Художники арт деко: Art Deco — History, Artworks, Facts

Содержание

Арт Деко (Art Deco) в искусстве

Арт Деко не избежал влияния ещё одного важного явления в искусстве ХХ века — абстракционизма. Новации абстракционизма связывают в основном с заслугами Василия Кандинского, который жил и работал в Мюнхене с 1896 по 1914 год. Постепенно удаляя сюжет из своих картин, художник добился того, что они приобрели вид полной абстракции.

Это также творчество Казимира Малевича, который явился основателем супрематизма, упростивший изображение до наложения одного белого квадрата на другой. Конструктивизм как стиль оказал значительное влияние на искусство Запада. Конструктивизм базировался на убеждении, что искусство должно было служить социальным целям и что оно являлось отражением скорее личного, чем общественного опыта. Художники конструктивисты создавали работы, напоминавшие детали механизмов, составленные из геометрических форм и оказали влияние на графику Арт Деко.

Развивавшиеся в то время новации не могли не оказать влияние на сам стиль Арт Деко, который явился результатом смешения с ними. В художественном смысле также заметное влияние на Арт Деко оказал кубизм, особенно его способ расчленения предметов и анализа их геометрических составляющих. Кубистское видение предметов появляется в работах Пабло Пикассо и Жоржа Брака примерно в 1908-1909 годах. Глубокое влияние на Арт Деко оказала манера обращения кубистов с плоскостями и их техника использования цвета.

Талантливый живописец и скульптор, итальянский художник Амадео Модельяни казал влияние на развитие Арт Деко. Он изображал живые, преимущественно женские формы, намеренно растягивая пропорции тела и черты лица, что явилось прообразом элегантной стилизации, свойственной Арт Деко.

Ставший на многие годы законодателем мод знаменитый парижский кутюрье Поль Пуаре сделал многое для пропаганды экзотического и красочного стиля Арт Деко, начало которому было положено “Русскими сезонами”. Модели Поля Пуаре утверждали идеальный образ богатой и модно одетой современной женщины. П. Пуаре «революционным» образом изменил моду: он уничтожил корсет, и тем самым силуэт его моделей сделался прямым и более естественным. Это было первое, еще робкое по сравнению с тем, что произойдет после первой мировой войны, но уже явное ее освобождение. Одев прямые и свободные платья-туники, с ярким декоративным рисунком, женщина и в поведении стала более прямой и естественной, менее жеманной и вычурной. В открывшемся в 1911 году всем известном отелье “Мартин”, в котором работали совсем необученные молодые девушки, создававшие рисунки для тканей, мебели и обоев. Такой необычный метод дал рождение произведениям, полным свежести и живости восприятия, а недостаток технических знаний компенсировался хорошо обученными мастерами, переводившими сделанные девушками рисунки на ткани, лишь слегка подправляя их. Из ателье «Мартин» выходили обои, стенные панно, ткани, сплошь покрытые огромными яркими цветами. Так, цветы (особенно розы, георгины, маргаритки, цинии), очень декоративные и бесконечно далекие от природных (настоящих), становятся любимой темой складывающегося Арт Деко.

В живописи, среди картин межвоенного периода чистый стиль Арт Деко выделить очень трудно. Большинство художников использовали технику, заимствованную у кубистов. Живопись Арт Деко не входила в число авангардных художественных направлений, более того, не носила прикладной характер, призванный соответствовать основополагающим принципам декорирования.

Живопись родившейся в Польше Тамары де Лемпицки, в творчестве которой преобладают модные портреты и эротическая обнаженная женская натура, считается типичным представителем Арт Деко в живописи. Дать определение техники письма де Лемпицкой можно, применив в веку машин ее собственное утверждение о том, что художник «не должен забывать о точности. Картина должна быть чистой и аккуратной». (С. Стерноу. Арт Деко. Полеты художественной фантазии. Белфакс, 1997).

По большому счету скульптуру Арт Деко можно разделить на две большие группы: на работы массового производства для внутреннего рынка и произведения «изящного искусства». Созданные художниками и скульпторами авангардного направления того периода, качественная скульптура и недорогая продукция массового потребления шли рука об руку — мрамор и бронза существовали рядом с пластиком и сувенирами из керамики. В области скульптуры стиль Арт Деко проявлял себя повсюду, от высокого искусства до китча.

Арт-деко – HiSoUR История культуры

Art Deco, иногда называют Deco, это стиль изобразительного искусства, архитектуры и дизайна, которые впервые появились во Франции незадолго до Первой мировой войны Art Deco повлияли на проектирование зданий и сооружений, мебели, ювелирных изделий, мода, автомобили, кинотеатры, поезда , океанские лайнеры, а также предметы быта, такие как радио и пылесосы. Она получила свое название, краткое для декоративного искусства, из Exposition Internationale декоративного искусства и др Industriels Modernes (Международная выставка современного декоративного и промышленного искусства) в Париже в 1925 году в сочетании модернистских стилей с тонким мастерством и богатыми материалами. Во время своего расцвета, Art Deco представлена ​​роскошь, гламур, изобилие, и вера в социальный и технический прогресс.

Art Deco был подделка много различных стилей, иногда противоречивых, объединенных желанием быть современной. С самого начала, Art Deco повлияли смелые геометрические формы кубизма; яркие цвета фовизма и балеты русов; обновленное мастерство мебели эпох Луи-Филиппа и Людовика XVI; и экзотические стили Китая и Японии, Индии, Персии, Древнем Египте и искусства майя. Он показал редкие и дорогие материалы, такие как черное дерево и слоновая кость, и изысканное мастерство. Chrysler Здание и другие небоскребы Нью-Йорк построенный в 1920-х и 1930-х годов являются памятниками стиля ар-деко.

Картина:
Там не было никакого раздела отложите для живописи в 1925 Exposition. Арт-деко картина была по определению декоративного, предназначенное для украшения комнаты или работы архитектуры, так мало художников работали исключительно в стиле, но два художников тесно связаны с арт-деко. Жан Dupas окрашены Art Deco фрески для Бордо павильона на 1925 декоративного искусства Экспозиция вПариж, А также нарисовал картину над камином в Мезон-де-ла-Collectioneur выставке в 1925 Exposition, который показал мебель по Ruhlmann и других известных дизайнеров Art Deco. Его фрески были также видное место в декоре французского океанского лайнера SS Normandie. Его работа была чисто декоративной, спроектированная в качестве фона или сопровождения к другим элементам декора. Другой художник тесно связан со стилем является Лемпицком. Родился вПольша в аристократической семье, она эмигрировала Париж после русской революции. Там она стала ученицей художника Мориса Дени движения под названием Les Наби и Cubist Андре Лот и заемное много элементов из их стилей. Она рисовала почти исключительно портреты в реалистической, динамичный и красочный стиль ар-деко.

В 1930-е годы драматическим новая форма Art Deco картины появились в Соединенные Штаты, Во время Великой депрессии, Федеральный художественный проект Администрации общественных работ был создан, чтобы дать работу безработным художникам. Многие получили задачу декорирования правительственных зданий, больницы и школы. Там не было никакого конкретного стиле ар-деко используется в росписях; художники, занятые на росписи в правительственных зданиях пришли из разных школ, от американского регионализма социального реализма; они включали в себя Реджинальд Марш, Рокуэлл Кент и мексиканский художник Диего Ривера. Фрески были Art Deco, потому что все они были декоративными и связанными с деятельностью в здании или городе, где они были окрашены: Реджинальд Марш и Рокуэлла Кента и украшенный США почтовых зданий и показали почтовые работник на работе в то время как Диего Ривера изобразил автозавод рабочий для Детройтский институт искусств. Диего Ривера»Рокфеллер Центр признаки несанкционированной портрет Ленина. Когда Ривера отказался снять Ленина, картина была разрушена, а новая фреска была окрашена испанским художником Хосе Мария Серт.

Скульптура:
Большая часть скульптуры эпохи ар-деко был, как следует из названия, чисто декоративный; он был разработан не для музеев, а орнамент офисных зданий, правительственных зданий, общественных площадей и частных салонов. Это было почти всегда репрезентативной, как правило, героических или аллегорических фигур, связанных с целью строительства; темы обычно выбирались патроном, и абстрактные скульптуры для украшения крайне редко. Он часто прикреплен к фасаду зданий, особенно над входом.

Аллегорические скульптуры танца и музыки Антуана Bourdelle были необходимы декоративные особенностью раннего Art Deco ориентира Париж, То Театр Елисейских Полей в ПарижВ 1912 году скульптор Аристид Майоль заново классический идеал для его статуи реки (1939), в настоящее время на музей из Современное искусство в Нью-Йорк, В 1930-х годах, целая команда скульпторов из скульптуры 1937 Экспозиции Internationale искусств и техники данса La Vie Moderne в Шайо. Здания экспозиции были покрыты барельефами, статуями. Альфред Джанниот сделал скульптуру рельефа на фасаде Дворец Токио. Парижский городской музей современного искусства, и эспланада перед дворцом Шайо, лицом кEiffel башня, Был переполнен новыми скульптурами по Чарльз Малфрей, Генри Арнольд, и многие другие.

в Соединенные ШтатыМногие европейские скульпторы обучались в Школе изящных искусств в Париж, Пришел на работу; они включали в себя Борглум, скульптор Горы Рашмор Мемориал Линкольна. Другие американские скульпторы, в том числе Хариет Уитен Фришают, учились у Огюста Родена вПариж, Обвал фондового рынка 1929 в значительной степени разрушен рынке монументальной скульптуры, но один грандиозный проект так и остался; новыйРокфеллер Центр, Американские скульпторы Ли Лоурь и Пол ИЗГОТОВЛЕНИЕ разработаны героические аллегорические фигуры для фасада и площади. ВСан-ФранцискоРальф Stackpole условии скульптуры для фасада нового здания в Сан-Франциско фондовой бирже.

Один из самых известных и, безусловно, самой большого Art Deco скульптура Христа Искупителя французского скульптора Ландовский, завершенного между 1922 и 1931, расположенным на вершине горы с видом Рио де Жанейро, Бразилия, Франсуа Помпон был пионером современной стилизованной Animalier скульптуры. Он не был полностью признан за его художественные достижения в возрасте до 67 лет в Осеннем салоне 1922 с рабочим Ours Бланы, также известные как Белый Медведь, в настоящее время в музее Орсэ в Париже.

Многие ранние скульптуры в стиле Арт Деко были маленькие, предназначены для украшения салонов. Один жанра этой скульптуры был назван статуэткой из золота и слоновой кости, названная в стиле древнегреческих храмовых статуй из золота и слоновой кости. Один из самых известных салонных скульпторов Art Deco был румынскими родился Чипарус, который произвел красочные небольшие скульптуры танцоров. Другие известные скульпторы салон включены Фердинанд Прейс, Йозеф Лоренсл, Александр Kelety, Доротеи Charol и Густав Schmidtcassel.

Параллельно с этим более неоклассических скульпторов, более авангардный и абстрактные скульпторы были на работе в Париж а также Нью-Йорк, Наиболее известными были Константин Бранкузи, Джозеф Чаки, Александр Архипенко, Анри Лорана, Жак Липшиц, Гюстав Миклош, Жан Ламберт Раки, Ян ЕТ Joël Martel, Хана Орлова и Гаргальо.

Графика:
Стиль арт-деко появился в начале графика, в последние годы перед Первой мировой войны он появился в Парижв плакатах и ​​конструкции костюма Леона Бакста для балета, и в каталогах модных дизайнеров Поль Пуаре. Иллюстрации Жоржа Барбье, и Жорж Lepape и изображения в журнале мод La Gazette дю бон тонный прекрасно захватили элегантность и чувственность стиля. В 1920-х годах, внешний вид изменился; в моде была напряженной более случайными, спортивной и дерзким, с женщиной модель, как правило, курения сигарет. Американские модные журналы, такие как Vogue, Vanity Fair и Harper `s Bazaar быстро поднял новый стиль и популяризовал его вСоединенные Штаты, Это также повлияло на работу американских книжных иллюстраторов, таких как RockwellКент, ВГермания, Самый известный плакат художника периода был Людвиг Холуэин, который создал красочные и драматические плакаты для музыкальных фестивалей, пива, и, в конце своей карьеры, для нацистской партии.

В течение периода ар-нуво, плакаты обычно рекламируются театральные продукты или кабаре. В 1920-х годах, туристические плакаты, сделанные для пароходных и авиакомпаний, стали чрезвычайно популярными. Стиль заметно изменилась в 1920-е годы, чтобы сосредоточить внимание на продукт рекламируется. Изображения стали проще, точнее, более линейны, более динамичным, и часто помещают против одного цвета фона. ВФранцияпопулярные дизайнеры Art Deco включен, Чарльз Loupot и Пол Колин, который стал известен своими плакатами Американской певицы и танцовщицы Жозефины Бейкер. Жан Карлу разработаны плакаты для Чарли Чаплина фильмов, мыла и театры; в конце 1930-х он эмигрировал вСоединенные Штаты, Где во время мировой войны, он создал плакаты для поощрения военного производства. Дизайнер Чарльз Gesmar прославился изготовление плакатов для певца Мистангета и AirФранция, Среди наиболее известных французских дизайнеров Art Deco плаката были Кассандры, который сделал знаменитый плакат океанского лайнера SS Normandie в 1935 году.

В 1930-й годах новый жанр плакатов появился в Соединенные Штатыво время Великой депрессии. Художественный проект Федерального нанял американских художников для создания плакатов по развитию туризма и культурных мероприятий.

Архитектура:
Архитектурный стиль арт-деко дебютировавший в Париж в 1903-04, со строительством двух многоквартирных домов Париж, Один Огюстом Перре на улице Trétaigne, а другой на улице Бенджамин Франклин Анри Sauvage. Две молодые архитекторы использовали железобетон впервые вПарижжилые дома; новые здания были чистые линии, прямоугольные формы, а не украшение на фасадах; они ознаменовали разрыв с художественным стилем модерн. Между 1910 и 1913 лет, Перра использовала свой опыт в конкретных жилых домах, чтобы построить Театр Елисейских Полей, 15 авеню Монтень. Между 1925 и 1928 он построил новый арт-деко фасад универмага La Samaritaine вПариж,

После Первой мировой войны, арт-деко здание из стали и железобетона стало появляться в крупных городах по всей Европе и Соединенные Штаты, вСоединенные Штатыстиль наиболее часто используются для офисных зданий, правительственных зданий, кинотеатров и железнодорожных станций. Иногда сочетались с другими стилями;Лос-Анджелес ратуша в сочетании Art Deco с крышей на основе древнегреческого Мавзолей в Галикарнас, в то время Лос-Анджелесжелезнодорожная станция в сочетании Deco с испанской архитектурой миссии. Art Deco элементы также появились в инженерно-технических проектах, в том числе башниЗолотые ворота Мост и впускные башни плотины Гувера. В 1920-х и 1930-х годах он стал по-настоящему интернациональным стилем, с примерами, включая Дворец изящных искусства (Дворец из изобразительные искусства) в Мехико Федерико Марискаль (ов), станции метро Маяковская в Москва и национальный Диета Здание в Токио по Ватанабе Fukuzo.

Стиль арт-деко не был ограничен здания на земле; океанский лайнер SS Normandie, чей первый рейс был в 1935 году, показал Art Deco дизайн, в том числе столовой, чей потолок и украшения были сделаны из стекла Лалика.

Фильм дворцы:
Многие из лучших примеров сохранившихся арт-деко являются кинотеатры, построенные в 1920-х и 1930-х годов. Период Art Deco совпал с переходом немого кино к звуку, и кинокомпании построены огромным театры в крупных городах, чтобы захватить огромную аудиторию, которая пришла, чтобы увидеть фильмы. Фильм дворцы в 1920-е годы часто в сочетании экзотические темы в стиле арт-деко; Египетский театр Граумана вГолливуд (1922) был вдохновлен древних египетских гробниц и пирамид, в то время как Fox Theater в Бейкерсфилд, Калифорнияприлагается башня в Калифорнии стиле миссии в стиле ар-деко зале. Самый большой из всех являетсяРадио город Music Hall в Нью-Йорк, Который был открыт в 1932 году был изначально задуман как этап театра, он быстро превращается в кинотеатр, который вмещал 6,015 человек Дизайн интерьера Дональдом Deskey использовали стекло, алюминий, хром, и кожа, чтобы создать красочный побег от реальности The Paramount Театр в Окленде, штат Калифорния, Тимоти Pflueger, был разноцветный керамический фасаду лобби четыре этажа, и отдельные арт-деко для некурящих господ и дам. Подобные грандиозные дворцы появились вЕвропа, Гранд Рекс вПариж (1932), с импозантной башней, был самый большой кинотеатр в Европа, Gaumont Госкино вЛондон (1937) имел башню по образцу империя состояниездание, покрытые кремовыми керамической плитки и интерьера в стиле ар-деко итальянского Ренессанса. Paramount театрШанхай, Китай(1933), первоначально был построен как танцевальный зал под названием Вентиль 100 удовольствий; он был преобразован в кинотеатр после коммунистической революции в 1949 году, и в настоящее время является бальным и дискотекой. В 1930-х годах итальянские архитекторы построили небольшой фильм дворец, кинотеатр Impero, вАсмэрой в том, что теперь Эритрея, Сегодня многие из кинотеатров были разделены на мультиплексы, а другие были восстановлены и используются в качестве культурных центров в своих общинах.

Streamline Moderne:
В конце 1930-х годов, новая разновидность архитектуры ар-деко стали обычным делом; она называлась Streamline Moderne или просто Streamline, или, во Франции, стиль Paqueboat или стиль океанского лайнера. Здания в стиле были имели скругленные углы, длинные горизонтальные линии; они были построены из железобетона, и почти всегда были белым цветом; и иногда имели мореходные характеристики, такие как перила, напоминающих те, на корабле. Закругленный угол был не совсем новым; он появился вБерлин в 1923 году в Mossehaus Эриха Мендельсона, а затем в Пылесос Здание, Промышленный комплекс в Лондон пригороде Perivale. В Соединенных Штатах, она стала наиболее тесно связана с транспортом; Streamline Moderne редко в офисных зданиях, но часто используется для автобусных станций и терминалов аэропортов, таких как терминал в аэропорту La Guardia в Нью-Йорке, который обработал первые трансатлантические рейсы через PanAm клипер летающих лодок; и в придорожной архитектуры, таких как автозаправочные станции и столовых. В конце 1930-х годов ряд обедающих, смоделированные обтекаемый железнодорожных вагонов, были изготовлены и установлены в городах вНовая Англия; по крайней мере два примера, по-прежнему остаются и в настоящее время на учете исторических зданий.

Украшения и мотивы:
Украшение в период Art Deco прошло через несколько различных этапов. Между 1910 и 1920 годами, в стиле модерн, был истощен, дизайн стили увидел возвращение к традиции, в частности, в работе Пола Ирибе. В 1912 году Андре Вера опубликовал статью в журнале L’Art Décoratif призывает к возвращению к мастерству и материалам предыдущих столетий, и с использованием нового репертуара форм, взятых из природы, в частности, корзины и гирлянды из фруктов и цветов. Вторая тенденция ар-деко, а также с 1910 по 1920 год, был вдохновлен яркими красками художественного движения, известного как фовистов и красочные костюмы и декорации балетов русов. Этот стиль часто выражаются с экзотическими материалами, такие как акульи, перламутр, слоновая кость, тонированная кожа, лакированные и окрашенного дерево, и декоративные инкрустации на мебели, которая подчеркивает свою геометрию. Этот период стиль достиг своеговысокая точка в 1925 Парижской выставке декоративно-прикладного искусства. В конце 1920-х и 1930-х годов, декоративный стиль изменился, вдохновленные новыми материалами и технологиями. Он стал изящнее и меньше декоративным. Мебель, как архитектура, стал иметь закругленные края и взять на полированном, обтекаемый вид, взятый из стиля обтекаемого модерна. Новые материалы, такие как хромированная сталь, алюминий и бакелит, ранняя форма из пластика, стали появляться в мебель и декоре.

На протяжении всего периода ар-деко, и особенно в 1930-е годы, мотивы декора выражали функцию здания. Театры были украшены скульптурой, проиллюстрированной музыку, танец, и волнение; энергетические компании показали, восходы, здание Chrysler показал стилизованный капот украшения; В фризы Дворец Порт-Доре в 1931 Парижской колониальной выставке показали лица разных национальностей французских колоний. Стиль Streamline сделал вид, что само здание находится в движении. ВПА стенопись 1930-х годов признакам обычных людей; заводчане, почтовые работники, семьи и фермеры, вместо классических героев.

Мебель:
Французская мебель с 1910 года до начала 1920-х годов был в значительной степени обновление французских традиционных стилей мебели, и дизайн в стиле модерн Луи Мажорель, Чарльз Плюме и других производителей. Французские производители мебели чувствовали угрозу растущей популярности немецких производителей и стилей, в частности стиля бидермайер, который был простым и чистым подкладке. Французский дизайнер Франтц Журден, президент парижского Осеннего салона, пригласил дизайнер изМюнхенучаствовать в 1910 Салоне. Французские дизайнеры увидели новый немецкий стиль, и решили встретиться с немецкой проблемой. Французские дизайнеры решили представить новые французские стили в Салоне 1912 года Правил Салон указано, что только современные стили будут разрешены. Все основные французские дизайнеры мебели приняли участие в Салоне: Пол Фолот, Пол Ирибе, Морис Dufrene, Андре Гролт, Андре Маре и Луи SUE приняли участие, представляя новые произведения, которые обновляются традиционные французские стили Луи XVI и Луи-Филиппа с более угловатыми углы вдохновленные кубизмом и яркие цвета, вдохновленные фовизма и наби.

Художник Андре Маре и дизайнер мебели Луи SUE оба участвовали в 1912 салон. После войны оба мужчины объединились, чтобы сформировать свою собственную компанию, официально называется Compagnie Des Arts Франсез, но обычно известный просто как Сью и Маре. В отличие от известных дизайнеров в стиле модерн, как Луи Мажорель, который лично разработан каждый кусок, они собрали команду квалифицированных мастеров и произвел полный дизайн интерьера, включая мебель, изделия из стекла, ковры, керамика, обои и освещения. Их работа характеризуется яркими красками и мебель и прекрасные леса, такие черное дерево, инкрустированный перламутром, ушка и посеребренного металла создать букеты цветов. Они проектировали все из интерьеров океанских лайнеров парфюмерных флаконов для лейбла Жан Patou.The фирмы процветали в начале 1920-х годов, но эти двое были лучшие мастера, чем бизнесмены. Фирма была продана в 1928 году, и оба ушли.

Самый известный дизайнер мебели в 1925 декоративном искусстве Экспозиции был Рульманом, из Эльзас, Он впервые выставил свои работы в Осеннем салоне 1913 года, затем был свой собственный павильон, «Дом Богатого Коллекционера», в 1925 году экспозиции. Он использовал только самые редкие и дорогие материалы, включая черное дерево, красное дерево, палисандр, амвон и других экзотических пород дерева, украшенные вставками из слоновой кости, панциря черепахи, перламутра, Маленькие помпонами из шелка украшали ручки ящиков шкафов. Его мебель была основана на модели 18-го века, но упрощены и видоизменен. Во всех его работы, внутренняя структура мебели была полностью скрыта. Основу, как правило, из дуба, был полностью покрыт с наложением тонких полосок дерева, затем покрывают вторым слоем полос редких и дорогих лесов. Это было тогда покрыто шпоном и полируется, так что часть выглядела так, как будто он был вырезан из цельного куска дерева. Контраст темного дерева был предоставлен вставками из слоновой кости, а также ключевых цветов слоновой кости пластин и ручками. По словам Ruhlmann, кресла должны были быть разработаны по-разному в зависимости от функций помещения, где они появились; гостиной кресла были разработаны, чтобы быть приветливы, офисные стулья удобные, и салон стулья сладострастный. было сделано только небольшое количество штук каждого дизайна мебели, а средняя цена одного из его кровати или шкафов было больше, чем цена среднего дома. офисные стулья удобные, и салон стулья сладострастный. было сделано только небольшое количество штук каждого дизайна мебели, а средняя цена одного из его кровати или шкафов было больше, чем цена среднего дома. офисные стулья удобные, и салон стулья сладострастный. было сделано только небольшое количество штук каждого дизайна мебели, а средняя цена одного из его кровати или шкафов было больше, чем цена среднего дома.

Жюль Леле был традиционный дизайнер мебели, который плавно перешел в стиле арт-деко в 1920-е годы; он проектировал мебель для столовойElysee ДворецИ для первого класса кают теплохода Normandie. его стиль характеризуется использованием черного дерева, Макассар дерева, грецкого ореха, с отделкой из бляшек из слоновой кости и перламутра. Он ввел стиль лакированной арт-деко мебель в конце в конце 1920-х годов, и в конце 1930-х годов представил мебель из металла с панелями из дымчатого стекла. В Италии, дизайнер Gio Ponti был известен своими обтекаемыми конструкции. вСоединенные Штаты,

Дорогостоящая и экзотических мебель Ruhlmann и другие традиционалисты взбесило модернистов, в том числе архитектора Ле Корбюзье, заставляя его написать известную серию статей, осуждающих искусствах décoratif стиль. Он напал на мебель, изготовленную только для богатых, и призвал дизайнер создавать мебель, изготовленную с недорогими материалами и современным стилем, что обычные люди могут себе позволить. Он разработал свои собственные стулья, созданы, чтобы быть недорогим и массового производства.

В 1930 году, дизайн мебели адаптированы к форме, с гладкой поверхностью и изогнутыми формами. Мастера стиля позднего включены Дональд Deskey был один из самых влиятельных дизайнеров; он создал интерьер изРадио город Music Hall, Он использовал смесь традиционных и очень современных материалов, включая алюминий, хром, и бакелита, ранняя форма пластмассы.

Дизайн:
Streamline был выбор Art Deco, который возник в середине 1930-х годов. Это был под влиянием современных аэродинамических принципов, разработанных для авиации и баллистики для уменьшения трения воздуха при высоких скоростях. Формы пули были применены дизайнерами для автомобилей, поездов, кораблей, и даже объекты не предназначены для перемещения, таких как холодильники, газовые насосы, зданий и сооружений. Один из первых серийных автомобилей в этом стиле был Chrysler Airflow в 1933 г. был неудачным коммерчески, но красота и функциональность его конструкции создать прецедент; имел в виду современность. Она по-прежнему использоваться в конструкции автомобиля хорошо после Второй мировой войны.

Новые промышленные материалы начали влиять на дизайн автомобилей и предметов домашнего обихода. Среди них алюминий, хром, и бакелита, ранняя форма пластмассы. Бакелит может быть легко формуется в разные формы, и вскоре был использован в телефонах, радио и других приборах.

Океанские лайнеры также принял стиль ар-деко, известный по-французски, как стиль Paquebot, или «Ocean Liner Style». Самым известным примером был SS Normandie, который совершил свой первый трансатлантический поездку в 1935 году был разработан особенно, чтобы принести богатых американцевПариж в магазин. Кабины и салоны представлены последние мебель ар-деко и украшения. Большой салон корабля, который был рестораном для пассажиров первого класса, был больше, чем зал зеркалДворец из Версаль, Она была освещена электрическими лампами в течение двенадцати столбов Лалик кристалла; тридцать шесть колонн, соответствующие вдоль стен. Это был один из самых ранних примеров освещения будучи непосредственно интегрированы в архитектуру. Стиль судов вскоре был адаптирован к зданиям. Характерный пример можно найти наСан-Франциско набережной, где морской музей Здание, построенное в качестве общественной бани в 1937 году, напоминает паром, с корабельными перилами и закругленными углами. Star Ferry Terminal вГонконг используется также изменение стиля.

Ювелирные изделия:
В 1920-х и 1930-х годов, дизайнеры, включая Рене Лалика и Картье пытались уменьшить традиционное доминирование алмазов путем введения более красочные драгоценные камни, такие как небольшие изумруды, рубины и сапфиры. Они также больший упор на очень сложную и элегантной обстановке, с участием менее дорогие материалами, такими как эмаль, стекло, рог и слоновая кость. Алмазы сами были отрезаны в менее традиционных формах; 1925 Exposition увидел большое количество бриллиантов, вырезанных в виде маленьких палочек или спичек. Настройки алмазов также изменились; Все чаще ювелиры использовали платину вместо золота, так как он был сильным и гибким, и могут создать кластеры камней. Ювелиры также начали использовать более темные материалы, такие как эмаль и черный оникс, что обеспечило более высокий контраст с алмазами.

Ювелирные изделия стали гораздо более красочным и разнообразным по стилю. Cartier и фирма Boucheron в сочетании алмазов с красочными других драгоценных камней, вырезанных в форме листьев, плодов или цветов. сделать броши, кольца, серьги, клипсы и подвески дальневосточные темы также стали популярными; бл нефрита и кораллов были объединены с платиной и бриллиантами, а также случаев, тщеславие, портсигары и пудреницы украшены японскими и китайскими пейзажах с перламутром, эмалью и лаком.

Быстро меняющиеся моды в одежде принесли новые стили ювелирных изделий. Платья без рукавов 1920-х годов означало, что оружие нужно украшение, и дизайнеры быстро создали браслеты из золота, серебра и платины с инкрустацией лазурита, оникса, кораллов и других цветных камней; Другие браслеты предназначены для предплечий, и несколько браслетов часто носил в то же время. Короткие стрижки женщин в двадцатых годах, называемых для сложных конструкций деко серьги. Поскольку женщины начали курить в общественных местах, дизайнеры создали очень богато портсигары и держатель слоновой кости сигарет. Изобретение наручных часов до начала Первой мировой войны вдохновили ювелиров на создание экстраординарных декорированные часы, инкрустированные бриллиантами и покрыты эмалью, золотом и серебром. Подвесные часы, висит от ленты, также стало модно.

Установленные ювелирные дома Парижа в период, Cartier, Chaumet, Жорж Фуке, Mauboussin и Van Cleef & Arpels все созданные Миндаль и объекты в новой моде. Фирма Chaumet из высоко геометрических сигаретные коробки, зажигалки, доты и ноутбуки, изготовленные из твердых камней, украшенных нефрита, лазурита, бриллианты и сапфиры. К ним присоединились многие молодые новых дизайнеров, каждый со своей собственной идеей Деко. Raymond TEMPLIER разработаны части с весьма замысловатыми геометрическими узорами, в том числе серебряных серег, которые выглядели как небоскребы. Жерар Сандоз был только 18, когда он начал проектировать драгоценности в 1921 году; он разработал много известных частей на основе гладкого и полированного вид современной техники. Стекла дизайнер Рене Лалик также вошел в поле, создавая подвески из фруктов, цветов, лягушек, феи русалки сделаны из скульптурного стекла в яркие цвета, висит на веревках из шелка с кисточками. Ювелирный Пол Brandt контрастируют прямоугольные и треугольные узоры и встроенные жемчужины в линии на ониксе бляшек. Жан Депре сделал ожерелье из контрастных цветов, объединяя серебро и черный лак, или золото с лазуритом. Многие из его конструкций выглядели полированными детали машин. Жан Дюнан был также вдохновлен современным оборудованием, в сочетании с яркими красными и черными контрастными с полированным металлом. Многие из его конструкций выглядели полированными детали машин. Жан Дюнан был также вдохновлен современным оборудованием, в сочетании с яркими красными и черными контрастными с полированным металлом. Многие из его конструкций выглядели полированными детали машин. Жан Дюнан был также вдохновлен современным оборудованием, в сочетании с яркими красными и черными контрастными с полированным металлом.

Стекло искусство:
Как и в период ар-нуво до него, ар-деко был исключительным периодом для тонкого стекла и других декоративных предметов, спроектированный с учетом их архитектурного окружения. Самый известный производитель стеклянных предметов был Рене Лалик, чьи работы, от ваз до капота украшения для автомобилей, стали символами периода. Он сделал предприятия в стекло еще до Первой мировой войны, проектирование бутылок для духов Франсуа Коти, но он не начинал серьезного производства художественного стекла до окончания Первой мировой войны в 1918 году, в возрасте 58 лет, он купил большой стакан работает в Комб-ла-Виль и начал производить как художественные и практические предметы из стекла. Он рассматривал стекло как форма скульптуры, и создал статуэтки, вазы, чаши, светильники и украшения. Он использовал пол-кристалл, а не свинцовый хрусталь, который был мягче и легче сформировать, хотя и не столь блестящим. Иногда он используется цветное стекло, но чаще всего используется опалесцирующий стекло, где часть или весь наружной поверхности окрашивают с помощью промывки. Lalique при условии, декоративные стеклянные панели, фары и подсвеченные стеклянные потолки для океанских лайнеров SS Иль-де-Франс в 1927 и SS Normandie в 1935 году, а для некоторых из первого класса спальных вагонов французских железных дорог. В 1925 экспозиции декоративно-прикладное искусство, у него был свой собственный павильон, спроектированный столовую комнату со столом оседанием и сопрягая стеклянный потолок для Севра павильона, и спроектировал стеклянный фонтан для двора Кур де Metier, стройной стеклянной колонки, которая хлынула вода с боков и была освещена в ночное время. Lalique при условии, декоративные стеклянные панели, фары и подсвеченные стеклянные потолки для океанских лайнеров SS Иль-де-Франс в 1927 и SS Normandie в 1935 году, а для некоторых из первого класса спальных вагонов французских железных дорог. В 1925 экспозиции декоративно-прикладное искусство, у него был свой собственный павильон, спроектированный столовую комнату со столом оседанием и сопрягая стеклянный потолок для Севра павильона, и спроектировал стеклянный фонтан для двора Кур де Metier, стройной стеклянной колонки, которая хлынула вода с боков и была освещена в ночное время. Lalique при условии, декоративные стеклянные панели, фары и подсвеченные стеклянные потолки для океанских лайнеров SS Иль-де-Франс в 1927 и SS Normandie в 1935 году, а для некоторых из первого класса спальных вагонов французских железных дорог. В 1925 экспозиции декоративно-прикладное искусство, у него был свой собственный павильон, спроектированный столовую комнату со столом оседанием и сопрягая стеклянный потолок для Севра павильона, и спроектировал стеклянный фонтан для двора Кур де Metier, стройной стеклянной колонки, которая хлынула вода с боков и была освещена в ночное время.

Другие известные производители Art Deco стекла включены Marius-Ernest SABINO, который специализируется на фигурки, вазы, чаши и стеклянные скульптуры рыб, обнаженных и животных. Для них он часто использовал опалесцирующий стекло, которое может изменяться от белого до синего до янтарного, в зависимости от света. Его ваза и чаши признаков формованных фризы животных, обнаженные или бюсты женщин с фруктами или цветами. Его работа была менее тонким, но более красочным, чем Lalique.

Другие стекла дизайнеров примечателен Deco включены Эдмон Etling, который также используется яркими опалесцируют цвета, часто с геометрическими узорами и скульптурными обнаженными; Альберт Симона, и Аристид Colotte и Морис Маринот, который был известен своей глубоко протравленной скульптурной бутылкой и вазы. Фирма Daum из городаНэнси, Который был известен своей стиле модерн стекла, произвел линию Deco ваз и стеклянной скульптуру, твердый, геометрического и короткого в форме. Более тонкие разноцветные работы были сделаны Gabriel Argy-Руссо, который продюсировал деликатно цветные вазы с скульптурными бабочками и нимфами, и Франсуа Decorchemont, чьи вазы прожилками и мрамор.

Великая депрессия разрушила большую часть декоративного стекла промышленности, которая зависела от богатых клиентов. Некоторые художники обратились к конструированию витражей для церквей. В 1937 году стекольная компания Steuben начала практику ввода в эксплуатацию известных художников для производства стеклянной посуды. Луи Мажорель, известный своей мебели в стиле модерн, разработан замечательный Art Deco Витраж изображая стали рабочие для офисов Aciéries де Лонги, на сталелитейном заводе в Лонги, Франция.

Художественные изделия из металла:
Art Deco художники создавали широкий спектр практических объектов в стиле ар-деко, изготовленные из промышленных материалов от традиционного кованого железа с хромированной сталью. Американский художник Бел Геддес разработан коктейль набор, напоминающий небоскреб, выполненный из хромированной стали. Raymond Subes разработан элегантная металлическая решетка для входа в Дворце Порта-Доре, центральной в 1931 году Парижской колониальной выставки. Французский скульптор Жан Дюнан произвел великолепные двери на тему «Охота», покрытая сусальным золотом и красками на штукатурке (1935).

Влияния:
Art Deco был не один стиль, а набор различных и иногда противоречивых стилей. В архитектуре Art Deco был преемником и реакция против модерна, стиль, который процветал вЕвропамежду 1895 и 1900, а также постепенно заменил Beaux-Arts и неоклассический, которые были преобладающими в европейской и американской архитектуре. В 1905 году Эжен Грассе написал и опубликовал Méthode де Состав Ornementale, ЭЛЕМЕНТОВ Rectilignes, в котором он систематически исследовал декоративные (декоративные) аспекты геометрических элементов, форм, мотивов и их вариаций, в отличие от (и как отход от) волнистой искусства Nouveau стиль Hector Гимара, столь популярный в Париже несколько лет назад. Грасса подчеркнула принцип, что различные простые геометрические формы, такие как треугольники и квадраты являются основой всех композиционных механизмов. Железобетонные здания Огюста Перре и Анри Sauvage, и особенно в театре Елисейских полей, предложил новую форму строительства и отделки, который был скопирован по всему миру.

В отделке, много различных стилей были заимствованы и использованы ар-деко. Среди них до современного искусства со всего мира и наблюдаемым в Лувр, Музей де l’Homme и Национальному музею искусств d’Afrique и d’Océanie. Был также популярный интерес к археологии вследствие раскопокПомпеи, ТройИ могила 18-ой династии фараона Тутанхамона. Художники и дизайнеры интегрированы мотивы из древнегоЕгипет, Месопотамия, Греция, Рим, Азии, Мезоамерики и Океания с Machine Age элементов.

Другие стили, заимствованные включен русский конструктивизм и итальянский футуризм, а также Орфизм, функционализм и модернизм в целом. Art Deco также использовал сталкивающиеся цвета и конструкции фовизма, в частности, в работе Анри Матисса и Андре Дерена, вдохновлял конструкции арт-деко текстиля, обоев, и расписной керамики. Потребовалась идея высокой моды лексики периода, который показал геометрические узоры, шевроны, зигзаги и стилизованные букеты цветов. Он находился под влиянием открытий в египтологии, и растущий интерес на Востоке и в африканском искусстве. С 1925 года, он часто вдохновленный страстью к новым машинам, таким как дирижабли, автомобили и океанские лайнеры, а к 1930 году это влияние привело к стилю называется обтекаемой Moderne.

Арт-деко – стиль роскоши и шика – LukasGallery

Арт-деко –  это направление  визуального искусства, которое впервые появились во Франции  и получило международную известность в 1930-х годах.  Интересно, что само  название ар-деко или арт-деко было придумано только в   1960-х годах.
Подъем арт-деко  часто связывают  с быстрым развитием и индустриализацией  общества, что  помогло сформировать уникальный и эклектичный стиль, которому присущи богатство  цветов, геометрических форм и щедрых орнаментов. Безусловно, арт-деко находился под влиянием различных художественных стилей,  включая кубизм,  конструктивизм, модернизм и футуризм, а  предшественником арт-деко считается модерн.

В Соединенных Штатах арт-деко наглядно демонстрировал  красоту и силу в период тяжелой экономической депрессии и повлиял на художественные  и дизайнерские сферы, включая живопись, скульптуру, декоративно-прикладное искусство, дизайн,  и архитектуру.

 

Арт-деко  в искусстве

Арт-деко в изобразительном искусстве – это в первую очередь  чистые линии и яркие цвета в сочетании с упрощенными графическими формами

Одной  из самых известных художников, работающих в этом направлении, стала Тамара Лемпицка. Ее  яркий, смелый стиль не только на полотнах, но и в жизни, сделал художницу законодательницей мод и иконой этого направления.  

 

Тамара Лемпицка “Автопортрет”
 
 

В области скульптуры стоит обратить внимание на  потрясающие произведения Бориса Ловет-Лорски, которые  известны  своими  женскими фигурами  с узкими бедрами и широкими плечами.

 

“Brand new tribute to woman” Борис Ловет-Лорски

 

 

Арт-деко  в архитектуре

Несмотря на европейское происхождение, арт-деко оказал большое влияние на   архитектуру и дизайн интерьера в  1920-х, 1930-х годах. 

Три самых известных и визуально впечатляющих зданий в стиле арт- деко в Нью-Йорке, которые действительно стали уникальным архитектурным наследием –  это здания  Крайслера,  Эмпайр-стейт и Дейли Ньюс.

 

 

Здание Эмпайр-Стайт, Нью-Йорк

 

 

Нужно отметить, что благодаря арт-деко были воздвигнуты сталинские высотки в Москве, а такуже ряд станций Московского метрополитена, например  станции метро «Маяковская», «Аэропорт», «Сокол», «Кропоткинская».

 

 

Сталинские высотки в Москве

 

Арт-деко и интерьер


Актуальность Арт-деко  прослеживается и в мебели, фарфоре, текстиле, автомобилях, часах, ювелирных изделиях,  промышленном проектировании, и, конечно, в   моде.

Дизайнер Гилберт Роде в своем творчестве умело  использовал элементы, взятые из арт-деко и модернизма, чтобы создать уникальные предметы мебели, которые стали широко популярны и олицетворением этих двух  двух стилей.

 

 

 

 

 

Пикантное и страстное арт-деко художника Хуареса Мачадо: lovers_of_art — LiveJournal

burnevil_8 (burnevil_8) wrote in lovers_of_art,
Category:
Хуарес Мачадо (Juarez Machado) - современный бразильский художник и как любой бразилец он любит карнавал. Ведь Бразилия это не только страна диких обезьян, но и знаменитого на весь мир карнавала. Неудивительно, что карнавал живёт в картинах Хуареса Мачадо, но почему-то не бразильский, а венецианский. Наверное, художнику ближе европейские традиции и культура. В картинах Мачадо, выполненных в стиле арт-деко, присутствуют все атрибуты праздника жизни обеспеченных мужчин, а потому и беззаботных. Это вино, биллиард, карты и, конечно же, женщины. Над картинами Хуареса Мачадо витает терпкий запах вина и манящие ароматы парфюма. Художник богат и знаменит.

Хуарес Мачадо


Бразильский художник, скульптор, дизайнер, карикатурист, фотограф, писатель и актер.
Хуарес родился 16 марта 1941 в городе Жонвилль, в штате Санта-Катарина, Бразилия.
В 1954 году он переехал в город Куритиба и поступил в Школу музыки и изобразительных искусств штата Парана.
В 1961 году Хуарес занял 2-е место в Салоне молодых художников в Куритибе, на следующий год он стал абсолютным победителем в жанре и живописи, и скульптуры на этом же Салоне.
1962 год был очень урожайным - на нескольких выставках в Куритибе Мачадо получил серебряную и бронзовую медали.
В 1964 году состоялась первая персональная выставка Мачадо в Куритибе, в галерее Cocaco, принесшая художнику большой успех. В этом же году художник получил Золотую медаль XV Весеннего Салона.
В 1966 году Мачадо поселился в Рио-де-Жанейро, где он проживал в течение двадцати лет.
Кроме живописи художник занимался графическим дизайном, иллюстрациями и скульптурой.
Работал карикатуристом в ряде бразильских газет, выступал в программе Fantástico на телеканале "Глобо".
В конце 1970-х полностью вернулся к живописи, неоднократно выставлял свои работы в Европе и США. Художник - обладатель ряда наград бразильских выставок и международных призов на Биенале в Италии (1969), выставке "Nakamori" в Японии (1977) и др.
В 1978 году выставки Мачадо прошли в Нью-Йорке, Лондоне и Париже.
В 1986 году Мачадо перебрался в Париж, где создал свою студию. Он часто выезжает на семинары и мастер-классы в Рио-де-Жанейро и Жонвилль.
В 1990 году художник был удостоен Почетной медали французского города Champs-sur-Marne.

  • О дочери Рембрандта в современном и классическом искусстве

    Фиона Тан. Нелли, 2013. Видеоинсталляция. Кадр из видео. © Fiona Tan и Frith Street Gallery, Лондон. Фото:iskusstvo-info.ru Голландская…

  • Петербург. Выставки в Инженерном замке и Мраморном дворце.

    В прошлые выходные я посетил сразу несколько выставок в филиалах Русского музея. Выставка в Мраморном дворце продолжает серию выставок, посвященных…

  • Елена Вавилина. Акварель.

    *…

Photo

Hint http://pics.livejournal.com/igrick/pic/000r1edq

Арт Деко - стиль времени

ХХ век завершился. Этот простой хронологический факт сам по себе придает известную ретроспективную глубину осмыслению его художественной культуры.

Искусство ХХ века знает пока только начальный рубеж своей истории. Многие художественные процессы еще не завершены, хоть мы отсчитывает уже новое тысячелетие, окончательные суждения делать еще рано. Старое и новое не располагается в элементарной последовательности, а действует во взаимном пересечении, охватывающем огромное пространство и обширное историческое время. С точки зрения классических эпох, создающих несомненные художественные ценности, искусство неклассической поры выглядит неудовлетворительным: двусмысленно многое из того, что выдвигается как его позитивные ценности, искусство нередко проникается неудовлетворенность самим собой и окружающей жизнью. Вместе с тем местоположение переломных эпох между эпохами, когда достигает пика подъем того или иного большого стиля, или что гораздо шире и значительнее, художественная культура целой социально-исторической формации, глубоко закономерно. Закономерны противоречивость, неустойчивость, которые составляют специфическое качество искусства переломного времени. Каждой из переломных эпох свойственна своя специфика развития.

Видоизменения, которые претерпевает мировое искусство ХХ века концентрируются в стилевых, идейно-художественных явлениях и процессах.

Есть все основания утверждать, что каждая эпоха в искусстве создает свои ценности, которые существуют объективно и независимо от быстротечной моды. Свои находки и открытия имел модерн начала века, мощный импульс идей дали архитектуре ХХ века советский конструктивизм, рационализм и другие направления.

Практически были пересмотрены основополагающие принципы художественной выразительности и найдены решения, созвучные новому времени. Это и теория города, и начала теории стандартизации и типизации, и теоретические основы обучения в высшей архитектурной школе, и, наконец, первые, но весьма значительные концепции архитектурной композиции и первые опыты аналитического изучения архитектурной формы. Все проходило в ожесточенных спорах, публичных диспутах, творческих дискуссиях.

Временная дистанция снимает излишнюю остроту политических и идеологических дискуссий, позволяет лучше осознать реальные механизмы развития культуры в определенные периоды и в разных странах, увидеть изоморфность многих считавшихся прежде различными по смыслу культурных и художественных процессов.

Из многообразия стилей и направлений (модерн, авангард, конструктивизм, Арт Деко, модернизм) характерного для ХХ века остановимся и проанализируем явление Арт Деко.

Арт Деко возник на основе различных течений в искусстве и дизайне 1900-х годов, таких как модерн, венский Сецессион, немецкий союз дизайнеров Веркбунд, русский конструктивизм и голландское движение «Де Стейл», а также модернистские достижения в живописи, такие как абстракционизм и кубизм. Термин «Арт Десо» происходит от названия Exposition Internationale des Art Decoratifs et Industriels Modernes — Международная выставка современных и декоративных искусств и ремесел 1925 года в Париже, на которой в полном объеме были представлены достижения декоративно-прикладных искусств того времени. Сам термин возник еще позднее — в 1966 году, во время возрождения выставки в парижском Musee des Arts Decoratifs (Музее декоративных искусств).

Стиль Арт Деко особенно ярко проявление нашел в архитектуре и дизайне. Дизайнеры широко использовали и продолжают использовать идеи и средства Арт Деко в своем творческом репертуаре. Ностальгические тенденции в области дизайна периодически возрождают формы Арт Деко, чему способствует эффективность этого стиля при создании атмосферы «элегантности, роскоши и возбуждения», свойственной эпохе ретро. Оптимизм, экзотика, фантазия, театральность и вера в способность человека одерживать победу в любых условиях соединились, чтобы создать стиль немеркнущей привлекательности. Эта привлекательность сохранилась в условиях растущей механизации жизни.

В архитектуре — это прежде всего стилистика американских небоскребов и советских высотных зданий 20-х — 30-х годов, правда советские мастера Арт Деко этот термин никогда не применяли (возможно, по идеологическим соображениям), изобретая иные наименования — «пролетарская классика», «сталинский ампир» и др. Наиболее ярко московский вариант Арт Деко проявился в работах В.А. Щуко, И.А. Фомина, Л.В. Руднева, Б.М. Иофана, Д.Ф. Фридмана, П.А. Голосова.

Особенно широко в начале 1930-х годов приемы Арт Деко использовались в оформлении и меблировке интерьеров новых общественных и административных зданий (комбинат «Правда» и др.) и при проектировании станций московского метрополитена (1935-1943), павильоны их надземных вестибюлей, подземные центральные и перронные залы. Здесь стилевые признаки и приемы Арт Деко проявились особенно широко и разнообразно, включая использование скульптурной и живописной декорации, вкомпоновывание надписей и эмблем в архитектурную композицию. Работы недавних конструктивистов и рационалистов (Б.М. Иофана, Н.А. Ладовского и Д.Ф. Фридмана и др.) были близки по своей стилистике к Арт Деко.

В настоящее время архитекторы, желающие усилить символизм своих проектов снова вернулись к испытанным временем принципам Арт Деко.

Одним из источников вдохновения мастеров Арт Деко явились яркие краски и экзотические персидские и восточные мотивы балетных «Русских сезонов» Сергея Дягилева, которые своим «триумфальным шествием» с 1909 года по 1929 год покорили не только Париж, но и мир. Костюмы и декорации, созданные по эскизам Л. Бакста, А. Бенуа, Н. Гончаровой соперничали по своей яркости с картинами фовистов. Внезапно ярко-оранжевые, нежно-голубые, лимонно-желтые, ядовито-зеленые и др. не менее необычные цвета и оттенки вошли в моду в одежде, украшениях, появилось даже эстетическое течение «цвет ради цвета».

В дягилевских постановках в полной мере реализуется и еще одно свойство, присущее как Арт Нуво, так и Арт Деко — экзотизм. Бакстовские костюмы к «Саломее» (1908), «Клеопатре» (1909), «Шехерезаде» (1910), «Жар-птице» (1910-1913) трактованы как сложнейшие, почти ювелирные, произведения. Одетые в них герои смотрятся в пространстве сцены как сверкающие драгоценные камни и броши. Собственно, они входят в такое взаимодействие с целым, как и эффективные пятна орнаментов в монументальных постройках Арт Деко. В этом явно прочитывается знамение нового стиля. В 1912 году зрители увидели «Послеполуденный отдых фавна» Клода Дебюсси с декорациями Льва Бакста и с главным исполнителем и хореографом Вацлавом Нижинским.

На следующий год сенсацией стала постановка «Весны священной», возвестившая приход эпохи современной музыки, поражающей новизной рваных ритмов, диссонансов и примитивизма произведений Игоря Стравинского. Кроме знакомства парижан с современной музыкой, «Русские сезоны» многое сделали для ознакомления их с новейшими художественными течениями. С. Дягилев привлекал к своим постановкам многих художников — авангардистов, включая Наталью Гончарову, Анри Матисса, Пабло Пикассо, Андре Дерена, Мари Лорансен, Робера Делоне и других, которые занимались созданием костюмов и декораций для его постановок. Михаил Ларионов и Наталья Гончарова, которые в своем творчестве использовали изобразительные мотивы иконописи и детского рисунка, прибавив к нему «лучизм», основанный на узорах пересечения и рассеивания лучей света, стали еще одним существенным влиянием на новый стиль.

Арт Деко не избежал влияния еще важного явления в искусстве ХХ века — абстракционизма. Новации абстракционизма связывают в основном с заслугами Василия Кандинского, который жил и работал в Мюнхене с 1896 по 1914 год. Постепенно удаляя сюжет из своих картин, художник добился того, что они приобрели вид полной абстрации.

Это также творчество Казимира Малевича, который явился основателем супрематизма, упростивший изображение до наложения одного белого квадрата на другой. Стиль конструктивизм оказал значительное влияние на искусство Запада. Конструктивизм базировался на убеждении, что искусство должно было служить социальным целям и что оно являлось отражением скорее личного, чем общественного опыта. Художники конструктивисты создавали работы, напоминавшие детали механизмов, составленные из геометрических форм и оказали влияние на графику Арт Деко.

В целом, стиль Арт Деко явился результатом смешения множества новаций, развивавшихся в этот период почти одновременно. В художественном смысле также заметное влияние на Арт Деко оказал кубизм, особенно его способ расчленения предметов и анализа их геометрических составляющих. Кубистское видение предметов появляется в работах Пабло Пикассо и Жоржа Брака примерно в 1908-1909 годах. Глубокое влияние на Арт Деко оказала манера обращения кубистов с плоскостями и их техника использования цвета.

Ещё один итальянский художник Амадео Модельяни оказал влияние на развитие Арт Деко. Талантливый живописец и скульптор, он изображал живые, преимущественно женские формы, намеренно растягивая пропорции тела и черты лица, что явилось прообразом элегантной стилизации, свойственной Арт Деко.

Для пропаганды экзотического и красочного стиля Арт Деко, начало которому было положено «Русскими сезонами», многое сделал знаменитый парижский кутюрье Поль Пуаре, ставший на долгие годы законодателем мод. Модели Поля Пуаре утверждали идеальный образ богатой и модно одетой современной женщины. П. Пуаре «революционным» образом изменил моду: он уничтожил корсет, и тем самым силуэт его моделей сделался прямым и более естественным. Это было первое, еще робкое по сравнению с тем, что произойдет после первой мировой войны, но уже явное ее освобождение. Одев прямые и свободные платья-туники, с ярким декоративным рисунком, женщина и в поведении стала более прямой и естественной, менее жеманной и вычурной. В 1911 г. П. Пуаре открывает ателье «Мартин», в котором совсем необученные молодые девушки создавали рисунки для тканей, мебели, обоев. Такой необычный метод дал рождение произведениям, полным свежести и живости восприятия, а недостаток технических знаний компенсировался хорошо обученными мастерами, переводившими рисунки девушек на ткани, лишь слегка подправляя их. Из ателье «Мартин» выходили обои, стенные панно, ткани, сплошь покрытые огромными яркими цветами. Так, цветы (особенно розы, георгины, маргаритки, цинии), очень декоративные и бесконечно далекие от природных (настоящих), становятся любимой темой складывающегося Art deco.

20-е годы выдвигают целую плеяду женщин-кутюрье; их произведения на Выставке 1925 г. демонстрировались в Павильоне «Элеганс». Это Мадлен Вьонне, мадам Пакин, сестры Калло, Жанна Ланвен, Эльза Скьяпарелли (сейчас это имена самых престижных фирм в мире моды) и, конечно, Габриэль Шанель.

По поводу Шанель писали: «Она ввела в моду посетителей Отеля Риц вязаную куртку апаша, сделала элегантными воротничок и манжеты горничной, использовала шейный платок землекопа и одела королев в комбинезоны механиков» (Т. Моженок. Женщина и искусство Art Deco // «Вопросы Отечественного и зарубежного искусства», вып. 5, под ред. Н.Н. Калитиной. СПб, 1996. С.115-116).

Она упростила флакон духов так же, как сделала это с линией костюма, ввела образ “la garconne”. Шанель была знакома со И. Стравинским и П. Пикассо, делала костюмы для «Антигоны» Ж. Кокто, поддерживала деньгами труппу С. Дягилева, к ней, действительно, можно отнести все характеристики женщины той эпохи.

В живописи, среди картин межвоенного периода чистый стиль Арт Деко выделить очень трудно. Большинство художников использовали технику, заимствованную у кубистов. Живопись Арт Деко не входила в число авангардных художественных направлений, более того, не носила прикладной характер, призванный соответствовать основополагающим принципам декорирования.

Типичным Арт Деко считают живопись Тамары де Лемпицки, родившейся в Польше, в творчестве которой преобладают модные портреты и эротическая обнаженная женская натура. За время жизни в Париже она как портретист достигла большого успеха в модных кругах. Дать определение техники письма де Лемпицкой можно, применив в веку машин ее собственное утверждение о том, что художник «не должен забывать о точности. Картина должна быть чистой и аккуратной». (С. Стерноу. Арт Деко. Полеты художественной фантазии. Белфакс, 1997. С.76).

Скульптуру Арт Деко можно разделить на две большие группы: на работы массового производства для внутреннего рынка и произведения «изящного искусства». Созданные художниками и скульпторами авангардного направления того периода, качественная скульптура и недорогая продукция массового потребления шли рука об руку — мрамор и бронза существовали рядом с пластиком и сувенирами из керамики. В области скульптуры стиль Арт Деко проявлял себя повсюду, от высокого искусства до китча.

С развитием рекламы в двадцатые годы занятие коммерческим искусством впервые стало полноценной профессией. Средств массовой коммуникации до начала 1920-х годов еще не существовало, не было многоцветной печатной рекламы. Газеты и журналы печатались преимущественно в черно-белом варианте, а цветной литографический плакат был для того времени самым мощным из существовавших средств коммерческой рекламы. Тогда реклама шла в ногу с развитием техники, используя новейшие технологии для выражения таких примет времени, как «скорость, сложность и урбанизация». (С. Стерноу. Арт Деко. Полеты художественной фантазии. Белфакс, 1997. С.67).

В период Арт Деко произошло второе рождение искусства книжного переплета. Прогресс в типографском деле, и особенно разработка модернистского шрифта «сансериф», также способствовали осовремениванию книжных переплетов. Десятилетием раньше русские конструктивисты были первыми, кто включил шрифт в число абстрактных элементов дизайна. Выверенную угловатость и геометричность шрифтов «футура» и «бродвей» можно считать типичными признаками стиля Арт Деко. Геометрические формы самих литер, избавленные теперь от пресловутых росчерков и завитков стали неотъемлемой частью дизайна нового поколения переплетов, упор делался на строгость и простоту стиля, основанного на обтекаемости, геометричности, многоцветности и современности шрифтов как составного элемента дизайна.

Архитекторы — приверженцы Арт Деко, обычно не знали, что «работают» в этом стиле, потому заимствования в их кругу обычно имели неконцептуально-целенаправленный, а традиционно-профессиональный — «увражный» характер, подобно ознакомлению и использованию готовых форм в ходе разработки проектов в исторических стилях, например в ордерной классике или в готике (даже в меньшей степени осознанно, чем в Арт Нуво — модерне, где освоение чужеродных форм «своего» стиля было концептуальным, знаковым).

Мастера Арт Деко изучали и тонко использовали выразительные возможности, цвет и фактуру различных материалов, стекла, пластмасс. Демонстративная современность Арт Деко проявилась в частой обтекаемости форм («стрим-лайн»). Внешне близкие к Арт Нуво и архитектуре современного движения эти линии отличны от тех и других. Обтекаемые линии произведений Арт Деко подражают динамичным формам транспортных устройств: автомобилей, кораблей, самолетов, но роль этих форм не функциональна, а чисто изобразительна, «семиотична» как знак принадлежности к «современному миру машин», рассматриваемому как среда будущего. Не случайно Арт Деко активно использовался в архитектуре кинотеатров и в декорациях для фильмов с картинами будущего и фантастики.

Подобно архитектуре современного движения Арт Деко видел себя интернациональным стилевым движением, не связанным с конкретными национальными традициями, и это оказалось созвучным настроениям советских архитекторов-новаторов, хотя впоследствии рядом исследователей Арт Деко стал восприниматься — без достаточного основания — как явление чисто американское («стиль небоскребов»).

Формы этих новых зданий, возводившихся в конце 1920-х в начале 1930-х годов, по сей день являются наиболее замечательным наследием Арт Деко. До сих пор продолжают строить небоскребы по образу и подобию Крайслер-билдинг.

Технические средства для строительства высотных зданий — стальные конструкции и железобетон — к моменту появления небоскребов в стиле Арт Деко уже были хорошо освоены, «стильность» Арт Деко придавали ступенчатые силуэты и неконструктивные декоративные элементы, а совсем не высота, новые материалы и технологии.

Первым зданием в стиле Арт Деко в Манхэттене стало Шанин-билдинг, построенное для архитектора и проектировщика Ирвина Шанина. С 1913 по 1930 год оно было самым высоким зданием в мире. Интерьеры апартаментов стали образцом безудержной фантазии Арт Деко. В 1930 году Шанин-билдинг померк в лучах славы Крайслер-билдинг, спроектированного Уильямом Ван Алленом. Экстравагантный, фантастический дизайн Крайслер-билдинг не может не вызывать эмоционального отклика — настолько он пропитан оптимизмом и театральностью Арт Деко; дизайн, который в момент его исполнения был поистине самобытен. Семидесятисемиэтажное здание несколько месяцев удерживало титул самого высокого здания в мире, пока не завершилось строительство Эмпайр Стейт-билдинг (проект Уильяма Лэмба). Законченное в 1931 году здание Эмпайр Стейт, с его 102 этажами перехватило титул самого высокого здания в мире, являясь символом урбанистического модернизма Нью-Йорка, и удерживало его до самого открытия в семидесятые годы 412-метровых башен близнецов Всемирного торгового центра, (тех, которых были взорваны 11 сентября 2001 года).

Советский Арт Деко, сформировавшееся в конце 1920-х годов, явился сложным конгломератом форм, включая мотивы позднего русского модерна, архитектуры американских небоскребов и приемы отечественного конструктивизма. Наиболее ярко московский вариант Арт Деко проявился в работах В.А. Щуко, И.А. Фомина, Л.В. Руднева, Б.М. Иофана, Д.Ф. Фридмана, П.А. Голосова.

Наряду с общекультурными влияниями и стилевыми взаимодействиями, вызванными общностью культурных процессов, в годы первой пятилетки имело место непосредственное освоение советскими архитекторами и инженерами, особенно молодыми, опыта строительства за рубежом, прежде всего, в Италии, Германии, США, где стажировались некоторые из них. Имело место и непосредственное участие западных мастеров в советском строительстве этих лет. Многие крупные зарубежные архитекторы, а также архитекторы-эмигранты участвовали в международном конкурсе на проект Дворца Советов. Традиционно считается, что зарубежные архитекторы, участвовавшие в советском строительстве на рубеже 1920-1930- годов были сторонниками современного движения в архитектуре. Не случайно (что вызвало в то время удивление и возражение конструктивистов), одна из высших премий в конкурсе на дворец Советов была присуждена американцу Г. Гамильтону за проект в духе Арт Деко (1931). (В.Л. Хайт, М.В. Нащокина в кн.: Русский авангард 1910-1920-х годов в европейском контексте. М., 2000, С.202).

Особенно широко в начале 1930-х годов приемы Арт Деко использовались в оформлении и меблировке интерьеров новых общественных и административных зданий (дом СТО в Охотном ряду, комбинат «Правда» и др.).

Именно этот стилевой подход характеризовал также советские павильоны на Всемирных выставках 1937 г. в Париже и 1939 г. В Нью-Йорке (оба по проектам Б.М. Иофана, основного автора Дворца Советов, а второй с участием К.С. Алабяна, чей, совместно с В.М. Симбирцевым театр Красной Армии несомненно связан с Арт Деко) и многие постройки Всесоюзной сельскохозяйственной выставки в Москве (1930), где приемы Арт Деко оригинально переплетались с национальными архитектурными и декоративно-орнаментальными мотивами.

Аналогичную по своей идейно-художественной цели (программе), но совершенно иную типологическую задачу решали советские, главным образом московские архитекторы, проектируя станции московского метрополитена первых очередей (1935-1943), павильоны их надземных вестибюлей, подземные центральные и перронные залы. Здесь стилевые признаки и приемы Арт Деко проявились, возможно, особенно широко и разнообразно, включая использование скульптурной и живописной декорации, вкомпоновывание надписей и эмблем в архитектурную композицию (часто использование их в качестве образно содержательных архитектурных деталей), восходящее одновременно, с одной стороны, к архитектуре современного движения и конструктивизму, с другой — к коммерческой рекламе и городской визуальной информации в целом, стилистика эскалаторных вестибюлей и туннелей, скамей и указателей, потолочных светильников и частых на станциях первой очереди торшеров.

В проектирование станций метрополитена для Москвы включились как ведущие мастера советского Арт Деко, так и их более молодые ученики и соратники и многие недавние конструктивисты и рационалисты, а работы архитекторов группы ВОПРА изначально были близки по своей стилистике к Арт Деко. Среди авторов станций метро в стиле Арт Деко разных течений первых очередей могут быть названы очень многие, но особо стоит отметить в этой связи Б.М. Иофана, Н.А. Ладовского и Д.Ф. Фридмана, А.Н. Душкина и Я.Г. Лихтенберга, Б.С. Виленского, Н.Г. Борова и Г.М.Замского, Д.Н. Чечулина.

Традиции Арт Деко как «стиля небоскребов» особенно ярко, хотя и несколько запоздало проявились в структуре и облике некоторых из построенных в 1949-1955 гг. высотных зданий в Москве. Вероятно, наиболее четко, почти буквально эта традиция реализовалась в здании Министерства иностранных дел на Смоленской площади, откровенно напоминающем здание «Чикаго-трибюн». Неслучайно его основным автором был В.Г. Гельфрейх (соавтор М.А. Минкус) — ученик и многолетний соратник В.Г. Щуко, его соавтор по таким близким к Арт Деко сооружениям, как библиотека им. В.И. Ленина, главный павильон ВСХВ, театр в Ростове-на-Дону с его изобразительностью и типичными для Арт Деко интерьерами, деталями фасада и скульптурной декорацией и особенно по многолетней работе совместно с Щуко и Б.М. Иофаном над проектом Дворца Советов. Очень близки к американским прототипам — наиболее модернистским по стилистике небоскребам Нью-Йорка конца 1920-х — начала 1930-х годов, (например к зданиям «Дейли-ньюс» или Рокфеллеровского центра) — были проекты и некоторых других высотных зданий Москвы (до появления требования увенчать их шпилями).

Симптоматично, что интерес широкой публики к стилю Арт Деко в последнее время значительно возрос. Явление Арт Деко рассматривается как одна из фаз стилевого развития ХХ века, таких как модерн, конструктивизм, модернизм. Становится все более очевидным значение Арт Деко как самостоятельного стиля, влияние его на массовую культуру: дизайн, рекламу, моду, архитектуру (строительство кинотеатров, библиотек, домов творчества, метрополитенов и др. сооружений) и переосмысливаются границы этого явления в художественной культуре ХХ века.


  • Иконников А.В. Архитектура и история. М., 1993.
  • Стерноу Сюзанна А. Арт Деко. Полеты художественной фантазии. Белфакс, 1997.
  • Фремптон К. Современная архитектура: Критический взгляд на историю развития. Пер. с англ. М., 1990.
  • Моженок Т.Э. Женщина и искусство Art Deco // «Вопросы Отечественного и зарубежного искусства», вып. 5, под ред. Н.Н. Калитиной, СПб, 1996.
  • В.Л. Хайт, М.В. Нащокина в кн.: Русский авангард 1910-1920-х годов в европейском контексте. М., 2000.
  • Хан-Магомедов С.О. Архитектура советского авангарда: В 2 кн.: Кн.1: Проблемы формообразования. Мастера и течения. М., 1996.

Причины возникновения стиля Арт-деко

                     Министерство науки и образования Украины

                                                          ПДАБА

 

 

 

 

 

 

 

 

                                      Реферат на тему:

«Причины возникновения стиля                    Арт-деко»

 
 
 
 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

                      Днепропетровск 2012-2013

 
 

 

Оглавление

 

Введение 2

1. Арт-Деко - стиль времени 5

2. Арт-Деко в  живописи и скульптуре   6

3. Небоскребы- наследие Арт- Нуво……………………………………………12

4. Архитектурный стиль Ар-Деко ……………………………………………...14

5. Изящная  мебель……………………………………………………………….16

6. Высшая школа Баухауз ……………………………………………………...25

7. Комерческие здания и частные дома………………………………………..27

8. Современный Арт-Деко………………………………………………………31

9. Костюмы и лекорации………………………………………………………...34

10. Художники арт- Деко………………………………………………………..36

11. Ювелирные  украшения  в стиле Арт- Деко……………………………….40

12. Искусство  плаката………………………………………………………..…41

Вывод 16

Список использованной литературы 17

 

 

 

 

 

 

 

 

 

                                     Введение

Ар Деко – стилистическое течение в искусстве, архитектуре и дизайне стран Западной Европы и Америки второй четверти 20-го века, которое получило название от международной выставки декоративного искусства в Париже в 1925 году. Начиная с этой выставки, в Европе за стилем закрепилось название «Ар Деко», а в США - «стиль модернистик».

Термин  «Ар Деко» происходит от названия Exposition Internationale des ПАВИЛЬОН ТУРИЗМА Роберт Малле-Стивенс, 1924 – 1925, перспективный эскиз построен для выставки 1925 года – Art Dekoratifs et industrieis Modernes. Эта экспозиция возвестила о возрождении интереса к декоративным искусствам того периода, когда все они процветали под общим названием «модерн», но, в силу естественного развития художественных стилей, были вытеснены еще более популярным и универсальным «интернациональным» стилем безорнаментной архитектурой выразительных конструкций, заключавших динамическое пространство в закрытом объеме массы.

На этой выставке художники  из Франции, Англии, Америки. Скандинавии  представили свои новаторские произведения. Изделия из стекла, металла, тканей, предметы мебели отличались столь необычной  красотой форм и линий, что в мгновение  ока завоевали широчайшую популярность.

Обтекаемый, геометрический стиль впервые стал популярным в 20-30-е годы нашего века. Он характеризуется  закругленными углами, четкими вертикальными  линиями и вогнутыми формами. Источники Арт-Деко – рисунки  кубистов, искусство американских индейцев, современный автомобильный и  авиационный дизайн. Обычные материалы  включают в себя экзотические сорта  древесины, пластиковый ламинат, хром и нержавеющую сталь. Как художественное течение Арт Деко оформился в 1906-1912 годы и достиг расцвета между 1925 и 1935 годами.

Период выбран не случайно – это передышка Европы между  двумя войнами, эпоха, характеризующаяся  с одной стороны стремлением  забыть об ужасах войны и стремлением  эстетизировать мир, с другой стороны  – это «пир до и после чумы», в котором чувствуется жажда  и наслаждение жизнью вместе с  пониманием ее непрочности и скоротечности.

Во времена Арт-Деко Европа открыла для себя джаз и Африку с их диким буйством форм и композиций и облекла это в оставшуюся от декаданса начала века европейскую  утонченность. Гибрид превзошел все  ожидания – родился Арт-Деко и  заполонил собой все – музыку, архитектуру, дизайн помещения, моду…

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Из многообразия стилей и направлений (модерн, авангард, конструктивизм, Арт Деко, модернизм) характерного для  ХХ века остановимся и проанализируем явление Арт Деко. Арт Деко возник на основе различных течений в искусстве и дизайне 1900-х годов, таких как модерн, венский Сецессион, немецкий союз дизайнеров Веркбунд, русский конструктивизм и голландское движение «Де Стейл», а также модернистские достижения в живописи, такие как абстракционизм и кубизм. Термин «Арт Десо» происходит от названия Exposition Internationale des Art Decoratifs et Industriels Modernes - Международная выставка современных и декоративных искусств и ремесел 1925 года в Париже, на которой в полном объеме были представлены достижения декоративно-прикладных искусств того времени. Сам термин возник еще позднее - в 1966 году, во время возрождения выставки в парижском Musee des Arts Decoratifs (Музее декоративных искусств).

Стиль Арт Деко особенно ярко проявление нашел в архитектуре  и дизайне. Дизайнеры широко использовали и продолжают использовать идеи и  средства Арт Деко в своем творческом репертуаре. Ностальгические тенденции  в области дизайна периодически возрождают формы Арт Деко, чему способствует эффективность этого  стиля при создании атмосферы  «элегантности, роскоши и возбуждения», свойственной эпохе ретро. Оптимизм, экзотика, фантазия, театральность  и вера в способность человека одерживать победу в любых условиях соединились, чтобы создать стиль  немеркнущей привлекательности. Эта  привлекательность сохранилась  в условиях растущей механизации  жизни.

Одним из источников вдохновения  мастеров Арт Деко явились яркие  краски и экзотические персидские и  восточные мотивы балетных «Русских сезонов» Сергея Дягилева, которые  своим «триумфальным шествием»  с 1909 года по 1929 год покорили не только Париж, но и мир. Костюмы и декорации, созданные по эскизам Л. Бакста, А. Бенуа, Н. Гончаровой соперничали по своей яркости с картинами  фовистов. Внезапно ярко-оранжевые, нежно-голубые, лимонно-желтые, ядовито-зеленые и др. не менее необычные цвета и оттенки вошли в моду в одежде, украшениях, появилось даже эстетическое течение «цвет ради цвета».

     Арт Деко не избежал влияния еще важного явления в искусстве ХХ века - абстракционизма. Новации абстракционизма связывают в основном с заслугами Василия Кандинского, который жил и работал в Мюнхене с 1896 по 1914 год. Постепенно удаляя сюжет из своих картин, художник добился того, что они приобрели вид полной абстрации.

Это также творчество Казимира Малевича, который явился основателем  супрематизма, упростивший изображение  до наложения одного белого квадрата на другой. Стиль конструктивизм оказал значительное влияние на искусство  Запада. Конструктивизм базировался  на убеждении, что искусство должно было служить социальным целям и  что оно являлось отражением скорее личного, чем общественного опыта. Художники конструктивисты создавали  работы, напоминавшие детали механизмов, составленные из геометрических форм и оказали влияние на графику  Арт Деко.

В целом, стиль Арт Деко явился результатом смешения множества  новаций, развивавшихся в этот период почти одновременно. В художественном смысле также заметное влияние на Арт Деко оказал кубизм. Кубистское видение предметов появляется в работах Пабло Пикассо и Жоржа Брака примерно в 1908-1909 годах. Глубокое влияние на Арт Деко оказала манера обращения кубистов с плоскостями и их техника использования цвета.

                  

      

 

Ещё один итальянский художник Амадео Модельяни оказал влияние  на развитие Арт Деко. Талантливый  живописец и скульптор, он изображал  живые, преимущественно женские  формы, намеренно растягивая пропорции  тела и черты лица, что явилось  прообразом элегантной стилизации, свойственной Арт Деко.

В живописи, среди картин межвоенного периода чистый стиль  Арт Деко выделить очень трудно. Большинство художников использовали технику, заимствованную у кубистов. Живопись Арт Деко не входила в  число авангардных художественных направлений, более того, не носила прикладной характер, призванный соответствовать  основополагающим принципам декорирования.

Типичным Арт Деко считают  живопись Тамары де Лемпицки, родившейся в Польше, в творчестве которой  преобладают модные портреты и эротическая  обнаженная женская натура. За время  жизни в Париже она как портретист достигла большого успеха в модных кругах. Дать определение техники  письма де Лемпицкой можно, применив в веку машин ее собственное утверждение  о том, что художник «не должен забывать о точности. Картина должна быть чистой и аккуратной».

 

  • Арт Деко формировал сам образ жизни людей в межвоенные годы, их манеру одеваться и разговаривать, путешествовать, работать и отдыхать. В его власти находились индустрия развлечений и сферы искусства - его дух чувствовался в кинотеатрах, небоскребах, композициях внутренних интерьеров и узорах драгоценных украшений, в дизайне курительных и питейных аксессуаров, кухонной посуды и уличных фонарей, в скульптурах и плакатах, в книжных и журнальных иллюстрациях, в тканях, картинах, в общественных зданиях и сооружениях. Мосты, туннели, бензоколонки, рестораны быстрого обслуживания и неподражаемый символ того времени, неоновая реклама, все создавалось " стиле "модерн", а точнее, Арт Деко.
  • Легкость и изящество, заложенные в основу новаторской идеи Арт Деко, навеянной балетными "Русскими сезонами", вскоре переродились в выражение невероятной простоты и умеренности новой жизни в век машин.
  • В Нью-Йорке стилизованные орнаменты над порталами зданий, неоклассические скульптуры Рокфеллеровского центра, арочный шпиль Крайслер-билдинг, характерная башня Эмпайр Стейт-билдинг и алюминиевая выколотка парадных входов и легких пристроек особняков сформировали одновременно доступный и неповторимый облик города.

 

 

   

                                                                    

 

 

Скульптуру Арт Деко можно разделить  на две большие группы: на работы массового производства для внутреннего  рынка и произведения «изящного  искусства». Созданные художниками  и скульпторами авангардного направления  того периода, качественная скульптура и недорогая продукция массового  потребления шли рука об руку - мрамор и бронза существовали рядом с пластиком и сувенирами из керамики. В области скульптуры стиль Арт Деко проявлял себя повсюду, от высокого искусства до китча.

С развитием рекламы в двадцатые  годы занятие коммерческим искусством впервые стало полноценной профессией. Средств массовой коммуникации до начала 1920-х годов еще не существовало, не было многоцветной печатной рекламы. Газеты и журналы печатались преимущественно  в черно-белом варианте, а цветной  литографический плакат был для  того времени самым мощным из существовавших средств коммерческой рекламы. Тогда  реклама шла в ногу с развитием  техники, используя новейшие технологии для выражения таких примет времени, как «скорость, сложность и урбанизация».

В период Арт Деко произошло второе рождение искусства книжного переплета. Прогресс в типографском деле, и  особенно разработка модернистского шрифта «сансериф», также способствовали осовремениванию  книжных переплетов. Десятилетием раньше русские конструктивисты были первыми, кто включил шрифт в число  абстрактных элементов дизайна. Выверенную угловатость и геометричность шрифтов «футура» и «бродвей»  можно считать типичными признаками стиля Арт Деко. Геометрические формы  самих литер, избавленные теперь от пресловутых росчерков и завитков стали неотъемлемой частью дизайна  нового поколения переплетов, упор делался на строгость и простоту стиля, основанного на обтекаемости, геометричности, многоцветности и современности  шрифтов как составного элемента дизайна.

Архитекторы - приверженцы Арт Деко, обычно не знали, что «работают» в этом стиле, потому заимствования в их кругу обычно имели неконцептуально-целенаправленный, а традиционно-профессиональный - «увражный» характер, подобно ознакомлению и использованию готовых форм в ходе разработки проектов в исторических стилях, например в ордерной классике или в готике (даже в меньшей степени осознанно, чем в Арт Нуво - модерне, где освоение чужеродных форм «своего» стиля было концептуальным, знаковым).

Мастера Арт Деко изучали и тонко  использовали выразительные возможности, цвет и фактуру различных материалов, стекла, пластмасс. Демонстративная  современность Арт Деко проявилась в частой обтекаемости форм («стрим-лайн»). Внешне близкие к Арт Нуво и  архитектуре современного движения эти линии отличны от тех и  других. Обтекаемые линии произведений Арт Деко подражают динамичным формам транспортных устройств: автомобилей, кораблей, самолетов, но роль этих форм не функциональна, а чисто изобразительна, «семиотична» как знак принадлежности к «современному миру машин», рассматриваемому как среда будущего. Не случайно Арт Деко активно использовался в архитектуре кинотеатров и в декорациях для фильмов с картинами будущего и фантастики.

Подобно архитектуре современного движения Арт Деко видел себя интернациональным  стилевым движением, не связанным с  конкретными национальными традициями, и это оказалось созвучным  настроениям советских архитекторов-новаторов, хотя впоследствии рядом исследователей Арт Деко стал восприниматься - без достаточного основания - как явление чисто американское («стиль небоскребов»).

Формы этих новых зданий, возводившихся  в конце 1920-х в начале 1930-х годов, по сей день являются наиболее замечательным  наследием Арт Деко. До сих пор  продолжают строить небоскребы по образу и подобию Крайслер-билдинг.

 

                                         

                     

 

ВАН АЛЕН, Уильям - 
(Van Allen, William. 1883-1954) американский архитектор и дизайнер стиля Арт Деко, известен как автор небоскрёба компании «Крайслер». Родился в Бруклине в Нью-Йорке. Учился в институте Пратта. Работал на несколько компаний в Нью-Йорке. С 1908 г. обучался в Париже в Школе Изящных искусств по выигранной стипендии (Ллойд Уоррен). С 1911 по 1925 гг. работает совместно с Г. Крэг в Манхэттене и известен как архитектор многоэтажных коммерческих зданий. Крайслер-билдинг (Chrysler Building) – небоскрёб компании «Крайслер», построенный в 1930 г., один из символов Нью-Йорка. Здание высотой 319 м (1 046 футов) расположено в восточной части Манхэттена на пересечении 42-й улицы и Лексингтон Авеню. Первоначально принадлежавшее корпорации «Крайслер», в настоящее время оно находится в совместной собственности «TMW Real Estate» и «Tishman Speyer Properties». Небоскрёб увенчан 38-метровым шпилем. Шпиль из нержавеющей стали, собранный внутри здания из отдельных элементов, был установлен на вершине здания, превратив небоскрёб «Крайслер» не только в самое высокое здание в мире, но и в самую высокую конструкцию. Он является примером арт деко в архитектуре. Своеобразная орнаментация башни повторяет мотивы дизайна колпаков на дисках колёс автомобилей марки Крайслер того времени. Возможно – это лучший образец периода Арт Деко в архитектуре Нью-Йорка, самого красивого периода в развитии города. Необыкновенно элегантен, красиво оформлен холл, а на вершине здания находилась обзорная площадка, которая через несколько лет была заменена рестораном. Самые верхние этажи здания с низкими потолками, их создавали преимущественно для обозрения снаружи и использовали для технического оборудования. Крайслер-билдинг широко известен благодаря американской поп-культуре (фильмы «Армагеддон», «Годзилла» и др.). Крайслер-билдинг - символ капитализма в Америке. Ван Ален умер в Нью-Йорке.

Архитектура для художников. Рококо, модерн, ар-деко — Gamedev на DTF

Продолжаем базовый разбор архитектурных стилей для художников.

{"id":194632,"url":"https:\/\/dtf.ru\/gamedev\/194632-arhitektura-dlya-hudozhnikov-rokoko-modern-ar-deko","title":"\u0410\u0440\u0445\u0438\u0442\u0435\u043a\u0442\u0443\u0440\u0430 \u0434\u043b\u044f \u0445\u0443\u0434\u043e\u0436\u043d\u0438\u043a\u043e\u0432. \u0420\u043e\u043a\u043e\u043a\u043e, \u043c\u043e\u0434\u0435\u0440\u043d, \u0430\u0440-\u0434\u0435\u043a\u043e","services":{"vkontakte":{"url":"https:\/\/vk.com\/share.php?url=https:\/\/dtf.ru\/gamedev\/194632-arhitektura-dlya-hudozhnikov-rokoko-modern-ar-deko&title=\u0410\u0440\u0445\u0438\u0442\u0435\u043a\u0442\u0443\u0440\u0430 \u0434\u043b\u044f \u0445\u0443\u0434\u043e\u0436\u043d\u0438\u043a\u043e\u0432. \u0420\u043e\u043a\u043e\u043a\u043e, \u043c\u043e\u0434\u0435\u0440\u043d, \u0430\u0440-\u0434\u0435\u043a\u043e","short_name":"VK","title":"\u0412\u041a\u043e\u043d\u0442\u0430\u043a\u0442\u0435","width":600,"height":450},"facebook":{"url":"https:\/\/www.facebook.com\/sharer\/sharer.php?u=https:\/\/dtf.ru\/gamedev\/194632-arhitektura-dlya-hudozhnikov-rokoko-modern-ar-deko","short_name":"FB","title":"Facebook","width":600,"height":450},"twitter":{"url":"https:\/\/twitter.com\/intent\/tweet?url=https:\/\/dtf.ru\/gamedev\/194632-arhitektura-dlya-hudozhnikov-rokoko-modern-ar-deko&text=\u0410\u0440\u0445\u0438\u0442\u0435\u043a\u0442\u0443\u0440\u0430 \u0434\u043b\u044f \u0445\u0443\u0434\u043e\u0436\u043d\u0438\u043a\u043e\u0432. \u0420\u043e\u043a\u043e\u043a\u043e, \u043c\u043e\u0434\u0435\u0440\u043d, \u0430\u0440-\u0434\u0435\u043a\u043e","short_name":"TW","title":"Twitter","width":600,"height":450},"telegram":{"url":"tg:\/\/msg_url?url=https:\/\/dtf.ru\/gamedev\/194632-arhitektura-dlya-hudozhnikov-rokoko-modern-ar-deko&text=\u0410\u0440\u0445\u0438\u0442\u0435\u043a\u0442\u0443\u0440\u0430 \u0434\u043b\u044f \u0445\u0443\u0434\u043e\u0436\u043d\u0438\u043a\u043e\u0432. \u0420\u043e\u043a\u043e\u043a\u043e, \u043c\u043e\u0434\u0435\u0440\u043d, \u0430\u0440-\u0434\u0435\u043a\u043e","short_name":"TG","title":"Telegram","width":600,"height":450},"odnoklassniki":{"url":"http:\/\/connect.ok.ru\/dk?st.cmd=WidgetSharePreview&service=odnoklassniki&st.shareUrl=https:\/\/dtf.ru\/gamedev\/194632-arhitektura-dlya-hudozhnikov-rokoko-modern-ar-deko","short_name":"OK","title":"\u041e\u0434\u043d\u043e\u043a\u043b\u0430\u0441\u0441\u043d\u0438\u043a\u0438","width":600,"height":450},"email":{"url":"mailto:?subject=\u0410\u0440\u0445\u0438\u0442\u0435\u043a\u0442\u0443\u0440\u0430 \u0434\u043b\u044f \u0445\u0443\u0434\u043e\u0436\u043d\u0438\u043a\u043e\u0432. \u0420\u043e\u043a\u043e\u043a\u043e, \u043c\u043e\u0434\u0435\u0440\u043d, \u0430\u0440-\u0434\u0435\u043a\u043e&body=https:\/\/dtf.ru\/gamedev\/194632-arhitektura-dlya-hudozhnikov-rokoko-modern-ar-deko","short_name":"Email","title":"\u041e\u0442\u043f\u0440\u0430\u0432\u0438\u0442\u044c \u043d\u0430 \u043f\u043e\u0447\u0442\u0443","width":600,"height":450}},"isFavorited":false}

4333 просмотров

Художники обращаются к архитектуре, когда им нужно нарисовать локацию в историческом сеттинге — или создать новый стиль на базе уже существующего. В этой серии мы рассказываем, какие есть архитектурные стили и на что стоит обратить внимание. Рекомендуем начинать знакомство с темой с первой статьи.

Рококо и барокко

В прошлый раз мы остановились на барокко — значимом архитектурном стиле, появившемся в конце XVII века. Бок о бок с ним идет рококо — стилистическое явление, сформировавшееся в середине XVIII века. На первый взгляд эти стили довольно похожи, их часто путают, но на самом деле они идейно отличаются, и разбирать их лучше в сравнении. Барокко зародился в Италии, рококо — позже во Франции, и географические, культурные и временные различия нашли отражение в деталях обоих стилей.

После смерти Луи XIV Версаль перестал быть средоточием французского двора. Знать вернулась в свои имения и приступила к обновлению жилищ. Произошел отказ от насыщенных цветов и дорогих металлов, столь любимых в барокко, в пользу асимметрии, причудливых орнаментов и пастельных тонов. Интерьеры стали более камерными, а картины на стенах — игривыми. Пришла эпоха рококо.

Типичный сюжет для живописи эпохи рококо.  "Качели" Жана Фрагонара

Напомним: барокко — драматичный, роскошный стиль, вызывающий сильные эмоции. Рококо же более игривый и легкий, он призван развлекать зрителя. В живописи несколько проще отследить отличия между обоими стилями, чем в архитектуре, поэтому упомянем здесь ее тоже. Картины рококо изображают сцены любви, природу, любовные приключения и воспевают молодость. Для барокко эти темы слишком фривольны.

Палитра тоже отличается. В барокко предпочитали глубокие, контрастные цвета. Для рококо же характерна легкая, светлая цветовая гамма из розовых, желтых и голубых оттенков.

В архитектуре рококо присутствует в меньшей степени, чем в живописи, в основном в интерьерах и декоре, но тема любовных ухаживаний и соответствующей обстановки в них легко прослеживается.

Сравним интерьеры рококо и барокко.

Интерьер в стиле рококо ─ уютный, светлый. Здесь проводили время с друзьями за играми и флиртом.

А вот интерьер в стиле барокко.

Интерьер в стиле барокко ─ торжественный и помпезный. Не очень располагает к игривым настроениям.

От барокко рококо унаследовал обилие света в интерьерах. Количество освещенной площади увеличилось за счет использования высоких французских окон, множества зеркал, канделябров и подсвечников.

Декор рококо включал обилие цветов, завитков, S-образных изгибов, гирлянд и раковин. Также прослеживаются японские мотивы. В основе декора лежат орнаменты рокайль и картуш. Рокайль — это лепнина в виде стилизованных раковин, камешков и гребней, а картуш — лепное украшение в виде щита или свитка с завитками.

Орнамент в стиле рококо мог выглядеть так.

Иллюстрации из альбома Роберта Коха

А это то, как применялся рокайль.

Рокайль в декоре рококо. На всякий случай еще раз, рокайль — это лепнина в виде стилизованных раковин, камешков и гребней. 

Картуш в лепнине на потолке. Напомним, картуш — лепное украшение в виде щита или свитка с завитками.

По сравнению с барокко, стиль рококо более изящный, женственный и тонкий. Роскошный и помпезный барокко больше характерен для дворцов, а рококо применялся для оформления личных пространств и создания уютной и комфортной атмосферы.

Сюжет настольной игры Rococo: Deluxe Edition развивается в интерьерах рококо

Если вам интересно ощутить атмосферу этого стиля, советуем обратить внимание на «Марию Антуанетту» Софии Копполы. Подробнее тут.

Модерн

Модерн (не путать с архитектурным модернизмом) пришел в архитектуру в в последнем десятилетии XIX — начале XX века (до начала Первой мировой войны). Этот стиль соответствовал запросам нового индустриального общества: множество вокзалов, больниц, промышленных павильонов и других общественных зданий построены с применением принципов этого направления.

В строительстве начали применяться новые материалы и конструкции, такие как бетон, стекло, металлические каркасы. Стало возможным возводить большие здания с множеством протяженных пролетов, и все это нашло отражение в зданиях эпохи модерн. Этажность зданий также увеличилась.

Здание компании “Зингер” в Санкт-Петербурге - типичный представитель архитектуры модерна

Конструктивные особенности теперь позволяли увеличить в постройке площадь остекления. Помимо функциональной стороны в модерне важна и декоративная составляющая: тут вы найдете плавные линии на фасадах, плиточную облицовку, применение растительного орнамента в оформлении.

В модерн фасады превращаются в живые организмы с растительными орнаментами, фантастическими животными или рельефами в форме женских головок.

А это маскарон (декоративный рельеф) в виде головы девушки.

Как видите, модерн сохранил большой интерес к декору. Рельеф 1902 года

Модерн уникален тем, что он распространился на все сферы искусства, от живописи и декора до архитектуры. Во многом его можно было назвать «сконстурированным» направлением. Одной из его задач было показать, что в искусстве жить красивее и интереснее, чем в реальности.

Любопытный факт: поскольку отправной точкой архитектуры модерна считается Эйфелева башня, то за этим стилем закрепился французский синоним «ар нуво». Иллюстрацию взяли из игры The Saboteur.

Чикагская школа

Модернизм (его часто путают с модерном из-за схожего звучания) случился в двадцатом веке. Его отдельным воплощением являлась Чикагская школа — начальный этап формирования новой американской архитектуры XX века, когда появились первые небоскребы, ассоциирующиеся у нас с современным американским городским пейзажем.

Школа обязана своим появлением страшному пожару, случившемуся в Чикаго в конце XIX века.

Литография Currier & Ives, показывающая пожар в Чикаго на мосту Randolph Street. 

Тогда была уничтожена значительная часть старого деревянного города. При восстановлении построек стали прибегать к металлическим конструкциям и элементам. Этажность зданий увеличивалась, стало возможным использовать обширное остекление.

Чикаго-билдинг ─ пример здания Чикагской школы

Отличительной чертой направления являются “чикагские окна” — прямоугольные окна, жестко закрепленные по центру с распахивающимися створками по бокам.

Чикагские окна.

Чикагская школа как явление просуществовала недолго, но заложила основы формирования современной американской городской застройки.

Действие Watch Dogs происходит в Чикаго, и архитектура чикагской школы естественным образом нашла отражение в локациях игры.

Ар-деко

Стилистическое направление ар-деко сформировалось в середине 1920-х годов после Международной выставки декоративного искусства и промышленности, прошедшей в Париже. Этот стиль был реакцией на прошедшую Первую мировую войну и революцию в России. Это эклектичное, броское, запоминающееся направление в архитектуре, живописи и моде, просуществовавшее до 40-х годов прошлого века.

Небоскреб Крайслер-билдинг в Нью-Йорке ─ символ ар-деко

Иногда даже специалистам сложно определить, где заканчивается модерн и начинается ар-деко, все таки тут элементы модерна и неоклассицизма невероятным образом сочетаются друг с другом и с африканскими, египетскими и восточными мотивами.

В архитектуре и дизайне ар-деко преобладают геометрические фигуры, четкие линии и углы, ступенчатые формы. Большую популярность приобрел декор в виде симметричных изгибающихся линий и зигзагов, ромбов, кругов, квадратов.

Люстры и светящиеся колонны для парохода "Нормандия".  Рене Лалик

Цветовые решения были построены на принципах контраста. Часто можно было встретить переплетение мягких и пастельных цветов с кричащими и сочными.

Женщина с мандолиной Тамара Лемпицка

Для стиля характерно использование дорогих материалов — блестящих латуни и стали, дерева с инкрустацией, серебра. Также в интерьерах можно встретить слоновую кость, крокодиловую кожу, различные анималистические орнаменты.

Интерьер в стиле ар-деко, конец 1920-х годов

Ар-деко воспевал роскошь и изобилие, которые мог позволить себе средний класс в перерыве между двумя мировыми войнами. Он просуществовал недолго, но оставил яркий след в истории искусства, до сих пор вдохновляющий художников и творцов.

Действие игры BioShock происходит в подводном городе, наполненном зданиями в стиле ар-деко

Сеттинг игры Transistor вдохновлен стилем ар-деко. Подробнее о том, как создавался визуальный ряд игры, читайте тут. 

Стефания Косюг, автор в Smirnov School. Мы — онлайн-школа, где готовят концепт-художников, левел-артистов и 3D-моделеров для игр и анимации. Если придете к нам на курс, не забудьте спросить о скидке для читателей с DTF.

Пять невероятных художников ар-деко

Ар-деко с его строгими геометрическими формами, чистыми линиями и яркими цветами - одно из самых узнаваемых направлений дизайна всех времен. Вы можете увидеть его элементы практически повсюду - от архитектуры до мебели, ювелирных изделий и всего, что между ними. Фактически, некоторые из самых известных зданий в мире построены в стиле ар-деко, в том числе Chrysler Building и Radio City Music Hall.

Термин «ар-деко» впервые был использован в середине 1920-х годов, когда архитектор Ле Корбюзье озаглавил серию своих статей о Международной выставке декоративного искусства и современной промышленности «Выставка 1925 года: Ар-деко».Однако только в 1968 году этот термин стал популярным, когда историк Бевис Хиллиер опубликовал книгу под названием «Ар-деко 20-х и 30-х годов».

Стиль, на который сильно повлияли кубизм, конструктивизм, футуризм, ар-нуво и, возможно, даже египетское и ацтекское искусство, был модным на протяжении 1920-х и 1930-х годов. Однако в конце 1930-х - начале 1940-х годов его популярность пошла на убыль, поскольку он считался слишком экстравагантным для военного времени.

Ниже я перечислил пять моих любимых художников ар-деко и несколько их работ.Наслаждаться!

Рене Лалик

Рене Лалик (1860-1945) был французским художником по стеклу, который наиболее известен своими украшениями, вазами, украшениями для капюшонов, флаконами для духов, люстрами и часами. Брошь в виде стрекозы, показанная ниже, вероятно, моя любимая из его работ.

Тамара де Лемпицка

Тамара де Лемпицка (1898–1980) - одна из моих самых любимых художников. Мне очень нравится ее смелое использование цвета и угловатая композиция, которую часто можно увидеть в ее произведениях.Ее стиль легко узнаваем, иногда его называют «мягким кубизмом».

Пол Мэншип

Пол Мэншип (1885-1966) - известный скульптор, работы которого можно найти в бесчисленных музеях и общественных местах по всей территории Соединенных Штатов. Возможно, его самая известная работа - это Прометей, большой фонтан в Рокфеллер-центре.

Жорж Барбье

Жорж Барбье (1882-1932) - французский иллюстратор, наиболее известный своими модными иллюстрациями.На протяжении своей карьеры он также пробовал свои силы в дизайне костюмов, украшений, стекла и обоев. Кроме того, он написал ряд статей для французского журнала мод La Gazette du Bon Ton .

Hildreth Meière

Хильдрет Мейер (1892–1961) был одним из самых плодовитых художников ар-деко, создавший множество выдающихся работ по всей территории Соединенных Штатов. Некоторые из ее самых известных работ включают медальоны на Radio City Music Hall, ряд панно и мозаику в здании Капитолия штата Небраска, потолок церкви Св.Луи собор и часовня Воскресения Национального собора в Вашингтоне, округ Колумбия.

Поделиться ...

Ар-деко - концепции и стили

Начало ар-деко

К концу 19 - века во Франции многие известные художники, архитекторы и дизайнеры, сыгравшие важную роль в Развитие стиля модерн признало, что он становится все более и более passé . В конце столетия, когда наступила промышленная революция, современная жизнь стала сильно отличаться от нескольких десятилетий назад.Пришло время для чего-то нового, чего-то, что кричало бы «20 th Century» со со вкусом оформленных модернистских крыш.

Общество художников-декораторов во Франции

Из этого желания двигаться в новый век в ногу с инновациями, а не сдерживаться ностальгией, группа французских художников-новаторов сформировала организацию под названием Societé des Artistes Décorateurs (Общество художников-декораторов). В группу входили как известные фигуры, такие как дизайнер и гравер в стиле модерн Эжен Грассе, так и архитектор в стиле модерн Эктор Гимар, а также начинающие художники-декораторы и дизайнеры, такие как Пьер Шаро и Фрэнсис Журден.Французское государство поддерживало и поощряло это направление художественной деятельности.

Одна из основных целей новой группы состояла в том, чтобы бросить вызов иерархической структуре изобразительного искусства, которая низводила художников-декораторов до более низкого статуса, чем более классические средства живописи и скульптуры. Известная цитата Журдена гласит: «Мы, следовательно, решили вернуть декоративное искусство, которое безразлично относилось к золушке или бедным родственникам, которым разрешено есть вместе со слугами, на важное, почти преобладающее место, которое оно занимало в прошлом, во все времена и во всех странах. стран земного шара.«План крупной выставки, представляющей новый вид декоративного искусства, изначально был задуман на 1914 год, но его пришлось отложить до окончания Первой мировой войны, а затем по разным причинам отложить до 1925 года.

Выставка, которая официально открылась движение

Французское правительство, которое устроило выставку между эспланадой Дома Инвалидов с золотым куполом и входами в Малый дворец и Большой дворец по обе стороны реки Сены, попыталось продемонстрировать новый стиль.Свои работы на выставке представили более 15 000 художников, архитекторов и дизайнеров. За семь месяцев работы выставки многочисленные отдельные экспонаты посетили более 16 миллионов человек. Эта выставка стала катализатором начала движения.

Ар-нуво и ар-деко

Ар-деко было прямым эстетическим и философским ответом на стиль ар-нуво и более широкий культурный феномен модернизма. Ар-нуво начал выходить из моды во время Первой мировой войны, поскольку многие критики считали, что продуманные детали, тонкий дизайн, часто дорогие материалы и методы производства этого стиля плохо подходят для сложного, нестабильного и все более механизированного современного мира.В то время как движение в стиле ар-нуво заимствовало свои замысловатые стилизованные формы от природы и превозносило достоинства ручной работы, эстетика ар-деко подчеркивала обтекаемость машинного века и гладкую геометрию.

Ар-деко и модернизм

Международная выставка собрала не только работы в стиле ар-деко, но и выставила изделия ручной работы рядом с образцами авангардных картин и скульптур в таких стилях, как кубизм, конструктивизм, баухаус, де Стиджл и футуризм. . К 1920-м годам ар-деко был ярким, но в значительной степени мейнстримным контрапунктом более интеллектуальной эстетики Баухауса и Де Стиджа.Все трое разделяли акцент на чистых, сильных линиях как на организационном принципе дизайна. Практики ар-деко приняли технологические инновации, современные материалы и механизацию и попытались подчеркнуть их в общей эстетике самого стиля. Практики также заимствовали и учились у других модернистских движений. Ар-деко стал популярным среди поклонников, идущих в ногу с дальновидными перспективами современных авангардных движений. По иронии судьбы, модернистская живопись и скульптура играли второстепенную роль на выставке, за редким исключением советского павильона и павильона Esprit Nouveau Ле Корбюзье.

Ар-деко после Великой депрессии

Начало второй фазы ар-деко совпало с началом Великой депрессии. Фактически, строгость могла быть основной эстетикой как по прагматическим, так и по концептуальным причинам этого второго развития ар-деко. В то время как архитектура ар-деко, например, была ориентирована вертикально с небоскребами, поднимавшимися на высокие высоты, более поздние здания в стиле ар-деко с их в основном безукоризненным экстерьером, изящными изгибами и горизонтальными акцентами символизировали прочность, спокойное достоинство и устойчивость.В самые тяжелые годы экономической катастрофы, с 1929 по 1931 год, американский стиль ар-деко перешел от следования тенденциям к их установлению.

Streamline Moderne

Streamline Moderne стал американским продолжением европейского движения ар-деко. Помимо серьезных экономических и философских влияний, эстетическим вдохновением для первых структур Streamline Moderne были здания, спроектированные сторонниками движения Новой Объективности в Германии, которые возникли в результате неформального объединения немецких архитекторов, дизайнеров и художников, сформировавшегося в ранние годы. -20 -е годы гг.Художники и архитекторы New Objectivity были вдохновлены тем же трезвым прагматизмом, который заставлял сторонников Streamline Moderne устранять излишества, в том числе эмоциональность экспрессионистского искусства. Архитекторы New Objectivity сконцентрировались на создании структур, которые можно было бы рассматривать как практичные, как отражающие требования реальной жизни. Они предпочитали, чтобы их дизайн адаптировался к реальному миру, а не заставлял других приспосабливаться к эстетике, которая была непрактичной. С этой целью архитекторы New Objectivity даже первыми внедрили технологию сборных конструкций (помогая быстро и эффективно размещать бедняков Германии).

Лишенная орнамента архитектура Streamline Moderne отличалась чистыми изгибами, длинными горизонтальными линиями (включая полосы окон), стеклянными кирпичами, окнами в виде иллюминаторов и цилиндрическими, а иногда и морскими формами. Больше, чем когда-либо, особое внимание уделялось аэродинамике и другим проявлениям современных технологий. Более дорогие и часто экзотические материалы ар-деко были заменены бетоном, стеклом и хромированной фурнитурой в Streamline Moderne. Цвет использовался экономно, так как не совсем белые, бежевые и землистые тона заменили более яркие цвета ар-деко.Стиль сначала был введен в архитектуру, а затем распространился на другие объекты, аналогично традиционному стилю ар-деко.

Ар-деко имеет ретроактивное название

Первоначально термин «ар-деко» использовался уничижительно известным критиком, модернистским архитектором Ле Корбюзье, в статьях, в которых он критиковал стиль за его орнамент, что он считал ненужным в современной архитектуре. В то время как сторонники стиля приветствовали его как урезанный модернистский ответ на чрезмерный орнамент, особенно по сравнению с его непосредственным предшественником, ар-нуво, поскольку любое украшение было излишним для Ле Корбюзье.Только в конце 1960-х годов, когда интерес к этому стилю возродился, термин «ар-деко» стал использоваться в положительной форме британским историком искусства и критиком Бевисом Хиллиером.

Ар-деко и США

В США восприятие движения ар-деко развивалось по другой траектории. Герберт Гувер, в то время министр торговли США, постановил, что американские дизайнеры и архитекторы не могут выставлять свои работы на Международной выставке, поскольку он утверждал, что в стране еще не возник отчетливо американский стиль искусства, который был бы удовлетворительно «достаточно новым». .«В качестве альтернативы он отправил делегацию во Францию, чтобы оценить предложения на выставке, а затем применить то, что они увидели, к современному американскому художественному и архитектурному стилю. В контингент эстетических эмиссаров, посланных Гувером, входили важные фигуры из Американский институт архитектуры, Музей Метрополитен и The New York Times . Миссия почти сразу вызвала бум художественных инноваций в США.

К 1926 году уменьшенная версия французской ярмарки под названием «Избранная коллекция предметов» из Международной выставки «Современное, промышленное и декоративное искусство» »проехал через многие У.Южные города, такие как Нью-Йорк, Кливленд, Чикаго, Детройт, Сент-Луис, Бостон, Миннеаполис и Филадельфия. Американские всемирные ярмарки в Чикаго (1933) и Нью-Йорке (1939) заметно показали дизайн ар-деко, в то время как Голливуд принял эстетику и сделал ее гламурной по всей стране. Даже американские корпорации, такие как General Motors и Ford, построили павильоны на Всемирной выставке в Нью-Йорке.

Среди наиболее известных примеров американского стиля ар-деко - небоскребы и другие масштабные постройки.Фактически, американская итерация ар-деко в строительных конструкциях была названа зигзагообразным модерном из-за ее угловатых и геометрических узоров как сложных архитектурных фасадов. Однако в целом американский ар-деко зачастую менее декоративен, чем его европейский предшественник. Помимо чистых линий и сильных изгибов, смелых геометрических форм, богатого цвета и иногда щедрого орнамента, американская версия выглядит более урезанной. Поскольку важные влияния, такие как новая объективность и международный стиль архитектуры, а также серьезные экономические неудачи конца 1920-х и начала 1930-х годов начали оказывать влияние на эстетику ар-деко, стиль стал гораздо менее щедрым.Например, это преобразование может быть символизировано заменой золота на хром, перламутра на бакелит, гранита на бетон и т. Д.

Американский стиль ар-деко развился как праздник технологического прогресса, включая массовое производство, и восстановленная вера в социальный прогресс. По сути, эти достижения можно было считать отражением национальной гордости. В 1930-х годах при Управлении прогресса работ Рузвельта (WPA) многие из произведений, которые были созданы, были в стиле ар-деко, от муниципальных структур, таких как библиотеки и школы, до массивных общественных фресок.WPA был призван дать толчок послевоенной экономике США, создав рабочие места в общественных работах, и был направлен на служение обществу, создавая рабочие места и привнося американские ценности в дизайн. Таким образом, использование американского ар-деко явилось выражением демократии через дизайн. Некоторые материалы, которые часто использовались при создании ар-деко, были дорогими и, следовательно, недоступными для среднего человека. Однако использование недорогих или новых материалов позволило производить широкий спектр доступных продуктов и, таким образом, по-новому привнесло красоту в общественную сферу.Ар-деко вдохновил дизайн и производство множества объектов - от обложек журналов и красочной рекламы до функциональных предметов, таких как столовые приборы, мебель, часы, автомобили и даже океанские лайнеры.

Мировой рост ар-деко

Стиль ар-деко утвердился в самых разных мировых столицах, таких как Гавана, Куба, Мумбаи и Джакарта. Гавана может похвастаться целым кварталом, построенным в стиле ар-деко. Железнодорожная система лондонского метрополитена в значительной степени воплощает этот стиль. В порту Шанхая находится более пятидесяти построек в стиле ар-деко, большинство из которых было спроектировано венгром Ласло Худеком.От военных памятников до больниц, такие далеко идущие города, как Сидней и Мельбурн в Австралии, также впитали феноменальный стиль.

Ар-деко: концепции, стили и тенденции

Основные визуальные характеристики ар-деко проистекают из повторяющегося использования линейных и геометрических форм, включая треугольные, зигзагообразные, трапециевидные и шевронные формы. Подобно своему предшественнику, ар-нуво, когда представлены такие объекты, как цветы, животные или человеческие фигуры, они сильно стилизованы и упрощены, чтобы сохранить общую эстетику ар-деко.Характер и степень стилизации и упрощения или урезания варьируются в зависимости от региональной итерации стиля. Например, фигура «Жар-птица » (1922 г.) французского дизайнера Рене Лалика элегантно тонкая и утонченная, а модель «Атлас » Ли Лори (1937 г.) за пределами Рокфеллер-центра - прочная и крепкая, с подчеркнуто линейной мускулатурой, хотя и то, и другое. считается прекрасным воплощением стиля деко.

В соответствии с акцентом движения на современные технологии, художники и дизайнеры ар-деко использовали современные материалы, такие как пластик, бакелит и нержавеющая сталь.Но когда требовался всплеск богатства и изысканности, дизайнеры использовали более экзотические материалы, такие как слоновая кость, рог и кожа зебры. Как и в случае с движениями ар-нуво и искусства и ремесла, стиль ар-деко гораздо меньше применялся к традиционно высокопоставленным формам выражения изобразительного искусства: живописи и скульптуре.

Дизайн

Стиль ар-деко оказал влияние на графическое искусство таким образом, что проявилось влияние итальянского футуризма с его любовью к скорости и обожанием машины.Художники-футуристы использовали линии для обозначения движения, известные как «усы скорости», которые выделялись из колес быстро движущихся автомобилей и поездов. Кроме того, приверженцы ар-деко использовали параллельные линии и сужающиеся формы, которые предполагают симметрию и обтекаемость. На типографику повлияло международное влияние ар-деко, и гарнитуры Bifur, Broadway и Peignot сразу же вызывают в памяти этот стиль.

С точки зрения образов, простые формы и большие области сплошного цвета напоминают японские гравюры на дереве, которые стали основным источником влияния для западных художников, особенно во Франции, после окончания изоляционистского периода Эдо в 1868 году.Последующий приток искусства из Японии в Европу оказал огромное влияние. В частности, художники нашли в формальной простоте ксилографии образец для создания своих собственных, отчетливо современных стилей, начиная с импрессионистов.

Мебель

До конца 1920-х годов во Франции авангардный дизайн мебели в основном представлял собой вариации стиля модерн, но упрощенные и менее криволинейные. В течение десятилетия Эмиль-Жак Рульманн стал ведущим дизайнером мебели (у Рульмана был собственный павильон на выставке 1925 года).В то время как его дизайн был в основном вдохновлен изделиями 18 годов, выполненными в неоклассическом стиле, он устранил большую часть орнамента, по-прежнему используя экзотические материалы, которые предпочитают дизайнеры в стиле модерн, такие как красное дерево, черное дерево, палисандр, слоновая кость и панцирь черепахи. . Конечно, его работы часто были слишком дорогими для приобретения кем-либо, кроме самых богатых.

В отличие от роскошного дизайна Рульмана, который, казалось, смешивал стили ар-нуво и ар-деко, более определенно дизайнером мебели в стиле ар-деко во Франции был Жюль Леле.Он был традиционным дизайнером до тех пор, пока новый стиль не вытеснил модерн. Он известен дизайном большой столовой Елисейского дворца в Париже и роскошными каютами на первоклассной палубе элегантного парохода Normandie.

В отличие от Леле и Рульмана, Ле Корбюзье был сторонником очень урезанной версии стиля ар-деко без орнаментов, часто создавая мебель, подходящую для строгих интерьеров, своих собственных архитектурных сооружений. Его намерением было разработать прототипы, в частности стульев, которые можно было бы производить массово и, следовательно, доступными для более широкого рынка.Также следует отметить, что дизайн интерьера известной достопримечательности Нью-Йорка Radio City Music Hall, созданный Дональдом Дески, является прекрасным примером американского дизайна мебели в стиле ар-деко, который до сих пор сохранился в своем первоначальном виде.

Архитектура

Архитектура ар-деко характеризуется резкими краями, часто богато украшенными узорами, подчеркнутыми блестящими металлическими акцентами. Многие из этих зданий имеют вертикальный акцент, построенный таким образом, чтобы обращать внимание наверх. Прямоугольные, часто блочные формы расположены геометрически с добавлением шпилей на крышах и / или изогнутых декоративных элементов для обеспечения обтекаемого эффекта.Небоскребы Нью-Йорка и здания в пастельных тонах Майами входят в число самых известных американских примеров, хотя этот стиль использовался во множестве структур по всему миру.

В Соединенных Штатах Управление прогресса работ помогло архитектуре ар-деко стать мейнстримом. Интересно, что слияние ар-деко и классицизма изящных искусств, наблюдаемое во многих общественных работах эпохи депрессии, стало известно как PWA Moderne или Depression Moderne.

Дальнейшие разработки - после ар-деко

Ар-деко вышло из моды в годы Второй мировой войны в Европе и Северной Америке, когда из-за суровости военного времени этот стиль казался неизменно ярким и декадентским.Металлы использовались для изготовления оружия, а не для украшения зданий или внутренних помещений. Мебель больше не считалась статусным объектом. Дальнейшие технологические достижения позволили удешевить производство основных потребительских товаров, устраняя потребность и популярность дизайнеров ар-деко.

Механизм, который во многих отношениях стремился оторваться от прошлого, теперь стал классикой, которую вспоминают с любовью и ностальгией. С 1960-х годов интерес к этому стилю не прекращался.Отголоски ар-деко можно увидеть в дизайне «модерн середины века», который воплощает в себе обтекаемую эстетику деко и пересматривает чистую простоту Баухауса. Деко также помогло вдохновить Memphis Group, дизайнерское и архитектурное движение, сосредоточенное в Милане в 1980-х годах. Мемфис также опирался на поп-арт и китч в качестве источников своих красочных, сознательно постмодернистских дизайнов.

Объяснение разницы между ар-нуво и ар-деко

Разница между ар-деко и ар-нуво часто сбивает с толку.В то время как большинство людей смутно знакомы с историческими и стилистическими достижениями в живописи и скульптуре, дизайн-направлениям уделяется гораздо меньше внимания в средней учебной программе средней школы.

Практическое правило распознавания различий между ар-деко и модерном


Практическое правило, модерн является более органичным стилем, тогда как арт-деко имеет тенденцию быть более изысканным. Однако они были созданы в разные эпохи с разными мотивами.

Ваза в стиле модерн от Даума Фрера, около 1900 г.


Ваза в стиле ар-деко от Даума Нанси, ок. 1925, Antes Art 1900

На протяжении многих веков академии искусств доминировали над общей концепцией искусства по всей Западной Европе. Иерархически говоря, живопись и скульптура рассматривались как «высшие» формы искусства, тогда как дизайн и декоративное искусство считались «низшими» формами, что приводило к широко распространенному разрыву между изящным и прикладным искусством.

Прекрасный пример «прикладного» стиля деко, сочетающего красоту и функциональность в повседневном дизайне

К концу девятнадцатого века, после очередного неоклассического восстания, желание отказаться от этих строгих правил. исторические стили и иерархии росли. В то же время промышленная революция сделала производство высокомеханизированным. Это, в свою очередь, заставляло художников стремиться к возрождению высокого мастерства.

Характеристики модерна


Стиль модерн стал ярлыком модернистского движения, возникшего из этого желания.Трудно указать точный момент или место его основания, потому что в то время по всей Европе происходило несколько подобных движений. Но между 1890 и 1914 годами преобладал модерн.

Парижская картинная галерея La Maison de l'Art Nouveau , которая принадлежала коллекционеру авангардного искусства Зигфриду Бингу (1838–1905), была одной из первых галерей, которые выставили и опубликовали большую коллекцию произведений. которые были созданы во время этого движения.Вот почему его название часто упоминается в этом источнике.


Кулон / брошь в стиле модерн 1890, можно купить в Adin Fine Antique Jewellery


Художники в стиле модерн черпали вдохновение в органических и геометрических формах, создавая элегантные плавные узоры с четким акцентом на контуры, заполненные приглушенные тона. Шумиха вокруг японских принтов того времени, особенно их цветочные и изогнутые узоры, оказала еще одно очень важное влияние.Дизайн в стиле модерн применялся в самых разных областях, от графики до мебели, внутреннего убранства, архитектуры и изобразительного искусства, наилучшим примером которых являются работы Густава Климта.


Портрет Адели Блох-Бауэр I, , также называемый «Дама в золоте» или «Женщина в золоте» Густава Климта, 1907 г.

Парижская выставка 1900 г. придала модерну большую значимость. способствовать росту. Он был проведен, чтобы отметить достижения прошлого века и ускорить развитие в следующем, и продемонстрировал множество технологических инноваций и последних произведений искусства.Ярмарка, которую посетило почти 50 миллионов человек, стала настоящим рекордом!

Обзор «Парижской всемирной выставки в 1900 году»

В Германии этот стиль популяризировал и продвигал журнал Jugend illustrierte Wochenschrift für Kunst und Leben , который является Причина, по которой в Германии (и в большинстве северных стран) этот стиль также известен как «югендстиль».

В Австрии стиль ар-нуво был популяризирован художниками венского движения сецессион, что привело к названию Sezessionstil .

Даже в англоязычных странах для описания этого декоративного стиля использовались разные термины; в Соединенных Штатах это называлось стилем Тиффани, а в Соединенном Королевстве также говорили о стиле Глазго.

Несмотря на большое разнообразие разных стран и направлений дизайна, общим знаменателем стиля модерн было стремление выйти за исторические границы.

Фрагмент фасада отеля Céramic, Париж

Художники в стиле модерн хотели создать новую реальность, современный мир со своей лексикой.Для этого стиля характерна грубая сила природы, демонстрирующая динамичные, хлыстовые изгибы и мотивы. В настоящее время считается, что модерн проложил путь модернистскому искусству и стилям дизайна 20-го века. Большое количество его памятников также внесено в список Всемирного наследия ЮНЕСКО, в том числе исторический центр Риги и отель Tassel в Бельгии.

Характеристики ар-деко


Незадолго до Первой мировой войны модерн уже начал исчезать, уступая место более модернистской эстетике: ар-деко.

Художники-декораторы пережили подъем статуса на рубеже веков; Точно так же рост благосостояния и социальный, а также технический прогресс породили широко распространенную индустрию роскоши. Эта золотая комбинация укрепила движение ар-деко.

Ар-деко «Обнаженная танцовщица с обручем» Андре Марсель Бурен (Бриан), c.a. 1925, галерея «Het Ware Huis»

Ар-деко по-настоящему ощутил влияние промышленной революции.Таким образом, дизайн ар-деко был более симметричным и обтекаемым, пытаясь сделать объекты, изготовленные машинами, более эстетически привлекательными для всех.

Крайслер-билдинг Уильяма ван Алена можно рассматривать как символ ар-деко. Использование изогнутых форм и ярких цветов также было очень типичным.


Типичный пример ар-деко, 1930, Крайслер-билдинг, Нью-Йорк

Ар-деко также находился под сильным влиянием современных художников того периода, особенно абстрактных форм и форм кубистов, особенно Пабло Пикассо и Жорж Брак.

Стекло пользовалось важным статусом в эпоху ар-деко, оно стало основным продуктом индустрии роскоши. Работа Рене Лалика особенно символична для этого периода. Ар-деко был принят дизайнерами и архитекторами по всему миру и оставил впечатляющее наследие во многих городах.


Рене Лалик, ваза «Лучники», 1921 год, доступный через Lennart Booij Fine Art and Rare Items

В отличие от модерна, определение движения ар-деко получено из единственного источника: экспозиции Internationales des Arts Décoratifs et Industriels Modernes , который проходил в 1925 году.Во Франции ар-деко назывался Style Moderne. Ар-деко оставался стилем декоративного искусства в течение 20-30-х годов и был в некотором смысле более эклектичным, так как включал в себя элементы из разных стилей.


«Танцовщица с тирсом» Пьера ле Фаге, 1925 г.


К сожалению, в 1930-х годах Европа пострадала от Великой депрессии. Средний уровень благосостояния резко упал, в результате чего многие энтузиасты ар-деко больше не могли позволить себе его богатые материалы, предметы роскоши и мебель.

С точки зрения архитектуры, ар-деко также было трудно конкурировать с современной архитектурой, о чем свидетельствуют работы Ле Корбюзье и немецкого движения Баухаус.

Ле Корбюзье был блестящим представителем современной архитектуры, он считал дом не более чем «машиной для жизни». Он также провозгласил, что декоративное искусство умирает.

Фотография Ле Корбюзье

Идеи Ле Корбюзье в конечном итоге были приняты архитектурными школами, и эстетика ар-деко постепенно отказалась.После Второй мировой войны этот стиль полностью вышел из моды, за исключением некоторых областей промышленного дизайна.

Резюме, а где купить ар-нуво и ар-деко?


Надеюсь, разница между ар-нуво и ар-деко теперь стала вам ясна. Помимо аспекта тайминга, то, что отличает эти два дизайнерских движения, в значительной степени сводится к эстетике. Органические и плавные формы, которые определяют Art Nouveau , были четким ответом на желание художника вырваться из жестких классических и иерархических структур, тогда как более смелые и обтекаемые формы Art Deco отражают гламуризацию промышленной революции.

Вы ищете конкретного художника в стиле модерн, например: Emile Gallé, Daum Frères, Clement Massier? Или вас интересует дополнительная информация о художниках ар-деко? Их можно увидеть здесь, таких как: Рене Лалик и Камилла Форе!

Если вы хотите купить, обратите внимание на широкий спектр произведений искусства в стиле ар-нуво или ар-деко, которые доступны для продажи на Gallerease!

10 художников в стиле модерн, которые определили движение

Движение в стиле модерн началось в 1890 году с целью модернизации дизайна и отказа от классических исторических стилей, которые ранее были популярны.Художники в стиле модерн черпали вдохновение в природных элементах, таких как цветы или насекомые. Изгибы, асимметричные формы и насыщенные цвета были другими распространенными мотивами этого механизма. Эстетика модерна также появилась в различных средствах массовой информации, включая декоративное искусство, живопись, архитектуру и даже рекламу.

Истоки ар-нуво восходят к движению искусств и ремесел, которое стало реакцией на академические художественные стили 19 века. Приток японских гравюр на дереве с цветочными мотивами и сильными изгибами также повлиял на стиль.Модерн оставался популярным до 1905 года, но сегодня считается важным предшественником модернизма.

Движение модерн породило множество одаренных художников, специализирующихся на декоративном искусстве, архитектуре и работе со стеклом, в том числе шлаковым стеклом. Сегодня большая часть их работ востребована как коллекционерами, так и приверженцами модерна. Читайте дальше, чтобы узнать об известных художниках и их влиянии на стиль модерн.


Обри Бердсли

Срок службы : 1872–1898

Гражданство : британец

Средний : Иллюстрация

Известная работа : Награда танцовщицы (Саломея)

Карьера Обри Бердсли, прервавшаяся из-за заболевания туберкулезом, примечательна своим впечатляющим влиянием на искусство иллюстрации.За семь лет, которые он мог иллюстрировать, Бердсли сделал себе имя как один из самых обсуждаемых художников своего времени.

Его иллюстрация к пьесе Оскара Уайльда « Саломея » считается одной из самых противоречивых в стиле модерн. На своем плакате персонаж Саломеи держит на столе голову Иоанна Крестителя. Это гротескное изображение было характерно для его рисунков черными тушью того времени и укрепило его сомнительную репутацию в стиле модерн.

Обри Бердсли, «Награда танцовщицы (Саломея)», 1894 г.


Густав Климт

Срок службы : 1862–1918

Национальность : австриец

Средний : Живопись

Известная работа : Поцелуй

До движения модерн Густав Климт был известен своими декоративными картинами с историческими сценами и фигурами. Эти картины были заказаны для создания на общественных зданиях и позже привели к его «золотой фазе», которая длилась с 1903 по 1909 год.

В 1897 году Климт вместе с коллегами Коломаном Мозером, Йозефом Хоффманном и Йозефом Марией Ольбрихом стал соучредителем Венского Сецессиона, группы австрийских художников, чьей миссией было привнести в Австрию стиль современного европейского искусства. Он был избран первым президентом Венского Сецессиона, потому что бросил вызов авторитету, а его международная известность как художника в стиле модерн привела к раннему успеху Сецессиона.

Основным предметом Климта в его картинах в стиле модерн была женская фигура.Его популярная работа, Поцелуй , является одним из самых узнаваемых примеров его работ и одной из немногих его картин, на которых изображен мужчина. Это произведение является заметной работой из его «Золотой фазы», ​​которая считается ведущим образцом движения модерн.

Густав Климт, «Поцелуй», 1908. Картина маслом.


Альфонс Муха

Срок службы : 1860–1939

Гражданство : Чехия

Средний : Живопись

Известная работа : Жисмонда

Альфонс Муха был прежде всего известен своей работой над коммерческими плакатами и рекламой, хотя он также баловался другими средствами, такими как мебель, театральные декорации и украшения.Женщины были его основным предметом, особенно «новая женщина», которая прославляла женственность, а также социально влиятельную и заинтересованную женщину. Хотя Муха отвергал ярлык ар-нуво, его стиль оказал большое влияние на движение.

Его литография Gismonda оказала большое влияние на стиль модерн. Это произведение создано по одноименной ренессансной пьесе Викториана Сарду. Женщина с плаката, Сара Бернар, носит костюм из четвертого и последнего акта пьесы. Она была самой влиятельной фигурой в творчестве Мухи.

Альфонс Муха, «Жисмонда», 1894 г.


Анри де Тулуз-Лотрек

Срок службы : 1864–1901

Гражданство : француз

Средний : Живопись, рисунок

Известная работа : В Мулен Руж

Анри де Тулуз-Лотрек был первым художником, который поднял рекламу до уровня изобразительного искусства, совершив сдвиг в истории, который признал, что важное произведение искусства может быть повседневным плакатом в ночном клубе.В отличие от других художников своего времени, Тулуз-Лотрек не боролся за жизнь. Вместо того, чтобы продавать элитным галереям, он продал парижским владельцам бизнеса, которые извлекли выгоду из его уникального видения.

Его знаменитая работа В Мулен Руж изображает кабаре Мулен Руж, открывшееся в 1889 году. Эта картина знаменует его ранний вклад в стиль модерн и совпадает с его влиятельными плакатами Мулен Руж. Его сценарий и преувеличенные контуры на этих плакатах и ​​картинах стали эмблемой движения модерн.

Анри де Тулуз-Лотрек, «В Мулен Руж», 1895. Картина маслом.


Эгон Шиле

Срок службы : 1890–1918

Национальность : австриец

Средний : Живопись, эстамп

Известная работа : Лежащая женщина в зеленых чулках

Эгон Шиле прожил короткую жизнь, умер от гриппа в возрасте 28 лет. Хотя его стиль был отмечен элементами экспрессионизма, Шиле находился под сильным влиянием творчества Густава Климта.Он был и другом, и наставником, что привело к тому, что Шиле сосредоточил внимание на женской фигуре.

Его работа, Лежащая женщина в зеленых чулках , подчеркивает женскую форму традиционным, но противоречивым способом из-за сексуальной позы. Эти нетрадиционные изображения молодых женщин часто доставляли Шиле неприятности, в результате чего он попал в тюрьму в 1912 году. Женщина, изображенная в «Лежащей женщине», является классическим примером стиля Шиле, допускающего фигуральные искажения и бросающего вызов общепринятым представлениям о красоте.

Эгон Шиле, «Лежащая женщина в зеленых чулках», 1917. Картина маслом.


Антонио Гауди и Корнет

Срок службы : 1852–1926

Национальность : каталонский

Средний : Архитектура

Известная работа : Саграда Фамилия

Антони Гауди был архитектором-новатором, который работал преимущественно в Барселоне, где его стиль ар-нуво наполнил город.Его работы были вдохновлены природой и католической верой, с изогнутыми линиями и яркими поверхностями, которые отличались от типичных архитектурных стилей. Скамейки в парке Гуэль спроектированы так, чтобы соответствовать позвоночнику человека, а балконы Casa Mila представляют собой абстракции из листьев и травинок. Именно это вдохновение отделяло Гауди от других стилей того времени и выделяло его как представителя стиля модерн.

Его самая известная работа, Храм Святого Семейства, строилась с 1882 года и продолжается до сих пор.Когда Гауди был назначен работать над церковью в 1883 году, он сделал это, зная, что не доживет до завершения проекта, олицетворяющего его набожную веру. Когда Гауди умер в 1926 году, собор был готов только на 20%. По завершении работы будет построена самая высокая базилика в мире.

Антонио Гауди-и-Корнет, «Саграда Фамилия», 1882 г. - настоящее время.


Виктор Орта

Срок службы : 1861–1947

Гражданство : бельгиец

Средний : Архитектура

Известная работа : Hôtel Tassel

Виктор Орта был одним из основателей стиля модерн и известен тем, что расширил движение от визуального и декоративного искусства до архитектуры.Работа Орты была отмечена его пониманием достижений промышленности как в железе, так и в стекле. В его зданиях использовалось скрученное и гнутое железо, которое плавно переходило от внешнего к декору.

Отель Tassel, или «Дом с кисточками», считался первым зданием в стиле модерн и одним из самых известных произведений Орты. Этот особняк был построен для одного из его коллег по Université Libre de Bruxelles. Он органично сочетал в себе темы природы и промышленности, а его культовый холл с лестницей можно увидеть снаружи здания.

Виктор Орта, «Hôtel Tassel», 1894 г.


Луи Комфорт Тиффани

Срок службы : 1848–1933

Национальность : американец

Средний : Живопись, декоративное искусство, производство стекла

Известная работа : Образование (Окно памяти Читтендена)

Луи Комфорт Тиффани был сыном известного ювелира Чарльза Льюиса Тиффани. Первоначально он обучался живописи, но в 1875 году он начал экспериментировать с витражами, а спустя три года основал собственную стекольную фабрику.Его работы со стеклом стали популярными за границей, особенно для созданного им стекла Favrile.

Его самой известной работой, Education , был витраж шириной тридцать футов, установленный в библиотеке Йельского университета. Он был построен в память о Мэри Харвелл Ласк, дочери одного из благотворителей Йельского университета. Часть была удалена из помещения в 1970 году в качестве меры предосторожности во время протестов, которые произошли на Нью-Хейвен-Грин. В результате позже его ошибочно опознали, а затем забыли.Эта ошибка, вероятно, спасла изделие от кражи годы спустя, когда вместо этого пропал предмет, который был неправильно назван Тиффани.

Луи Комфорт Тиффани, «Образование», 1890. Витраж.


Эмиль Галле

Срок службы : 1846–1904

Гражданство : француз

Средний : Стеклодув

Известная работа : Вазы и светильники, «Праздник весны»

Эмиль Галле был стеклодувом, который вместе с Луи Мажорелем основал École de Nancy, группу, стремящуюся расширить границы ар-нуво.Его творчество было вдохновлено природой и литературой. В свободное время он собирал и изучал растения и насекомых для вдохновения, создавая новаторские экспериментальные методы в производстве стекла, которые он позже запатентовал. Во многих его работах были запечатаны цветочные мотивы и стихи, написанные для владельца.

Эмиль Галле, «Праздник весны», 12 500 долларов через Macklowe Tiffany Lamps & Contemporary Art.


Луи Мажорель

Срок службы : 1859–1926

Гражданство : француз

Средний : Мебельщик

Известная работа : Кресла, столы, шкафы

Луи Мажорель стал соучредителем École de Nancy вместе с Эмилем Галле, который был наставником и руководителем его работы.До знакомства с Галле Мажорель копировал мебель в старинном стиле, часто возрождая старые предметы. После знакомства с Галле он начал использовать новые формы и включить естественные мотивы в свою мебель, что привело его к международному признанию.

Пара кресел, Луи Мажорель. 5 000–7 000 долларов на аукционе Sotheby’s. (Апрель 2018)


Влияние модерна проникло в сферу искусства, дизайна, архитектуры и рекламы. Лампы Tiffany и принты Тулуз-Лотрека - бесчисленное множество способов включить в свою коллекцию художников в стиле модерн.

Источники

Художественная история | Модерн во всем мире | Списки истории | Британника

Анри де Тулуз-Лотрек, «В Мулен Руж», 1895. Картина маслом.

Ар-деко | Национальные галереи Шотландии

Ар-деко, получивший свое название от крупной выставки декоративно-прикладного искусства, состоявшейся в Париже в 1925 году, был стилем дизайна, который олицетворял собой 1920-е и 1930-е годы.Для него характерны геометрические или стилизованные формы и яркие цвета.

Истоки стиля

Во многих отношениях ар-деко был продолжением эпохи декоративно-прикладного искусства и модерна. Как и их предшественники, художники и дизайнеры в стиле ар-деко стремились стереть границы между изобразительным искусством и дизайном, уделяя особое внимание качественным объектам. Стиль ар-деко в том виде, в каком мы его сейчас знаем, был основан группой французских художников, которые назвали себя Societe des Artists Decorateurs (Общество художников-декораторов), , в которое входили как признанные, так и новые творческие личности.Один из ее членов, Фрэнсис Журден, писал: «Следовательно, мы решили вернуть декоративное искусство… на то важное, почти преобладающее место, которое оно занимало в прошлом».

Группа планировала провести масштабную обзорную выставку в 1914 году, но ее отложили до окончания войны. В конце концов, выставка прошла в Париже в 1925 году после спонсорской поддержки французского правительства под названием Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industriels Modernes и продемонстрировала работы более 15000 художников и дизайнеров, уделяя особое внимание функциональным объектам.Первоначально новый стиль, который положил начало чрезвычайно успешному шоу, назывался Style Moderne или Paris 1925 ; Термин «ар-деко» не использовался в полной мере до 1960-х годов.

Стиль ар-деко

Идеи нового стиля в искусстве и дизайне были заимствованы из самых разных источников. Многие из авангардных художественных движений начала двадцатого века, включая фовизм, кубизм, футуризм и экспрессионизм, повлияли на преобладающие геометрические линии, узоры и формы ар-деко, переведенные в доступные, спроектированные объекты.Упорядоченный, рациональный подход Чарльза Ренни Макинтоша к ар-нуво имел отчетливо современный вид для следующего поколения, как и многие сложные декорации и эскизы костюмов в балете Сергея Дягилева. Открытие гробницы Тутанхамона в 1922 году открыло новый интерес к египетскому золоту и металлам, в то время как твердые края и блочные формы африканской «примитивной» скульптуры продолжали оказывать влияние на искусство и дизайн.

Стиль деко стал отходом от цветочных и декоративных качеств ар-нуво, вместо этого сосредоточившись на гладком и простом дизайне, созданном из роскошных материалов.Писатель Олдос Хаксли писал о стиле: «Простота формы контрастирует в настоящее время с богатством материалов… Современная простота богата и роскошна». В то время как в стиле модерн упор делался на ручную работу, создателей ар-деко соблазнила машина. возраста, ища способы оживить производимые предметы за счет качественного дизайна. Они рассматривали это как более эгалитарный подход, при котором несколько версий серийно производимых высококачественных объектов могут быть доступны каждому.

Хотя в основном он был сфокусирован на трехмерном дизайне, таком как архитектура, мебель, керамика, стекло, часы и украшения, ар-деко также был переведен в два измерения, что видно на смелых угловатых картинах французской художницы Тамары де Лемпицкой, украинского графического дизайнера А.Элегантный дизайн плакатов М. Кассандра для транспортных компаний и яркие плоские цветные плоскости и изогнутые формы шотландского художника Яна Чейна, увиденные в Hell’s Glen, 1928.

В Соединенных Штатах стиль ар-деко, который стал известен как Streamline Moderne , был особенно популярен, поскольку приобрел еще более глянцевую и обтекаемую эстетику, чем его французские аналоги. Крайслер-билдинг Уильяма Ван Алена, возможно, является самым известным примером, яркой эмблемой эпохи ар-деко с ее безупречным сочетанием формы и функции.Интерьер Radio City Music Hall был столь же амбициозен, он был спроектирован Дональдом Дески так, чтобы он был «абсолютно и бескомпромиссно современным по сути, таким же современным в дизайне мебели, обоев и фресок, как и в технических устройствах для сценических презентаций». Деко стал популярным в нескольких других столицах, включая Гавану, Кубу, Мумбаи и Джакарту.

Несмотря на свой геометрический стиль, после Второй мировой войны ар-деко стал считаться декоративным занятием, которое позже было заменено резкими краями и чистыми, простыми линиями модернизма.Сегодня он признан ярким символом своего времени, синонимом живого и авантюрного духа «бурных двадцатых». С тех пор аспекты его повсеместного стиля проникли во многие другие стили дизайна, особенно в модернизм середины века.

художников ар-деко: Тамара де Лемпицка

Тамара де Лемпицка была одним из самых знаменитых и известных художников ар-деко. Родилась в Польше в 1898 году, она жила в России, а в конце 1917 года, избежав русской революции, поселилась в Париже.После установки она приступила к созданию серии картин, которые гарантировали ей место в гламурном обществе Европы и Америки 1920-х годов.

Ревущие двадцатые

Самостоятельно богатая, потребительская и свободомыслящая де Лемпицка рисовала себя и свое окружение. Смелые стили ар-деко выросли из плавных линий ар-нуво, но они отражали более циничное, технологическое и индустриальное общество после Первой мировой войны.

Смелое искусство

Де Лемпицки отражало такие же смелые формы поездов и зданий, павильонов и автомобилей, которые ее окружали.Одна из ее самых известных картин - Автопортрет 1925 года , изображающая ее возвышенное самообладание, когда она доминирует в своем стильном Bugatti и движется к зрителю неприлично близко.

Девушка в зеленом

Девушка в зеленом тоже типична для работ де Лемпицка с ее стилизованными формами и яркими цветами. Сильная центральная фигура, как всегда доминирующая на холсте, противопоставлена ​​угловатым зданиям в стиле ар-деко, в которых жили богатые и гламурные двадцатые годы.На самом деле, речь идет о дочери де Лемпицки Кисетте, о которой мать, в отличие от быстрых машин и вечеринок, не заботилась.

Стиль ар-деко

Бурная светская жизнь Де Лемпицки не мешала ее художественному мастерству. Ее мастерство и оригинальность позволили ей впитать кубистские и модернистские влияния авангарда с яркими механическими силами технологических изменений. Ее методы были уникальным сочетанием гламура и цвета, она стала одним из великих художников ар-деко и, безусловно, одной из самых влиятельных женщин-художников 20 века.Ее работами восхищаются и по сей день, и она остается одним из самых популярных художников в Интернете для печати и постеров.

Ссылки
  • Здесь находится официальный сайт имения Тамары де Лемпицкой.

  • Фантастическая доска Pinterest с ее картинами здесь.

  • Отличный музей с дополнительной информацией о художнике здесь.


Вечное очарование ар-деко

Тутти Фрутти (смелые цветовые контрасты с использованием резных драгоценных камней) завораживает в этом браслете, броши и наручных часах от Mauboussin.Ювелирные изделия любезно предоставлены Кэтрин Бонанно. Бурные двадцатые - это время, которое до сих пор нас восхищает.

Автомобили, радио, телефон и кино стали неотъемлемой частью культуры. Небоскребы выросли в крупных городах. Джаз доносился из подпольных кафе Гарлема. Чарльз Линдберг совершил первый беспосадочный трансатлантический перелет. Ф. Скотт Фицджеральд, Эрнест Хемингуэй, Коко Шанель, Дюк Эллингтон, Бейб Рут и Чарли Чаплин руководили культурной сценой, их слава подпитывалась ростом средств массовой информации.

Роль женщин также менялась. Массово вступив на рынок труда во время Первой мировой войны, женщины получили право голоса в 1920 году. Флапперы - женщины, носившие короткие платья и короткие волосы - были новыми знаменосцами моды, шокировавшими общество своим скандальным поведением. И они хотели нового стиля, который не был бы похож на вычурные традиционные украшения эпох Эдвардиана и модерна.

Такова была обстановка для прихода ар-деко - стиля, знаменующего век машин.Изящные океанские лайнеры, обтекаемые поезда и высокие небоскребы были любимыми изображениями, чтобы выразить это: они символизировали процветание и прогресс, а также веру в то, что технологии являются лекарством от всех болезней.

Термин «ар-деко» - период с 1920-х по 1930-е годы - пришел из Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industrials Modernes, выставки декоративного искусства, проходившей в Париже в 1925 году. Ювелирные изделия были одним из представленных предметов, и жюри выбрали геометрические, линейные предметы, прославляющие современную промышленность.

Этот плакат с изображением поезда в стиле ар-деко демонстрирует мощь технологий и прогресса.

Чтобы придать объектам футуристический вид, художники ар-деко использовали вертикальные линии и геометрические формы (дуги, круги, треугольники, квадраты, прямоугольники и т. Д.) В повторяющихся узорах. Крайслер-билдинг на Манхэттене является классическим примером архитектуры ар-деко и имеет ряд этих элементов дизайна.

Крайслер-билдинг - шедевр ар-деко.

Дизайнеры ювелирных изделий были частью движения ар-деко. Отойдя от органических криволинейных элементов, присущих более раннему движению, ар-нуво, эти дизайнеры выбрали вертикальные линии и простые повторяющиеся геометрические узоры. Цель заключалась в том, чтобы вызвать элегантность и изысканность.

Ювелиры в стиле ар-деко использовали платину и белое золото, геометрические формы и яркие цвета, контрасты, чтобы передать дух времени. Огранки бриллиантов геометрических форм, таких как багет, треугольник, трапеция и полумесяц, стали популярными в украшениях ар-деко.

Серьги-люстры в стиле ар-деко из платины, изумрудов, сапфиров и бриллиантов.

Достижения в огранке камня позволили ювелирам изготавливать сложные изделия, такие как этот кулон / брошь из платины, сапфира и бриллианта, показанный ниже.


Брошь любезно предоставлена ​​компанией Frank Goodman & Son, Лос-Анджелес, Калифорния.

Значительным событием в движении ар-деко стало открытие гробницы Тутанхамона в 1922 году. Искусство и архитектура Египта были экзотическими - новое вдохновение для художников, получивших образование у мастеров старого мира, таких как Микеланджело и Рембрандт, - и приверженцы ар-деко легко заимствовали мотивы из этого и других раскопки древних цивилизаций.


Пряжка любезно предоставлена ​​Джинджер Моро.

Художники ар-деко одновременно черпали из прошлого и смотрели в будущее. Это было уникальное сочетание, создавшее особый стиль, поразивший воображение публики.

Роберт Акерманн, инструктор по производству ювелирных изделий, GIA, Карловы Вары.
Вечная красота ар-деко и его обещание светлого будущего - это то, что пленило хлопушек - и до сих пор говорит с нами. Ф.Скотт Фицджеральд поэтично выразил это чувство в «Великом Гэтсби»: «Гэтсби верил в зеленый свет, оргастическое будущее, которое год за годом отступает перед нами. Тогда это ускользнуло от нас, но это неважно - завтра мы побежим быстрее, дальше протянем руки. . . Так что мы плывем, лодки против течения, непрестанно возвращаясь в прошлое ».

Советы по разработке и продаже украшений в стиле ар-деко

  • Ар-деко определяли вертикальные линии и повторяющиеся геометрические формы.Используйте их для создания украшений в стиле деко. Расскажите своим клиентам, как эти элементы дизайна создают элегантный и изысканный вид.
  • Украшения в стиле ар-деко часто имеют резкие цветовые контрасты. Возможно, это было выражением оптимизма в отношении будущего или долгожданным изменением пастели эпохи модерна и типичного отсутствия цветных камней в большинстве украшений эдвардианской эпохи. Использование ярких контрастных цветных драгоценных камней или эмали в ваших изделиях может вызвать стиль ар-деко.

Похожие записи

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *