёпотом обстоятельно отвечает старухе, а не цыкает на неё.

    Ещё один приём – в гостиную ведут три распахнутые двери, за которыми скрываются кулисы жилья. Перед одной дверью стоит майор. Через другую - суёт нос приживалка. В третью пытается ускользнуть невеста. Там – её светёлка и жилые комнаты. Таким образом, Федотову удаётся раздвинуть рамки пространства.

    Невеста и жених, как главные персонажи, выделены на полотне. Светлая фигура девушки четко написана на тёмном фоне заднего плана картины. Рядом с матерью, её фигура светоносна, хоть и тяжеловата. Майор привлекает внимание тем, что его фигура изображена против света, почти черный силуэт на фоне светло-зелёной стены. Лицо же повернуто так, что оказалось на свету, для того, чтобы прочесть по нему настроение героя. Умелое распределение света помогает зрителю, минуя затенённые фигуры, сразу от дочери с матерью, обратиться к жениху. Федотов словно спешит дать ответ на причину переполоха в доме.

   Для художника также всегда важен цвет, создающий атмосферу действия. Федотов во множестве использует оттенки тёплого коричневого. Пол красновато-коричневый, стены серые с коричневым, потолок, расписанный «пукетами» грязновато-коричневый. Пользуясь всей этой гаммой оттенков коричневого цвета, художник удачно справляется с задачей перенесения на полотно «тёмного купеческого царства», затхлой атмосферы дома, и даже затхлого воздуха. Зелёная стена, на фоне которой написана фигура майора, звучит некоторым диссонансом. Дворянин вносит новую струю в монотонный быт купеческого семейства. Вторая цветовая линия в картине отдана оттенкам белого. Взгляд внимательного зрителя обязательно упадёт на передний план слева – на голубовато-белую скатерть столика возле двери, в которую собирается ускользнуть невеста. Затем внимание перемещается на белый передник горничной, и оттуда сразу же в центр, к пышному, будто роза, кружевному платью невесты и оброненному ею платку. Шаль матери тоже белая, только с розоватым отливом, останавливает на себе взгляд, который затем скользит вниз – к белой грудке намывающей гостей кошки, а от неё идёт к белому платку свахи и завершает движение на белом косяке открытой двери, перед которой ожидает майор и небольшом кусочке потолка в зелёной комнате.

    Все герои Федотова очень обыденны. Среди них мы упоминали только один положительный образ горничной, однако и к остальным нельзя клеить ярлык отрицательных персонажей. Всё, что происходит в доме – житейское дело. Каждый стремится к лучшему, как может. Майору хочется разбогатеть, купеческой дочери стать майоршей, купцу – обрести благородного зятя. Для художника очень важен мир вещей. В стремлении передать красоту предметов, он неустанно пишет с натуры. Друзья Федотова вспоминали, как он не хотел приступать к картине, пока не выучится писать красное дерево, отделку подсвечника, тусклую позолоту люстры и рам. Он постоянно ищет неодушевлённых «натурщиков» и находит, строит распорядок дня так, чтобы совершать ежедневные длительные прогулки, во время которых «у него словно бы появлялась ещё одна пара глаз – настолько обострённо видел Федотов в сравнении с обыкновенным человеком окружающую жизнь». А сколько делается подготовительных рисунков! Дошло, например, множество вариантов лица и фигуры невесты и купца, сколько было поисков в рядах Гостиного двора, или на рынках. Образ майора дался Федотову легче остальных, поскольку у него имелся собственный богатый опыт, он сам был военным. Интересно, что после выставки Федотову выразил свой восторг не кто иной, как герой его картины – некий майор в отставке, чью историю художник со всей правдой жизни перенёс на полотно. Этот живой майор, женившийся для поправки обстоятельств на богатой купчихе, оказался счастливым человеком.

    «Сватовство майора» - самое многофигурное законченное полотно Федотова. Последние картины – подлинные шедевры по глубине содержания и мастерству, имеют одного главного героя. Некоторые из них сам автор не считал законченными. Профессиональное творчество Федотова продолжалось менее десяти лет, но и то, что ему удалось сделать, оставило значительный след в русской жанровой живописи.

 

«Завтрак аристократа»

1849-1850 г.г. ГТГ

    Ещё один промотавшийся  дворянчик. За душой – ни гроша. На завтрак слуга подал ему в кабинет кусок хлеба. И вдруг – трель колокольчика! Не в пору явился утренний гость, и смущенный хозяин кабинета торопится прикрыть книгой кусок черного хлеба. 

 «Какой стыд – в обществе, не дай бог, узнают, что я несостоятелен! Меня перестанут приглашать в лучшие дома, а то, и открыто могут указать на двери!». 

    Художник иронизирует над противоречием между аристократическими претензиями героя, изяществом обстановки и реальной нищетой. Но пока щёголю удаётся скрывать несчастное положение. Комната обставлена дорогой модной мебелью и полна изысканных безделушек. Под столом дорогая ваза – она используется в роли корзины для мусора. 

    На столе золотое пресс-папье. На стуле, на видном месте – объявление о продаже устриц. Рядом с креслом хозяина вертится пудель, подстриженный под льва - благородная собака. Заслышав звон колокольчика и шаги в прихожей, собака подаёт голос.

«Вдовушка»

1851 г. ГРМ

    Картина создана под впечатлением от горя сестры Любушки, оставшейся вдовой, с ребёнком на руках и беременной вторым. Муж сестры, чиновник, проиграл состояние, вещи были описаны и проданы в счет уплаты долга. В картине образ изящной молодой женщины полон щемящей грусти и безысходности свершившегося несчастья. Она осталась одна, без средств для существования, да ещё с ребёнком. Все вещи уже описаны – к ним приклеены ярлыки. На комоде стоит портрет покойного мужа-офицера. Федотов изобразил на нем самого себя, вероятно по той причине, что его не покидали мысли о своей смерти.

 

«Анкор, ещё анкор!»

1851-1852 г.г. ГТГ

    Картины и рисунки Павла Федотова представляют пёстрый калейдоскоп характеров и типов середины 19 века. Среди них есть и комические и трагические персонажи. Картина «Анкор, ещё анкор!» - одна из самых драматических в русской живописи.

    Тесная низкая комната в простой избе погружена в сумрак. Горит свеча на столе. На лавке на животе, задрав босую ногу, развалился офицер, освободившийся от дежурства и от нечего делать, дрессирует собаку. Видно, как изнемог бедняга пудель, устал и хозяин, занимающийся дрессурой  лишь оттого, что ему совершенно нечем заняться. Круг его жизни – казарма, караул, занятия на плацу, но, коль служебные обязанности исполнены - впереди бездна пустого времени. За окном угадывается холодное зимнее небо, безлюдная деревенская улица. «Анкор!» - бессмысленно кричит офицер, что по-французски означает «повторить», подгоняя пуделя, и тот скачет через подставленный чубук трубки – туда-сюда…

    Картина «Анкор, ещё анкор!» - это символ лишенного смысла существования в захолустье, где прыжки измученной собаки, словно маятник, отсчитывают время молодого, образованного офицера, заброшенного туда, где нет никакого применения  уму и силе.

    Автор считал это полотно незаконченным и собирался довести до ума, усилить смысл идеи, превратить слова команды «Анкор, ещё анкор!» в характеристику жизни самого главного героя. Унылая бесконечная череда дней, полных тоски, безнадёжности, однообразия, бессмысленного движения – словно в небытии протекает эта молодая жизнь. Становится страшно за судьбу офицера, вероятно, честного и благородного, но занесённого судьбой куда-то в полк, в богом забытое местечко. Если и дальше так, то  что его ждёт?

«Игроки»

    Почти фантастическая по позам фигур и колориту, эта картина осталась незавершенной. Глубокой ночью картежники, наконец-то поднимаются из-за стола и потягиваются, разминая члены. При свечном освещении, картина кажется жутковатой. На стенах висят золотые рамы без картин. Белые холсты напоминают о привидениях. Подобная фантастическая атмосфера создана Пушкиным в «Пиковой даме», в прозе Достоевского.

    Напряжение всех сил, бесконечная работа, семья, которую надо было содержать, чувство к женщине, от которого никуда не деться в молодые годы, намного сократили жизненный путь Павла Федотова. Художник сошёл с ума и умер в психиатрической лечебнице 26 ноября 1852 года. Ему было тридцать семь лет. Собратья по искусству не забывали его, но публика не в состоянии долго помнить, если ей не напоминать о себе. В петербургских газетах о смерти Федотова не было напечатано ни одной строчки.

    Спустя годы, критик-демократ В.В. Стасов напишет о Павле Федотове: «Он умер, произведя на свет лишь маленькую крупинку из того богатства, каким одарена была его натура. Но эта крупинка была чистое золото и принесла потом великие плоды».

   

   

   

   


Тайны старых картин Третьяковки - Самый загадочный блогер России — LiveJournal

Вот народ сейчас ломится в Государственная Третьяковская галерея на выставку картин Айвазовского. А ведь сейчас здесь же, в Третьяковке, в Инженерном корпусе, проходит уникальная выставка Тайны старых картин. Когда вы ещё посмотрите на обратную сторону картины и узнаете о том, что с другой стороны холста, оказывается, тоже есть интереснейшие загадки. Когда ещё вам покажут то, что скрыто под основным слоем картины в рентгеновском излучении? Когда ещё вы увидите эскизы известных картин в которых сюжеты и лица могут быть абсолютно другими?

Начнём с известнейшей картины Василия Пукирева "Неравный брак". Обратите внимание на молодого человека с бородкой, который стоит за невестой. Это сам Василий Пукирев и считалось, что это история его несчастной любви, когда его невеста вынуждена была выйти за Алексея Марковича Полторацкого, который был предводителем тверского дворянства.



Но...Давайте посмотрим эскиз картины и что мы видим? Обратили внимание? За невестой стоит похожий, но немного другой человек.

02.

Это друг Пукирева Сергей Михайлович Варенцов. Он был влюблён в Софью Николаевну Рыбникову, которую отдали замуж за Андрея Александровича Карзинкина. А Варенцов присутствовал при этом венчании

03.

04. Но что мы видим ещё, анализируя картину и историю? Оказывается Андрею Карзинкину из второй версии было всего 37 лет на момент венчания, тогда как Алексей Полторацкий был вполне себе старцем, что мы и видим на этюде "Голова старика", который был написан к картине. Хотя есть версии что голова была списана с князя Павла Цицианова или с повара Владимира Ивановича, служившего у Варенцовых

05. И вот тут, через много лет, в 1907 году появляется джокер - рисунок карандашём В.Д.Сухова. А на нём надпись: "Прасковья Матвеевна Варенцова, с которой 44 года назад художник В. В. Пукирев написал свою известную картину "Неравный брак". Госпожа Варенцова живёт в Москве, в Мазуринской богадельне". Так тайна картины была разгадана

Идём дальше. Вот картина Исаака Бродского "Аллея парка", написанная в 1930 году. Казалось бы, что в этом необычного? Парк с гуляющими советскими людьми. Но исследователи обратили внимание на деревья, крона которых была не очень типична для советских парков

06.

Была известна такая же картина Бродского из итальянского цикла "Аллея парка в Риме", написанная в 1911 году. Она считалась утерянной. И вот исследователи решили просветить картину "Аллея парка" рентгеновскими лучами. И что же они увидели? Они увидели ту самую картину "Аллея парка в Риме", которая считалась пропавшей. Представьте себе 1930 год. Маховик репрессий начинает раскручиваться. И картина. восхваляющая буржуазную Италию могла принести художнику большие проблемы. И Бродский немного меняя фигуры людей делает из итальянского парка парк советский. Но, благодаря рентгеновским снимкам и неутомимым исследователям Третьяковки мы можем увидеть картину "Аллея парка в Риме". Можете сравнить

07.

08. "Портрет неизвестного в треуголке" Фёдора Степановича Рокотова. Казалось бы, что в нём необычного? Ну лицо похоже на женское. Но больше вроде бы и ничего. Считалось, что это портрет графа Бобринского.

09. Ан нет. Рентген открыл нам женское лицо, предположительно жены помещика Струйского Олимпиады Сергеевны Балбековой. Она скончалась в возрасте 20 лет

10. "Портрет Елизаветы Петровны в молодости" работы неизвестного художника тоже вроде бы представляет собой классический портрет середины 18 века. Это копия с картины придворного живописца Л.Каравака "Портрет цесаревны Елизаветы Петровны в мужском костюме"

11. Но взглянув на оборотную сторону картины мы видим зеркальный портрет Елизаветы с надписью "Ея императорскаго высочества Гдрни цесарвны въ младыхъ Ея лътахъ, что послъ Была всепресветлейшая Гдрня императрица Елисаветъ Петровна". Интересно, что написан портрет на тончайшем холсте. Это единственная такая работа в мире

12.

13. С картиной "Монахиня" Ильи Репина связана курьёзная история. Это Софья Репина, которая вышла замуж за брата художника. Но почему же она изображена монахиней?

14. Дело в том, что, по воспоминаниям племянницы художника Л.А.Шевцовой-Споре, Репин и Софья поссорились, и художник психанул. Ну творческий человек, бывает. Взял да и переделал лёгкий портрет Софьи в кружевном платье в монашеский.

Я, пожалуй, остановлюсь на этом и не буду больше открывать тайны остальных старых картин. Должна же быть загадка для вас. А, поверьте, там ещё очень много тайн разных известных картин можно разгадать. Поэтому идите, бегите срочно на эту уникальную выставку. Она работает до 21 августа. У вас ещё есть время успеть на неё.

Спасибо grushenka, catherine_catty, lotta20, balakina_ann, juliya_lambert, da_dmitriy, nastyono4ka, bulyukina_e, glukovarenik, lidik2012, shpy, lica_alica, olga_sorokina, petelyka, lady_morrygan, tana_cat, macro_jane

Художников по направлению: Рококо

Художественное движение

Рококо наполнил мир искусства и дизайна интерьеров аристократическим идеализмом, который отдавал предпочтение сложному орнаменту и замысловатым деталям.Картины, ставшие визитной карточкой той эпохи, были созданы в честь грандиозных идеалов рококо и страсти к аристократическому образу жизни и развлечениям. Это движение, развившееся во Франции в начале 1700-х годов, превратилось в новый беспрецедентный союз декоративного и изящного искусства, который стал визуальным лексиконом, проникшим в континентальную Европу 18-го века.

В живописи рококо в первую очередь испытал влияние венецианской школы на использование цвета и эротических сюжетов. Известные художники Джорджоне и Тициан, среди прочих, повлияли на акцент периода рококо на кружащемся цвете. Пасторальный концерт (около 1509 г.), впервые приписываемый Джорджоне, хотя теперь он считается одним из ранних произведений Тициана большинством ученых, был классифицирован Лувром как Fête champêtre , или вечеринка на открытом воздухе, когда он впервые стал частью собрание музея. Произведения эпохи Возрождения, изображающие двух обнаженных женщин и двух мужчин-аристократов, играющих музыку в идеализированном пасторальном пейзаже, сильно повлияли на развитие рококо Fête galante или картин ухаживания.Термин относится к историческим картинам приятных прошлых времен и стал популяризироваться в работах Жана-Антуана Ватто. Его «приемная» для Королевской академии пейнтюра и скульптуры, Посадка на Киферу (1717), по сути, положила начало движению рококо. Академия ввела термин Fête galante для обозначения работы, тем самым установив категорию, которая должна была стать доминирующим элементом живописи рококо. Изображение аристократов, одетых как для бала или в костюмах, которые винят, обедают и занимаются любовными развлечениями в садах и парках Аркадии, стало чрезвычайно популярной темой.Он не только понравился частным посетителям, но и его мифологизированные пейзажи и декорации соответствовали стандартам Академии, которая причисляла историческую живопись, включая мифологические сюжеты, к высшей категории.

В начале своей творческой карьеры Ватто присоединился к студии Клода Одрана, известного декоратора, где он познакомился и стал коллегой по творчеству Клода Жилло, известного своим оформлением комедии commedia dell'arte , или комикса. театральные постановки. В результате работы Ватто часто выражали театральный подход, показывая фигуры в костюмах среди декораций, освещенных искусственным светом.Клод Одрен был официальным хранителем Люксембургского дворца, и, работая с ним, Ватто скопировал серию из двадцати четырех картин Питера Пауля Рубенса «Жизнь Марии Медичи » (1622–1625 гг.) Из серии «». дворец. Серия Рубена, сочетающая аллегорические фигуры и мифологические сюжеты с изображениями королевы и аристократического двора, продолжала служить источником информации для творчества Ватто. Рубенс был пионером в технике использования трех мелков, что означает использование красного, черного и белого цветов для создания колористических эффектов.Ватто овладел этой техникой до такой степени, что его имя стало ассоциироваться с ней, и она была широко принята более поздними художниками рококо, включая Франсуа Буше.

Под влиянием Рубенса и Ватто Буше стал самым известным художником зрелого периода рококо, начиная с 1730 года и до 1760-х годов. Известный своей картиной, в которой аристократическая элегантность сочетается с эротической обработкой обнаженной натуры, как показано в его Туалет Венеры (1751), он в равной степени оказал влияние на декоративное искусство, театральные постановки и дизайн гобеленов.Он был назначен первым художником короля в 1765 году, но наиболее известен своими долгими отношениями с мадам де Помпадур, официальной первой любовницей короля Людовика XV и известным покровителем искусств.

Мадам де Помпадур, урожденная Жанна-Антуанетта Пуассон, была названа «крестной матерью рококо» из-за ее центральной роли в продвижении этого стиля и превращении Парижа в художественную столицу Европы. Она повлияла на дальнейшее применение стиля рококо благодаря покровительству таких художников, как Жан-Марк Наттье, скульптор Жан Батист Пигаль, дизайнер обоев Жан-Батист Ревейон и гравер по драгоценным камням Жак Гуай.Она оставалась его доверенным лицом и доверенным советником короля до самой своей смерти в возрасте 42 лет от туберкулеза. Ее роль и статус стали де-факто определением королевского патронажа. Среди других известных художников французского рококо были Жан-Батист ван Лоо и Франсуа Лемойн. Лемойн был известен своими историческими аллегорическими картинами, которые можно увидеть в его Апофеоз Геракла (1733-1736), написанном на потолке Салона Геркулеса в Версале. Отмеченной особенностью французской живописи рококо была манера, в которой ряд известных семей художников, таких как ван Лоос, поддерживали последовательный стиль и тематику в своих мастерских.

Живопись стала лидером в итальянском рококо , примером чему служат работы венецианского художника Джамбаттисты Тьеполо. Сочетая акцент венецианской школы на цвете с квадратурами или потолочными росписями, шедеврами Тьеполо были фрески и большие алтари. Прославленный на всю Европу, он получил множество королевских заказов, таких как его Апофеоз испанской монархии (1762-1766) в Королевском дворце в Мадриде.

Итальянское рококо также было известно своими великими пейзажистами, известными как «живописцы с видом», в частности, Джованни Антонио Канал, известным просто как Каналетто.Он был пионером в использовании двухточечной линейной перспективы при создании популярных сцен с каналами и зрелищем Венеции. Его работы, такие как его Венеция: Санта-Мария делла Салюте (ок. 1740 г.), пользовались большим спросом у английских аристократов. В 1700-х годах для молодых английских аристократов стало обычным совершать «Гранд-тур», посещая известные места Европы, чтобы изучить классические корни западной культуры. Поездки положили начало своего рода аристократическому туризму, и Венеция стала известной остановкой, известной своей гедонистической карнавальной атмосферой и живописными видами.Эти молодые аристократы также часто были коллекционерами и покровителями произведений искусства, и большинство работ Каналетто были проданы английской публике, а в 1746 году он переехал в Англию, чтобы быть ближе к своему рынку произведений искусства, и прожил там почти десять лет.

Пастельные портреты Розальбы Каррьеры, как миниатюрные, так и полноразмерные, а также ее аллегорические работы пользовались спросом во всей Европе, так как ее приглашали в королевские дворы Франции, Австрии и Польши. Она была пионером в использовании пастели, ранее использовавшейся только для подготовительных рисунков, в качестве средства для рисования, и, связав мел в палочки, разработала более широкий диапазон мазков и подготовленных цветов.Ее Портрет Людовика XV как Дофина (1720-1721) установил новый стиль портретной живописи рококо, подчеркнув визуальную привлекательность и декоративный эффект.

Английский рококо , который называли «французским стилем», был более сдержанным, так как излишества стиля были встречены мрачным протестантизмом. Это прослеживается в творчестве британских художников, таких как Уильям Хогарт, Томас Гейнсборо и швейцарка Анжелика Кауфман. В своей книге The Analysis of Beauty (1753) Хогарт выступал за использование змеевидной линии, считая ее более органичной и эстетически идеальной.Гейнсборо сначала учился у Грейвло, бывшего ученика Буше, чья перистая манера письма и цветовая палитра повлияли на портретную живопись Гейнсборо в сторону плавности света и цвета. Анжелика Кауфман родилась в Швейцарии, но большую часть жизни провела в Риме и Лондоне. С 1766 по 1781 год она жила в Лондоне, где влиятельный сэр Джошуа Рейнольдс особенно восхищался ее портретами. Одна из двух женщин, избранных в Королевскую академию художеств в Лондоне, она сыграла значительную роль как в продвижении стиля рококо, так и, впоследствии, неоклассицизма.

В 1750 году мадам де Помпадур отправила своего племянника Абеля-Франсуа Пуассона де Вандиера изучать развитие итальянского искусства и археологии. Вернувшись с энтузиазмом к классическому искусству, Вандиер был назначен директором Королевских зданий, где начал выступать за неоклассический подход. Он также стал известным художественным критиком, осудившим Буше petit style , или «маленький стиль». Известные мыслители того времени, в том числе философ Вольтер, художественный критик Дидро, также критиковали рококо как поверхностное и декадентское.Эти тенденции, наряду с растущим революционным пылом во Франции, привели к тому, что к 1780 году рококо вышло из немилости.

Новое движение неоклассицизма, возглавляемое художником Жаком-Луи Давидом, подчеркивало героизм и моральную добродетель. Студенты-художники Дэвида даже спели насмешливую песнь «Ванлоо, Помпадур, рококо», выделив стиль, одного из его ведущих исполнителей и самого известного покровителя. В результате к 1836 году оно использовалось для обозначения «старомодных», а к 1841 году использовалось для обозначения работ, которые считались «безвкусными и витиеватыми».«Негативные коннотации продолжались и в ХХ веке, как видно из описания в словаре 1902 года.« Следовательно, рококо используется ... для обозначения чего-либо слабо претенциозного и безвкусного в искусстве или литературе ». , поскольку дизайн рококо, несмотря на новые тенденции в столице, продолжал пользоваться популярностью во всех французских провинциях. В 1820-х годах при восстановленной монархии короля Луи Филиппа возрождение, названное «вторым рококо», стало популярным и распространилось в Британии и Бавария.В Великобритании возрождение стало известно как викторианский рококо и продолжалось примерно до 1870 года, одновременно оказывая влияние на американское возрождение рококо в Соединенных Штатах, возглавляемое Джоном Генри Белтером. Этот стиль, широко используемый для высококлассных отелей, в 20 веке был назван «Le gout Ritz». Однако в живописи рококо потерял популярность, за исключением жанровых картин Шардена, высоко оцененных Дидро, которые продолжали оказывать влияние и позже оказали заметное влияние на Поля Сезанна, Эдуарда Мане и Винсента Ван Гога.

Эдмунд и Жюль де Гонкур заново открыли для себя крупного художника в стиле рококо Жана-Оноре Фрагонара в L'Art du XVIIIe siècle (Искусство восемнадцатого века) (1865). Впоследствии он оказал влияние на импрессионистов, особенно на Пьера-Огюста Ренуара и Берту Моризо, и впоследствии оказал влияние на современных художников, таких как Йинка Шонибаре, Кент Монкман и Лиза Юскаваге. Также заново открытая братьями де Гонкур, комедия комедии дель арте Ватто оказала влияние на Пабло Пикассо, Сезанна и Анри Матисса, а также на многих поэтов, таких как Поль Верлен и Гийом Аполлинер, композитор Арнольд Шёнберг и хореограф Джордж Балан.

Термин рококо и связанные с ним художники начали подвергаться критической переоценке только в конце 20-го века, когда движения поп-арта и работы таких художников, как Дэмиен Херст, Кехинде Вили и Джефф Кунс, создали новый контекст. для искусства, выражающего те же витиеватые, стилистические и причудливые обработки. Рококо оказал влияние на современность, что видно из логотипа Ай Вэйвэя (2017), где, как писал искусствовед Роджер Кэтлин: «То, что выглядит как причудливый дизайн обоев в стиле рококо в черно-белом и золотом цветах, на самом деле является комбинацией наручников и цепочек. , камеры наблюдения, птицы Twitter и стилизованные альпаки - животное, которое в Китае стало мемом против цензуры.«Это движение живет и в популярной культуре, как показано в популярной песне Arcade Fire« Рококо »(2010).

См. Также Рококо (стиль)

Источники: www.theartstory.org

Википедия: https://en.wikipedia.org/wiki/Rococo

Федор Степанович Рокотов | Русский художник

Федор Степанович Рокотов , (род. 1735/36, Москва, Россия, скончался 12 декабря).12 [Дек. 24, Новый стиль], 1808, Москва), русский художник, выдающийся мастер камерного портрета, близкого идеям сентиментализма и рококо. Ему приписывают изобретение уникального личного стиля в русской портретной живописи.

Хотя он был крепостным или вольноотпущенником по рождению, в творчестве Рокотова не было никаких следов его скромного происхождения. Скорее, лица на его картинах были отмечены изысканностью, отсутствующей в других портретах того времени. Несмотря на головокружительные успехи, обеспечившие ему императорские ордена, звание академика и дворянство, он никогда не забывал своего происхождения.

Стремительный рост Рокотова начался под покровительством графа Ивана Шувалова, основателя первого в России университета в Москве (1755 г.) и Академии художеств в Санкт-Петербурге (1757 г.), фаворита императрицы Елизаветы. Именно благодаря графу Шувалову 20-летнему Рокотову была предоставлена ​​возможность написать портрет наследника престола Великого князя Петра Федоровича (впоследствии Петра III), а в 1760 году по распоряжению графа Рокотов был принят в академию.В 1762 году при представлении своего портрета только что вступившего на престол Петра III Рокотов был произведен в придворный художник. Годом позже он написал портрет новой императрицы Екатерины II (1763 г.), который должен был стать образцом для более поздних портретов и много копировался. Рокотову стало трудно справляться с растущим числом заказов, порой ему приходилось одновременно работать над примерно 50 портретами. Наконец, в 1765 году ему было присвоено звание академика. Но, на пике своей славы, Рокотов неожиданно покинул Петербург.Петербург для более провинциальной Москвы, используя свое недавно обретенное звание, чтобы дистанцироваться от посягательств императорского двора на свою художественную свободу.

В Москве он, насколько мог, избегал всех официальных просьб о картинах, но охотно рисовал членов московского общества в небольших интимных портретах. Это были портреты до плеч или до пояса, их оттенки основывались на нежных выцветших тенях, освещенных так мягко, что контуры были расплывчатыми, холст проступал сквозь хрупкие цвета.В этих портретах формы утратили свой объективный характер, их хрупкость стала отражением тонкости духовной жизни героя. Эта драгоценная сущность образов не меняется от портрета к портрету: душа, управляющая воображением Рокотова, идеальна и заложена в самых разных чертах. Иногда на его портреты ставили печать социального ранга, в соответствии с желанием покровителя - как, например, на портрете графини Екатерины Орловой, одной из фрейлин Екатерины II, изображенной в подобающей одежде и с непроницаемым надменным, но в то же время вежливым выражением лица ( ок. 1779). Реже, когда хрупкий идеал совпадает с действительностью, он получает открытое проницательное воплощение, как на портрете (1772 г.) 18-летней Александры Струйской, с семьей которой дружил Рокотов, и молодого князя Ивана Барятинского. (1780-е годы).

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас

Своеобразие живописи Рокотова - изысканные оттенки, нежное освещение, музыка неуловимых линий и кривых - во многом свидетельствует о влиянии итальянского живописца Пьетро Ротари, который познакомил Санкт-Петербург с живописью рококо.В Петербурге, где он жил с 1756 по 1762 год, Рокотов серьезно относился к утонченному языку, выражавшему изящную игру чувств рококо, и старался использовать его как живое выражение своего времени. В последние годы жизни Рокотов писал почти исключительно женские портреты.

Федор Степанович Рокотов - Биография, интересные факты, известные произведения

Рокотов родился в 30-х годах XVIII века в селе Воронцово (входит в нынешнюю территорию Москвы) в семье крепостных.Начальное художественное образование получил под руководством Л. Ж. Ле Лоррена и П. де Ротари, усвоив тонкие принципы стиля рококо. В 1760 году по приказу своего вельможи и покровителя И. И. Шувалов живописец был отмечен Академией художеств в Санкт-Петербурге.

В 1765 г. присвоено звание академика. С конца 1766 г. жил и работал в москитоцидных известных произведениях Рокотова, датируемых 1790-ми годами.

Художник скончался в Москве 12 (24) декабря 1808 г.

Жизнь Федора Степановича Рокотова, самый поэтичный портрет XVIII века, долгое время оставалась загадкой.Художник, при жизни пользовавшийся огромной славой, после смерти был забыт на целое столетие. Только ХХ век назад носит имя русского искусства.

На протяжении многих лет существовала версия о дворянском происхождении Рокотова. Однако по недавно найденным документам стало известно, что Федор Степанович Рокотов был выходцем из подмосковной крепостной усадьбы Воронцово, которая принадлежала князю П. И. Репнину. Он родился в 1735 году, а первое упоминание о художнике встречается в 1757 году в связи с созданием «Портрета неизвестного юноши-гвардейца в погонах» (1757, Государственная Третьяковская галерея).Тогда же была написана картина «Кабинет И. И. Шувалова», известная по копиям ученика Рокотова А. Зяблова (1779 г., Гос. Исторический музей).

И.И. Шувалов, первый президент Российской Академии художеств, решительный покровитель молодого художника и его «словесное повеление» Рокотова в 1760 г. был принят учеником в Академию Успеха художника, привлек к себе внимание, и вскоре он стал известен двору, а в 1762 году за большой парад «Портрет Петра III» (РМ) получает чин сподвижника.К лучшим произведениям раннего периода творчества Рокотова относятся «Портрет Екатерины II в коронационном платье» (1763, ГТГ), послуживший своеобразным эталоном, который был создан, и портрет любовника императрицы Григория. Орлов (1762-1763, ГТГ).

Парадные портреты Рокотова обладают декоративной красотой, искусным рисунком. При определенных требованиях к построению работ в этом жанре артист каждый раз находит интересную версию песни.

В 60-е годы Рокотов пишет и серию интимных портретов, в основном мужских.Они почувствовали большой интерес к оригинальности внешнего вида человека, характера личности. Выразительные портреты нарядного тонкого дворянина И. Г. Орлова (Государственный Русский музей). Портрет государственного деятеля и писателя И. Л. Голенищева-Кутузова, дяди известного военачальника (Государственный Русский музей). Особо примечателен портрет В. И. Майкова (ок. 1765, ГТГ), чья внешность за томную мягкость угадывала проницательность, ироничный ум талантливого поэта. Чувственная личность Майкова написана осязаемым, материальным и цветным портретом, основанным на сочетании зеленого и красного, подчеркивает полнокровность, жизненность образа.Это произведение - одно из самых значительных в искусстве XVIII века. В эти годы Рокотов находится в большой славе. Он получает такое количество заказов, с которыми не справляется в одиночку. Так художник берется за исполнение только основной части портретов пишет головой: одежду и другие предметы выполняют его помощники.

В 1775 году за копию с картины Джордано Венера, Амур и Сатир, сделанную по гравюре Финского залива Бартолоцци, Рокотов получает звание академика и навсегда покидает столицу.

Москва, которую посетил Рокотов, в то время была большей творческой свободой по сравнению с официальным Петербургом. В Москве развернута деятельность крупнейшего русского просветителя Н. И. Новикова, там талантливый драматург А. П. Сумароков, известный поэт М. М. Херасков создает литературный кружок молодежи. В этой просвещенной, прогрессивной среде формируется мировоззрение Рокотова, которое отчетливо начинает проявляться в его творчестве с конца 60-х годов.

Последним официальным заказом, сделанным не позднее 1768 года, стала серия портретов попечителей Московского воспитательного дома - И.Н. Тютчев (ТГ), К. К. Гагарин (РМ), П. И. Вырубова (Государственная Третьяковская галерея). Они почувствовали стремление Рокотова к простоте даже в решении государственных портретов, и в последующие годы он посвящает себя исключительно работе над интимным портретом. Это была своеобразная для этого времени, «мокотовская» манера живописи, его личный творческий стиль. Чаще всего мастер пишет овальные портреты, но форма полотна подчеркивает общий ритм работы. Затем снимая, сводя фигуру, Рокотов делает легкий поворот, как правило, это перебор.Даже незначительное, незаметное движение модели связано с состоянием человека. В ростовской характеристике изображения очень важны выразительные глаза и мимика, и художник не стремится к конкретной передаче настроения, он скорее хочет создать ощущение неуловимости, мимолетности человеческих чувств.

Его работы удивляют нежной, утонченной красотой красок. Колорит, основанный на трех цветовых переходах, выражает богатство и сложность внутренней жизни модели.Наконец, художник использует некую светотень, выделяя лицо и как бы растворяя второстепенные детали.

Эти черты рокосовского творчества наиболее полно проявляются в женских портретах, занимавших особое место в искусстве XVIII века. В период расцвета своего творчества живописец создает галерею прекрасных образов женщин: А.П. Стрыйского (1772, ГТГ), В.Е. Новосильцева (1780, ГТГ), Е.К. Санти (1785, ГМ), В.Н. Суровцева (1780, гл. РМ).Каждый из них глубоко личный, по-своему прекрасен. Словно блаженное видение возникает из дымки жемчужно-розового тона лица Стрыйской с огромными грустными и задумчивыми глазами. Ее образ наполнен сияющей чистотой, вечной красотой молодости. Величие, достоинство, уверенность в себе, способность мыслить глубоко ощущались в образе Новосильцевой. Бледное, худощавое лицо, острый взгляд, слегка прищуренные глаза, нетерпеливая еле уловимая улыбка губ - это холодно-ироничный Санти. Изысканное сочетание розового и зеленого оттенков подчеркивает аристократичность образа.Наконец, Суровцева - очаровательная женщина, с простым русским лицом и прямыми добрыми глазами, ясными, сияющими глазами.

И все же, несмотря на индивидуальность, в женских образах Рокотова объединяет сложный духовный мир, богатство и красота внутренней жизни, возвышенный строй человеческих чувств. Раскрывая скрытое в душе человека, художник всегда что-то оставляет недосказанным. Это придает ростовским портретам очарование таинственности, поэтичности.

Поэзия этих загадочных образов прекрасно выражена в одном из стихотворений Н.Z:

Ты помнишь из темного прошлого

Слегка завернутый в атлас,

С портретами еще раз Рокотова

Смотрели на нас Струйскую?

Ее глаза как два тумана,

Полуулыбка, половина плача.

Ее глаза подобны двум обману,

Покрытый туманом отказов.

Соединение двух загадок,

Полуостров, полвыспу,

Атака безумной нежности,

Превосходные агонии.

«честь, благодать, достоинство мира» - выражены Рокотовым в мужских портретах представителей аристократической интеллигенции: Суровцева (1780, ГМ), поэта А.П. Сумарокова (1777, Гос. Исторический музей), талантливого дипломата А.М. Третьяковская галерея). Последний из этих портретов особенно интересен живописной тонкостью и глубоким проникновением в натуру человека, энергичного, умного, проницательного.

Современник Рокотова и его страстный поклонник Н.Э. Струйский писал, что художник работал очень быстро и легко, «почти играя». Даже на склоне лет художник много работает и вдохновляется.

О последних годах жизни мастера известно только то, что он почти полностью проживал в Москве. Его семьи от артиста не было, а его ближайшими родственниками и наследниками были племянники.

Умер Федор Степанович Рокотов 24 декабря 1808 года в Москве и похоронен в Ново-Спасском монастыре. (50 биографий мастеров русского искусства.Л., Аврора. 1970. Ñ.38)

Екатерина Великая: биография, достижения и смерть

Екатерина II, также известная как Екатерина Великая, была императрицей России, правившей с 1762 по 1796 год, что было самым продолжительным правлением среди женщин-лидеров в России. Известная больше своими сердечными делами, чем государственными делами, она, тем не менее, значительно расширила империю своей страны. Ее заслуги часто омрачают легенды и слухи о ее скандальной личной жизни.

Софи фон Анхальт-Цербст родилась в 1729 году в семье прусского принца.В подростковом возрасте она, к несчастью, была замужем за русским князем, который впоследствии стал императором Петром III. Она взяла имя Екатерина, или Екатерина Алексеевна. Некоторые считали Петра неуместным, и всего через шесть месяцев на престоле Екатерина свергла его с помощью Григория Орлова, военного офицера, с которым у нее был роман. Позже ее муж был арестован и убит, обеспечив себе положение на троне.

Некоторые считают Екатерину социально просвещенной правительницей; она обменивалась перепиской с французским философом Вольтером.Она была покровительницей искусств; Эрмитаж открылся во время ее правления, начиная с ее личной коллекции. Под ее влиянием русские переняли западноевропейскую философию и культуру.

Художницы

Правление Екатерины ознаменовало собой золотой период для художников-женщин. Хотя именно Петр I (годы правления 1682-1725) провел реформы, которые предоставили женщинам большую свободу в получении образования, именно в середине 18 века, когда к власти пришла Екатерина Великая, художницы также выросли в России.

«Размахивая только что завоеванной грамотностью, русские писательницы и поэты, за которыми следуют русские женщины-композиторы, с середины 1700-х годов взяли перо за бумагу», - написала в своей статье профессор музыки из колледжа Скриппс Энн Харли опубликовано в 2015 году в «Журнале пения».

Эти художницы, как правило, принадлежали к аристократическому сословию, но они следовали примеру Екатерины II («великой») и других женщин, которые находились у власти в России в 18 веке. «Эти женщины-аристократы следовали новой модели сильной и чрезвычайно культурной женственности, смоделированной четырьмя женщинами, правившими Российской империей более двух третей 18 века: Екатериной I, Анной, Елизаветой и Екатериной II», - писал Харли в своей книге. ее газета.

Среди самых плодовитых русских артистов была княгиня Наталья Ивановна Куракина (жила 1768-1831), написавшая не менее 45 песен. «Песни Куракиной были настолько популярны, что Брейткопф (Петербург) в 1795 году опубликовала сборник из восьми ее французских романсов», - писал Харлей.

Сила и любовь

Екатерина также была успешным военным правителем; ее войска завоевали много новых территорий. Она также позволила сохранить в России систему крепостного права, что способствовало бы полноценному восстанию, возглавляемому претендентом на престол.

Екатерина не имела никаких претензий на российский престол, как заявила Изабель де Мадариага, почетный профессор славянских исследований Лондонского университета в открытии своей книги «Краткая история Екатерины Великой» (Yale University Press, 2002 ).

Мадариага писал, что возможность Екатерины представилась, когда ее муж взошел на престол как Петр III в конце 1761 года. Они оба ненавидели друг друга, и он правил неумело. «Хотя он и не был глуп, но ему совершенно не хватало здравого смысла, и он быстро приступил к отчуждению всех влиятельных сторон при дворе», - написал Мадариага.Он начал, казалось бы, бессмысленную военную кампанию против Дании, оттолкнул православное духовенство, пытаясь захватить церковные земли, и даже попытался жениться на своей любовнице.

«Большая часть его политики была настолько непопулярна при дворе, настолько лишена суждений, что несколько групп начали заговор с целью свергнуть его», - писал Мадариага. Екатерина опередила остальных благодаря романтическим отношениям с Григорием Орловым, офицером российской гвардии. При поддержке местных воинских частей Екатерина была провозглашена императрицей России в июле 1762 года, когда ее муж находился вдали от Санкт-Петербурга.Петербург, столица. Затем Петр III был арестован, вынужден отречься от престола и в конечном итоге убит.

Орлов будет одним из многих любовников Екатерины в жизни. Она упомянула о своей привычке часто менять любовников в письме, которое она написала князю Григорию Потемкину, военачальнику, с которым у нее был роман в 1774-1775 годах.

«Беда в том, что мое сердце не хочет оставаться без любви ни на один час. Говорят, что человеческие пороки часто скрываются под покровом доброты, и возможно, что такое расположение сердца является скорее пороком, чем добродетелью, но мне не следует писать это вам, потому что вы можете разлюбить или откажусь идти в армию, опасаясь, что я забуду тебя… »(Из книги« Русские хроники », 1998, издательство Quadrillion, под редакцией Джозефа Райана)

Расширение империи

Екатерина начала свое правление с Россией уже в относительно выгодное военное положение.До ее правления российские военные нанесли поражение силам короля Пруссии Фридриха Великого в битвах при Гросс-Ягерсдорфе (в 1757 г.) и Кунерсдорфе (1759 г.), победах, которые оставили России сильную позицию в Восточной Европе, писал Саймон Диксон. , профессор Университетского колледжа Лондона, в своей книге «Екатерина Великая» (Profile Books, 2009). Он отметил, что после смерти польского короля Августа III в 1763 году она смогла посадить на польский престол одного из своих любовников, Станислава Понятовского.

Понятовский и Екатерина в итоге получили больше, чем рассчитывали. Екатерина настояла на том, чтобы он предоставил права православным и протестантам в Польше, что оскорбило многих польских католиков. Этот вопрос привел к восстанию, и в конце концов русские войска были отправлены в Польшу для поддержки Понятовского. Присутствие этих российских войск вызвало опасения у соседних государств, что Россия имеет амбиции на их собственных территориях, пишет исследователь Роберт Мэсси в своей книге «Екатерина Великая: Женский портрет» (Random House, 2011).

Масси отметил, что султан Турции чувствовал наибольшую угрозу, опасаясь, что российские войска в Польше смогут вторгнуться на Балканы, угрожая самому Стамбулу. После переговоров с французскими дипломатами и инцидента с русскими войсками на турецкой границе в октябре 1768 года Турция объявила войну России.

Фридрих Великий чувствовал, что война ни к чему не приведет, писал Мэсси, отмечая, что прусский король назвал ее борьбой между «одноглазыми и слепыми».Однако это должно было быть доказано неверным, поскольку русские войска в 1769 году быстро продвинулись вперед, после чего они одержали решающие победы над турецкой армией в битвах при Ларге и Кагуле, оба сражались летом 1770 года. Русская военно-морская эскадра вышла в восточное Средиземноморье, нанеся поражение турецкому флоту.

Действия Екатерины в Польше и против Турции пошли ей на пользу, отметил Масси. В 1772 году Польша была разделена между Россией, Австрией и Пруссией с последующими разделами, произошедшими в 1793 и 1795 годах.Кроме того, в 1774 году, после того как российские войска смогли угрожать Стамбулу, Турция потребовала мира, в результате чего Россия получила территории на побережье Черного и Азовского морей.

Хотя Екатерина не участвовала в битвах лично, делегируя эту ответственность тем, у кого был военный опыт, она доказала свою военную храбрость, получив огромное количество новых территорий и влияние для России.

Крепостное право и восстание

В то время как Екатерина пользовалась большим военным успехом, внутренне ее страна имела шаткую социальную структуру.Большая часть населения жила крепостными, по сути, в форме рабов. Условия их жизни были ужасными; Мэсси отметил, что немногие из крепостных, работающих на шахтах, литейных заводах и фабриках, дожили до среднего возраста.

Хотя говорят, что Екатерина лично выступала против учреждения, она терпела его. В 1767 году ее правительство даже опубликовало указ, осуждающий крепостных, протестовавших против их положения.

«И если случится так, что даже после опубликования настоящего указа Ее Императорского Величества крепостные и крестьяне перестанут должным образом подчиняться своим помещикам.... и должны осмелиться подавать незаконные петиции с жалобами на своих домовладельцев, и особенно с петициями лично Ее Императорскому Величеству, тогда как те, кто подает жалобы, так и те, кто пишет петиции, будут наказаны кнутом (кнутом) и немедленно депортированы в Нерчинск на пожизненную каторгу… »- читайте в нем. (Перевод Г. Вернадского из второго тома «Источника истории России», Нью-Хейвен: издательство Йельского университета, 1972, через веб-сайт Фордхэмского университета)

Отношение Екатерины к крепостным вернется, чтобы преследовать ее в 1773 году, когда человек по имени Емельян Пугачев назвался Петром III (казненным мужем Екатерины) и устроил восстание.Большая часть его риторики была сосредоточена на том, чтобы заручиться поддержкой крепостных и других представителей низших классов России.

«Мы освобождаем вас от всех налогов и финансового бремени, которое раньше возлагали на крестьян и весь народ злая знать и городские судьи-подкупщики…» - постановил он, приближаясь к городу Пенза, предлагая людям землю в собственность. В конце концов, Пугачев был схвачен и казнен, а крепостное право продолжалось и после смерти Екатерины (Источник перевода: книга «Русские летописи»).

Смерть и наследство

Екатерина тихо скончалась в своей постели 17 ноября 1796 года в возрасте 67 лет после инсульта. После ее смерти враги распространили о ней слухи, которые длились веками: что она умерла во время секса с лошадью. Другие утверждали, что она умерла в туалете. Ни один из слухов не соответствовал действительности.

Екатерине наследовал Павел I, который предположительно был ее сыном от Петра III (истинным отцом Павла мог быть Сергей Салтыков, один из любовников Екатерины).В любом случае Павел недолго пробыл на престоле; он был убит в 1801 году.

В то время как институт крепостного права будет постепенно отменен в России в течение 19 века, большой разрыв в богатстве между дворянством и крестьянством продолжится. Эти социальные проблемы снова достигли точки кипения после того, как Россия вступила в Первую мировую войну в 1914 году. По мере ухудшения военного положения России и ухудшения социальных условий дома российский королевский дом потерял поддержку, а Николай II был казнен в 1918 году, что фактически положило конец российскому Королевская семья.В результате гражданской войны возникнет первое в мире коммунистическое государство, которое в конечном итоге станет глобальной сверхдержавой.

Федор Рокот: биография и творчество

Проходит всего пара веков, и жизнь творца опускается пеленой, и теперь мы не знаем подробно, как жил Федор Рокотов, его биография скрыта за пеленой времени. Историки, искусствоведы заново открывают для себя знаменитого живописца, имя которого гремело еще во времена Екатерины II.

Краткие сведения о жизни художника

Федор Степанович Рокотов (1735-1808) был выходцем из крепостных князей П.И. Репнина. В подмосковном селе Воронцово, на юго-западе родился будущий художник. Ему повезло: это было относительно либеральное время, когда таланты искали и приветствовали. Так И.И. Шувалов, собрав способных молодых людей учиться в Академии художеств, нашел чистый алмаз. Это был Федор Рокотов, который в 1760 году напишет портрет своего покровителя.Именно в своем доме молодой художник под руководством Пьетро Ротари брал свои первые уроки. Шувалов не только заметил его, но и вырастил. Академия еще не открылась.

Знакомьтесь, Михаил Васильевич Ломоносов

Когда молодой Федор Рокотов писал о выдающемся ученом, общение с ним, несомненно, повлияло на формирование личности молодого человека.

Полотно написано любимыми Роктовым красным и зеленым цветами.Великий просветитель изображен в алом сюртуке на фоне бархатно-зеленой драпировки. Ученый изображен с атрибутами работы. В руках он держит ручку, а на столе перед ним лежит лист бумаги. Его задумчивый взгляд направлен вверх. Именно благодаря этой работе художника мы узнаем облик ученого.

В Петербурге

Предположительно первым известным произведением, которое Федор Рокотов написал в 1775 году, художник (на фото изображен автопортрет) был «Портрет неизвестного юноши в гвардейской форме», что говорит о том, что служил сам Рокотов.

Служба требовалась для получения звания, а вместе с ним и дворянства. Но учиться в Академии будущий художник начал в 1760 году. Успехи его заметили. В 1762 году ему доверили написать большой парадный портрет Петра III. После этой работы Федор Рокотов поступает на первую ступень в Академию. Он становится дополнительным учителем. Следующее звание будет академиком. Справкой стали два портрета. Первый был написан в 1763 году, после коронации Екатерины II, Рокотов был специально привезен в Москву для написания.

Портрет императрицы очень декоративен. Скульптурный профиль и грудь ярко выделяются на фоне благородных коричнево-бордовых драпировок. А очень свежая и юная императрица, словно экзотический цветок, восседает на троне с алой обивкой. У нее есть все необходимые регалии: корона, скипетр и держава. Екатерине II портрет очень понравился. С него были изготовлены две копии.

Граф Г. Орлов

Фаворит императрицы, влиятельный вельможа, красавец Григорий Орлов изображен в расшитом золотом пиджаке, надетом поверх доспехов.

С красной лентой он стоит на фоне неба, в котором вспыхивает лазурь. Орлов похож на переодетого древнего бога. В 1765 году художник написал копию картины «Венера, Амур и Сатир» и стал академиком. Он не испытывает недостатка в нестандартных портретах и ​​пишет их. Его работы разительно отличаются от всего, что создано зарубежными мастерами, работающими в России XVIII века в стиле рококо. Однако Академия запрещает бесплатную работу на стороне. Поэтому в 1775 году Федор Рокотов навсегда покидает северную столицу.При просмотре работ раннего периода становится ясно, что цвета все еще пестрые и слишком контрастные, а рисунок слишком сложен.

Федор Рокотов: биография и фотографии

В 1778 году умирает князь Репнин. Предполагается, что за оставленное им наследство художник купит имение на Басманной за две тысячи шестьсот рублей. Потому что Rokot не умел быстро зарабатывать деньги. За свои работы художник брал крайне низкую заработную плату - по сто, а то и пятьдесят рублей.Мастерская просто ломилась от обилия заказов. Теперь Рокотов прочно обосновался в Москве. Московское общество с энтузиазмом встречает молодого известного портретиста, признанного мастера, написавшего в Петербурге несколько интимных мужских портретов. Среди них портрет И.Г. Голенищева-Кутузов, дядя знаменитого полководца, или И.Г. Орлова, умная изысканная вельможа. Портреты петербургского периода отличаются интересом к оригинальности внешности модели и ее психологическим особенностям.На портрете В.И. За избалованной внешностью Майковой, за косоглазием, за ухмылкой прекрасных губ угадывается ироничный ум и проницательность поэта, создавшего знаменитую сатирическую поэму «Елисей».

Лицо практически осязаемое. В палитре картины сочетаются красные и зеленые тона, что еще больше подчеркивает полноту образа, созданного художником.

Федор Рокотов: биография и творчество

И в Первом Престоле кипит бурная общественная жизнь.Мейсон Н. Новиков развивает сеть типографий, в которых печатается печатная и отечественная литература. Новиков пытается сделать свои публикации доступными даже для самых бедных слоев общества. Купив у него одну книгу, второй получает бесплатно. Торговля идет резво и не убыточно, при этом круг читателей расширяется. Рокотов выписал журнал «Утренний свет» масонской направленности, который издавал Новиков. Однако сведений о том, что сам художник был масоном, нет, так как в его работах нет масонской атрибутики.Пьесы драматурга А.П. Сумарокова. А поэт М. Херасков образовал литературный кружок. В этом духе свободы и просвещения формируются взгляды на мир и художественное творчество мастера. В Москве Рокотова приняли на равных, и он стал членом Английского клуба.

Стиль Рокотова

В 70-е создает свой творческий стиль Федор Рокотов. Художник чаще всего пишет портреты овальной формы. Они, как правило, изображают верхнюю часть тела модели. Фигура почти никогда не бывает прямой, только с небольшим изгибом.Особое внимание художник уделяет глазам и мимике. Она мимолетна. Мастер улавливает неуловимое - чувства человека, перенося их на холст. За основу цвета художник XVIII века Федор Рокотов обычно берет три цвета. Богатство оттенков, их игра, изысканность красок призваны передать сложный внутренний мир модели. Светотень распределен таким образом, что в первую очередь «всплывает» лицо, остальные детали погружаются в полумрак, модели загадочно и загадочно смотрят на нас, немного прищурившись.

Творческий расцвет (1770 - 1780)

Особенно глубоко и полно художник в свои 35-45 лет сумел раскрыть женские образы. Они полны тайн и загадок. Вот изображение В. Новосильцева.

Статность, достоинство, уверенность в себе - все передано художником. Насмешливо смотрят глаза с легким «рокотовским» косоглазием и сложенные губы. Тщательно выписано ее полупрозрачное белое платье, оборки и голубоватый атласный бант. Светлая фигура модели выступает из темного фона и приближается к зрителю.

Е.В. Санти и В. Суровцева

1785 год - время создания образа графини Елизаветы Васильевны Санти, удачно вышедшей замуж и занявшей высокое положение в обществе.

Бледное худое лицо, губы со слегка очерченной улыбкой. Красивая роза украшает волосы дамы, длинные серьги подчеркивают красивую форму лица, изысканный зеленовато-розовый, с пепельно-мерцающей гаммой платья - все говорит о спокойной уверенности в себе этой равнодушной, ироничной и холодной аристократичной девушки.Цветовое решение художника безупречно. Обаятельная, юная, с простым русским лицом, полная достоинства и скрытой нежности, предстает перед зрителем Варвара Николаевна Суровцева. Здесь представлена ​​духовная красота молодой женщины, которая очаровывает больше, чем ее черты лица.

Обобщение в картинах Рокотова

Каждый портрет индивидуален. Он визуально передает черты лица изображаемой им женщины. Но главным и общим становится передача сложного духовного мира, богатства и красоты внутренней жизни, возвышенной системы человеческих чувств.Когда художник раскрывает тайну души, всегда есть недосказанность, загадка и загадка. Это придает изображениям особую поэзию.

Мужские портреты

В них художник выразил идеал человека эпохи Просвещения - честь и достоинство. Как лучшие представители дворянской интеллигенции поэт А. Сумароков и талантливый дипломат екатерининской эпохи А. Скрапс, который был послом в Османской империи. Изображение особенно интересно тем, что на нем изображен энергичный, умный и проницательный человек.На его лице виден глубокий и благородный ум поэта, баснописца и драматурга Сумарокова.

Он в опале, и выражение презрительной горечи отражает его чувства.

Информации о Рокотове вообще практически нет. Никаких записок, никакой личной переписки с ним нет. Последние годы известно только то, что он жил в Москве без перерыва и был похоронен племянниками (художник не был женат) в декабре 1808 года в Ново-Спасском монастыре.

Портрет Екатерины 2. Рокотов Федор Степанович, портрет Екатерины II (фотография)

Реформирование, внешняя политика и военная деятельность, значительно укрепившие Российское государство, характеризует императрицу как законодателя и просветителя, дальновидного стратега, мудрого политика и дипломата. Недаром современники при жизни называли ее Великой. Она действительно считается выдающимся государственным деятелем, несмотря на критику исследователей по поводу ее моральных качеств и жесткой позиции в одобрении крепостного права.

В глазах величайших мастеров изящного искусства она предстает благородной, целеустремленной, бесстрашной и справедливой владычицей престола. Портрет Екатерины II - это отражение идеального монарха, обеспечившего процветание науки, образования, культуры и поднявшего политический престиж государства.

Фигура великой императрицы: путь к власти

Екатерина II родилась в апреле 1729 года, по происхождению была чистокровной немкой, выходцем из бедного княжества. В четырнадцать лет она переехала в Россию в статусе невесты наследника престола Петра III.Спустя два года православие было принято и передано жене будущего императора.

Еще в юности Екатерина отличалась острым умом, хитростью и наблюдательностью, легко манипулировала окружающими для достижения своей цели. Ей было приятно изучать естественные науки, много читать и самостоятельно осваивать русский и французский языки. Все эти знания в ближайшем будущем пригодились ей как источник успешного правления. Так начал формироваться исторический портрет Екатерины II, основными чертами которого стали волевое ядро, отвага, тщеславие, гордость и хитрость.У нее было два важных таланта - отключать собственные эмоции в пользу рационализма и легко завоевывать всеобщую симпатию.

Таким образом, Екатерина тихо и уверенно перешла на императорский престол, совершив переворот через полгода после провозглашения Петра III императором и в итоге свергнув своего мужа.

Золотой век екатерининской эпохи

Вступив в должность, дама подверглась полному разрушению государственной системы, что побудило ее разработать новый свод законов.В основе «золотого века» правления Екатерины отчетливо просматривается следующее:

1. Политика «просвещенного абсолютизма» и реформ:

  • привилегии для дворян, укрепляющие их власть;

  • ужесточение феодального строя;

  • создание системы образовательных учреждений единых планов;

  • развитие местного самоуправления в городах;

  • разветвление судовой системы.

2. Внешняя политика:

  • победоносное завершение двух русско-турецких войн;

  • победа над шведами;

  • получение новых земель (современные территории Крыма, Правобережной Украины и Белоруссии) - при императрице было покорено 11 губерний из 50 существовавших на тот момент;

  • укрепление южных границ, свобода торговли в Черном море;

  • улучшение позиций в Прибалтике, Кавказе и Кавказе.

Исторический портрет Екатерины 2 невозможно подвести под определенный стереотип: для одних она мудрая властительница, для других - тиран, но, в конце концов, значение ее фигуры для событий мировой истории неоспоримо.

Лицо Екатерины 2: Традиции изображения

В XVIII веке четко обозначились две традиции изображения великой императрицы в русском искусстве.

Первое касается его идеализации, подчеркивая лучшие черты и качества.Портрет Екатерины II рассматривается в контексте возвышения монарха, который заботится о своем народе, открывает учебные заведения, проводит реформы, развивает искусство, заботится о справедливости. Такой подход нашел отражение в живописных шедеврах Федора Рокотова и Дмитрия Левицкого.

Вторая традиция - это стремление «очеловечить» образ государя, которое пронизывает портрет Екатерины II более чувственными красками. На первый план выходят скромность, вежливость, дружелюбие, снисходительность к чужим недостаткам, чувство долга, великодушие.Все это легко можно увидеть в творчестве художника Владимира Боровиковского.

Федор Степанович Рокотов: образ жизни

В селе Воронцово родился известный русский художник. Первоначально образование получено благодаря поддержке Л.-З. Ле-Лотарингия и П. де Ротари. Освоил основы изобразительного искусства в стиле рококо. А в 1960 году был принят в Петербургскую Академию художеств по приказу мецената II. Шувалов. Спустя пять лет был удостоен звания академика.В конце 1766 года он переехал в Москву, где продолжил работу над созданием новых картин. Его жизненный путь прервался в декабре 1808 года.

Творческое наследие

Федор Степанович Рокотов был прекрасным портретистом, глубоко проникнутым природой и отличавшимся старательным исполнением. К началу шестидесятых годов он уже пользовался уважением как мастер, о чем свидетельствует заказ на портрет Екатерины 2. Это было настоящим признанием таланта живописца. За первым произведением, написанным Рокотовым о восшествии на престол императрицы, последовало второе - поясной портрет великой женщины, которым она очень обрадовалась, охарактеризовав его как «максимально похожую».«

Помимо этих шедевров, кисть Рокотова принадлежит портретам Петра III, цесаревича Павла, дворян II. Шувалова, графа Орлова, графа Струйского и его жены, а также многих других выдающихся личностей екатерининской эпохи.

Высшее достижение в области парадной портретной живописи

В 1763 году, когда проходили церемонии коронации в честь вступления Богородицы на престол, был написан парадный портрет Екатерины II, столь почетной миссии был удостоен Рокотов.

Образ императрицы воссоздан художником очень искусно: гладкое, белоснежное лицо, волевой взор, уверенные жесты. Женщина на пике красоты, настоящая леди! Она крепко сжимает скипетр в руке, направляя его в сторону бюста Петра Великого, над которым видна надпись: «Началось». Сочетание серебряной палитры наряда и благородного красного оттенка штор подчеркивает особую значимость фигуры, искусно изображенной на полотне.

Второй портрет Екатерины II Рокотов создал с использованием профильного стиля, что является довольно редким явлением для написания парадного портрета. Но это придало правителю идеальный характер. Благородные черты лица, гордая осанка, немного динамизма в жестах плюс атрибуты силы и богатая драпировка - желаемый эффект достигается.

В образе жрицы

Дмитрий Григорьевич Левицкий Портрет Екатерины 2 создан с использованием символов справедливости и справедливости. Ее Императорское Величество предстает в образе законодателя, жрицы, находящейся в храме богини Фемиды.Дама на алтаре сжигает маки в знак жертвы за свой мир ради общего блага. На ее голове вместо императорской короны - лавровая корона. Фигура императрицы украшена накидками с орденом Святого Андрея, лентой и крестом Святого Владимира, что свидетельствует о ее особых заслугах перед Отечеством. Портрет Екатерины II Левицким дополнили своды законов у ее ног и восседающий на них орел - символы силы и безопасности.На фоне заметен торговый флот - вестник процветания государства.

Даже словесное описание портрета Екатерины II показывает ее как идеальную правительницу, неусыпно заботящуюся о своей стране.

Отпечатки сентиментализма

Желая представить Великой Княгине более сентиментальный образ, с подчеркнутой природной простотой, отдыхающий на лоне природы, известный художник Владимир Боровиковский создал портрет Екатерины II в двух вариантах.Один - на фоне Чесменской колонны, второй - на фоне Кагульского обелиска.

Работа написана не с натуры, в одежде Императрица позировала своему автору фото-фрау, а художник и так часто мог наблюдать за Екатериной во время прогулки. От результатов писаний Боровиковского она не обрадовалась, потому что на портрете была изображена пожилая женщина, идущая с посохом по парку в Царском Селе в подчеркнуто неофициальной одежде. Здесь властительница уже не богиня, а обычный помещик, без пафоса и парадной атрибутики.

Но все же живописные работы не только Федора Рокотова и Дмитрия Левицкого, но и Владимира Боровиковского - это общепризнанные шедевры, которые как нельзя лучше характеризуют личность владычицы российского престола. p >>

Рокотов Левицкий Боровиковский представители какого направления. Портретное искусство 18 века

Историческая живопись. В 18 веке исторический жанр считался основным, так как только он, по представлениям того времени, умел запечатлеть героические образы прошлого, великие события мировой и русской истории.Поэтому Академия художеств позаботилась о развитии этого жанра и поощряла творчество художников-историков. В то время под исторической живописью понимали произведения, выполненные на исторические, античные, мифологические и библейские темы.

Русские художники постепенно разрабатывали композиционные принципы построения исторической картины: большое внимание уделялось передаче характера персонажей, одежды и обстановки. Часто композиции интерпретировались как сценические театральные постановки, где, как в драме, доминировал главный герой, произнося слова своей роли и концентрируя все внимание на себе.Ему подчинялось окружение - другие персонажи, архитектура, пейзаж. Колорит таких картин отличался подчеркнутой условностью цвета. При этом художники обычно старались глубоко передать внутреннюю жизнь героев. Было стремление к простоте и естественности. Часто лучшие исторические произведения оказывались связанными с художественным осознанием прошлого Отечества.

Глубина и монументальность воплощения важного события русской истории достигнута М. В. Ломоносовым в мозаике «Полтавская битва», которую под его руководством исполняли русские мастера, продолжая развивать и обогащать монументальные традиции. древнерусского искусства.Мозаика проложила новый путь русской монументальной живописи.

А.П. Лосенко (1737-1773). Крупнейшим историческим живописцем был Антон Павлович Лосенко. Он родился в Украине, рано осиротел, попал в Петербург в придворный хор, откуда в 16 лет был отправлен учиться у И.П. Аргунова, а в 1759 г. - в Академию художеств. После окончания Академии его отправили во Францию ​​и Италию. Вернувшись в Петербург в 1769 году, Лосенко стал профессором, а затем директором Академии художеств.Его рисунки и картины («Жертвоприношение Авраама», «Каин», «Авель») пользовались большим успехом у современников, долгое время служили образцом мастерства и часто копировались его учениками. Наиболее полно талант художника раскрылся в двух последних его работах - «Владимир и Рогнеда» (1770, рис. 62) и «Прощание Гектора с Андромахой» (1773, рис. 63). Работая над картиной о новгородском князе Владимире, решившем силой отобрать полоцкую княжну Рогнеду, Лосенко сделал серию натурных рисунков с изображением русских солдат.Конечно, в позах главных героев, их жестах, в костюмах еще много условности. Но художник уже сделал первый шаг к воплощению человеческих страстей посредством живописи в их столкновении и развитии. Первая русская историческая картина на национальную тему свидетельствовала о зрелости новой живописи в России. В «Прощании с Андромахой» Гектора Лосенко, избрав античный сюжет, выступил как характерный мастер классицизма. Утверждает идею свободы человека, его патриотизма, гражданственности, готовности к подвигу.Так Гектор, герой гомеровской «Илиады», прощается с семьей и соотечественниками перед битвой за свой родной город Трою. Картина проникнута чувством героического пафоса.

Лосенко был не только талантливым историческим живописцем, но и выдающимся портретистом. Некоторые из его полотен этого жанра дошли до нашего времени, в том числе выразительный портрет первого русского актера Ф.Г. Волкова.

Педагогическая деятельность Лосенко была очень плодотворной: его школу выпускали крупнейшие художники исторической живописи, у него учились рисованию старшеклассники всех отделений Академии художеств, его авторитет был высок среди академических профессоров.Лосенко рано умер, так и не успев реализовать многие творческие замыслы, а Академия художеств потеряла своего величайшего учителя.

Среди учеников Лосенко И.А. Особо выделяются Акимов (1754-1814), автор ряда исторических картин, долгое время профессор Академии художеств, и П.И.Соколов (1753-1791), один из лучших академических рисовальщиков XVIII века. . Практически все работы Соколова созданы на темы из античной мифологии, но по сравнению с картинами учителя в них меньше героизма, их образы отличаются мягкой лиричностью и поэтической красотой.

Угрюмов Г.И. (1764-1823). После Лосенко самым известным историческим живописцем XVIII века был Григорий Иванович Угрюмов. После окончания Академии художеств в 1785 году он был отправлен в пенсионерскую поездку в Италию, а по возвращении исполнил серию картин из русской истории: «Торжественный въезд в Псков Александра Невского после одержанной им победы над Россией». Немецкие рыцари »,« Взятие Казани »и« Избрание Михаила Федоровича на царство.Затем началась его педагогическая деятельность. В 1797 году он выполнил программу на звание академика - «Испытание на силу Яна Усмара» (рис. 64): кожевник Ян Усмар, желая вступить в дуэль с печенегским героем, демонстрирует свою силу князю Владимиру.Великолепный образ этого русского богатыря, напоминающий Геракла, является почти скульптурной пластикой его спортивной фигуры.Слева от картины изображены живые фигуры воинов, полные подчеркнутой экспрессии.

Помимо картин, Угрюмов оставил после себя ряд портретов, психологически острых и простых по композиции. Более 20 лет преподавал в Академии художеств. Он обучал таких исторических живописцев начала 19 века, как А. Егоров, А. И. Иванов, В. К. Шебуев, а также портретиста О. А. Кипренского.

Наибольших успехов русская живопись второй половины XVIII века достигла не в исторической живописи, а в других жанрах, прежде всего в портретной живописи.

Портретная живопись. Во второй половине 18 века портретная живопись достигла своего расцвета. В это время величайшие живописцы Ф.С. Рокотов, Д.Г. Левицкий и В. Боровиковский, создавший блестящую галерею портретов современников, создавал произведения, воспевающие красоту и благородство человеческих устремлений. Русский портрет того времени удачно сочетает в себе большую глубину и значимость изображения человека. Художники воссоздали образ человека с помощью различных живописных средств: изысканных цветовых оттенков, дополнительных цветов и отражений, богатой системы нанесения многослойных красок, прозрачного остекления, тонкого и виртуозного использования фактуры окрашенной поверхности.Все это определило значимое место русского портрета в современной европейской живописи.

Ф. С. Рокотов (1735 или 1736-1808). Федор Степанович Рокотов был одним из крупнейших портретистов. Еще будучи молодым человеком, он получил широкую известность как искусный и оригинальный художник. Его творческое наследие значимо, но в 19 веке о художнике почти забыли, и только в начале следующего века начался кропотливый сбор фактов его биографии и творчества.Многие события в жизни Рокотова остаются загадочными.

Уже в 1760 году Рокотов был учителем в Академии художеств. Через 5 лет ему было присвоено звание академика. После столь блестящей карьеры он оставил Академию художеств и переехал в Москву. Начался новый, творчески очень плодотворный период его жизни.

Рокотов писал преимущественно камерные портреты. В его произведениях отразилось стремление лучшей, просвещенной части русского дворянства придерживаться высоких моральных норм, характерных для того времени.Художник любил изображать человека без парадной обстановки, а не позировать.

Даже в ранних произведениях Рокотова - портретах великого князя Павла, девушки Е. Юсуповой и др. Отражено умение не только правильно передать сходство, но и наделить образ большой одухотворенностью.

Творчество Рокотова процветает и в последующие годы, когда художник еще больше обогащает и усложняет колорит, добивается передачи в своих портретах внутренне значимого, возвышенного образа.В более поздних портретах Рокотов подчеркивает интеллектуальность и одухотворенность своих натурщиц.

В портрете В.И.Майкова (конец 1760–1778) Рокотов предстает во всем блеске и своеобразии своего таланта: живопись художника становится здесь особенно темпераментной, кисть свободна, цвет построен на противопоставлении красного и зеленого, приобретает звучность. В образе поэта, известного по юмористической поэме «Омбреист», иллюзия живой жизни создавалась не мелкой передачей внешности, а яркостью и мощью раскрытия характерных черт.

На портрете В. Новосильцева (1780) Рокотов находит ту же меру идеальности, что и в образе Майкова. В облике этой молодой женщины воплотилось представление художника о красоте. Портреты «Неизвестного в розовом» (1770-е), Н.Е. Струйский (1772), Е. Орловой (1779) и Е. Санти (1785, ил. 67). Портрет В. Н. Суровцевой (вторая половина 1780-х гг., Илл. 66), одно из самых выразительных полотен художника, очаровательный образ женственности, завораживает артистичностью и притягательной силой духовности.

Обычно Рокотов все внимание сосредотачивает на лицах. Люди на его портретах почти всегда немного улыбаются, часто пристально, иногда загадочно глядя на зрителя. Их объединяет что-то общее, какая-то глубокая человечность и теплота. Как будто изображаемые что-то скрывают, что-то скрывают. Они кажутся погруженными в таинственную фоновую среду.

Работы последних лет жизни Рокотова нам практически неизвестны, как и судьба художника в преклонном возрасте.

Левицкий Д.Г. (1735-1822). В период расцвета творчества Рокотова началась деятельность другого выдающегося портретиста Дмитрия Григорьевича Левицкого, создавшего серию правдивых, глубоких портретов. Художник, вероятно, родился в Киеве и сначала изучал изобразительное искусство у своего отца, известного украинского гравера. Там молодой Левицкий познакомился с Антроповым, курировавшим убранство Андреевской церкви. Левицкий был среди учеников Антропова в Санкт-Петербурге, его помощником в исполнении портретов Екатерины II для триумфальной арки в Москве, воздвигнутой при коронации.

В 1770 году на выставке в Академии художеств Левицкий выступил с рядом портретов, сразу представив себя зрелым и выдающимся мастером. За одного из них - архитектора А. Ф. Кокоринова (1769, ил. 65) - ему было присвоено звание академика. Здесь художник опирается на традицию барочного репрезентативного портрета. Кокоринов изображен в своем кабинете за столом, на котором лежит план Академии художеств. Левицкий тонко и тщательно пишет спокойное серьезное лицо Кокоринова, сложную фигуру в парадном кафтане и камзоле, прекрасно передает пластику жеста, различные ткани, шитье, сочетая все дымно-сиреневым оттенком цвета.

Наиболее полно и целостно Левицкий выразил свое понимание трактовки образа парадного портрета в серии портретов смольных женщин - воспитанниц Смольного института (1773–1776). Художник изобразил каждого из воспитанников этого привилегированного дворянского учебного заведения в определенной сюжетной ситуации, в характерной позе: танцуют Е. И. Нелидова и Н. С. Борщова, Е. Н. Хованская и Е. Н. Хрущева - разыгрывают пасторальную сцену, Е.Н. Молчанова с книгой в руках демонстрирует опыт работы с электрической машиной, Г. И. Алымова играет на музыке. Левицкий прекрасно передал обаяние молодости и при этом по-разному охарактеризовал персонажей. Для портретов характерна декоративность, рожденная богатым сопоставлением цветов одежды, изысканной красотой линейных контуров и силуэтов. Декоративный эффект усиливают шторы с изображением обычных пейзажей или драпировок.Раскраска Левицкого в этой серии ясная и веселая.

Портрет Екатерины II - законодательницы (1783 г.) - пример прямого отклика художника на мечты знатной интеллигенции о просвещенном монархе, истинном гражданине своего отечества, не только издавшего справедливые законы, но и подчиняющегося им, как и все сограждане. Сюжет этого парадного портрета Левицкий усвоил в кругу Г.Р. Державина, созвучный стихотворению Державина «Фелица».

Камерные портреты Левицкого периода расцвета его творчества, приходящегося на 1770-1780-е годы, представляют собой вершину творчества художника.Высокую интеллектуальность, духовную значимость художник подчеркивает в портрете французского философа Дени Дидро (1773–1774), побывавшего в российской столице, изображая его в халате и без парика. Наполненная изяществом, женственностью М.А. Львовой, урожденной Дьяковой (1778, ил. 68, 1781), Урсула Мнишек (1782) предстает пустой светской красавицей, расчетливое флирт присуще примадонне итальянской комической оперы певице А. Давия Бернуцци (1782).

Портреты Левицкого очень разнообразны.Для художника все его модели - люди со сложной внутренней жизнью. Он не льстил им, оставаясь объективным в своих характеристиках. Фаворит Екатерины II, легкомысленный придворный А.Д.Ланский (1782), он показал себя холодным и важным, марионеточно красивым, разгруженным в расшитом золотом мундире. На портрете старого священника (1779 г.), написанном широко, быстрыми и бледными мазками, он сосредоточивает все свое внимание на лице человека, явно прожившего долгую и трудную жизнь. Живостью и умом сияют глаза дочери художника Агаши (1785 г.), которую он изобразил в русском костюме.В портрете писателя и издателя Н. И. Новикова, приписываемого Левицкому (начало 1790-х гг., Рис. 69), с которым Левицкий был не только знаком, но и дружен, он подчеркивал серьезность и интеллектуальность.

Левицкий был замечательным рисовальщиком и колористом. Его портреты всегда гармоничны по цвету, золотистый свет окутывает полотна. Художник часто прибегает к насыщенным, насыщенным цветам, составляющим для него единую и характерную для него гамму, в которой царят ясность и чистота тональных и цветовых соотношений.

В.Л. Боровиковский (1757-1825). Третьим выдающимся мастером портретного жанра конца 18 века был Владимир Лукич Боровиковский. Он родился в Миргороде на Украине и получил свои начальные профессиональные навыки от отца-художника. В иконах, написанных Боровиковским в молодости, чувствуется его большой талант. В Петербурге Боровиковский общался с представителями передовой русской интеллигенции из окружения Г.Р. Державина, сблизился с Левицким, возможно, учился у него.Портрет Э. Н. Арсеньевой, созданный в 1796 году (рис. 70), - произведение высокого мастерства. Кроме того, в нем намечен новый взгляд на человека. Художник изобразил женщину на природе, в уютном уголке сада, на фоне зелени, с яблоком в руке. Если Арсеньева изображена весело улыбающейся, очаровательной в счастливой юности, то М.И. Лопухина (1797) полна легкой грусти и поэтических мечтаний. Она очаровывает нежной меланхолией, удивительной мягкостью и внутренней гармонией.В портретах Боровиковский воспевал способность к высоким чувствам, душевным чувствам, и в этом отношении он близок к представителям русского литературного направления сентиментализма, например, Н.М.Карамзину. Это проявляется в образе Екатерины II, изображенной на фоне умиротворенной природы Царскосельского парка (1794 г.), и в портрете торжокской крестьянки Христини (ок. 1795 г.), идеальном образе, прекрасном в своем " простота », в групповом портрете сестер Гагариных (1802 г.).В последнем художник включил бытовую среду, связал фигуры с действием, выработав тип парного образа, предвосхищая поиски русских художников первой половины XIX века. В женских портретах художник стремился к особой поэтизации модели, к необычайно расслабленному и в то же время изящному, слегка идеализированному ее образу.

Мужские портреты Боровиковского более разнообразны и объективны по своим характеристикам. Изображенные более сдержаны в выражении чувств.Это портреты Г.Р. Державина (ок. 1795 г.), Д.П. Трощинский (1799), Ф.А. Боровский (1799, ил.71).

Особую группу составляют парадные портреты художника, отличающиеся монументальностью и торжественностью. Среди них портрет А. Куракин (ок. 1801) наиболее показателен как для самого мастера, так и для общего направления русского искусства начала XIX века. Фигура высокомерного дворянина в полный рост эффектно выделяется на фоне колонны и висящей тяжелой занавески.

В своем творчестве Боровиковский отстаивал тот же высокий гуманистический идеал, который присущ русскому искусству на протяжении XVIII века. Портреты, выполненные художником в период сближения с сентиментализмом, отражают характерные черты стиля классицизм.

Как и большинство русских живописцев XVIII века, Боровиковский скуп и сдержан в выражении личного отношения к натурщице в парадном портрете.

Искусство Боровиковского не ограничивается набором портретов знати, выполненных на заказ.Художник также запечатлел изображения людей с людей. Помимо упомянутого выше портрета Кристины, он написал аллегорическое изображение зимы в виде старого крестьянина, греющего руки у костра.

В последние годы жизни Боровиковский много писал религиозную живопись.

Наряду с работами Рокотова и Левицкого наследие Боровиковского завершает богатую и содержательную страницу в истории русского портретного жанра, достигшего к концу XVIII века значительных успехов.

Провинциальный портрет. Интенсивное развитие русской культуры во второй половине XVIII века привело к широкому распространению в провинции изобразительного искусства, прежде всего портретной живописи. Русский провинциальный портрет XVIII века повторяет произведения столичного искусства, но имеет ряд особенностей. Новые черты искусства XVIII века проникли в провинцию с опозданием. Провинциальные портреты обычно создавались серийно, составляя семейные галереи.Их характерные черты - некоторая прямолинейность и однозначность в трактовке образа, буквальное внешнее сходство. Они более близки к древнерусской традиции, отличаются узором, местным колоритом, орнаментом.

Пейзажная живопись. Заметное развитие пейзажной живописи наблюдается во второй половине 18 века. Если раньше пейзаж находился в основном в декоративной росписи, фресках, гравюре, то теперь он становится самостоятельным жанром.И он отражает высокие идеалы классицизма, а также стремление художников наблюдать за природой и умение построить законченную композицию.

В Академии художеств создан пейзажный класс, который закончил большой коллектив пейзажистов. В них запечатлена красота загородных садов и парков, уникальность архитектуры зарождающихся городских ансамблей. Особое место в пейзажной живописи XVIII века занимали изображения Петербурга и его окрестностей.

Художники 18 века старались максимально точно передать облик архитектурных сооружений, стремились создать «портрет места». По зарисовкам с натуры они в мастерской составляли свои композиции. На переднем плане изображались высокие деревья или часть здания, служившая занавеской. В центре - самое главное - дворец или парковый павильон, перспектива улицы или «руины». Как правило, передний план интерпретировался теплыми коричневыми тонами, второй - зелеными, а дальний - холодными голубыми и голубыми тонами, что создавало иллюзию пространства и глубины.Эта цветовая система давно стала визитной карточкой академического искусства.

Пейзаж второй половины XVIII века очень разнообразен. Мастером паркового пейзажа был Семен Федорович Щедрин (1745–1804). Он наиболее полно воплотил классицистские принципы построения картин этого жанра. В серии пейзажей Гатчины, Павловска, Петергофа Щедрин запечатлел красоту этих мест, особенности парковой архитектуры, четко выстроив свои композиции.

Городской пейзаж получил широкое распространение в 18 веке. Наиболее типичным его представителем был Федор Яковлевич Алексеев (1753 / 54-1824). Алексеев прославился как художник видов Москвы, Воронежа, Херсона, но прежде всего строгих и гармоничных перспектив Петербурга. Набережные Невы, грандиозные дворцы, площади и уличная жизнь - все это верно отражено в таких произведениях Алексеева, как «Вид на Михайловский замок» (1799-1800) или «Вид на Дворцовую набережную со стороны Петропавловской крепости» ( 1794, ил.72). Его картины обычно представляют собой органичное сочетание планов. Алексеев запечатлел панорамы столицы в серебристо-сером свете северного неба.

Пейзажи Михаил Матвеевич Иванов (1748-1823), работавший преимущественно в технике акварели, чаще всего посвящен изображениям Украины, Крыма, Кавказа. Зачисленный в штаб Г. А. Потемкина и сопровождавший его в Крымском походе, М. М. Иванов создал произведения, относящиеся к боевому жанру: «Штурм Очакова», «Штурм Измаила».Они сочетают в себе документальную точность с общим панорамным принципом построения пространства.

Другой путь - создание «героического», вымышленного пейзажа - Федор Михайлович Матвеев (1758-1826), произведения которого отличаются эпической широтой оформления и декоративного построения.

Бытовая живопись. В 18 веке жанр повседневной жизни получил определенное развитие. В Академии художеств был специальный «домашний урок».Согласно эстетике классицизма, с его строгой нормативностью, Академия художеств свела повседневную живопись к изображению незначительных, но не лишенных «приятности» предметов. Картины бытового жанра были немногочисленны и не составляли заметной черты в русском искусстве того времени, но свидетельствуют о нарастающей демократичности живописи. До нас дошли холсты, на которых, однако, часто в идеализированном виде изображены крестьянские праздники, бедная крестьянская трапеза, уличные и домашние пейзажи.

Ранним произведением жанровой живописи считается картина Ивана Фирсова «Молодой живописец» (вторая половина 1760-х годов, илл. 73). Прежде всего обращает на себя внимание серьезность и интерес, с которыми Фирсов передает этот незначительный с точки зрения академической эстетики сюжет - молодой живописец пишет портрет девушки. Работа с натуры чувствуется во всем - в людях, в обстановке комнаты, в изображении мольберта и ящика с красками, в передаче мягкого воздушного освещения.

Истинным пионером бытового крестьянского жанра в русской живописи был Михаил Шибанов (? - после 1789). О жизни этого художника известно очень мало. Во Владимирской губернии, в «Суздальской губернии», он написал две картины: «Крестьянский обед» (1774 г.) и «Праздник брачного договора» (1777 г., илл. 74). Их отличает строго правдивая характеристика людей, быта и деталей. Окрашенные в коричневые тона, они обладают колоритной насыщенностью, тонким сочетанием серебристо-серых, красных, темно-зеленых, розовато-желтых тонов.Шибанов привнес в жанровые полотна черты торжественности и монументальности, присущие русской исторической живописи.


8
Русская живопись второй половины XVIII век
XVIII век в России - время не только подъема общественного сознания, общественной и философской мысли, но и время расцвета искусства. Рядом с именами ведущих деятелей отечественной науки и литературы - Ломоносова, Фонвизина, Радищева, Державина - имена русских художников - Рокотов, Левицкий, Боровиковский, Лосенко, Шибанов.
В 18 веке в живописи стало преобладать реалистическое направление. Живой и мыслящий человек становится героем искусства, носителем социальных и эстетических идеалов. В это время сформировались новые жанры живописи: исторический, пейзажный, бытовой. Многообразие и полнота жанровой структуры сложились в последние десятилетия XVIII века. Живопись широко распространяется: обогащаются королевские коллекции, формируются семейные коллекции в столицах, провинциальных городах и усадьбах. Роли художника, поэта и художника получают общественное признание.С этим временем связаны первые художественные выставки и продажа произведений, роль профессионального мнения в вопросах искусства, первые эстетические трактаты.
Первым и крупнейшим деятелем в области исторической живописи был Антон Павлович Лосенко (1737-1773). Он написал всего несколько картин, в том числе «Владимир и Рогнеда» по сюжету русской истории и «Прощание Гектора с Андромахой» на тему Гомеровской Илиады. Обе картины сегодня кажутся во многом архаичными, но когда-то были очень известны. и стали первыми тематическими композициями в русском искусстве.
Федор Степанович Рокотов (1735-1808) - выдающийся мастер камерного портрета, то есть изображения бюста модели, где все внимание художника сосредоточено на лице предмета. Главное для Рокотова - показать внутренние переживания человека, его духовную исключительность. Рокотов был прекрасным мастером женского портрета. Женские образы художника полны чувства внутреннего достоинства и душевной красоты, они величественны и человечны. Его творчеству присущи поэзия образов, тонкость живописных отношений, легкость и мягкость мазка.Его кисти относятся к портретам Н.Э. и А.П. Струйских (1772, ГТГ), «Неизвестный в треуголке» (начало 1770-х, ГТГ), «Неизвестный в розовом платье» (1770-е, ГТГ).
Во второй половине 18 века художники стали уделять внимание изображению быта и быта крестьян. Крепостной художник графа Потемкина Михаил Шибанов посвятил свои работы крестьянской тематике.
Среди других художников XVIII века можно отметить работы Владимира Лукича Боровиковского (1757-1825), третьего из ведущих мастеров портретной живописи второй половины XVIII века.Его полотна отличаются подчеркнутым лиризмом, созерцательностью, вниманием к миру личных переживаний человека. Написал картины «Екатерина II на прогулке по Царскосельскому парку» (1794, ГТГ) и «Портрет Д.А. Державина» (181З, Третьяковская галерея), как отечественный вариант английского «портрет-прогулка». Женственные образы художницы проникнуты сентиментализмом - портреты М.И. Лопухина (1797), Е.А. Нарышкина (1799), Э. Темкина (1798, все в ГТГ).В композиции полотен художница отводила пейзажу большую роль.
На портретную живопись XVIII века значительное влияние оказал современник Ф.С. Рокотова Дмитрий Григорьевич Левицкий (1735-1822). Именно в творчестве Левицкого была воплощена сама суть русской эпохи Просвещения, расцвет которой был при Екатерине.
Работа Левицкого демонстрирует, что Россия наконец вошла в европейский круг. Просвещающие идеалы достоинства, разума и естественности, актуальные для западного культурного сознания, очень важны для него.По живописному мастерству его портреты не уступают работам лучших французских и английских современников. Никто не пишет материальный мир так богато и осязаемо, восхищаясь его драгоценностью и разнообразием: блеском бронзы, тяжестью и переливами тканей.
Выходец из семьи малороссийских священников, Левицкий с детства пристрастился к рисованию. Его отец, Григорий Кириллович, помимо церковного звания был самым известным гравером Украины, «справочником» типографии Киево-Печерской Лавры.Просветленный человек, поэт-любитель, художественное образование получил на Западе. По семейной традиции, после окончания семинарии и Киевской духовной академии сын помогал отцу в исполнении аллегорических программ для богословских диспутов. Его обучению «искусству» было суждено продолжить, когда он руководил живописью в проекте, находящемся в стадии разработки F.B. Растрелли Андреевский собор в Киеве в 1752 году прибыл Алексей Петрович Антропов. На его стороне были оба Левицких.Оценив их старания, Антропов рекомендовал старцу на должность храмового надзирателя - убрать иконы «неумелой резьбы», а в 1758 году пригласил младшего к себе в подмастерья.
Антропов был портретистом - он этому научил. Левицкий получил первые заказы: поделка доставляла не только удовольствие, но и обещала кормить, а это было важно, так как в семье подрастала дочь. Впоследствии Левицкий станет самым «модным» художником - его буквально завалит частными заказами.Уже по собственной инициативе, для «шлифовки стиля» он берет несколько уроков у опытных иностранцев - Ж.-Л. Лагрен-старший и Дж. Валериани. А в 1770 году пришел настоящий успех - за «Портрет А.Ф. Кокоринова» (1769), показанный на выставке Академии художеств, художник, не учившийся в ней, получил звание академика, а через год его пригласили в вести портретный класс.
Левицкий писал портреты в соответствии с эстетическими и этическими нормами эпохи. Конечно, модели должны были быть представлены в самом лучшем свете.Они не скрывают, что позируют артисту. Отсюда их гордая осанка, условные жесты, снисходительные взгляды. Изображаемых обычно изображали в роскошных одеждах, парадных мундирах, звездах и орденских ленточках. Однако через эту феерию богатства и парад рангов внимательный зритель может увидеть яркие и полные образы выдающихся людей.
Таков А. Голицын, портрет которого создал Левицкий в 1772 году. Государственный деятель, сановник, он изображен по законам парадного портрета.Для этого художник выбрал большой формат холста и точку зрения снизу, дал поколенческий разрез фигуры. Размахивая жестом тисками и т. Д. .................

При Петре Великом в русской живописи освоены новые средства передачи действительности - в обиход входит прямая перспектива, придающая изображению на плоскости глубину и трехмерность; художники осознают взаимосвязь между светом и цветом, роль света как средства построения объема и пространства.Рождаются новые светские жанры, в том числе портрет. «Искусство этого исторического переходного периода характеризуется переплетением различных черт: традиционного и нового, исконно русского и иностранного. Искусство петровской эпохи отличается высоким пафосом утверждения. Человек становится его центральной темой. Основной жанр - портрет. «

Прорыв портретного жанра в России, как и во многих других отраслях, произошел во времена Петра Великого. Петр I как приглашал иностранных мастеров (см. Россию), так и участвовал в обучении отечественных.

Характерная группа памятников раннего периода - Преображенская серия. «« Открытие персонажа «Происходит постепенно во всех видах изобразительного искусства и занимает временное пространство, которое в общих чертах совпадает с периодом правления Петра Великого», - пишут исследователи портретной живописи в России. В портретах «Преображенской серии» произошел переход от парсуны к портрету. В сер. В 18 веке уже можно перечислить оригинальных и талантливых мастеров.

Приобщение к законам станковой живописи в Петровской Руси было трудным. Художникам нужно было не только овладеть новым пониманием содержания, но и научиться правильно строить картинную плоскость, искусству перспективы и анатомически правильной передачи человеческого тела, а также основам техники масляной живописи и законы цвета.

Для петровских времен острой проблемой является авторство. Художники очень редко подписывали свои работы.У каждого из них есть набор «эталонов», благодаря которым ученые завершают комплекс работ. Кроме того, в конце 17 - начале 18 века очень любили заказывать повторы портретов. Существовал ряд «образцовых портретов» императора и его семьи, должностных лиц, которые были «тиражированы». Для портретов этого времени, помимо авторства, часто бывает проблематично само определение модели.

Со времен Петра Великого развитие портрета идет по трем основным направлениям:

Во-первых, было архаизирующего искусства , связанного с провинциальным, т.н.«Художественный примитив». Чувствуется стиль рубежа 17-18 веков, влияние национальной школы парсуна. (Подобные явления характерны для большинства стран, переходящих от Средневековья к Новой Эре). Парсуна сыграла важную роль - она ​​передала основные черты нового портретного приема, который в русских условиях по-своему трансформировался. Портреты, относящиеся к этой линии, отличаются большими размерами, композиционные схемы заимствованы из парадных картин

Во второй половине XVIII века дальнейшее развитие идей просвещения определило высокое представление о предназначении человека и наполненное гуманистическим содержанием искусство.Выдающиеся художники того времени - Ф. Рокотов, Д. Левицкий, В. Боровиковский оказали глубокое влияние на развитие портретного искусства.

Рокотов, Левицкий и Боровиковский - три великих русских портретиста XVIII и начала XIX веков - представляют собой примеры трех художественных личностей, настолько непохожих друг на друга, что трудно поверить, что они принадлежат к одному времени.

Из таинственных сумерек мягко, словно мерцая, появляются лица на портретах Рокотова.Художник концентрирует все свое внимание только на лицах. Они говорят без жестов и сильных движений. Плечи женщин обтянуты легкими воздушными тканями. На груди почти всегда большой бант нежно-голубого, розового или фисташкового цвета. Одежда еще более нежных и неопределенных оттенков, чаще всего белые мягкие складки открывают тонкую шелковистую ткань. Здесь нет жестких линий, одна форма тонко переходит в другую, но сохраняет свою полную ясность. Свет окутывает лица мягкой воздушной светотенью.Кажется, что все пропитано воздухом: распущенные волосы, нежные воздушные складки тканей, даже сам фон кажется глубоким, наполненным воздухом. Портреты Рокотова - это не столько реальные образы людей, сколько отражение их духовной стихии, которая к тому же вполне реальна и глубоко индивидуальна. Образы Рокотова выходят из тьмы живыми и дрожащими, как воспоминания, зафиксированные чудесной, может быть, несколько идеализирующей кистью художника.

Левицкий - художник огромного диапазона. Он создал такое чудо живописи, которое еще не было оценено в полной мере, как не имеющая себе равных по красоте и грандиозности рисунку анфилада «Смолянок».Все портреты Левицкого поражают своей живостью, богатством, материальностью письма. Если модели Рокотова в полном покое, значит, люди Левицкого действуют или готовы к действию. Для Левицкого все предельно материально - человеческое тело, улыбающиеся губы, влажные глаза, складки кожи, ткани, обстановка. В каждом портрете Левицкий решает особую композиционную задачу, присущую этому портрету. Композиция раскрывает ясный и быстрый ум художника, легко охватывающего жизнь. Он видит человеческие персонажи в четких границах живой формы, в реалистичном, материальном цвете, в реалистичной композиции.Живучесть - главное свойство гения Левицкого.

Самые ранние портреты Боровиковского еще не полностью самостоятельны. Лицо самого художника в них еще не очень отчетливо. Но по прошествии очень короткого времени художник становится самим собой, вырабатывает собственный стиль, который позволяет ему открывать в человеческих персонажах свойства, ранее никем не замеченные.

Русская живопись второй половины XVIII века - явление совершенно новое, независимое от западноевропейских течений в живописи от классицизма до романтизма, это реализм раннего Возрождения, классика Возрождения, что особенно ярко проявляется при высокой классике в живописи, архитектуре и архитектуре. Литература не замедлит появиться в первой половине 19 века.

Этому есть объяснение. Поскольку художник перевел взгляд с лица Спасителя и Богородицы на лицо человека - наиболее характерной черты мировоззрения и искусства эпохи Возрождения, то, естественно, ведущего жанра, чуть ли не единственного на протяжении XVIII века, это портрет и связанные с ним высшие художественные достижения.

Человек во всей его трепетной жизненной силе - вот что волнует и занимает художника, то ли как образец гражданской добродетели, то сама по себе личность человека ценна сама по себе, достойна всяческого уважения, внимания и восхищения.Эта человечность чувств и самосознание личности уже проявляется в «Автопортрете с женой» Матвеева и становится отличительной чертой русского портрета в произведениях Ф.С. Рокотов, Д. Левицкий и В. Боровиковский.

Эпоха Возрождения, как это было в эпоху Возрождения в Италии, - это обращение к античности и к человеку, каков он есть, вне религиозной рефлексии.

И такая атмосфера возникла в России впервые, может быть, еще в детстве Петра, и его игры с «забавой», обучением и произведениями раздувались этим предчувствием и ощущением новой жизни.Недаром Петр, построив корабль и спустив его на воду, призвал художников запечатлеть его на бумаге, холсте или меди для печати гравюр. Точно так же с городом, пока он рос, также и с людьми.

Ренессанс - это культура, ее создание, изучение человеческой природы и природы через анатомию и искусство портретной живописи. До сих пор отношения человека к другому опосредовались Богом через присутствие священного, теперь же сам человек опосредует это отношение к другому и миру, что является гуманизмом в его наиболее общей и прямой форме.Человек предстает перед собой - через другого, как будто смотрящийся в зеркало, в нашем случае художник. Новизна этой ситуации - одно из явлений новой жизни, Возрождения.
И мы видим, чувствуем, чувствуем это в портретах Рокотова, который в то же время виртуозно владеет кистью и обладает уникальным колористическим чувством. Он является редким мастером даже среди величайших художников эпохи Возрождения в Италии.

Великолепны и мужские портреты Рокотова. "Портрет А.М.Римского-Корсакова" (Конец 1760-х гг.) Художник не просто уловил внешний вид модели, у него живой облик во всей новизне своих впечатлений и самой жизни, как это бывает весной, и с прической, и с кафтаном с тонкими штрихами - все новое Да и новинка создает ощущение легкости. В этом молодость модели и удивительное мастерство художника, игриво владеющего кистью гения.

«Портрет графа А.И. Воронцова».(Около 1765 г.) Здесь отличительная черта портретов Рокотова еще яснее - артистизм, присущий как художнику, так и его натурщикам. Что касается творений Рафаэля, то говорят о «благодати», она несомненно присутствует у Рокотова. Мы знаем о графе А.И. Воронцов, как крестный отец Пушкина в будущем. Это означает, что Пушкин в детстве мог видеть портрет своего крестного отца в юности и даже своего автора. «Портрет В. И. Майкова» (1775–1778 гг.).Известно, что Василий Иванович Майков служил в Семеновском полку, и военная карьера для него была естественной, как и сочинение стихов, ведь именно так начинал Державин. Но молодой офицер или поэт проявил «леность» и ушел в отставку в 1761 году. Он поселился в Москве, откуда, вероятно, был родом, и, по его словам, «с жаром собственного влечения я узнал Аполлона, и музы стали знакомы». В 1763 году он опубликовал героико-юмористическую поэму «Омбреист». Писал басни, сатиру, на сцене его трагедии. "Портрет Н.Е. Струйского" (1772 г.). Это еще один поэт из круга семей, в которых явно ценили Рокотова. Николай Еремеевич служил в Преображенском полку; Выйдя на пенсию в 1771 году, он жил в своем имении Рузаевка Пензенской губернии. Он основал собственную типографию, чтобы печатать свои стихи на дорогой бумаге, и, говорят, с такой же решительностью он наказывал крестьян в художественном зале Парнас, где портреты Рокотова, которого очень уважал поэт, обращались к нему в стихах и стихах. проза как другу.
«Портрет А.П. Струйской» (1772 г.). Дисгармония во внешности мужа проявляется во внешности его жены в концентрированной гармонии. Вы можете ничего не знать об этой женщине, художник запечатлел ее образ с завораживающей полнотой, это воплощение грации и женской красоты. Приглушенный драгоценный блеск платья на плечах словно устало свисал. В больших глазах с выпученными зрачками нет открытости, как будто внутренняя занавеска опущена, с угаданной художником пеленой слез. «Портрет неизвестного в треуголке» (начало 1770-х гг.). Он висел в доме Струских. Это молодой человек или молодая женщина в маскарадном костюме, потому что на рентгеновских снимках появляется женский портрет, то есть высокая прическа, серьги, платье с глубоким вырезом, при этом лицо остается неизменным. Это секрет, а скорее всего просто игра-маскарад художника и его друзей.

Но особенно знаменательными в этом плане являются работы Дмитрия Григорьевича Левицкого (1735-1822).Он родился в Украине в семье священника, который в то же время был известным гравером. С 1758 по 1762 год учился в Петербурге у А.П. Антропова, в его коллективе занимался украшением Триумфальных ворот, построенных в Москве по случаю коронации императрицы Екатерины II.

Портрет архитектора Александра Филлиповича Кокоринова (1769) Очень показательно, что в самой первой из известных работ Левицкого «Портрет А.Ф. Кокоринова» (1769-1770) мы видим архитектора, строителя Академии художеств. здание и его ректор.«Кокоринов стоит у темного лакированного бюро, отделанного бронзой, на котором лежат чертежи здания Академии художеств, книги, бумага», - пишет исследователь. ". Портрет князя Александра Михайловича Голицына (1772) Портрет адъютанта флигеля Александра Дмитриевича Ланского (1782)
«Портрет П.А. Демидова» (1773), известного шахтёра. Он стоит у стола на террасе, опираясь левым локтем о лейку; у подножия колонн, за которыми вдалеке виднеется Детский дом, горшки с растениями - наверное, хозяин полил их, когда выходил утром, одетый, но в халате и ночном колпаке.Атласная одежда, алый и серебряный, блестки. Большая фигура, большое лицо - энергия и сила только догадываются, а жест руки в сторону рисунков на столе и выражение глаз показывают скрытую усталость или печаль. А парадный портрет с проработанной техникой и необходимыми аксессуарами раскрывает личность во всей ее жизненной непосредственности. «Портрет Н. А. Сеземова» (1770 г.), «деревня Выжигина, сельчанин», - гласит надпись на обороте холста.Бородатый, дородный, в длинном, отороченном мехом кафтане, с поясом ниже выступающего живота, мужик? Это крепостной графа П. Шереметев, налогоплательщик, сколотивший огромное состояние, то есть купец новой формации. Он пожертвовал двадцать тысяч рублей в пользу Московского детского дома, и на этот раз Левицкому был заказан его портрет парадный, но с темным фоном, без специальных принадлежностей, только бумага на опущенной руке, а другая рука указывает на нее. бумага с планом детского дома, с изображением младенца и текстом из Священного Писания.Это примета времени. Два портрета, два героя - их соседство уже уникально, но характерно именно для эпохи Возрождения. "Портрет Д. Дидро" (1773). По настойчивому приглашению Екатерины II философ посетил Россию в 1773–1774 годах. Голова без парика, с остатками волос на затылке, чистый покатый лоб; голова не запрокинута, и все же впечатление, что Дидро смотрит не просто в сторону, а в высоту, то есть кажется, что внутреннее устремление мысли вдаль дает о себе знать.
Три портрета всего - и целая эпоха преобразований Петра Великого на новом этапе общественного развития всплывает из первых уст.

XVIII век был знаменательным для России с заметными изменениями и значительными достижениями в области искусства. Изменились его жанровая структура, содержание, характер, средства художественного выражения. И в архитектуре, и в скульптуре, и в живописи, и в графике русское искусство вышло на общеевропейский путь развития.Еще в глубине 17 века, при Петре Великом, шел процесс «секуляризации» русской культуры. В формировании и развитии светской культуры общеевропейского типа нельзя было опираться на старые художественные способы выражения, для которых новые задачи были слишком трудными. Приглашенные на русскую службу иностранные мастера не только помогали создавать новое искусство, но и были учителями русского народа. Еще одним не менее важным способом получения профессионального образования была отправка русских мастеров на учебу в Западную Европу.Столько русских мастеров получили высшее образование во Франции, Голландии, Италии, Англии, Германии. Думаю, именно на этом этапе русское искусство вплотную соприкоснулось со стилистическими тенденциями, развитыми в западноевропейском искусстве новой эпохи, через которые ему пришлось пройти своим путем. Однако поначалу процесс перестройки художественного сознания русских мастеров протекал с большими трудностями, традиционные представления, законы средневекового творчества в виде монументально-декоративной живописи и иконописи все же сказывались на их методе работы.

Во второй половине 17 века, наряду с другими видами искусства в России, живопись претерпела большие изменения. В определенной степени они готовят те радикальные реформы, которые происходят в нем в начале 18 века. Заняв позицию современного искусства (со значительным опозданием по сравнению с другими художественно развитыми странами Европы), русская живопись по-своему отражает общие закономерности этого этапа развития. На первый план выходит светское искусство. Первоначально светская живопись была основана в Санкт-Петербурге.В Петербурге и Москве, но уже со второй половины XVIII века он получил широкое распространение в других городах и усадьбах. Традиционное ответвление живописи - иконопись до сих пор широко используется во всех слоях общества. Русская живопись развивалась на протяжении XVIII века в тесном контакте с искусством западноевропейских школ, соединив общее наследие - произведения искусства эпохи Возрождения и барокко, а также широко используя опыт соседних государств. В то же время.Как давно установили исследователи, искусство в целом и живопись в частности на протяжении XVIII века связаны единым направлением и имеют ярко выраженный национальный характер. В этот период в России работали крупнейшие мастера своего дела, представители отечественной художественной школы и зарубежные живописцы.

1. Портрет первой половины 18 века

В ранних произведениях, созданных на рубеже веков, до сих пор сохранились элементы средневековой портретной живописи - парсуны с характерной передачей социального положения модели, статичностью поз, плоскостностью трактовки форм, интересом к орнаменту.Парсуна сыграла важную роль - она ​​передала основные черты нового портретного приема, который в русских условиях по-своему трансформировался. Портреты этой линии отличаются большими размерами, композиционными схемами, заимствованными из парадной живописи Западной Европы XVII века, внушительными и впечатляющими, строгой социальной маркировкой и «важным молчанием».

Модели, изображенные на таких портретах, воплощают почти культовое безразличное ожидание.Картина в них сочетает объемное и конкретное личное письмо с плоскими «предличностями» - как это было в парсуне. Парсуна вывела русскую живопись на путь станковой живописи - придавая ей не только сходство, но и живописность, давая ей место в формирующемся светском интерьере. Но к концу 1710-х гг. портреты в этом стиле перестали удовлетворять заказчиков из-за их тяжелого веса, косноязычия и архаичности, что стало очевидным после первых заграничных поездок Петра.У покупателей появилась новая достопримечательность - искусство Запада (прежде всего Франции): картины покупают за границей, зарубежных художников приглашают в Россию, а россиян приглашают на учебу.

Основная линия (Никитин и Матвеев) развития портрета уверенно движется вперед, а парсуна теряет свою привлекательность в глазах высокопоставленных заказчиков. Тем не менее, чем дальше от Петербурга, тем отчетливее проявятся черты Парсуны в провинции - на протяжении всего XVIII века и даже первой половины XIX века.Особенностью этой линии портрета является ее причастность к иконописи, которая сама в этот период, теряя свою средневековую духовность, становится компромиссной, легкой и изящной. Она будет влиять на некоторых художников, близких к Канцелярии, из зданий.

1. Линия, лежащая в стороне от заморской пенсии, дополняется художниками, самостоятельно прошедшими путь от иконописи до портрета, крепостными мастерами домашнего обучения и любителями искусства - дворянами-любителями.

2. Россика представлена ​​зарубежными художниками, работавшими в России на протяжении XVIII века. Эта линия неоднородна по этническому составу и качеству. Он ближе к мейнстриму русского портрета, его задача - показать местный образец общеевропейским способом. Благодаря Россике русское искусство соприкасается с искусством соседних стран - на уровне типологии, стиля и формирования общих критериев художественного качества.

3.Собственно родная школа (Иван Никитин, Алексей Матвеев, Иван Вишняков, Алексей Антропов, Иван Аргунов). Их работы отличаются мастерством и точностью передачи внешнего вида, хотя полного совершенства они не достигли. (Из следующего поколения к нему принадлежали Рокотов, Левицкий, Боровиковский). Эта магистральная линия отличается непрерывностью. При этом в ней было внутреннее единство - сначала она была нацелена на усвоение основных художественных принципов Нового времени, затем, догнав их, стала развиваться в соответствии с общеевропейскими стилистическими течениями (барокко, рококо. , классицизм, сентиментализм, домантизм).

Постепенно портрет все глубже и глубже стал воссоздавать внутреннее содержание человека. В первой четверти XVIII века появились портреты, в которых достоверно запечатлены образы многих выдающихся современников. Крупнейшими художниками первой половины XVIII века были И.Н. Никитин и А. Матвеев. Они быстрее других преодолели иконографические влияния и создали поистине художественные произведения искусства новой эпохи.

Уже ранние портреты Ивана Никитича Никитина отличались большим мастерством исполнения.Петр Великий очень гордился Никитиным, и художник неоднократно писал портреты самого императора. Мастерство художника ярко проявилось в портрете Петра на смертном одре. Незавершенная работа несет на себе следы быстрого, смелого письма, она выполнена схематично, уверенной рукой опытного художника.

Самым значительным не только в творчестве самого Никитина, Ноя вообще в русской портретной живописи первой половины XVIII века является так называемый «Портрет напольного гетмана».Художник изобразил пожилого человека, словно уставшего от долгого труда. Это один из немногих портретов, в которых человек не позирует, не представлен зрителю в «самом приятном свете», но наполнен глубокой внутренней жизнью. Великолепно удалось художнику и колористическое решение полотна.

Портретное искусство Никитина - вершина в истории развития русской живописи первой половины XVIII века. Ни одному из его современников, художников, не удавалось добиться такого глубокого проникновения в суть человеческой психологии, такого артистизма и профессионального мастерства.

Андрей Матвеев стал первым русским мастером, получившим полноценное западноевропейское художественное образование. Молодой художник вернулся в Россию после смерти своих царственных покровителей - Петра I и Екатерины I. В августе 1727 года он прибыл в Санкт-Петербург и был осмотрен Луи Караваком, который отметил, что Матвеев хорошо рисует «образ» и имеет больше «. сила в цветах, а не в рисунке. «Матвеев был зачислен в штат Канцелярии от построек. В 1731 году он получил звание мастера и возглавил малярную бригаду Канцелярии, главного государственного учреждения, ведающего архитектурными и живописными работами в стране.

Из документов известно, что Матвеев писал батальные картины для Дачи, росписи для Петергофа, украшал Аничковские и Адмиралтейские Триумфальные ворота, впервые был найден даже фирменный эскиз-рисунок «Венчание на царство» (1732 г.) . Художник также участвовал в росписи Петропавловского собора, царских резиденций в Санкт-Петербурге, до конца своих дней писал иконы для церкви Святых Симеона и Анны. К сожалению, многие работы Матвеева известны только упоминаниями, другие не всегда бесспорны с точки зрения авторства.Самым интересным из оставшегося наследия Андрея Матвеева являются его портреты. До наших дней сохранилось очень мало, среди них: «Аллегория живописи» (1725 г.), «Автопортрет с женой» (1729 г.), «Парные портреты князей Голицыных» (1728 г.).

Конечно, в начале 18 века в области портретной живописи работал ряд других талантливых мастеров. Многообразие форм портретного жанра проявилось в творчестве миниатюристов - Г.С.Мусикиского и А.Г.Овсов, создавший серию портретов Петра I и его ближайшего окружения. Они стали первыми крупными мастерами, чьи миниатюры сохранились до наших дней. Оба художника сначала работали в Оружейной палате, а затем переехали в новую столицу - Санкт-Петербург. Поскольку они выполняли, прежде всего, приказы Петра I, естественно, что в их наследии преобладают царские портреты. Одна из работ Г. Мусикиского - портрет Петра I на фоне Петербурга. Не менее интересна его более ранняя работа 1717 года - портрет царской семьи, на котором изображена Екатерина, и фигуры стоящих детей: Елизаветы, Анны, цесаревича Алексея и маленького Петра Петровича.Композиционное решение миниатюры говорит о том, что художник был хорошо знаком с европейским парадным портретом, скорее всего, по гравюрам. Но для европейских миниатюр такие групповые портреты были новшеством. И заслуга мастера в том, что он первым ввел этот жанр в русское искусство. Мусикиский в своих первых работах еще не очень силен в рисовании - заметна непропорциональность фигур, некоторая жесткость и жесткость поз. Внимание привлекает, прежде всего, цвет - колористическое решение миниатюры удивительно празднично и нарядно.Если вспомнить известные произведения усольских мастеров XVII века, невольно отметим схожесть их цветовой гаммы с работами Мусикиского. Судя по всему, художник в Оружейной палате увидел изделия усольских мастеров, что нашло отражение в его портретных миниатюрах.

Со времен Петра Великого портрет в русском искусстве вышел на 1-е место по распространенности и качеству. «Портрет» фактически взял на себя главную ношу усвоения художественных принципов современности.«В произведениях именно этого жанра испытываются неизвестные ранее творческие ходы - композиционные схемы, колористические приемы, стилевые установки. Одновременно с портретом развивались и другие жанры, необходимые для абсолютистского государства - исторические и аллегорические композиции, благодаря которым русский язык культура вошла в мир ранее неизвестной системы персонификаций.

Знакомство с законами станковой живописи в постпетровской Руси было трудным. Художникам нужно было не только овладеть новым пониманием содержания, но и научиться правильно строить картинную плоскость, искусству перспективы и анатомически правильной передачи человеческого тела, а также основам техники масляной живописи и законы цвета.

Особенностью типологии русского портрета XVIII века является отсутствие или крайняя редкость группового (в том числе семейного) портрета, что в ту же эпоху было очень показательно одновременно для Англии и Франции; а также отсутствие «сцен интервью». До 2 этажа. Скульптурного портрета в XVIII веке не было.

2. Особенности русского портрета середины XVIII века

С середины 17 до середины 18 века портрет был собственностью в основном придворных кругов - будь то королевский мемориал «парсуна», парадный императорский портрет или изображения людей, так или иначе близких к верховная власть.Лишь с середины 18 века портрет «погружается» в массы рядового местного дворянства, под влиянием просвещения появляются еще редкие изображения крестьян и купцов, создаются портреты деятелей культуры ». В 1730-1740-х годах произошло усиление дворянства, чему способствовала Реформа дворянской свободы. Портрет стал незаменимым инструментом как для самоутверждения, так и для эстетизации жизни. К 1760-м годам портретная живопись уже получила широкое распространение не только при императорском дворе, но и в отдаленных помещичьих имениях.В 1760-1780-е годы окончательно определились многие черты русского портрета 18 века. Завершился период становления, перехода от старых форм культуры, ученичества на Западе.

Позднее елизаветинское царствование (конец 1750-х - начало 1760-х годов) характеризовалось идеалом красоты, связанным с личностью императрицы Елизаветы Петровны. Это широкое радостное принятие действительности, ощущение праздника, торжество естественного начала. Часто этот идеал проявляется в округлой полноте сильно округлых лиц.Тем не менее, для многих мастеров эта радость бытия и физическое удовлетворение дополняется сдержанным отношением к образу человека, восходящим к формам и традициям иконы и парсуны. Жизненная энергия, проявляющаяся в мощных формах и ярких цветах, сдерживается «застывшими чеканками отчужденных лиц и четкими очертаниями форм». От парсуны в таких ранних портретах прослеживается определенная жесткость позы, а цвет предмета иногда бывает настолько насыщенным, что за ним можно увидеть символический цвет, характерный для средневековой художественной системы.«Дроби» (то, что ниже лица) интерпретируются ровно, полотно создано добросовестно, как своего рода вещь, при интерпретации образа человека остаются следы символического мышления - все это пережиток перехода от средневековья до новой эры. К 1750-м годам в русской портретной живописи заметно возрастает интимность трактовки образа. Например, Антон Лосенко культивирует станковый жанр, поэтому в его портретах снижается декоративность, возрастает роль жеста, возникает сюжетная ассоциативность, происходят поиски камерного пространства.

Середина века - время зарождения и возрождения национальных традиций - в области живописи представлена ​​именами И.Я. Вишнякова, А.П. Антропова, И. Аргунов. Легкость и свобода построения композиции, движения кисти и мазка петровских пенсионеров заменены мастерами середины века с большей традицией письма, осознанной позой модели.

О незаурядном мастерстве и таланте Ивана Яковлевича Вишнякова можно судить по портретам К.и Н. Тишинс и особенно Сара Фремор. Изобразив девушку в платье придворной дамы, художник одновременно запечатлел живой и реальный образ подростка - неловкость и скованность движений, некоторую напряженность в позе, угловатость. Несмотря на статичность модели, условность в трактовке фигуры, жеста, орнамента, портрет Сары Фремор покоряет своей поэзией. Это, на мой взгляд, одна из лучших картин середины века.

В середине XVIII века Алексей Петрович Антропов был выдающимся мастером портретной живописи, сочетающей различные художественные приемы. Портрет государственной дамы А. Измайлова (1759) интересна выразительными характеристиками модели. Его отличает национально-историческая типичность изображения, живописная и пластическая целостность. Портрет прост по композиции. Он построен на сочетании звучных и голубых тонов.

И.И. Аргунов (1729–1802) - крепостной граф Шереметьевых - представитель очень талантливой семьи архитекторов и художников.Он создал многочисленные портреты Шереметьевых и людей их круга. Обычно они ему не позировали, и Аргунов, как он сам сказал, писал их, наблюдая за ними во время праздничных праздников во дворце. К лучшим работам художника относятся парные портреты К.А. Хрипунов, «иностранная коллегия переводчиков», и его жена (1757 г.) - люди общего происхождения. Аргунов изображает своих моделей крупным планом: они кажутся рядом со зрителем.

Но карьера А.П. Антроповой как портретиста складывалась под непосредственным влиянием политических событий, происходящих в России.Смена правления оказала ощутимое влияние на его творчество. 25 декабря 1761 года, после смерти Елизаветы Петровны, на российский престол вступил ее племянник и правопреемник Петр III.

Священный Синод заказывает портрет нового правителя России для украшения парадного зала А.П. Антропову. Такая работа входила в обязанности художника, входившего в синодальный отдел. Впервые Антропов получил возможность проявить свои навыки живописи, создав парадный императорский портрет в полный рост.Это вселяло в него надежду, что при смене королевского антуража он сможет получить доступ во дворец и, если ему повезет, добиться звания придворного художника.

В феврале 1762 года А.П. Антропов сделал небольшой этюд, который сейчас находится в Третьяковской галерее. На эскизе, где красиво и тонко подобран цвет, Петр III изображен в условном интерьере, который не похож на приемный зал торжественной публики, а скорее на личные покои. Фигура нового императора помещена в своеобразную живописную рамку: с одной стороны ее обрамляет спиральный столб с гирляндами из листьев, а с другой - дверной проем с выбранной над ним драпировкой.Слева, на розоватой стене, художник помещает портрет Петра I в резной раме - эта деталь должна была свидетельствовать о последовательной легитимности власти от деда к внуку и завуалированно обозначать программу начавшегося царствования. Потому что Петр III в своем первом манифесте заявил, что «пойдет по стопам мудрого государя, нашего деда Петра Великого. «

Мы не знаем, в каких отношениях находились художник и государь; мы не знаем, позировал ли Петр III Антроповой.Однако можно догадаться, что этюд не понравился императору, который утверждал, что он великий правитель и полководец. И художник отходит от первоначального замысла. Финальный портрет Петра III - парадное полотно, отвечающее всем канонам этого жанра. Внесены обязательные для императорского портрета атрибуты величия и царственности: на столе - корона, скипетр, держава; горностай на кресле. Петр III предстает в энергичной позе с вытянутой вперед ногой; Одной рукой он опирается на маршальский жезл, а вторую кладет на пояс.Благодаря искаженной перспективе пол передан в несколько неестественной перспективе, а фигура короля возвышается над зрителем. Пространство было расширено: в оконном проеме появилась батальная сцена - намек на выдающиеся военно-лидерские способности Петра III, которыми, однако, он не обладал, необходимые по живописному канону. Художник явно хотел добиться возвышенного и в то же время помпезного эффекта.

В 1762 году по просьбе бывшего члена Синода архимандрита Троице-Сергиева монастыря Лаврентия Хоцятовского А.П. Антропов пишет уменьшенную и урезанную версию того же портрета Петра III. Сейчас он хранится в Сергиево-Посадском музее-заповеднике. Здесь государь представлен в более расслабленной позиции. Королевские регалии разрезаны пополам рамкой картины. Некрасивое лицо Петра Федоровича смягчается черно-белой лепкой. Авторская копия оказалась более удачной в живописном плане, чем оригинал. Затем А.П. Антропов пишет еще один, четвертый портрет монарха - в обстановке военного городка.До Октябрьской революции полотно находилось в Зимнем дворце, затем было передано в Русский музей.

Антроповская интерпретация Петра III определенно понравилась высшим авторитетам. Косвенным подтверждением этого является тот факт, что одновременно с А.П. Антроповым для написания Петра III был приглашен Ф.С. Рокотов. В апреле 1762 года с невиданной поспешностью - за две с половиной недели - Рокотов выполнил поколенческий портрет государя со всеми царскими атрибутами.Картина не произвела благоприятного впечатления при дворе, возможно, потому, что была написана наспех. Версия Рокотовского осталась невостребованной, и все последующие заказы были переданы А.П. Антропову.

Однако дворцовые успехи художника, как и царствование Петра III, были недолгими. При новом царе произошли резкие изменения во внутренней и внешней политике России. В результате переворота 28 июня 1762 года супруга Петра III, новая императрица Екатерина II, была провозглашена полновластной императрицей.А.П. Антропову не повезло: перспектива стать придворным художником при дворе Петра III уже вырисовывалась перед ним, но Екатерина Алексеевна, конечно, не хотела отдавать такое высокое и престижное место человеку, которому нравилось благосклонность ненавистного супруга.

Однако нужны были опытные художники. Впоследствии А.П. Антропов выполнял многие дворцовые заказы и неоднократно писал Матери Императрице. Однако место придворного художника было отведено датчанину Вигилиусу Эриксену, создавшему знаменитый конный портрет королевы и портрет перед зеркалом.

С 1768 года Стефано Торелли стал придворным художником Екатерины II, создав великолепные аллегорические полотна в ее честь. Справедливости ради следует отметить, что по живописному мастерству зарубежные мастера превосходили нашего Антропова.

3. Портрет конца 18 века

Живопись последних десятилетий 18 века отличается значительным разнообразием и законченностью. В первую очередь это связано с основанием Академии художеств.Русская школа осваивает те жанры живописи, которые ранее были представлены только произведениями старых и современных западноевропейских мастеров. С портретным искусством связаны величайшие достижения русской живописи последних десятилетий XVIII века. во второй половине 18 века портретная живопись достигла своего расцвета. В это время величайшие живописцы Ф.С. Рокотов, Д. Левицкий и В. Боровиковский, создавший блестящую галерею портретов современников, восхваляет красоту и благородство человеческих устремлений.Русский портрет того времени удачно сочетает в себе большую глубину и значимость изображения человека. Художники воссоздали образ человека с помощью различных живописных средств: изысканные цвета и рефлексы, богатая система нанесения многослойных красок, прозрачное остекление, тонкое и виртуозное использование фактуры окрашенной поверхности.

Ф.С. Рокотова (1735–1808) - одна из самых очаровательных и трудных для объяснения страниц нашей культуры. Уже в довольно зрелом возрасте его приняли в Академию художеств.Его ранние работы - портреты Г.Г. Орлова (1762-1763), Е.Б. Юсупова (1756-1761) свидетельствуют о его причастности к культуре рококо. Признаки этого стиля есть в коронационном портрете Екатерины II (1763 г.), который стал образцом для изображения очень требовательной императрицы. Еще много портретов вышло из-под кисти художника - поэта В.И. Майков (1769-1770), почти вся семья Воронцовых - он сам (конец 1760-х гг.), Его жена М.А. Воронцова и дети (1770-е гг.). В восьмидесятые годы восемнадцатого века на портретах Ф.С. Рокотов, преобладает оттенок гордого осознания собственной значимости; к этому периоду относятся: портрет молодой генеральской жены В.Е. Новосильцева (1780), дворянка Е. Орловой. Рокотов писал преимущественно камерные портреты. В его произведениях отразилось стремление лучшей, просвещенной части русского дворянства придерживаться высоких моральных норм, характерных для того времени. Художник любил изображать человека без парадной обстановки, а не позировать.

Еще в ранних произведениях Рокотова - портреты великого князя Павла, девушки Е.Юсуповой и др., Отражено умение не только правильно передать сходство, но и наделить образ большой одухотворенностью.

Творчество Рокотова процветает и в последующие годы, когда художник еще больше обогащает и усложняет колорит, добивается передачи в своих портретах внутренне значимого, возвышенного образа. В более поздних портретах Рокотов подчеркивает интеллектуальность и одухотворенность своих натурщиц. Обычно Рокотов все внимание сосредотачивает на лицах.Люди на его портретах почти всегда немного улыбаются, часто пристально, иногда загадочно глядя на зрителя. Их объединяет что-то общее, какая-то глубокая человечность и теплота. Как будто изображаемые что-то скрывают, что-то скрывают. Они кажутся погруженными в таинственную фоновую среду.

В период расцвета творчества Рокотова началась деятельность другого выдающегося портретиста Дмитрия Григорьевича Левицкого, создавшего серию правдивых, глубоких портретов.Созданная художником галерея портретов современников принесла ему заслуженную известность. Появились солидные заказы. Одним из них был портрет П.А. Демидова (1773 г.). Потомок тульских кузнецов, превратившихся в баснословно богатого селекционера при Петре I, Прокофий Демидов слыл великим оригиналом, удивлявшим своей неординарностью не только Санкт-Петербург и Москву, но и Европу. Левицкому удалось передать индивидуальные особенности изображаемого человека, умело и тонко соединить их с глубоким пониманием сложной природы своей модели.Демидов представлен в халате и фуражке, положив руку на садовую лейку. Гордую осанку подчеркивает торжественный жест, указывающий на цветочные горшки, поклонником которых была эта любимица удачи. При всей пародийности образа, видимо согласованной с заказчиком, Левицкому удалось совместить эти черты экстравагантности с элементами парадного портрета (колонны, драпировка, пейзаж с видом на Детский дом в Москве, огромные пожертвования на которые сделал Демидов, были известны в обществе).Однако в изображенном лице проскальзывают нотки горького скептицизма и иронии. Портрет свидетельствует о высоком мастерстве художника, его умении видеть черты глубокой человечности за внешним, притворным.

В 1773-77 гг. Левицкий был занят выполнением заказа императрицы Екатерины II, которая поручила ему написать семь портретов воспитанниц Смольного института для благородных девиц. Эту портретную галерею объединяет общая идея: художник представил танцующих или разыгрывающих театральные сцены смолянок.Изображения даны на фоне пейзажей или драпировок, так что каждое из них воспринимается как своеобразная сюжетная картина. На портрете Э.И. Нелидовой (1773), представленной танцовщицей, грация движения раскрывается в изящном повороте фигуры, а непосредственность и очарование - в задорном блеске карих миндалевидных глаз и лукавой улыбке. Помимо однофигурных портретов Смолянки - Г.И. Алымова, играющая на арфе (1776 г.), Е.И. Молчанова, сидящая за столом с физическими приборами (1776 г.), А.П. Левшина (1775) и Н.С. Борщовой (1776 г.), изображены танцующие, - Левицкий также создал парные портреты Ф.С. Ржевская и Н.М.Давыдова (1772?), Е.Н. Хованская и Е. Хрущева (1773 г.). Особенно удачным оказался последний портрет, на котором девочки-подростки разыгрывают сцену из комической оперы «Капризы любви, или Нинетта при дворе». Игривая десятилетняя Хрущева в мужской роли и застенчивая Хованская, робко смотрящая на своего «кавалера», Левицкий сразу видит, подглядывая за заученными театральными жестами.Единство композиционных приемов, ритмичность движений и тонкие цветовые решения объединяют эту оригинальную портретную сюиту. Среди официальных парадных портретов, созданных художником, особое место занимает картина «Екатерина II - законодательница в храме богини справедливости» (1783 г.). Он выражает в аллегорической форме представление русских просветителей об идеальном монархе. Екатерина II изображена в горностаевой мантии, на фоне колонн и драпировок, сжигающей благовония из маков перед статуей богини Справедливости.За балюстрадой - морской пейзаж с кораблями, напоминающий о победах русского флота на Черном море; у ног императрицы - орел с лавровой ветвью в клюве, восседающий на огромных фолиантах Свода законов, как бы подтверждая роль Екатерины II - законодателя. Эта концепция изображения соответствовала требованиям классицизма - стиля, господствовавшего в литературе и искусстве конца XVIII века. Его идеалы определили и характер так называемого львовско-державинского кружка, к которому Левицкий был близок.Ведущие мыслители и писатели Н.А.Львов, Г.Р. Державин, В. Капнист оказал на художника большое влияние. В этот период Левицкий создал портреты философа Д. Дидро (1773 г.), ныне находящегося в Женеве, и писателя А.В. Храповицкого (1781 г.). Портрет Н.А.Лвова (конец 1770-х гг.), В личности которого воплотились лучшие черты человека эпохи Просвещения: возвышенный ум, талант, чистота и благородство помыслов.

Портреты Левицкого очень разнообразны. Для художника все его модели - люди со сложной внутренней жизнью.Он не льстил им, оставаясь объективным в своих характеристиках.

Левицкий был замечательным рисовальщиком и колористом. Его портреты всегда гармоничны по цвету, золотистый свет окутывает полотна. Художник часто прибегает к насыщенным, насыщенным цветам, составляющим для него единую и характерную для него гамму, в которой царят ясность и чистота тональных и цветовых соотношений.

Третьим выдающимся мастером портретного жанра конца XVIII века был Владимир Лукич Боровиковский.Судьбу Владимира Лукича в корне изменили две аллегорические картины, украшающие Кременчугский дворец, один из «дворцов путешествий», воздвигнутых на пути Екатерины II в Крым. Императрице понравились картины, и она льстила своей гордости. На одном из них были изображены Петр I в образе крестьянина и Екатерина II, сеющая поле, а на другом - императрица в образе Минервы в окружении мудрецов Древней Греции. Царская хвала открыла Боровиковскому дорогу в Петербург.

30-летний художник уже не мог поступать в Академию художеств и поэтому получал частные уроки у своего прославленного соотечественника Д.Г. Левицкого, а с 1772 года - у известного австрийского живописца, работавшего при дворе Екатерины II, И. Лампи, а также скопировал лучшие образцы европейской живописи и работы своих наставников.

Этого ему хватило, чтобы в совершенстве овладеть профессиональным мастерством. 4 декабря 1794 года Лампи обратился в Совет Академии художеств с письмом, в котором просил наградить своего ученика В.Л. Боровиковскому присвоено звание академика. Очевидно, «Портрет Екатерины II на прогулке» был представлен. Эта просьба говорит о высокой оценке талантов русского студента, которую дает ему иностранный художник.

У своих учителей он перенял блестящую технику, легкость письма, композиционное мастерство и умение льстить изображаемому человеку. В кругу известного архитектора, поэта и музыканта Н. А. Львова, в доме которого он прожил десять лет, Боровиковский оказался среди выдающихся деятелей художественной России, проникнутых идеями символизма.Новое веяние созвучно спокойному, элегически настроенному художнику, чей простой образ жизни не зависел от славы или денег. Владимир Лукич был полностью поглощен искусством, и его навыки быстро оценили заказчики.

К 1790 году он стал одним из самых известных художников-портретистов, в 1795 году получил звание академика, а через семь лет стал советником Академии художеств. Он стал известным и даже модным портретистом, на него посыпались заказы от самых высокопоставленных лиц, вплоть до членов императорской семьи.

Расцвет его искусства был недолгим - чуть более десятка лет на рубеже 18-19 веков - но прекрасным. Именно тогда он создал портрет статс-секретаря Павла I Д.П. Трощинского, передающего внутреннюю силу этого неординарного человека, вырвавшегося из низов, а также парадные портреты - удивительно красивый и экзотический портрет Муртазы Кулихана, великолепный портрет А. Куракин, выразительно изображающий человека, прозванного «алмазным князем» за любовь к роскоши и «павлином» за редкую надменность, - портрет Державина, сидящего в кресле за письменным столом, заваленным рукописями.

И все же его талант наиболее ярко раскрылся в серии женских портретов, выполненных в те же годы. Они не столь зрелищны, как мужские, имеют небольшие размеры, иногда схожи по композиционному решению, но отличаются исключительной тонкостью передачи персонажей, неуловимыми движениями душевной жизни и объединены нежным поэтическим чувством.

Для красивых женских образов Боровиковский создал определенный стиль портрета: поясное изображение, погруженная в задумчивость фигура, опирающаяся рукой на какую-то опору, а спокойный пейзаж служит фоном для томного изгиба тела. в легкой, легкой одежде.

В изображенных Боровиковский воспевал способность к высоким чувствам, душевным чувствам, что соответствует сентиментальным настроениям этого общества и направлению в литературе. В женских портретах художник стремился к особой поэтизации модели, к некоему расслабленному и в то же время изящному, слегка идеализированному ее образу.

Художник надолго сохранил свое блестящее мастерство и зоркость.

Боровиковский воспитал двух учеников, одним из которых был Алексей Венецианов, перенявший у своего наставника поэтическое мировосприятие.

К 1810 году в творчестве Боровиковского наметился поворот в романтическую сторону. Этот тонкий поэт сентиментального женского образа и величайшие образцы его мастерства открыли дорогу творческим достижениям художников романтизма.

Заключение

На протяжении XVIII века русская живопись прошла долгий путь становления по законам современности. Потребности эпохи нашли отражение в преимущественном развитии светской живописи - портрета, пейзажа, исторических и бытовых жанров.

С начала XVIII века, с довольно примитивного изображения человеческого лица, художники довели свое мастерство до необычайного совершенства. Обучаясь у зарубежных художников, русские мастера не только переняли их знания, но и превзошли их, добавив в свое искусство глубоко русского колорита.

Портреты начала века в основном изображают социальную принадлежность человека, его лучшие стороны, его пышность, иногда придуманную красоту. Но на протяжении столетия состояние, общественные настроения, а также отношение художника к изображаемому человеку сильно менялись.Мастера перестали ставить перед собой задачу сделать портрет похожим на натурщицу. Их интересовала не столько торжественность изложения, сколько внутренний мир человека, его сущность, его предрасположенность к духовности. К концу 18 века живописцы передают душу своих моделей, тончайшие настроения, вариативность характеров.

XVIII век имел огромное значение не только в истории развития государства Российского, но и внес колоссальные коррективы в русское искусство.Впервые мы можем не только прочитать о великих людях прошлого, но и увидеть лица тех, от кого зависело наше будущее. Портрет как направление в искусстве мне кажется одним из важнейших не только для людей, но и для истории их народа.

русских художников XVIII века сумели воплотить в красках и мраморе внешность, характеры и духовный мир своих современников. Именно в портрете искусство того времени создавало свои лучшие произведения.

.

Похожие записи

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *