Барокко стиль в искусстве: Барокко — стиль в изобразительном искусстве и его особенности | DesigNonstop

Содержание

Барокко — стиль в изобразительном искусстве и его особенности | DesigNonstop

Барокко — стиль в изобразительном искусстве и его особенности

0

Сегодня давайте разберемся с интереснейшим художественным стилем барокко. На его возникновение повлияли два важных события Средневековья. Во-первых, это изменение мировоззренческих представлений о мироздании и человеке, связанных с эпохальными научными открытиями того времени. И во-вторых, с необходимостью власть придержащих имитировать собственное величие на фоне материального обнищания. И использование художественного стиля, прославляющего могущество знати и церкви, было как нельзя кстати. Но на фоне меркантильных задач в сам стиль прорвался дух свободы, чувственность и самоощущение человека, как деятеля и созидателя.


 
 

Барокко — (итал. barocco — причудливый, странный, склонный к излишествам; порт. perola barroca — жемчужина с пороком) — характеристика европейской культуры XVII-XVIII веков, центром которой была Италия. Стиль барокко появился в XVI—XVII веках в итальянских городах: Риме, Мантуе, Венеции, Флоренции. Эпоху барокко принято считать началом триумфального шествия «западной цивилизации». Барокко противостояло классицизму и рационализму.

 
 

В XVII веке Италия потеряла экономическое и политическое могущество. На ее территории начинают хозяйничать иностранцы — испанцы и французы. Но истощенная Италия не утратила высоты своих позиций — она все равно остается культурным центром Европы. Знать и церковь нуждались в том, чтобы их силу и состоятельность увидели все, но поскольку денег на новые постройки не было, они обратилась к искусству, чтобы создать иллюзию могущества и богатства. Так на территории Италии возникает барокко.

 
 

Барокко свойственны контрастность, напряжённость, динамичность образов, стремление к величию и пышности, к совмещению реальности и иллюзии. В этот период, благодаря открытиям Коперника, изменилось представление о мире как о разумном и постоянном единстве, а также о человеке как о разумнейшем существе. По выражению Паскаля, человек стал сознавать себя «чем-то средним между всем и ничем», «тем, кто улавливает лишь видимость явлений, но не способен понять ни их начала, ни их конца».

 
 

Стиль барокко в живописи характеризуется динамизмом композиций, «плоскостью» и пышностью форм, аристократичностью и незаурядностью сюжетов. Самые характерные черты барокко — броская цветистость и динамичность. Яркий пример — творчество Рубенса и Караваджо с их буйствами чувств и натурализмом в изображении людей и событий.

 
 

Караваджо, считают самым значительным мастером среди итальянских художников, создавших в конце XVI в. новый стиль в живописи. Его картины, написанные на религиозные сюжеты, напоминают реалистичные сцены современной автору жизни, создавая контраст времен поздней античности и Нового времени. Герои изображены в полумраке, из которого лучи света выхватывают выразительные жесты персонажей, контрастно выписывая их характерность.

 
 

В итальянской живописи эпохи барокко развивались разные жанры, но в основном это были аллегории, мифологический жанр. В этом направлении преуспели Пьетро да Кортона, Андреа дель Поццо, Тьеполо, братья Карраччи (Агостино и Лодовико). Прославилась венецианская школа, где большую популярность получил жанр ведуты, или городского пейзажа. Самый прославленный автор таких работ — художник Каналетто.

 

 

Рубенс сочетал в своих полотнах природное и сверхъестественное, действительность и фантазию, ученость и духовность. Помимо Рубенса международного признания добился еще один мастер фламандского барокко — Ван Дейк. С творчеством Рубенса новый стиль пришел в Голландию, где его подхватили Франс Халс и Ян Вермеер. В Испании в манере Караваджо творил Диего Веласкес, а во Франции — Никола Пуссен, в России — Иван Никитин и Алексей Антропов.

 
 

Художники барокко открыли искусству новые приемы пространственной интерпретации формы в ее вечно изменчивой жизненной динамике, активизировали жизненную позицию. Единство жизни в чувственно-телесной радости бытия, в трагических конфликтах составляет основу прекрасного в искусстве барокко. Идеализация образов сочетаются с бурной динамикой, реальность — с фантазией, а религиозная аффектация — с подчёркнутой чувственностью.

 
 

Тесно связанное с монархией, аристократией и церковью, искусство барокко было призвано прославлять и пропагандировать их могущество. Вместе с тем оно отразило новые представления о единстве, безграничности и многообразии мира, о его драматической сложности и вечной изменчивости, интерес к среде, к окружению человека, к природной стихии. Человек предстаёт уже не центром Вселенной, а многоплановой личностью, со сложным миром переживаний, вовлечённой в круговорот и конфликты среды.

 
 

В России развитие барокко падает на первою половину XVIII в. Русское барокко было свободно от экзальтации и мистицизма, характерных для католических стран, и обладало рядом национальных особенностей, таких как чувство гордости за успехи государства и народа. В архитектуре барокко достигло величественного размаха в городских и усадебных ансамблях Петербурга, Петергофа, Царского Села. В изобразительном искусстве, освободившиеся от средневековых религиозных пут, обратились к светским общественным темам, к образу человека-деятеля. Барокко повсеместно эволюционирует к грациозной лёгкости стиля рококо, сосуществует и переплетается с ним, а с 1760-х гг. вытесняется классицизмом.

Барокко | История искусства

Барокко

В конце 16-го - начале 17-го века в искусстве Западной Евролпы сложился большой художественный стиль - "барокко". Слово "барокко" в буквальном переводе с итальянского означает "причудливый", "вычурный". Зародилось барокко в Италии, в конце 16го века. Зрителя поражают яркость чувств, порывистость, страстность этого искусства, его преувеличения и излишества полны неожиданностей. Барокко покорило всю Европу. 

Итальянское барокко

Родиной архитектуры барокко стал Рим. Новый стиль утвердился прежде всего в церковном зодчестве, а затем и в архитектуре дворцов. Сооружения в стиле барокко ослепляют пышностью, роскошью отделки. Здания богато украшены, часто без меры, разнообразными деталями. Это богатый, лепной, с завитками,

орнамент, портики, галереи со статуями атлантов и кариатид. В интерьере дворцов сглаживаются углы потолка и стен, они украшаются богатыми росписями, лепниной, позолотой. Помещения украшаются гобеленами, статуями, зеркалами. Разноцветные полы, хрустальные люстры, изящная мебель на тонких изогнутых ножках дополняют убранство дворцов. 

Скульптура в стиле барокко

Неотъемлимой частью архитектуры  в эпоху барокко была скульптура. Она украшала фасады и внутренние помещения. Скульптуры  барокко были декоративным дополнением к архитектуре зданий. Парки украсились скульптурными группами на античные сюжеты, многочисленные статуи оживляли фонтаны и лестницы. Скульптуры барокко беспокойны, порывисты, живописны. Люди - в развевающихся одеяниях или обнаженные - представлены в вычурных, неестественных позах. Пышные драпировки, вычурные жесты, бесчисленные детали придают статуям извилистые и неопределенные очертания. 

"Экстаз св. Терезы". Ск. Л.Бернини. Барокко

Живопись в эпоху барокко расширила круг предметов, изображаемых художниками. Появились новые жанры - наряду с религиозными и мифологическими темами художники стали изображать и окружающий их современный мир.  Живопись барокко можно условно разделить на три части: церковную, придворную и буржуазную - в зависимости от того, кто ее заказывал. Живописцы барокко предпочитали теплые тона и плавные переходы цвета один в другой, без резких контурных линий. Их привлекала игра света и тени, сильные контрасты светлого и темного. В типичных барочных картинах изображены напряженные и драматические сцены. В них много ярких, чрезмерно преувеличенных страстей, искусственных переживаний.

В изображении людей художники использовали эффектные жесты, вознесенные к небу и полные слез глаза святых, мучительно изогнутые тела мифологических героев в сценах борьбы и похищений. 

"Благовещение". Эль Греко. Барокко.

В России на стиль барокко оказало влияние русское искусство, что сделало его своеобразным и очень выразительным. Более всего барокко проявило себя в архитектуре и скульптуре барокко. Появился термин "русское барокко". К известным элементам архитектуры добавляются детали исконно русские, что наполняет сооружения особой теплотой, смягчает нагроможденность украшениями.


 

Собор Смольного монастыря. С.-Петербург. Ск. Растрелли. Русское барокко.

  "Певцом русского барокко" называют архитектора Бартоломео Растрелли, постороившего в России очень много великолепных зданий в стиле барокко.

Барокко - Стиль барокко в живописи

Одной из самых ярких и понятных характерных черт барочной живописи является ненавязчивая и «свободная» манера письма, в том числе выбор сюжетной линии и манера ее подачи.

Так, наряду с библейскими и мифическими сюжетами («Призвание святого Матфея» или «Медуза Горгона», «Блаженство святого Франциска» или «На пути в египетские земли» - Караваджо Микеланджело; «Поклонение пастухов», «Подношение Церере, богине урожая» - Йорданс Якоб), полноценное место занимают портреты, сцены из жизни знати и крестьян и даже пейзажи, например «Зимний пейзаж» и «Две водяные мельницы» Рейсдала Якоба.

Каждый этап развития социума и культуры, как в зеркале, отражается во всех направлениях искусства. Основные черты, отличающие один стиль от другого, прослеживаются не только в произведениях великих мастеров - композиторов, архитекторов, художников, но в свою очередь занимают место в повседневной жизни обывателей, их поведении, в том числе в политике. Так, конец XVI века, как начало эпохи просвещения и разума, променадов и огненных утех, фейерверков, балов – маскарадов, прогулок на лошадях и всего того, что доставляло массу удовольствия вельможам в противовес голоду и нищете простого люда, - известен под звучным именем «Барокко».

Италия, XVI - XVII века. Барокко… Появление этого «непонятного» и «склонного к излишествам» стиля было предсказуемо, на смену рациональному приходит иррациональное, вымышленное и непредсказуемое течение. После Возрождения с его одухотворенностью, научным подходом и «правильным» зерном возникло Барокко – легкое и непринужденное, с яркими картинками и фантастическими сюжетами, контрастами добра и зла, земного и поднебесного, тени и света. И так, своим появлением новое течение в искусстве обязано Италии и ее великим мастерам, сумевшим поломать былые стереотипы в живописи. Обращаясь к переводу слова «Барокко», нельзя однозначно определить его смысл: в итальянском barocco означает «причудливый» или «странный», в португальском perola barroca — это «жемчужина с пороком». Однако замысел авторов известных полотен, а яркий пример тому картины Караваджо и Рубенса, говорит сам за себя – это динамика изображения, обязательное светлое пятно главного персонажа, пестрота палитры и броскость сюжета.

Караваджо Микеланджело. Призвание Святого Матфея. 1599-1600

Караваджо Микеланджело. Медуза Горгона. 1598-99

Караваджо Микеланджело. Блаженство Святого Франциска  1606 

Караваджо Микеланджело. На пути в египетские земли. 1597

Йорданс Якоб. Поклонение пастухов. 1615

Йорданс Якоб.  Подношение Церере, богине урожая. 1618-20 

Рейсдал  Якоб. Зимний пейзаж. 1670  

Рейсдал  Якоб. Две водяные мельницы и открытый шлюз. 1650

Несмотря на параллельное развитие искусства Барокко в разных странах и наличие схожести основных приемов письма картин, в период XVI – XVII веков в живописи четко наметились разные направления, некоторые из них носят теперь созвучные названия с основоположниками той или иной манеры изображения полотен. Например – караваджизм, - течение в итальянской живописи, характерное контрастной игрой тени и света, наличием полумрака и «угрюмой» обстановки или болонский академизм, как полная противоположность караваджизму, с его традиционными красками, более понятными сюжетами и строгостью. Помимо аллегорических повествований, как упоминалось выше, не меньшее внимание уделялось пейзажному жанру, получившему название «ведута». Несомненно, портретная живопись не оставалась в стороне, и направление Барокко затронуло этот жанр в полном объеме, получив воплощение в парадных портретах французских мастеров Шарля Лебрена, Симона Вуэ и Иасента Риго. Наряду с вымышленной помпезностью и плавностью линий и деализированных героев среди произведений того времени, как противопоставление, были картины с более скупыми красками и резкими линиями. Это творения испанских художников. Пример тому полотна Сурбарана, Веласкеса и Рибера. Это смешение реальности и вымысла, аскетичного и телесного, где-то смешного или, наоборот, угрюмого. Историки объясняют стремление испанских живописцев разбавить барочную фантазию более приземленным и реальным политическим и экономическим упадком самой Испании. В то время как ее искусство переживало «Золотой век» становления. Опираясь на богатство живописи эпохи Барокко, следующее поколение художников позаимствовало не только манеру письма картин, приемы наложения грубых мазков и плавных переходов в сглаженную текстуру, палитру «грустных» оттенков в контрасте с радужным колоритом, но также ту смелость, с которой художники в своих работах объединяли телесные радости и трагизм бытия в единое целое, в то, что называется единством жизни.

Искусство барокко

Искусство барокко стало художественным отражением противоречий раннебуржуазного периода европейской культуры. Подчеркивая сложную атмосферу времени, барокко соединило в себе, казалось бы, несоединимые элементы. Основные черты барокко отразили его дуализм. Черты мистики, фантастичности, повышенной экспресии, декоративность удивительно уживаются в нем с трезвостью и рассудочностью, с истинно бюргерской деловитостью. Стиль барокко легко узнается в очертаниях архитектурных сооружений, в изысканной вычурности линий в скульптуре и живописи, в пышности, декоративности, аллегоричности фасадов и интерьеров зданий, в напыщенности языка прозы и поэзии. Совмещая иллюзорное и реальное, барокко является в целом стилем, который отражал преимущественно систему ценностей, идеалов и вкусов дворянства, в первую очередь той его части, которая сохраняла еще известные прогрессивные тенденции. Поэтому этот стиль развивался прежде всего в тех странах, где сохраняли свои позиции феодальные отношения и католическая церковь. Церковное искусство, собственно и было типичным "барокко" в узком смысле этого термина. Зародившись на рубеже XVI-XVII вв. в Италии, барокко распространяется затем в Испании, Португалии, Фландрии, а позднее в Австрии, Англии, Германии, Скандинавии, Новом Свете и России. Динамизм барочной скульптуры, противостоящей спокойствию и мощи скульптуры Ренессанса, вызывает чувство восхищения своей легкостью. Для искусства барокко важно было не столько тело как таковое, сколько его движение. Если у скульпторов классической Греции и у художников Возрождения боги, пусть идеализированные, изображались как люди, то у мастеров барокко боги оставались богами ("Аполлон и Дафна", "Экстаз св. Терезы" Л. Бернини). В архитектуре барокко сохранялась масштабность и гармоничность сооружений, характерных для искусства Возрождения, но в то же время мастера барокко порывают со многими художественными традициями Ренессанса, с его гармоничностью и уравновешенными объемами. Более пышным становится архитектурный декор, усиливается пластическая выразительность. В парадных интерьерах архитектура сливается с многоцветной скульптурой, лепкой, резьбой; зеркала и росписи иллюзорно расширяют пространство, а плафонная живопись создает иллюзию разверзшихся сводов. Фасады зданий приобретают роскошную, причудливую пластику. Барокко тяготеет к ансамблю, к организации пространства: городские площади, дворцы, лестницы, фонтаны, парковые террасы, бассейны, городские и загородные резиденции строятся на принципе синтеза архитектуры и скульптуры, подчиняясь общему декоративному оформлению и архитектурному замыслу, придавая им пышный, парадный и изысканный вид. Таковы ансамбли Верхний Бельведер в Вене, лестницы на пл. Испании в Риме. В живописи преобладают виртуозные, декоративные композиции на религиозные, мифологические или аллегорические сюжеты и парадные портреты. Натюрморт и пейзаж, как самостоятельные жанры, равно как и жанр анималистический, дополняют картину развития изобразительных искусств эпохи. Барокко предпочитает живописное пятно, массу, светотеневые контрасты, с помощью которых и создается форма. Барочный стиль нарушает принципы линейной перспективы, разработке которого отдали столько сил и энергии художники раннего Возрождения, чтобы усилить глубинность, иллюзию ухода в бесконечность. Идеализация образов, безудержные гиперболы сочетаются в живописи барокко с бурной динамикой, оптическими эффектами, реальность - с фантазией, религиозная страсть - с подчеркнутой чувственностью. В Италии творили братья Карраччи, Л. Бернини, А. Маньяско, Дж. Б. Тьеполо, М. Караваджо, в Испании расцвет живописи барокко связан с именами Эль Греко и Б. Мурильо, некоторые черты барокко проступали в реалистической живописи X. де Риберы и Ф.Сурбарана. Во Фландрии рожденное революцией миропонимание внесло реалистические начала в творчество П. П. Рубенса, А. ван Дейка, Я. Йорданса. В Голландии реализм проступал сквозь барокко в творчестве Ф. Хальса, Рембрандта. В литературе искусство барокко вдохновлялось идеей разума, продолжая в этом направлении ренессансные традиции, но оно уже не верило в силу, в закономерность прогресса. Человек - песчинка в вихре истории, его жизнь полна трагических случайностей. Такова ведущая нить, в частности испанской барочной литературы, нашедшая выражение в лирике Л. Гонгоры, пьесах П. Кальдерона, итальянца Дж. Марино. Барочная литература построена на контрасте. Появляются реалистические произведения, описывающие новый "мир денег" ("Буржуазный роман" А. Фюретьера). Получает развитие жанр литературной сказки (Ш. Перро). Возрождается басня (Ж. де Лафонтен).

В музыке барокко гораздо рельефнее и непосредственнее, чем в других видах искусства, сказывалось переплетение различных по своим истокам идейно-художественных принципов. Этот стиль в музыке отличается, с одной стороны, стремлением к глубокому отображению внутреннего мира человека, к драматизму и синтезу искусств (опера, оратория, кантата), с другой - к освобождению от союза со словом (развитие инструментальных жанров). В русле барокко зародился оперный жанр. Как и в литературе, барочный стиль в музыке отличается своей манерностью, "капризностью", витиеватостью (А. Вивальди). Он особенно ярко проявился в итальянской музыке (Дж. Габриели, М. А. Чести, Дж. Фрескобальди).

Время барокко - время взаимодействия различных видов искусства, когда "поэзия понималась как говорящая живопись, а живопись как немая поэзия". Это было время театрализованных церемоний, высокопарных од, витиеватых речей, аллегорий и гипербол, эмблем и метафор. Во всем жило иносказание.

Осознание несовершенства действительности, стремление противопоставить ей идеальный образ мира, соответствующий современным представлениям о разумном мироустройстве, вызвали к жизни рождение второй стилевой системы - классицизма.

 

 

 

 

 

в архитектуре, искусстве, живописи, музыке, литературе

В конце XVI века в Риме (Roma) начинается новая культурная эпоха, которую часто ограничивают понятием «художественный стиль». Сменив Поздний Ренессанс, Барокко (barocco) в Италии охватывает период конца XVI − начала XVIII века.

Разнообразие жанров, региональных школ, объединений художников мешают искусствоведам правильно оценить эпоху. Сторонники стиля считают, что грандиозная пластика стремится к красоте, продолжает традиции Возрождения и маньеризма.

Противники уверены, что барокко − безвкусица, кризисная стадия развития художественного творчества. Эмануэле Тезауро (Emanuele Tesauro) знал подход к решению проблемы. Итальянский философ XVII века утверждал: чтобы понять искусство барокко требуется «острый ум», особый способ мышления: способность воспринимать метафоры и аллегорию, умение быстро проникать в суть идей Мастера.

Значение термина

Ни одно происхождение названия стилей в истории искусства не вызывает столько споров, сколько «барокко». Впервые термин употребили в XVIII веке Иоганн Иоахим Викельман (Johann Joachim Winckelmann) и Франческо Милициа (Francesco Milicia). Историки искусства вкладывали в эпитет «барочный» негативный смысл и применяли к творчеству, противоречащему правилам эстетики классицизма.

В списке представлены примеры толкований термина:

  • Название относится к фигуральному искусству
  • Язвительная насмешка, негативный смысл: нелепый, странный, «с причудой»
  • Barroco (французский язык) – дурной, вычурный, неестественный вкус
  • Perola barroca (португальский) – нестандартная жемчужина без оси вращения (термин ювелиров)
  • Barocco (итальянский) – приём софистики; форма логики, приводящая к абсурду
  • Bis-roca (латынь) – камень скрученной формы. Драгоценный минерал, но с дефектом. Имитация красоты
  • Barocco (итальянский) – термин связан с именем крупнейшего художника раннего барокко
  • Федерико Бароччи (Federico Barocci) – крупнейший итальянский художник и график эпохи позднего маньеризма и раннего барокко.
  • Заимствование из архитектуры центрально-азиатских турок (сельджуков)

Рим – родина барокко

Центром развития нового стиля искусства был Рим. Столица католического мира не утратила опыта Ренессанса. «Отцом» итальянского барокко называют Микеланджело Буонарроти (Michelangelo di Lodovico Buonarroti). Крупнейший мастер Возрождения разработал новые композиционные формы для библиотеки папы Климента VII (1523 − 1534) – архитектурное сооружение считается первообразом всех зданий стиля барокко.

В 1593 году в Риме начинает творческую деятельность реформатор живописи Микеланджело Караваджо (Michelangelo Merisi da Caravaggio). Изменившиеся политические условия диктуют новые правила поведения. Церковь и аристократия нуждаются в демонстрации могущества. Барокко − стиль, который может их возвысить.

Роль церкви. Контрреформация

Историк классического искусствоведения Джулио Карло Арган (Италия) назвал время итальянского барокко «культурной революцией во славу идеологии католицизма». В ответ на протестантскую Реформацию католики начинают церковно-политическое движение − Контрреформацию.

Главная задача реформы заключалась в обновлении Римско-католической церкви, восстановлении её престижа.

Визуально представить власть и могущество могло только искусство, с помощью которого можно ошеломить, привлечь внимание, заинтересовать. Простым церквям протестантов противопоставляют католические храмы, украшенные богатой позолотой, орнаментом, величественными лестницами. Собор святого Петра (Basilica Sancti Petri) в Ватикане − образец нового стиля. Прототипом для церквей итальянского барокко считают римскую церковь Иль-Джезу (Chiesa del Sacro Nome di Gesu), построенную по дизайну Джакомо да Виньола (Il Vignola).

История развития стиля

Мастера барокко отходят от художественных традиций Ренессанса. Развитие искусства происходит в два периода:

  1. Раннее барокко. Временные рамки: конец XVI − начало XVII века.
  2. Зрелое барокко: 30-е годы XVII − начало XVIII века.

Раннее барокко развивалось неравномерно и зависело от местных особенностей. Черты стиля вырабатываются в архитектуре и живописи. Колыбель Ренессанса − Флоренция (Firenze) − остаётся равнодушной к особенностям нового искусства. Рим (Roma) не жалеет средств на реконструкцию города.

Венеция (Venezia), Турин (Torino), Генуя (Genova) придают архитектурным сооружениям утончённый и праздничный вид. Признанные представители раннего барокко: Джакомо Бароцци да Виньола (Il Vignola, 1507 − 1573), Джакомо делла Порта (Giacomo della Porta, 1533 − 1602), Доменико Фонтана (Domenico Fontana, 1543 − 1607), Микеланджело Меризи да Караваджо (Michelangelo Merisi da Caravaggio,1571 − 1610).

Зрелое барокко начинается после 1630 года. Доминирующим видом искусства становится скульптура. Период характеризуется усилением пышности архитектуры. Появляются новые формы: украшенные скульптурой фонтаны, гроты, балюстрады. Культовое зодчество позднего барокко представляют опытные мастера: Джованни Лоренцо Бернини (Giovanni Lorenzo Bernini, 1598 − 1680), Гварино Гварини (Guarino Guarini, 1624 − 1683), Карло Райнальди (Carlo Rainaldi, 1611 − 1691).

Особенности стиля

Появление нового художественного стиля нельзя объяснять только влиянием католической церкви. Культурная эпоха связана с крушением идеалов гуманизма, новым пониманием природы Человека, изменением «картины мира» (рубеж XVI-XVII веков). От Ренессанса искусство Барокко унаследовало пышность и основательность, от маньеризма − глубокую эмоциональность и динамичность.
Характерные черты стиля в архитектуре:

  • монументальность;
  • пространственный размах;
  • сложный криволинейный план;
  • использование светотени, колоннад, куполов;
  • массивные парадные лестницы;
  • подчёркнутое величие церкви;
  • великолепие.

Итальянская барочная скульптура

Новые элементы зодчества появляются после слияния архитектуры и скульптуры: статуя атланта (теламон), колонна в виде фигуры женщины (кариатида), скульптурное украшение маскарон, обелиск. Самый известный скульптор периода — Джованни Лоренцо Бернини (Giovanni Lorenzo Bernini). Лучшая работа — скульптурная группа «Экстаз Святой Терезы» (Estasi di santa Teresa d’Avila).
Характерные черты стиля:

  • театральность;
  • изображение группы человеческих фигур в энергичном движении;
  • использование белого мрамора;
  • возможность осматривать статуи с нескольких углов обзора;
  • слияние скульптуры с живописью и архитектурой;
  • изобилие скульптурных фигур на фасадах, в парковых зонах дворцов.

Живопись

Итальянская живопись XVII столетия начинает терять исключительное положение в Европе.
Передовым для эпохи остаётся художественное творчество в архитектуре. Искусствоведы разделяют барочную живопись на три типа: церковную, придворную, буржуазную. Новые жанры используют не только мифологические и религиозные темы. Внимание художников фокусируется на реальной жизни.
Особенности барочной живописи:

  • динамизм композиций;
  • незаурядность сюжетов;
  • драматический конфликт;
  • использование аллегории;
  • контраст цвета, тени, масштабов;
  • парадные портреты, создающие иллюзию эмоционального контакта;
  • пышность форм.

Человек эпохи

Мировосприятие в период барокко меняет ренессансное представление о человеке. Итальянская культура нового времени представляет человека песчинкой в мире великой природы. Бог − это Великий Архитектор. Люди должны учиться у высшего разума.

Барокко в искусстве

Современное искусствоведение рассматривает итальянское барокко как художественную эпоху, начавшую движение западной цивилизации к триумфу.

Архитектура

Первыми, кто представил художественный стиль в начале XVII столетия, были архитекторы. Радикальный представитель итальянского барокко Франческо Борромини (Francesco Borromini) закладывает основы для последующего развития европейской архитектуры. Благодаря Борромини Италию называют родиной архитектурного барокко.

Франческо Борромини (1599 − 1667)

Совместно с Лоренцо Бернини архитектор работал над проектом 29-ти метрового балдахина в соборе святого Петра (Basilica di San Pietro) в Ватикане (Stato della Citta del Vaticano). Витые колонны украшены ветвями лавра. Четыре статуи отцов церкви поддерживают кресло святого Петра. Киворий покрыт бронзой, взятой из Пантеона. Имя резкого, неистового Франческо осталось в тени. Слава досталась его сопернику Лоренцо Бернини.

В историю собора вошла высокая решётка из бронзы для капеллы святого Причастия, выполненная по эскизам Борромини в 1630 году.

Выдающийся архитектор принимал участие в реконструкции кафедрального римского собора Святого Иоанна Крестителя на Латеранском холме (Basilica di San Giovanni in Laterano).

За четыре года работы (1646 − 1650) он обогатил базилику элементами барочной архитектуры, спроектировал ниши главного нефа, сделал эскизы статуй святых и пророков. Автор проектов величественных дворцов руководил строительством палаццо Барберини (Palazzo Barberini, 1629 − 1633) в Риме.

Винтовая лестница в виде улитки, двойные колонны, причудливые детали восхваляли могущество Маффео Барберини (Maffeo Barberini), избранного в 1623 году папой Римским (Урбан VIII).

Филиппо Юварра (1678 − 1736).

Римский зодчий, яркий представитель позднего барокко, Филиппо Юварра (Filippo Juvarra) строил в Италии церкви, палаццо герцогов, проектировал королевский дворец в Испании (Palacio Real de Madrid).

Барочные находки Франческо Борромини вдохновили архитектора на создание в 1732 году купола церкви Сант-Андреа в Мантуе (Basilica di Sant’Andrea). В Турине сооружены дворцовый комплекс палаццо Мадама (Palazzo Madama, 1721), загородная резиденция монархов Савойской династии − стильный охотничий замок Ступиниджи (Palazzina di caccia di Stupinigi). Важнейшие постройки − собор Суперга (Basilica di Superga) и палаццо Бираго ди Боргаро (Palazzo Birago di Borgaro).

Собор Суперга

Строительство пышной католической базилики Суперга началось в 1717 году.

Архитектор барочного стиля Филиппо Юварра воздвиг храм, ставший «соперником колоссального собора святого Петра и Павла в Риме» (М.Н. Загоскин).

Палаццо Бираго ди Боргаро

В 1716 году граф Ренато Аугусто Боргаро (Augusto Renato Birago di Borgaro) поручил архитектору построить дворец в Турине. Особенности сооружения: величественная лестница, многочисленные колонны, украшенный статуями главный зал для торжественных приёмов и балов, чередование изогнутых и треугольных фронтонов на окнах.

Пирро Лигорио

Художник итальянского барокко, антиквар, инженер Пирро Лигорио (Pirro Ligorio) был архитектором папского двора Пия IV (1559 − 1565). После критики проекта Микеланджело Буонарроти по сооружению собора Святого Петра, Пирро Лигорио теряет престижную должность и возвращается на службу к Ипполито II д’Эсте (Ippolito II d’Este).

В 1567 году по заказу кардинала архитектор приступает к проектированию фонтанов и парка виллы в Тиволи. Мастер строит сад в соответствии с символикой династии д’Эсте, связанной с прародителем рода − Гераклом. Сорок два водоёма, окружающие виллу, создают «Кипящую лестницу».

Грандиозное сооружение «Дорога ста фонтанов» построено в соответствии с сюжетом «Метаморфоз» Овидия. Знакомство с «Фонтаном Органа» вызвало восторг современников. При попадании воды в сводчатую ёмкость, воздух проникал в органные трубочки и вызывал звуки музыки. После масштабной реставрации ландшафтной архитектуры, созданной Пирро Лигорио, объект назван самым красивым парком Европы (2007).

Скульптура

В эпоху барокко скульптура тесно связана с живописью и архитектурой. Меняется техника ваяния. Скульпторы отказываются от понятия пластического покоя. Наиболее знаменитым скульптором итальянского барокко признан Лоренцо Бернини, которого искусствоведы назвали «Микеланджело XVII столетия».

Джованни Лоренцо Бернини

Основатель барочного стиля в скульптуре осуществлял масштабные проекты. Джованни Лоренцо Бернини посвятил 50 лет творческой жизни украшению Собора Святого Петра в Ватикане.

Работая над статуями религиозных сюжетов, скульптор и главный архитектор Базилики (1629) использует белый мрамор, скрытый свет для усиления эффекта богослужения.

В руках мастера твёрдый блестящий камень становился послушным и пластичным. Скульптуры «оживали», передавая изгибы и теплоту человеческого тела.

Классический пример − работа «Экстаз святой Терезы» (1645 − 1652).

Историк искусства Эрнст Гомбрих (1909 − 2001) дал оценку произведению мастера, написанному для римской церкви Санта Мария делла Витториа (Santa Maria della Vittoria): «Барочный скульптор довёл религиозное чувство до исступления. Лоренцо Бернини нагнетает эмоции до предельного накала и не опасается преступить грань дозволенного. Подобного образа ещё не было в истории искусства».

Давид

Скульптор обращается к античным сюжетам, но создаёт образы в свойственной ему манере. «Давид» Бернини (1623) не похож на героя произведений Микеланджело Буонарроти и Донателло (Donatello).

Автора интересует правдоподобный показ убийства Голиафа. Тонкие губы юного Давида упрямо сжаты, маленькие глаза наполнены злостью, гримаса на лице выдаёт явные намерения. Динамичная фигура заставляет зрителя представить траекторию броска камня.

Римские фонтаны

Творения Бернини − шедевры аллегории и зрелищности. Величественные фонтаны с сюжетной линией выполнены в Риме по заказу папы Урбана VIII.

Фонтан Тритона

Лоренцо Бернини завершает строительство фонтана Тритона (Fontana del Tritone) в 1642 году.

Постамент, выполненный из травертина, образуют скульптуры четырёх дельфинов, между которыми находится герб папы Римского. В огромной раковине, установленной на хвостах морских животных, помещена статуя Тритона. Сын Посейдона выдувает из раковины струю воды.

Фонтан пчёл

В 1644 году архитектор по приказу великого понтифика устанавливает фонтан пчёл (Fontana delle Api), предназначенный для нужд горожан.

По створкам раскрытой раковины к воде спускаются три пчелы − символ династии Барберини.

Фонтан четырёх рек

Период строительства фонтана четырёх рек (Fontana dei Quattro Fiumi): 1648-1651 годы.

Расположенный в середине фонтана обелиск, демонтированный из древнего храма Исиды, окружают скульптуры мифологических богов. Фигуры символизируют главные реки четырёх частей света: Нил, Ганг, Дунай, Ла-Плата. Композиционное расположение духов, их одеяния, динамичные движения аллегорично представляют истории из древних мифов.

Барокко в живописи

В XVI − XVII столетиях в Италии формируются два главных направления в живописи:

  1. «Болонский академизм», созданный братьями Карраччи.
  2. Творчество Караваджо, самого крупного художника стиля барокко.

Микеланджело Меризи да Караваджо

Именем самого значительного художника, работающего в стиле барокко, названо реалистическое течение в искусстве западной Европы (караваджизм). Микеланджело Меризи был противником «болонского академизма» и считался бунтарём.

Он уделял внимание необычным персонажам: картёжникам, авантюристам, шулерам. Картины мастера открыли новый жанр в искусстве − реалистический бытовой портрет («Игроки», 1594 − 1595; «Лютнист», 1595). Увлечённость натурализмом в изображении людей и событий находит отражение в картине «Обращение Савла» (1601).

Религиозный сюжет использовали живописцы до Караваджо. На картинах художников главное внимание уделялось библейским персонажам. Барочный мастер новаторски смело рисует мощный круп лошади на всей верхней части полотна, реалистично изображает сморщенный лоб, натруженные ноги, редкие волосы конюха.

Революционный для того времени прием используется в картине «Успение Марии» (1606). Натуралистическая трактовка образа не понравилась заказчикам. Монахи не приняли картину мастера.

Поиски новых приёмов в творчестве не заслоняют основные достоинства произведений − пластичность, драматизм, эмоциональную выразительность. Лучшие картины: «Положение во гроб» (1602 − 1604), «Распятие Святого Петра» (1601).

Трое палачей прикладывают большие усилия, чтобы перевернуть тяжёлый крест с распятым апостолом. Ответственность за преступление лежит на тех, кто совершает казнь Святого Петра.

Советую почитать:

Фрески семьи Карраччи

Против Караваджо выступили Аннибале, Агостино, Лодовико, Антонио Карраччи (Annibale, Lodovico, Agostino, Antonio Carracci). Братья противопоставили караваджизму «болонский академизм». Семья художников создала в Болонье «Академию»» (1585).

Специальная программа была предназначена «вступившим на истинный путь» живописцам. Принципы болонской школы стали прообразом всех будущих европейских академий.

Братьев признали мастерами монументально-декоративной живописи. По поручению кардинала Одоардо Фарнезе (Odoardo Farnese) Карраччи работают над фресками и галереей (1595-1604) в римском палаццо Фарнезе (Palazzo Farnese).

Совместная работа представляет 13 главных картин: любовные приключения греческих богов, триумфальное шествие Вакха и его свиты, супружеский союз членов династии, другие классические сюжеты. Цельная работа является образцом величайшего произведения раннего барокко.

Литература

Стихотворное творчество первым воспринимает идеи новой эпохи. Поэты считают реальный мир иллюзией. Произведения наполнены метафорами, символами, аллегориями. Исследователи литературы выделяют две стилевые линии в творчестве итальянских писателей конца XVI − начала XVIII веков:
• Аристократическое, элитарное барокко.
• «Низовое» демократическое направление с низменными сюжетами и пародиями.

Джамбаттиста Марино

Родоначальником барочной поэзии был Джамбаттиста Марино (Giambattista Marino, 1569-1625). Поэт находился под покровительством кардинала Пьетро Альдобрандини (Pietro Aldobrandini) и герцога Савойи Карла Эммануила Великого (Carolus Emmanuel Magnus).

Сборники стихов «Лира» (La Lira, 1608 − 1614), «Эпиталамы» (Epitalami, 1616) являются образцом придворной поэзии. Лирические сонеты написаны в привычных формах Ренессанса, но наполнены новым содержанием. Характерный приём − использование метафор, словесная игра сочетаний с противоположным значением («учёный невежда», «богатый нищий»), пасторальные мифологические сюжеты.

Поэт отходит от ренессансного понятия универсальной гармонии и утверждает: миром правит дисгармония. Автор произведения «Слово о музыке» представляет Бога дирижёром хоровой капеллы, распределившим роли между людьми и животными, белыми и чёрными клавишами. Люцифер был первым музыкантом, поддавшимся «диссонансу ада» и сбившимся с нот.

Разгневанный маэстро бросил партитуру на землю, которая стала домом для людей. Творчество придворного поэта легло в основу маринизма − литературного направления эпохи барокко в Италии.

Эмануэле Тезауро

Теорию литературы нового стиля сформулировал итальянский историк, писатель Эмануэле Тезауро (Emanuele Tesauro) в трактате «Подзорная труба Аристотеля» (Il cannochiale aristotelico), опубликованном в 1654 году. Автор назвал произведение главной своей работой, над которой трудился 40 лет.

Теоретик искусства утверждал: литература живёт по своим законам, не связанным с логикой и рациональным мышлением. Новое искусство «быстрого разума» напоминает фокусника, умело использующего Метафору − «Мать поэзии и Остроумия». «Подзорная труба…» следит за всеми удивительными и неожиданными открытиями. Философ восторгается победой человеческой мысли, проникшей с помощью телескопа в загадки Вселенной. Определив критерии прекрасного и отвратительного, Эммануэле Тезауро сформулировал понятие идеала в искусстве своего времени.

Музыка

Период 1630-1750 гг. называют «музыкой барокко». Термин, указывающий на конкретный жанр музыкального искусства, стали применять только в начале XX века. Барочный стиль отличает грандиозность, патетическая приподнятость, театральность, синтез искусств.

Ведущие жанры −опера, оратория, кантата.

Музыкальные инструменты: клавишные (орган, клавесин), струнные смычковые (скрипка, виола, контрабас, виолончель), струнные щипковые (лютня, мандолина, барочная гитара) медные и деревянные духовые, ударные (литавры).
Основными направлениями творчества остаются духовная и светская музыка.

Грегорио Аллегри

Композитор Грегорио Аллегри (Gregorio Allegri, 1582 -1652) был священником, пел в хоре Сикстинской Капеллы (Cappella Sistina) в Ватикане. В 1630 году Аллегри первым написал музыку к тексту знаменитой «Мизерере» (Miserere). Папские певчие долгое время держали ноты в секрете. По легенде через сто лет (в 1770 году) 14-летний Вольфганг Амадей Моцарт (нем. Wolfgang Amadeus Mozart) по памяти записал услышанную мелодию и раскрыл секрет церковников.

В настоящее время Псалом 50 (покаянный) постоянно исполняют в богослужениях католической церкви. Незабываемую барочную музыку можно услышать в видео

Сальватор Роза

Художник, поэт, гравёр, музыкант Сальватор Роза (Salvator Rosa, 1615-1673) был противоречивой знаменитостью Италии. Картина «Титий» (1639) принесла славу живописцу на римской выставке конгрегации «Виртуозы Пантеона».

Но за скандальное полотно «Фортуна» (1658 − 1659) инквизиция пыталась привлечь художника к суду. Разносторонне одарённый человек был отличным музыкантом: играл на арфе, лютне, флейте, гитаре.

Сальватор Роза написал несколько серенад − донцелл, которые пользовались огромной популярностью в Неаполе (Napoli). Вечерние песни трубадуров горожане каждый день распевали под окнами возлюбленных. Незаурядный представитель эпохи итальянского барокко вызвал большой интерес у композиторов XIX века. Ференц Лист написал фортепианную пьесу, которую назвал «Канцонетте Сальваторе Розы» (1849). Бразильский дирижёр и композитор Гомис Антониу Карлус посвятил художнику и музыканту оперу «Сальваторе Розе» (1874).

Мода

В отличие от универсального искусства, Италия эпохи барокко не была законодательницей европейской моды. Человек, подчинённый тяготам земной жизни, перестал быть центром мира.

Модной становится скромность, бледность кожи, украшенная лентами и шнурами одежда. Мужчины носили панталоны с завязками под коленями, короткие куртки с широкими рукавами. Женщины одевали корсеты и неширокие юбки. Яркими остаются итальянские шерстяные и шёлковые ткани. В XVII веке начинается рост производства атласа, бархата, муара. Увеличивается спрос на венецианские кружева, появившиеся в Италии ещё в XV столетии.

Художники декоративно-прикладного искусства Niccolo Zoppino (1527), Bugato (1527) разработали неповторимые узоры и орнаменты для создания кружев, которые превращаются в надёжную валюту и подчёркивают статус в обществе.

Венецианские кружева заказывают для коронованных особ и придворных Англии и Франции. В XVI веке в Италии рождается знаменитое кружево «Ретичелла» (reticello), ставшее позже разновидностью техники Ришелье.

Изменения в обществе наметились в первой половине XVII века. К 60-ым годам все итальянцы стали одеваться по французской моде. Идеальным образом мужчины становится нежный, пахнущий духами синьор в напудренном парике. Женщина с вычурной причёской носит корсет и туфли на каблуках. Отличительная особенность костюма − контрастные цветовые сочетания, вышивки, кружева. До XIX века итальянцы носили парики, уложенные по версальской моде.

Заключение

Италия внесла в мировую культуру вклад исключительной важности. Эпоха конца XVI − начала XVIII века сформировала новое искусство, которое стало универсальным. Стиль барокко медленно вызревал, чтобы взорваться именами великих творцов, изменивших ход развития западноевропейского искусства.

Художественные стили: Барокко

Название стиля произошло от итальянского барокко - странный, вычурный, замысловатый. Этот стиль распространился в Европе и в Латинсской Америке в 17в - первой половине 18в. Архитектурные формы величественные, динамичные, свободные. Линии плана зданий и экстерьер более кривые, волнистые. В нарядных интерьерах много декоративных архитектурных форм, скульптур и произведений живописи. В искусстве характерна игра света и теней. Родина архитектуры стиля барокко - Рим. Новый стиль прежде всего утвердился в церковной архитектуре. На архитектуру этой эпохи влияли рост городов, строительство нарядных домов. Королевские дворцы и виллы с величественными ансамблями парков показывали могущество и богатство аристократии, комфортабельные дворцы вельмож, культовые здания украшались фресками, внутренние стены - дорогими тканями, в парках сооружаются нарядные фонтаны. Искусству Барокко характерны: обилие внешних эффектов и элементов. Фигуры рисунка и их группы изображены торжественно, выражения лиц чувственны. В 17 веке исключительное место в искусстве занимает живопись. Эпоха Барокко расширила круг изображаемых предметов, обогатила эту область искусства новыми жанрами. Художники любили тёплые тона и нежные переходы цвета, их притягивала игра света и тени, контрасты света и тьмы, большое внимание уделяли материалистическому изображению. Неотъемлемая часть архитектуры Барокко - скульптуры. Они украшали фасады зданий и внутренние помещения. Скульптуры Барокко декоративно, эмоцианально дополняли архитектуру зданий и ансамблей. Парки украсились группами скульптур на античные сюжеты, на площадях устанавливались памятники правителям, они оживляли фонтаны и лестницы.

Слово “барокко” итальянского происхождения, буквально означает “странный”, “причудливый”. Такое название весьма соответствует особенностям основного стилистического направления в европейском искусстве с конца 16 века - середины 18 века. В истории искусства 19 и особенно 20 века термином “барокко” начинают обозначать все европейское искусство 17-18 веков. Искусство барокко сложилось и расцвело в Италии, где работали крупнейший архитектор и скульптор Л. Бернини, живописец, глава демократического реализма Караваджо, последователи академизма братья Карраччи и др. Барокко было связано с дворянско-церковной культурой эпохи расцвета абсолютизма. Был призван прославлять могущество церкви и светской аристократии, тяготел к парадной торжественности и пышности. В этот период наблюдается расцвет архитектуры, выразившийся в создании грандиозных городских ансамблей и дворцово-парковых комплексов (Собор и площадь святого Петра в Риме, образованная колоннадой Бернини (1657-1663гг)). Основополагающей чертой барокко можно считать его стремление к синтезу искусств, объединению в один ансамбль архитектуры, скульптуры, живописи и декоративного искусства. В изобразительном искусстве этого периода преобладали сюжеты, в основе которых был заложен драматический конфликт, - религиозного, мифологического или аллегорического характера. Создаются парадные портреты, предназначенные для украшения интерьеров. Особенность барокко – не соблюдение ренессансной гармонии ради более эмоционального контакта со зрителем. Большое значение приобрели композиционные эффекты, выраженные в смелых контрастах масштабов, цветов, света и тени. Но при этом художники барокко стремятся к достижению ритмического и цветового единства, живописности целого. Барокко получило распространение во Фландрии (знаменитые представители барокко во Фландрии – П.П. Рубенс, Ф. Снейдерс, Я. Йорданс, А. ван Дейк), в Испании, Португалии, на юге Германии, в Австрии, Чехии, Словакии, Хорватии, на западе Украины, в Литве. Во Франции барокко слилось с классицизмом в единый пышный стиль. (итал. barocco, букв.— причудливый, странный) Один из главенствующих стилей в европейской архитуктуре и искусстве конца 16—середины 18 вв., барокко утвердилось в эпоху интенсивного сложения наций и национальных государств (главным образом абсолютных монархий). Барокко воплотило новые представления о единстве, безграничности и многообразии мира, о его драматической сложности и вечной изменчивости, интерес к реальной среде, к окружающей человека природной стихии барокко пришло на смену гуманистической художественной культуре Возрождения и изощрённому субъективизму искусства маньеризма. Отказавшись от присущих классической ренессансной культуре представлений о гармонии и строгой закономерности бытия, о безграничных возможностях человека, его воли и разума, эстетика барокко строилась на коллизии человека и мира, идеальных и чувственных начал, разума и власти иррациональных сил. Человек в искусстве барокко предстаёт многоплановой личностью, со сложным внутренним миром, вовлечённым в круговорот и конфликты среды. Для искусства барокко характерны грандиозность, пышность и динамика, патетическая приподнятость, интенсивность чувств, пристрастие к эффектным зрелищам, совмещению иллюзорного и реального, сильным контрастам масштабов и ритмов, материалов и фактур, света и тени. Синтезу искусств в барокко, носящему всеобъемлющий характер и затрагивающему практически все слои общества (от государства и аристократии до городских низов и отчасти крестьянства), свойственно торжественное, монументально-декоративное единство, поражающее воображение своим размахом. Городской ансамбль, улица, площадь, парк, усадьба - стали пониматься как организованное, развивающееся в пространстве художественное целое, многообразно разворачивающееся перед зрителем. Дворцы и церкви барокко благодаря роскошной, причудливой пластике фасадов, беспокойной игре светотени, сложным криволинейным планам и очертаниям приобрели живописность и динамичность и как бы вливались в окружающее пространство. Парадные интерьеры зданий барокко украшались многоцветной скульптурой, лепкой, резьбой; зеркала и росписи иллюзорно расширяли пространство, а живопись плафонов создавала иллюзию разверзшихся сводов. В изобразительном искусстве барокко преобладают виртуозные декоративные композиции религиозного, мифологического или аллегорического характера, парадные портреты, подчёркивающие привилегированность общественного положения человека. Идеализация образов сочетается в них с бурной динамикой, неожиданными композиционными и оптическими эффектами, реальность — с фантазией, религиозная аффектация — с подчёркнутой чувственностью, а нередко и с острой натуральностью и материальностью форм, граничащей с иллюзорностью.

Рекомендуем прочитать:

Конспект по культурологии

Стили в живописи: от ренессанса до абстракционизма

Барокко, рококо, классицизм… Это все стили в живописи. Некоторые существовали в конкретную эпоху. Тогда достаточно посмотреть на дату создания картины и понять, какой это стиль.

Но многие пересекались во времени: один стиль ещё в моде, а другой уже наступает ему на пятки. В таком случае даты не всегда помогут.

Хорошо бы знать основные черты каждого стиля. Ещё лучше – понимать, почему тот или иной стиль возник.

С чего вдруг художники переключились с прекрасного ренессанса на вычурное барокко.

Почему строгий классицизм был вытеснен зыбким импрессионизмом.

И зачем художники повально отказались от эстетики и ударились в экспрессионизм.

А потом и вовсе отошли от узнаваемых образов, увлёкшись абстракционизмом.

Разберём каждый стиль. Начнём с ренессанса.

Позади средневековье и торжество духа над телом. Плоские лица и бесформенные одежды во множестве населяли готические соборы.

Ренессанс же сместил фокус с духовного на телесное. Вернее на человека красивого и благородного.

Почему стиль ренессанс возник

В Италии в конце 15 века картины стали заказывать не церковники, а банкиры.

Они были людьми не только богатыми, но и образованными. Читали древнегреческих поэтов. А заодно ещё и видели найденные скульптуры Древнего Рима. Их в то время много раскапывали.

Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 1484 г. Галерея Уфицци, Флоренция

Желание любоваться телесной красотой и восприятие человека, как мыслящего и достойного существа – таков был настрой заказчиков. Художники эти пожелания услышали.

Время расцвета стиля

Стиль ренессанс (или эпохи возрождения, что одно и то же) расцвел в конце 15 века, начиная с работ Боттичелли. И завершился в конце 16 века, работами Тициана.

Тициан. Венера Урбинская. 1538 г. Галерея Уффици, Флоренция.

Характерные черты стиля ренессанс

На картинах эпохи возрождения весь фокус – на человеке. Поэтому в это время почти не встречаются пейзажи и совсем нет натюрмортов. Это одна или несколько фигур. Чаще в спокойной и неподвижной позе. Красивые и благородные черты лица. Уверенный взгляд на зрителя.

Рафаэль. Портрет Бальдассаре Кастильоне. 1514-1515 гг. Лувр, Париж

Если это святой, то он почти не отличается от человека. Часто под образом Мадонны или древнегреческой богини скрывались возлюбленные, супруги или дочери.

Боттичелли, например, в образе Венеры изобразил восхищавшую его реальную девушку, Симонетту Веспуччи.

Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 1484 г. Галерея Уффици, Флоренция

Лицо или руки выполнялись в технике сфумато, то есть как будто покрытые дымкой. Эту технику придумал Леонардо да Винчи. Она позволяет сделать изображение человека более живым. Его Мона Лиза выполнена как раз с эффектом сфумато.

Леонардо да Винчи. Мона Лиза (фрагмент). 1503-1519 гг. Лувр, Париж

Картины Возрождения часто яркие. Эпоха полутонов и нежных оттенков ещё впереди. О колорите ещё мало заботились. По сути просто раскрашивали красивые формы.

Микеланджело. Ливийская сивилла. 1508-1512 гг. Фрагмент росписи Сикстинской Капеллы, Ватикан

Яркий пример стиля ренессанс

Самых красивых и благородных в Эпоху Возрождения писал Рафаэль. Пожалуй, он самый классический художник стиля ренессанс. Вот его “Мадонна в зелени”.

Рафаэль Санти. Мадонна в зелени. 1505-1506 гг. Музей истории искусств, Вена, Австрия

В ней есть почти все, чем славится Возрождение. И красота, и благородство, и сфумато.

Художники стиля ренессанс

Боттичелли, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Тинторетто, Тициан.

Стиль ренессанс не исчез бесследно со смертью Тициана. Его черты вобрал каждый последующий стиль.

Художники всех мастей боготворили Рафаэля. Жесты и улыбки его героев повторены сотни раз в картинах на протяжении 300 лет. Точку в этой всеобщей любви к ренессансу поставили импрессионисты. Но о них позже.

О художниках Ренессанса читайте в моей статье “6 великих мастеров эпохи возрождения”.

Ренессанс, безусловно, прекрасен. Но статичен и аскетичен. С цветом художники Возрождения тоже не особо возились. Поэтому часто их работы похожи на раскраски (не считая Тициана, конечно).

А вот стиль Барокко все эти моменты учел. Барокко – это движение, роскошь и виртуозный колорит.

Рубенс. Вознесение Марии. 1618 г. Музей Кунстпаласт, Дюссельдорф

Почему стиль барокко возник

Вера в человека и республика, как форма правления, в Италии долго не продержались. Вернулась монархия. А монархам нужна была другая живопись.

Заказчики хотели показать себя во всей красе и с размахом украшать свои дворцы. Нужны были пышность и блеск. Художники быстро уловили, куда ветер дует. Так появился барокко.

Питер-Пауль Рубенс. Пребытие Марии Медичи в Марсель. Из цикла картин «Галерея Медичи». 394×295 см. 1622-1625 гг. Лувр, Париж

Время существования барокко

Расцвет барокко – это 17 век. Но в этом стиле создавались полотна вплоть до начала 19 века. Это стиль, который дольше всех продержался в истории искусства. Роскошь и ослепляющий блеск были в моде аж 200 лет.

Орацио Джентилески. Даная. 1621 г. Музей Гетти, г. Лос-Анджелес, США

Характерные черты барокко

Куча-мала из обнаженных тел, копьев и экзотических животных – самое что ни на есть барокко. Если смотрите и на ум приходят слова «как эмоционально и динамично», значит это барокко.

Питер-Пауль Рубенс. Охота на крокодила и гиппопотама. 1616 г. Старая Пинакотека, Мюнхен

Ещё барокко – этакая смесь живописи и театра. Неяркий свет выхватывает из тьмы драматическое действо. Сюжеты выбирались под стать: сцены пыток христианских мучеников, убийства и переломные моменты в жизни святых.

Караваджо. Обращение савла. 1600 г. Церковь Санта-Мария-дель-Пополо, Рим

Яркий пример стиля барокко

Кучу-малу из людей и животных любил Рубенс. Его «Охота на львов» – тому подтверждение.

Питер Пауль Рубенс. Охота на львов. 1621 г. Старая Пинакотека, Мюнхен.

А вот мастером театральной барочной живописи был Караваджо. Движения у него не такие зашкаливающие, как у Рубенса. Но эмоций и драмы у него хоть отбавляй. Как в картине «Положение во гроб».

Караваджо. Положение во гроб. 1602 г. Пинакотека Ватикана

Главные художники стиля барокко

Динамичное барокко (рубеновское) ищите у Симона Вуэ и Тьеполо.

Театральное барокко (так называемый караваджизм) ищите у Рембрандта, Джентилески (и у отца, и у дочери), а также Мурильо.

Еще учтите один момент. Барокко “страдает” излишествами. Но не только нарисованными. Огромное полотно 5 метров в длину и массивная позолоченная рама – идут, как правило, в придачу.

Барокко и Рококо часто путают. Но у них есть принципиальное отличие. Барокко – про помпезность. Рококо – про изящество. Барокко про сильные эмоции, даже эмоциональный надрыв. Рококо – про поверхностные чувства.

Франсуа Буше. Юпитер и Каллисто. 1744 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина, г. Москва

Почему возник стиль рококо

Однажды заказчики устали от драмы и накала страстей. Захотелось легкой болтовни, флирта и поцелуев. Так возник стиль рококо.

Жан-Оноре Фрагонар. Украденный поцелуй. 1780-е года. Эрмитаж, Санкт-Петербург

А если серьёзно, появлению стиля способствовала мадам Помпадур, любовница французского короля Людовика XV. Она любила ангелочков, цветочный орнамент и нежные цвета.

Период расцвета рококо

Век рококо был коротким. Как говорится, отдохнули и хватит. Так что стиль просуществовал всего лет 50 (с середины 18 века до начала гражданской войны во Франции). Кровожадной гильотине были не к лицу легкомысленные образы.

Франсуа Буше. Мадам Помпадур. 1756 г. Старая пинакотека, Мюнхен

Характерные черты стиля рококо

Большинство героев – розовощёкие (но не пышные, как в барокко) девушки среди цветов и кавалеров. Все довольны и счастливы. Барочной драмы как и не бывало.

Томас Гейнсборо. Портрет дамы в голубом. 1778-1782 гг. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Художники стиля рококо пользовались тонкой кисточкой – мелкие листочки, тонкий слой краски, крохотные детали.

Антуан Ватто. Паломничество на остров Киферу. 1717 г. 129 × 194 см. Лувр, Париж

Яркий пример стиля рококо

Классическая картина в стиле рококо – это «Качели» Фрагонара. Тут и флирт, и тонконогая девица. О ней можно почитать в моей статье “Качели Фрагонара: главный шедевр эпохи рококо”.

Жан Оноре Фрагонар. Качели. 1767. Собрание Уоллеса, Лондон

Главные художники стиля рококо

Упомянутый Жан-Оноре Фрагонар, Антуан Ватто, Франсуа Буше, Томас Гейнсборо.

Все-таки оговорюсь, что рококо – это не всегда пустозвонная праздность. Те же “Качели” Фрагонара не так поверхностны, как может показаться поначалу. Предстоящую драму в отношениях можно почувствовать, взглянув на мрачные ветви деревьев. Гениальный художник может написать глубокое произведение даже в стиле рококо.

Параллельно с барокко возник классицизм. Полная ему противоположность. Вместо накала страстей – бесстрастность. Вместо переплетенных тел – выверенные пропорции и порядок. Как будто картины рисовали математики.

Никола Пуссен. Аркадские пастухи. 1650 г. Лувр, Париж

Почему стиль классицизм возник

Причину стоит искать в разнице вкусов заказчиков. Часть из них жаждали гармоничных пропорций античности. По сути классицизм – это возврат к ренессансу, но в более строгом варианте, под стать чопорным и высокомерным аристократам.

Жак-Луи Давид. Клятва Горациев. 330 × 425 см. 1784 г. Лувр, Париж

Более же экстравертные и истероидные по психотипу герцоги и князья предпочитали пышное барокко.

Так появилось два лагеря: любители классицизма и любители барокко.

Характерные черты

Классицисты выбирали сюжеты, далекие от жизни: о богах и богинях, о правителях Древнего Рима, гладиаторах и спартанцах.

Муссини. Спартанский мальчик наблюдает последствия пьянства. 1850 г. Лувр, Париж

Классицизм не только удовлетворял вкусы отдельных заказчиков, но и стал официальным искусством. У классицистов были свои академии, поэтому их называли академистами.

Они обучали учеников четким правилам живописи. Правильные пропорции, перспектива, моделировка объема светотенью, колорит в виде трехцветки.

Вильям Бугро. Данте и Вергилий в аду. 1850 г. Музей д’Орсе, Париж

Поэтому классицизм – самый распространённый стиль живописи. Пожалуй, в этом стиле создано больше всего полотен за всю историю искусства.

Период расцвета классицизма

Он был в моде в 17 веке. А затем вновь расцвел в конце 18 века. В основном за счет любви со стороны Наполеона.

Жак-Луи Давид. Наполеон на коне (фрагмент). 1798 г. Галерея Бельведер в Вене

Яркий пример классицизма

За классицизмом стоит обращаться к французскому художнику Пуссену. В его работах Вы встретите все черты этого стиля.

Никола Пуссен. Великодушие Сципиона. 1640 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина, г. Москва

На картине “Великодушие Сципиона” все упорядочено и логично. Герои стоят в ряд. Никто ни на кого не наваливается, как у Рубенса.

Художник использует классическую трехцветку “синий-красный-желтый”. Эмоции приглушены: они здесь не так важны, как жесты и позы героев.

Главные художники

Никола Пуссен, Жак-Луи Давид, Анибале Карраччи, Вильям Бугро.

Классицизму не повезло. Если другие стили эволюционировали, то с этим рьяно боролись вольнодумные художники. Те, кто хотел творить по велению сердца, а не так, как учат в академиях.

В результате классицизм сломили импрессионисты. А окончательно затоптали экспрессионисты.

Есть кое-что, что объединяет все стили, существующие до импрессионизма. Это гладкая живопись. Скрытие мазков, натуралистичность и внимательность к деталям были важны почти всегда, начиная с 14 века.

Но импрессионизм смело пошатнул все эти традиции.

Клод Моне. Впечатление. Восход солнца. 13 ноября 1872 г. 7 часов 35 мин утра. Музей Морматтен-Моне, Париж.

Почему стиль импрессионизм возник

В 19 веке изобрели фотографию. Изображать реальность с помощью кисти и красок стало ни к чему. Аристократ мог пойти в фотоателье и сделать свой реалистичный портрет. Причём очень быстро.

Художники поняли, что реальность больше в их услугах не нуждается. Передавать этот мир в деталях уже нет смысла. Они сосредоточились на собственном впечатлении от увиденного – на живых людях, солнечных зайчиках и шелесте травы.

Клод Моне. Стог сена на закате возле Живерни. 1891 г. Музей изящных искусств, Бостон, США.

Характерные черты

Импрессионизму свойственна жизненность: они писали своих современников в кафе или на прогулках. В отличие от классицистов, которые изображали древне-римских героев или богов с богинями.

Константин Коровин. Парижское кафе. 1890 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Также импрессионисты выработали свою технику. Вместо гладкой живописи – видимые, быстрые мазки. С помощью них они создавали иллюзию вибрации воздуха и солнечных бликов.

Пьер-Огюст Ренуар. Портрет актрисы Жанны Самари. 1877 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусств Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва

Время расцвета импрессионизма

Активно в стиле импрессионизм работали во второй половине 19 века. Совсем недолго. Как и рококо, этот стиль просуществовал тоже не более 50 лет. 

Но его расцвет закончился совсем по другой причине, чем у рококо. 

Эдгар Дега. Голубые танцовщицы. 1897 г. Галерея искусств Америки и Европы 19-20 вв. ГМИИ им. А.Пушкина, Москва.

Импрессионисты изменили способ мышления творческих людей. Они показали, что можно писать не только видимую реальность. Но нечто другое. В их случае – быстротечные эффекты солнца, тумана и сумерек. 

Другие художники пошли дальше. И начали писать свой внутренний мир (экспрессионизм), придуманную реальность (абстракционизм), или почти ничего (минимализм).

Яркий пример импрессионизма

Импрессионизм зародился во Франции. Так что самые яркие импрессионисты – французы. Классическая импрессионистическая работа – “Качели” Ренуара.

Огюст Ренуар. Качели. 1873 г. Музей Орсе, Париж

Здесь обычные горожане 19 века отдыхают в парке. Никаких исторических сюжетов, как у классицистов. При этом все изображено с помощью крупных разноцветных мазков. Даже тени цветные.

Главные художники

Клод Моне, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Константин Коровин.

Почитайте мою статью «7 великих художников-импрессионистов»

Для особо влюблённых в импрессионизм я разработала онлайн-курс «Импрессионизм: формула и главные герои».

Однажды художники отказались рисовать реальность. И переключились на свой внутренний мир. Они решили с помощью форм и цвета показывать свои эмоции и тем самым вызывать эмоции у нас. Так родился экспрессионизм.

Почему экспрессионизм возник

Экспрессионизм был следующим и логичным шагом после импрессионизма.

Импрессионисты все-таки были реалистами, изображающими окружающий мир, в первую очередь свето-воздушные эффекты. Свои эмоции и своё отношение к происходящему импрессионисты оставляли за кадром.

Но некоторым художникам реализм изрядно надоел.

Первым свой внутренний мир в свою живопись впустил Ван Гог. Он начал деформировать цвета и формы, исходя из собственного отношения к объекту.

Ван Гог. Портрет доктора Гаше. 1890 г. Частная коллекция

Лицо доктора Гаше зеленоватое и неправильной формы. Явно в реальности оно таким не было.

Мастером выразить свои эмоции на холсте был и современник Ван Гога, Эдвард Мунк. Он смело выражал свои эмоции на картине, ещё больше деформируя формы.

Эдвард Мунк. Вечер на улице Карла Иоанна. 1892 г. Коллекция Расмуса Мейера, Берген

У Мунка лица и вовсе похожи на черепа, обтянутые кожей. Это ещё дальше от реальности, чем даже у Ван Гога.

Время расцвета стиля

Экспрессионизм расцвёл в начале 20 века, как отклик на ужасы Первой Мировой войны. 

Слишком сильные эмоции испытывали художники. Эстетика прошлых лет стала для них неприемлема. Мир трещал по швам, и боль и разочарование выплескивались на холст.

Оскар Кокошка. Автопортрет. 1917 г. Музей фон дер Хейдт, Вупперталь. Maximonline.ru

Основные черты экспрессионизма

Так как эмоции выражались сильные и чаще негативные, то главная черта экспрессионизма – это дисгармония и уродство.

Эгон Шиле, например, намеренно подчеркивал все самое некрасивое в человеке.

Эгон Шиле. Танцор. 1913 г. Музей Леопольда, Вена

А в дисгармонии особенно преуспел Хаим Сутин. Его деформированные пейзажи как будто отображены в кривых зеркалах.

Хаим Сутин. Красная лестница в Кане. 1923 г. Музей искусства авангарда (МАГМА), Москва

Ещё экспрессионизм узнаваем по ярким цветам в виде больших пятен и полос, а также плоскому изображению. Моделирование объема и правда отвлекает от цвета, а главное – от эмоций. Как на “Автопортрете с моделью” Кирхнера.

Эрнст Людвиг Кирхнер. Автопортрет с моделью. 1926 г. Гамбургский кунстхалле. Artchive.ru.

Яркий пример стиля экспрессионизм

Икона экспрессионизма – это «Крик» Эдварда Мунка

Эдвард Мунк. Крик. 1893 г. Национальная галерея Норвегии в г. Осло.

Конечно, она создана ещё до ужасов первой мировой. Но сам Мунк был настолько экспрессивным человеком, что в его шедевре и без того страха и отчаяния хоть отбавляй.

Главные художники экспрессионизма

Много экспрессионистов было в Германии и Австрии. Кокошка и Шиле – это австрийцы. Из немецких можно назвать Нольде и Кирхнера.

Эмиль Нольде. Маски. 1911 г. Художественный музей Нельсона-Аткинса, США. Russiaartnews.ru.

И повторюсь, что яркими экспрессионистами также был норвежец Эдвард Мунк и живший в Париже выходец из Белоруссии Хаим Сутин.

Работы экспрессионистов кажутся отталкивающими. Но, парадокс, в этом скрыта и их притягательная сила.

Ведь интересно же заглянуть в душу другого человека. И увидеть там страх, надрыв, надлом, болезненную страсть. Что мы и делаем, когда смотрим на картины экспрессионистов.

Продолжение — в статье «Экспрессионизм. Стиль живописи, его истоки и изобретатели». 

Абстракционизм часто не любят и обесценивают по типу «Это и я так могу намалевать». 

Но именно этот стиль очень сильно повлиял на наш мир. Поэтому его так важно понять. А полюбить – это уже по желанию :).

Почему возник абстракционизм

Однажды Кандинский увидел в своей мастерской незнакомую картину. Это было что-то несуществующее, но очень гармоничное. Через 10 секунд художник понял, в чем дело. 

Это был его пейзаж, который он сам же прислонил боком к стене. 

Василий Кандинский. Композиция 4. 1911 г. Художественное собрание земли Северный Рейн, Дюссельдорф

Так великого художника осенило, что узнаваемые образы мешают воздействовать на зрителя. Ведь можно просто правильно подобрать цвета и линии, чтобы вызвать ощущение гармонии. Так же, как набор звуков соединяется в мелодию и вызывает приятные переживания у слушателя.

Время расцвета стиля

Для многих художников открытие Кандинского стало откровением. Оказывается, не обязательно ЧТО-ТО изображать. И не обязательно выискивать нужный сюжет или образ, а можно просто экспериментировать с цветом и формой!

При этом у художника все равно оставалась цель. Либо достичь с помощью конкретных сочетаний цветов и форм ощущения гармонии. Либо чтобы вызвать конкретную эмоцию. Но чаще и то, и другое.

Жоан Миро. Улыбка пылающих крыльев. 1953 г. Фонд Жоана Миро, Барселона. Pinterest.com.

Так что абстракционизм расцвёл сразу же после открытия Кандинского в 1910 году и было ведущим стилем в течение всего 20 века. Его расцвет пришелся на середину XX века в том числе благодаря знаменитым абстракциям Поллока.

Джексон Поллок. Осенний ритм (номер 30). 1950 г. Музей Метрополитен в Нью-Йорке, США. Artchive.ru.

Главные черты абстракционизма

Абстракционизм легко узнать. Если Вы не можете на картине узнать образ, значит это абстракция. Недаром его называют ещё беспредметным искусством.

А вот уже сама абстракция может быть самой разной. Но можно выделить два основных ее вида. Лирическую, состощую из текучих форм. Как у Кандинского и Моро.

А второй вид – это геометрическая абстракция. Началась она с квадратов и кругов Казимира Малевича. А продолжилось разноцветными решетками Пита Мондриана. 

Пит Мондриан. Композиция с большой красной плоскостью. 1921 г. Муниципальный музей в Гааге. Wikiart.org.

В США возникла ещё одна разновидность – абстрактный экспрессионизм. Как Вы уже поняли, цель у него была вызвать эмоции у зрителя. Гениально это получалось у Марка Ротко.

Марк Ротко. Желтый и оранжевый. 1968 г. Собрание Филлипса, Вашингтон. Artchive.ru.

Яркий пример абстракционизма

В России абстракционизм четко ассоциируется с Малевичем и его  «Чёрным квадратом». 

Казимир Малевич. Чёрный супрематический квадрат. 1915 г. 79,5 х 79,5 см. Государственная Третьяковская галерея, г. Москва.

О смысле и тайне картины читайте в моей статье «Черный квадрат» Малевича. Почему это шедевр».

Главные художники абстракционизма

Кандинский и Малевич были первыми абстракционистами.

А подхватили их идеи такие гениальные художники, как Пит Мондриан, Марк Ротко, Жоан Миро, Джексон Поллок и Пауль Клее.

Пауль Клее. Статично-динамичная градация, 1923 г. Музей Метрополитен в Нью-Йорке. Abstractcritical.com

Многие плохо относятся к абстракционизму. Тогда как его влияние на нашу жизнь огромно.

Когда художники освободились от необходимости творить только известные образы, они стали много экспериментировать с формой. Все это переходило в скульптуру и архитектуру. А потом – в мебель и одежду.

И мы не успели оглянуться, как абстракционизм поделил наш мир на «до и после». До него – это виньетки и ажурная мебель. После него – строгий шрифт и лаконичные формы наших шкафов.

Об этом стиле читайте подробнее в статье «Василий Кандинский: как зарождался абстракционизм».

Проверьте себя

Я предлагаю Вам проверить, как Вы усвоили основные стили.

Какая из этих картин написана в стиле рококо?

Какая из этих картин написана в стиле ренессанс?

Какая из этих работ написана в стиле экспрессионизма?

Если Вы ответили на все три вопроса – «слева», значит Вы хорошо разбираетесь в стилях живописи.

В первом вопросе слева – картина Фрагонара “Щеколда”. Справа – картина Рубенса “Охота на волка и лиса” (барокко).

Во втором вопросе слева – картина Рафаэля “Форнарина”. Справа – “Обнаженная в солнечном свете” Ренуара (импрессионизм).

В третьем вопросе: две картины Кандинского. Работа слева написана в 1909 году (Импровизация 3) и на ней мы различаем образы: всадника, здания. Это экспрессионизм.

На работе справа 1913 года («Композиция» из Эрмитажа) образы НЕ различимы. Это уже абстракционизм.

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.

Автор: Оксана Копенкина

Перейти на главную страницу

PS. Проверьте свои знания, пройдя онлайн-курс «Насколько Вы разбираетесь в живописи»

Facebook

Twitter

Вконтакте

Одноклассники

Pinterest

Похожее

Изучение богато украшенного искусства и архитектуры барокко

Этот пост может содержать партнерские ссылки. Если вы совершите покупку, My Modern Met может получать партнерскую комиссию. Пожалуйста, прочтите наше раскрытие для получения дополнительной информации.

На протяжении 17 и 18 веков европейские художники и архитекторы перенимали все более сложный стиль. Этот подход, известный как Baroque , отличается изысканной, чрезмерной эстетикой, которая пробуждает воздушность и стремится внушить благоговение.

Сегодня период барокко остается одним из самых знаменитых культурных течений в истории западного искусства.Здесь мы рассмотрим этот яркий стиль, исследуя историю и эволюцию его яркого искусства и архитектуры.

Каким был период барокко?

Названный в честь barroco (португальский термин для обозначения жемчужины неправильной формы), период в стиле барокко определяется величием и богатством его искусства и архитектуры. Укоренившись в Риме, движение распространилось по Италии и другим европейским странам между 1600 и 1750 годами, став особенно популярным во Франции, Испании и Австрии.

Николя Пуссен, «Вакханский пир перед статуей Пана» (ок. 1632–1633) (Фото: Национальная галерея, Лондон, Wikimedia Commons, общественное достояние)

Каковы основные характеристики искусства барокко?

Искусство и архитектура барокко невероятно экстравагантны и демонстрируют движения , напряжения , эмоций и драматического использования света и тени .

Поскольку период барокко совпал с периодом итальянского Возрождения , неудивительно, что эти два механизма имели некоторое стилистическое сходство.Художники как барокко, так и эпохи Возрождения использовали реализм, богатый цвет и религиозные или мифологические сюжеты, в то время как архитекторы, работающие в обоих стилях, предпочитали баланс и симметрию. Что отличает стиль барокко от его аналога эпохи Возрождения, так это его щедрость - характерная черта, очевидная как в его искусстве, так и в архитектуре.

Искусство барокко

Живопись

Хотя тематика и даже стиль могут быть разными в разных картинах в стиле барокко, у большинства произведений этого периода есть одна общая черта: драма .

В работах таких известных художников, как Караваджо и Рембрандт , интерес к драме проявляется в интенсивных контрастах между сияющим светом и надвигающимися тенями.

Караваджо, «Призвание святого Матфея» (ок. 1599 или 1600) (Фото: Ибиблио через Wikimedia Commons, общественное достояние)

Рембрандт, «Ночной дозор» (1642 г.) (Фото: Государственный музей через Wikimedia Commons, общественное достояние)

Художники эпохи барокко, такие как Джентилески , Пуссен и Рубенс , достигли обостренного чувства драмы через движение.Часто эта динамичная иконография была вдохновлена ​​сказками из Библии и историями из древней мифологии.

Джентилески, «Давид и Голиаф» (ок. 1605–1607) (Фото: через Wikimedia Commons, общественное достояние)

Помимо энергичных композиций, Рубенс запечатлел драматизм в своей богатой и сияющей цветовой палитре. «Рубенс избегал живописи таким образом, что цвет впитывался. Светящаяся ясность его работ была доказательством превосходства его техники», - объясняет художник Макс Дорнер в книге «« Материалы художника и их использование в живописи »».«В его цветах было столько яркости и связующей среды, что, как и в картинах Ван Эйка, они имели блеск, и их не нужно было покрывать лаком».

Питер Пауль Рубенс, «Самсон и Далила (ок. 1609–1610)» (Фото: Национальная галерея, Лондон, Wikimedia Commons, общественное достояние)

Скульптура

Фигурные скульптуры из бронзы и мрамора, созданные в этот период, демонстрируют интерес к динамизму . Скульпторы, такие как Bernini , могли пробуждать движение за счет завихрения силуэтов, скрученных контуров и плавной драпировки.Добавленные элементы, такие как водные арматуры, часто усиливали этот театральный подход.

Бернини, «Аполлон и Дафна» (1622–1625)

Подобно статуям эпохи Возрождения, в том числе легендарному Давиду Микеланджело - Скульптуры в стиле барокко часто предназначались для украшения величественных зданий. Они также были заказаны для других грандиозных декораций, таких как позолоченные церковные интерьеры и королевские сады.

Бернини, «Экстаз Святой Терезы» (1647–1652)

Шарль Лебрен, Фонтан Аполлона в садах Версаля (1668–1671)

Архитектура барокко и дизайн интерьеров

Интерьер

Подобно искусству той эпохи, интерьеры в стиле барокко выражали интерес к непомерному величию.Мебель и другие предметы декоративно-прикладного искусства часто изображали прокрутки - узорчатый дизайн, напоминающий спиралевидную листву, - и другие элементы, вдохновленные миром природы. Точно так же путти - фигурок амуров - часто украшали гобелены и потолочные росписи.

Интерьер церкви аббатства Херцогенбург, Нижняя Австрия (Фото: Uoaei1 через Wikimedia Commons, CC BY-SA 3.0 AT)

Интерьер Schaezlerpalais, Аугсбург, Германия (Фото: Adam63 через Wikimedia Commons, CC BY-SA 3.0)

Как и ожидалось, материалы, использованные для создания этих интерьеров, источали роскошь, что проявляется в «богатой бархатной и дамасской мебели, золоченой и маркетри мебели» (Музей Виктории и Альберта), часто встречающейся внутри дворцов.

Спальня дофина в Версальском дворце

Экстерьер

Архитектура барокко также отличается орнаментом. Часто фасады зданий в стиле барокко украшены сложной рельефной резьбой, позолоченными вставками и колоннами, а именно, соломоновыми колоннами , эстетика штопора которых была одобрена архитекторами от Испании до Австрии.

Церковь Св. Карла, Вена (1737)

Архитекторы по всей Европе также возглавили многие барочные базилики, церкви и другие здания с куполами . Помимо овальных куполов, которые возводились по всему континенту, предпочтительный стиль куполов обычно варьировался в зависимости от региона: луковичные купола преобладали в Центральной Европе, а луковичные купола оказались популярными в Германии.

Прежде всего, архитектура барокко отдавала предпочтение балансу .

Купол церкви Сантиссимо Ном ди Мария аль Форо Траяно, Рим (1736-1751)

Наследие

Хотя стиль барокко возник много веков назад, он остается одним из самых любимых направлений в истории искусства.Независимо от того, смотрите ли вы на бесценную коллекцию картин в Лувре или бросаете монету в популярный римский фонтан Треви , непреходящее наследие искусства и архитектуры барокко так же очевидно, как и его богатство.

Никола Сальви, Фонтан Треви '(1732-1762) (Фото: Рой Фоккер через Wikimedia Commons, общественное достояние)

Эта статья отредактирована и обновлена.

Статьи по теме:

Как цветы превратились в один из самых популярных предметов истории искусства

Что мы можем узнать из изысканной истории и изысканной эстетики готической архитектуры

Великолепная архитектура Великого Антонио Гауди в стиле модерн

15 самых известных скульптур, которые вам нужно знать

Искусство и архитектура барокко | Оксфорд Арт

Введение


Версаль, вид на фасад Garden Front, работы Луи Ле Вау и Жюля Ардуэна Мансара, 1668–1685; фото: Giraudon / Art Resource, NY

Барокко было основным европейским стилем в изобразительном искусстве 17 века.Этот термин охватывает различные национальные стили, которые варьируются от сложного и драматического итальянского искусства 17 века до сдержанных жанровых сцен, натюрмортов и портретов, характерных для голландского барокко. В Италии Караваджо рисовал алтари и вводил такие инновации, как драматические световые эффекты, которые повлияли на таких художников, как Артемизия Джентилески. Другие художники, такие как Джованни Баттиста Гаулли и Пьетро да Кортона, исполнили иллюзионистские потолочные картины. Джанлоренцо Бернини, самый знаменитый римский художник эпохи барокко, создал знаменитый балдахино (центральный алтарь) собора Святого Петра и новаторские скульптурные произведения, такие как Аполлон и Дафна .В Испании Франсиско де Сурбаран написал набожные религиозные картины, а Диего Веласкес стал великим художником испанского барокко.

В северной Европе Нидерланды были разделены на две части: Северные Нидерланды (современные Нидерланды) и Южные Нидерланды (современная Бельгия и часть Франции), каждая из которых обычно именуется Голландией (север) и Фландрией (юг). Питер Пауль Рубенс и его мастерская доминировали в искусстве Фландрии, создав драматические и мощные религиозные запрестольные изображения и портреты правящих семей Италии и Франции.Одним из таких примеров является сложная серия аллегорических персонификаций Марии Медичи. Пейзаж, натюрморт и жанровая живопись были основными видами работ, производимых для голландского рынка. Такие произведения, как цветочные натюрморты Рэйчел Рюйш, интимные жанровые картины Иоганна Вермеера, подвижные религиозные картины и проницательные портреты Рембрандта, иллюстрируют эти новые виды искусства. Во Франции искусство отражало мощь и престиж монархии и преимущественно использовало классицизм греко-римской традиции.Самым масштабным архитектурным проектом 17 века был Версаль, его дворец и сады, в котором классический стиль использовался для передачи абсолютистской власти французской монархии при Людовике XIII и Людовике XIV. Многие заботы художников барокко, такие как прямое наблюдение за окружающим миром, эмоциональное и драматическое выражение, а также манипуляции со светом и цветом, повлияли на более поздние стили, такие как неоклассицизм и романтизм.

Очерки

Биографии

  • Бернини, Джанлоренцо
  • Борромини [Кастелли], Франческо
  • Караваджо, Микеланджело Меризи da
  • Карраччи
  • Кортона, Пьетро да
  • Джентилески, Артемезия
  • Гуарини, Гуарино
  • Галс, Франс
  • La Tour, Georges de
  • Мадерно, Карло
  • Пьюджет, Пьер
  • Рембрандт ван Рейн
  • Рубенс, Питер Пауль
  • Веласкес, Диего


Назад ко всем предметным руководствам

Виктория и Альберта · Стиль барокко

Барокко - это очень богато украшенный и продуманный стиль архитектуры, искусства и дизайна, который процветал в Европе в 17-м и первой половине 18-го века.Возникнув в Италии, его влияние быстро распространилось по Европе, и он стал первым визуальным стилем, оказавшим значительное влияние на весь мир.

Определяющей характеристикой стиля барокко был способ, которым изобразительное искусство живописи, скульптуры и архитектуры было объединено в единое целое, чтобы передать единое сообщение или смысл.

Искусство и дизайн в стиле барокко напрямую обращались к чувствам зрителя, обращаясь к эмоциям и интеллекту.Он отражал иерархическое и патриархальное общество того времени, развивался и использовался власть имущими - церковью, абсолютными правителями и аристократией - как убеждать, так и производить впечатление, быть одновременно богатым и значимым. По сравнению с контролируемыми и тщательно сбалансированными пропорциями, связанными с эпохой Возрождения, барокко известно своим движением и драматизмом.

Влияние барокко распространилось из Италии и Франции на остальную Европу, а затем через европейские колониальные инициативы, торговлю и миссионерскую деятельность распространилось в Африку, Азию, Южную и Центральную Америку.Во всем мире китайские резчики работали в Индонезии, французские мастера-серебряники в Швеции, а итальянские специалисты по твердому камню во Франции. Скульптура была отправлена ​​с Филиппин в Мексику и Испанию, в то время как стулья лондонского производства разошлись по всей Европе и через Атлантику, а французские королевские мастерские производили предметы роскоши, которые были желанными и имитируемыми модным обществом по всей Европе. Тем не менее, как стиль, барокко также изменилось по мере того, как оно пересекло мир, адаптируясь к новым потребностям и местным вкусам, материалам и условиям.

Гравюра по И Ланьтай, 1781 - 86 гг., Китай. Музей № 29452: 9. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

В Китае европейские павильоны были величайшим проявлением интереса правителей Цин к искусству Европы. Эти дворцы в европейском стиле были частью Юаньминь Юань или Старого летнего дворца в Пекине, летней резиденции императора Цяньлуна. Спроектированные священниками-иезуитами, павильоны, большинство из которых были построены между 1756 и 1766 годами, были основаны на моделях в стиле барокко и включали грандиозные фонтаны и статуи.В 1780-е гг. Был заказан комплект гравюр на медной пластине с изображением европейских павильонов. Этот альбом, копия которого находится в нашей коллекции, представляет собой важную визуальную запись павильонов, разрушенных английскими и французскими войсками в 1860 году.

Важной особенностью искусства и дизайна барокко является использование человеческих фигур. Представленные как аллегорические, священные или мифологические, эти фигуры помогли превратить произведение в драму, чтобы передать определенные сообщения и вызвать эмоции зрителя.У них есть чувство реалистичной непосредственности, как если бы они были остановлены на полпути. Выражение лица, поза, жест и драпировка использовались для добавления драматических деталей.

Бюст короля Англии Карла II из нашей коллекции идеально передает драматизм портретной живописи в стиле барокко. Изображенный в оживленной манере, его голова повернута набок, а над кружевным галстуком и вздымающейся драпировкой ниспадает сложный парик. Такие величественные изображения монархов и могущественных аристократов в стиле барокко были более распространены во Франции 17-го века, чем в Англии, но Чарльз провел большую часть своей юности в континентальной Европе и отдавал предпочтение европейским художникам.Бюст выполнен в традициях ярких и внушительных портретов монархов и недвусмысленно подтверждает статус короля.

Портретный бюст Карла II, Оноре Пелле, 1684, Италия. Музей № 239-1881. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Производительность архитектуры

Здания в стиле барокко также были динамичными и драматичными, как с использованием, так и с нарушением правил классической архитектуры. Внутри архитектура перекликалась с театральными приемами: расписные потолки заставляли комнаты казаться открытыми небу, а скрытые окна использовались для освещения куполов и алтарей.

Опять же, дизайн использовался для передачи определенных значений и эмоций. Папский Рим стал ключевым местом религиозной архитектуры в стиле барокко. Пример театральности барокко можно найти в дизайне площади Святого Петра Джанлоренцо Бернини (1598–1680). Его величественные, внушительные изогнутые колоннады, в центре которых находится обелиск, используются как для того, чтобы ошеломить посетителя, так и для того, чтобы привлечь его в объятия церкви.

Архитектура барокко также повлияла на формирование общественных пространств города.Публичные торжества играли важную роль в политической жизни нации. Обычно такие мероприятия проходили на открытом воздухе и представляли собой тщательно продуманные зрелища. Городские площади, такие как Пьяцца Навона в Риме и Площадь Луи-ле-Гран (ныне Вандомская площадь) в Париже, были фоном для фейерверков, щедрых театральных представлений и шествий в сложных и дорогих костюмах.

Впечатляющая архитектура также использовалась для усиления власти абсолютных правителей, например, Версальский дворец во Франции - наиболее имитируемое здание 17 века.В 1717 году шведский архитектор Никодемус Тессин Младший составил «трактат об убранстве интерьеров для всех видов королевских резиденций и других выдающихся мест как в городе, так и в деревне», основываясь на своих путевых заметках. Одним из самых дорогих и недавних нововведений, которые он зафиксировал, было наличие зеркал настолько больших, что они покрывали целые стены. Он также отметил использование стекла над камином в Королевской палате в Версале.

Расписное зеркало, вероятно, Антуан Моннуайе, 1710-20, Англия.Музей № W.36: 1-3-1934. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Увлечение физическими материалами было центральным в стиле барокко. Виртуозные предметы искусства из редких и драгоценных материалов издавна ценились и хранились в специальных комнатах или шкафах вместе с образцами естествознания, научными инструментами, книгами, документами и произведениями искусства. Однако в период барокко рождение современной науки и открытие мира за пределами Европы вызвали все более серьезный интерес к природе и значению этих экзотических материалов.Такие раритеты, как фарфор и лак из Восточной Азии, вошли в моду, и им подражали в Европе. Также были разработаны новые методы, такие как маркетри (укладка шпона из древесины разного цвета на поверхность мебели), разработанные французскими и голландскими краснодеревщиками и заимствованные у них в других странах.

Ценность таких материалов можно увидеть в фарфоровой чашке из нашей коллекции. Изготовленный между 1630 и 1650 годами в Китае, первоначально он представлял собой сосуд для кистей для письма, но позже в Лондоне были добавлены экстравагантные позолоченные серебряные оправы, которые превратили сосуд для кистей в роскошную декоративную чашку с двумя ручками и крышку.

Фарфоровая чашка, вероятно, Вольфганг Хаузер, 1660-70, Англия. Музей № M.308-1962. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Изображения природного мира, а также мотивы, заимствованные из человеческих и животных форм, были популярными элементами декора. Самым распространенным видом цветочного декора в стиле барокко был бегущий свиток, часто сочетающийся с акантом - стилизованным вариантом настоящего одноименного растения. Кружка конца XVII века в нашей коллекции отличается пышным цветочным декором.Листья цветов превратились в извивающуюся листву, а сами цветы имеют полосатые лепестки, которые, вероятно, представляют собой тюльпан, еще один ключевой мотив искусства барокко.

Кружка Peg, производитель неизвестен, около 1690 г., вероятно, Дания. Музей № КРЕДИТ: GILBERT.603-2008. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Аурикулярный стиль с мягкими, мясистыми абстрактными формами также возник в начале 17 века, создавая эффект неоднозначный, наводящий на размышления и причудливый.Фактически, термин «барокко» появился позже - «причудливый» был одним из слов, используемых в то время для обозначения стиля, который мы ассоциируем с сегодняшним барокко.

Театр был площадкой для великолепных постановок драмы, балета и оперы - нового вида искусства в то время. Эти представления с их богато украшенными костюмами, сложными декорациями и оригинальным оборудованием вызывали изумление и трепет. Театр пользовался успехом как у публики, так и при дворе. Написанная Жаном-Батистом Люлли для французского двора Людовика XIV (годы правления 1643–1715), опера Атис была настолько любима королем, что стала известна как «Королевская опера».В нашей коллекции есть перо и тушь для костюма героя Геркулеса Atys . Он изображен в балетной позе, одет в костюм в римском стиле и идентифицирован по дубинке и львиной шкуре.

Эскиз костюма, Жан Берен Старший, 1676, Франция. Музей № С.1108-1982. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Театр также сыграл свою роль в борьбе за власть между европейскими дворами. Правители соперничали друг с другом в великолепии своих постановок.Во Франции театр и опера также стали ключевым элементом культурной политики Людовика XIV, которая использовалась для управления дворянством и выражения его силы и великолепия. В начале 18 века само здание театра приобрело новое значение как доказательство придворной, гражданской или технологической мощи. Возникшие в результате новые здания по всей Европе создали театр в том виде, который мы знаем сегодня.

Однако к середине 18 века стиль барокко, казалось, все больше не соответствовал настроениям того времени, в котором все большее внимание уделялось разуму и научным изысканиям.Барокко критиковали как «аморальный» стиль, а искусство и дизайн отказались от использования эмоций, драмы и иллюзий, вернувшись к более простому стилю, вдохновленному классической древностью. Лишь в конце 19 века стиль снова стал подвергаться критической переоценке.

Фоновое изображение: Расписное зеркало, вероятно, Антуан Моннуайе, 1710–2020 годы, Англия. Музей № W.36: 1-3-1934. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Живопись в стиле барокко | Artblr.

Барокко хорошо известно своей экстравагантностью и неповторимым стилем, и до сих пор является знакомым зрелищем во многих европейских соборах и дворцах. Этот термин можно применять к архитектуре, музыке и искусству, и есть много узнаваемых примеров каждого из них. Это началось как католическая реакция на консервативный стиль протестантских религиозных построек, и визуальный избыток активно поощрялся.

Слово «барокко» - французское слово португальского происхождения и означает «жемчужина неправильной формы.Первоначально он использовался как отрицательный термин в 1855 году для описания художественного движения, которое историк искусства Якоб Бурчхардт рассматривал как подрыв ценностей движения Возрождения. Постепенно он потерял свой негативный смысл и стал названием этого периода истории искусства.

Период искусства барокко


Изображение с http://www.oeuvres-art.com
Считается, что период барокко длился с начала 17 века до конца 18 века, и во многих европейских городах работали художники.Он был особенно популярен в Риме, где зародился, и в других европейских странах, таких как Франция, Германия, Испания и Голландия. Он появился сразу после периода Возрождения как противодействие простоте протестантской архитектуры после Реформации.

Реформация поощряла простые, неэлегантные религиозные здания, которые были спроектированы, чтобы понравиться ученым и интеллектуалам, но не были популярны среди обычных прихожан. Католическая церковь решила оформить свои религиозные пространства с привлечением масс и считала, что искусство - это форма религиозного выражения, которую следует прославлять.Стиль барокко постепенно вырос из этих оригинальных решений, поскольку больше внимания уделялось наслаждению великолепием.

Некоторые характеристики искусства барокко

Основными характеристиками как искусства, так и архитектуры барокко являются использование контраста, деталей, движения и неожиданности, чтобы вызвать у зрителя чувство трепета. Цель состояла в том, чтобы дать зрителям что-то интересное, что могло бы привлечь внимание. Художники и архитекторы отдавали предпочтение теплым тонам, контрастирующим с декоративными вставками из золота.Они использовали три основных цвета в непосредственной близости друг от друга, что создавало ощущение очевидности и драматизма.

Поскольку художники и архитекторы обычно отдавали предпочтение религиозным или классическим сценам, многие из их работ имели четкую историю или послание. Они противопоставили темный фон светлым персонажам, чтобы создать ощущение движения и заставить зрителя увидеть задуманную историю. Те же самые характеристики барокко были применены к музыкальным композициям того периода времени, которые всегда имели историю или сообщение для аудитории.

Движение барокко постепенно превратилось в движение рококо во Франции и Центральной Европе, и оба движения вымерли в 18 веке. За ними последовало неоклассическое движение, в котором гораздо больше внимания уделялось традиционным идеям и техникам. Главное отличие барокко от рококо в том, что последнее гораздо более театрально. Он отличался плавными изгибами и большим чувством иллюзии. Он также отдавал предпочтение белому и пастельному цветам, а не контрастирующим темным и светлым, что в конечном итоге создает гораздо более оживленную сцену.

Архитектура и скульптура в стиле барокко


Изображение взято с wikimedia.org
Религиозные постройки в стиле барокко характеризуются большими открытыми центральными пространствами с высокими куполами над головой. Это позволяло естественному свету проникать в помещение и особым образом освещало его. Купол - типичный символ периода барокко, символизирующий союз Неба и Земли. Купола всегда замысловато украшены, часто с интенсивным использованием золотых акцентов и картин.Стены украшены невероятно детализированными картинами, и обычно здесь много статуй ангелов и других религиозных деятелей.

Те же общие приемы применялись и в скульптуре. Скульптуры пытались создать ощущение движения и обычно имели фигуры в центре вихря (пустое пространство в середине). Один из самых известных скульпторов эпохи барокко - Джан Лоренцо Бернини, чьи работы работают по всей Италии и Центральной Европе. Как и в случае с картинами и архитектурой, скульптуры были созданы, чтобы рассказывать историю, обычно религиозную или классическую.

Барочная музыка и балет


Изображение взято с http://www.luigiboccherini.org
В период барокко произошел массовый взрыв музыкального самовыражения, и он даже привел к созданию нескольких новых музыкальных стилей, включая концерт и симфонию. Это также совпало с изобретением Оперы, которая взлетела в 17 веке. Понятие обыденной тональности также было изобретено в период барокко. Это идея написания музыки в определенной тональности, которая широко используется по сей день.Многие из самых известных композиторов в истории были во времена движения барокко, в том числе Антонио Вивальди, Иоганн Себастьян Бах и Джордж Фридрих Гендель.

Балет также родился в этот период, когда во Франции был представлен новый стиль придворного танца. Людовик XIV был его большим поклонником, и, как и многие вещи, которые король находил популярными, он быстро завоевал популярность. Как только начались настоящие представления, они вскоре стали намного сложнее и превратились в балет, который мы знаем сегодня.

Картины в стиле барокко


Изображение взято с https: // commons.wikimedia.org
Картины в стиле барокко включают в себя большое количество отдельных стилей и художников, но все они имеют общие черты, и все они происходят в общий период барокко. Картины сосредоточены на создании драматического ощущения и используют богатые, глубокие цвета, контрастирующие с темным фоном. В отличие от искусства эпохи Возрождения, которое обычно изображалось за мгновение до события, искусство барокко выбирает наиболее драматический момент и уделяет ему пристальное внимание. Он был призван вызвать у зрителя страсть и эмоции, что было сознательным решением католической церкви в конце 16 века.

В странах, принявших искусство барокко, существовали стилистические вариации. Большая часть Центральной Европы создавала художников и архитекторов, которые использовали этот стиль, но во многих произведениях искусства можно увидеть местное влияние. Например, голландские художники меньше сосредотачивались на религиозных или исторических сценах, а больше на светских предметах, таких как натюрморты и пейзажи. В то время как известные голландские художники, такие как Вермеер и Рембрандт, явно перенимают стиль барокко, они также демонстрируют другие влияния.

Характеристики искусства барокко

• Интенсивное чувство драмы
• Картина часто рассказывает историю или передает сообщение
• Традиционно изображает религиозные или классические сцены
• Насыщенные, глубокие цвета, часто контрастирующие с тремя основными цветами
• Светлые объекты на темном фоне

Искусство эпохи Возрождения vs.Искусство барокко


Изображение взято с http://www.baroquemusic.org
Одним из главных принципов искусства Возрождения была стабильность. Даже когда картины изображали сцену, большая часть ее была неподвижной. Они будут использовать узнаваемые формы для структурирования своей работы, поскольку это поможет создать у зрителя ощущение стабильности. Художники барокко вместо этого использовали наклонные линии, чтобы создать ощущение драмы и движения, часто помещая предметы в противоположные положения, чтобы усилить напряжение.

В искусстве эпохи Возрождения художник всегда создавал полный фон для своей картины, даже если он не был особенно детализирован.Фон считался таким же важным, как и предмет, и добавлял идеи стабильности. Если объект был расположен на неподвижном фоне, зритель может сказать, что он неподвижен. В картинах в стиле барокко фон обычно просто затемнен. Было ли это потому, что художники считали их неважными или нет, это определенно подчеркивало то, что было предметом картины. Однако эти правила для картин в стиле барокко различаются, и в большинстве стран была собственная устоявшаяся версия стиля.

Художники барокко

Разные страны экспериментировали с основными концепциями искусства барокко и внесли влияние других дисциплин и художественных стилей. Художники из традиционно католических стран, таких как Франция и Италия, придерживались условностей стиля, но развили использование цвета и драмы. С другой стороны, художники из стран с более низким католическим населением, таких как Голландия и Англия, продолжали экспериментировать с другими стилями искусства и включать их в свои картины в стиле барокко.

Голландские художники в стиле барокко

Рембрандт (1606-1669)


Изображение взято с http://www.latimes.com
Рембрандт - один из самых известных художников Золотого века Голландии, он писал самые разные предметы. Он нарисовал множество библейских и мифологических сцен и использовал барочные техники контраста и движения. Хотя не все историки искусства считают его художником эпохи барокко, он определенно использовал многие техники и стили в своем искусстве.

Иоганнес Вермеер (1632–1675)


Изображение взято с https: // www.rivagedeboheme.fr
Вермеер - один из величайших художников 17 века, посвятивший свою жизнь своему творчеству. Как и Рембрандт, Вермеера не обязательно считают художником эпохи барокко, главным образом из-за отсутствия идеализации в его работах. Одно из направлений его творчества, которое, безусловно, можно назвать барочным, - это использование дорогих пигментов в своих картинах. Ему нравилось использовать лазурит, невероятно дорогой синий пигмент, который можно было считать штрихом в стиле барокко к его светским картинам.

Герард ван Хонтхорст (1592–1656)


Изображение взято с https://commons.wikimedia.org
Хонтхорст был еще одним голландским художником Золотого века, и в его работах явно прослеживается влияние барокко. Он рисовал в Италии в течение нескольких лет в начале своей карьеры, и, вероятно, отсюда происходит влияние барокко. Он использует цвет и движение для создания визуальной драмы, и многие его картины рассказывают историю. Его хвалят за изображение искусственно освещенных сцен, которое связано с характерной для барочной живописи контрастностью света и тени.

Художники фламандского барокко

Питер Пауль Рубенс (1577-1640)


Изображение взято с http://www.visitflanders.com/
Рубенс был одним из пионеров движения фламандского барокко, которое отличается особым использованием света и композиции. Рубенс учился в Италии, где на него повлияли как классические произведения, так и современные художники. За свою карьеру он сделал Антверпен одним из художественных центров Европы, и ему приписывают создание более 1400 работ! Ему особенно нравились исторические сцены, а также ему было поручено разработать гобелены и гравюры.

Энтони ван Дайк (1599-1641)

Ван Дайк стал ведущим придворным художником Англии, и его стиль оказал огромное влияние на английских художников на протяжении более века. Он путешествовал по Италии, где на него повлияли современные художники, и перенял драматический и контрастный стиль барокко. Он писал в стиле фламандского барокко, который отличался более приглушенными цветовыми палитрами и светскими сюжетами. При этом он также рисовал религиозные и исторические сцены.

Франс Снейдерс (1579-1657)

Снайдерс был еще одним художником, который помог сделать Антверпен культурной картой и регулярно сотрудничал с другими фламандскими мастерами.Он был известен своими пейзажами, цветами, животными и натюрмортами. Он принял стиль драмы и повествования в стиле барокко в своих работах, но часто склонялся к приглушенным цветам с контрастными вспышками яркости.

Художники французского барокко

Николя Пуссен (1594-1665)


Изображение взято с wikimedia.org
Пуссен продолжал привносить элементы художников эпохи Возрождения и отошел от условностей типичных художественных картин эпохи барокко. Он сосредоточился на том, чтобы работа была умственной и создавала ощущение совершенства вместо того, чтобы отдавать предпочтение цвету.В его картинах по-прежнему присутствовали драматические и контрастные сцены, но они были выполнены в более классическом стиле.

Гиацинт Риго (1659-1743)

Риго наиболее известен своими портретами французского короля Людовика XIV и других представителей знати. Он использовал стиль барокко, чтобы мастерски передать ощущение величия своих предметов, и противопоставил их красочные наряды темному фону. Его стиль типично барокко по самой своей природе из-за людей, которых он писал. В основном они были пионерами моды и идеологии барокко.

Художники итальянского барокко

Караваджо (1571–1610)


Изображение взято с http://www.bbc.com/
Хотя технически он был раньше, чем движение в стиле барокко, его работы оказали такое огромное влияние на стиль, что Караваджо часто считается одним из пионеров. Он драматически использовал свет и тень и имел острый глаз для изображения момента величайшей драмы. В его работах часто встречаются сцены борьбы, пыток и смерти. Его влияние можно увидеть в работах Рубенса, Бернини, Рембрандта и других.

Артемизия Джентилески (1593-1656)

Джентилески считался одним из самых опытных художников в стиле барокко и работал в то время, когда художницами-женщинами часто пренебрегали. В большинстве ее работ представлены сцены женских страданий из библейских и мифологических историй. Она использовала свет и тень в стиле барокко и сумела привнести драматизм в большую часть своих работ.

Художники испанского барокко

Хосе Клаудио Антолинес (1636-1675)


Изображение с Викимедиа.org
Антолинес всю свою жизнь прожил в Мадриде и является одним из самых известных участников движения испанского барокко. Он написал много разных портретов и сцен, а также написал часовню. Его религиозные работы очень драматичны, и он использует палитру основных цветов в стиле барокко на темном фоне.

Франсиско Рибальта (1565-1628)

Рибальта работал в Мадриде и Валенсии, в основном рисовал религиозные сюжеты. Он рисовал свои фигуры в типично темных и мрачных сценах с очень темным фоном и яркими всплесками цвета.Он был одним из первых испанских художников, перенявших стиль живописи Караваджо в стиле барокко.

Известные картины в стиле барокко

Конец барокко

Как и любой другой художественный стиль или движение, барокко в XVIII веке постепенно начало терять популярность. Мадам де Помпадур, любовница французского короля Людовика XV, возможно, косвенно способствовала его упадку в Европе. Она отправила нескольких художников и скульпторов в Италию для изучения художественных стилей и моды. Они вернулись из поездки с любовью к классическим стилям и техникам, которые в конечном итоге породили неоклассицизм.К 19 веку барокко считалось старомодным и ярким, и многие современные критики критиковали это художественное движение.

Однако стиль барокко снова стал популярным в течение 20-го века, и с тех пор он остается довольно популярным. Это не означает, что нас ожидает волна новых зданий в стиле барокко, но это означает, что мы сможем больше ценить сохранившиеся образцы этого замысловатого стиля.


Введение в искусство барокко в 12 работах

Николя Пуссен, Похищение сабинянок | © Метрополитен-музей / WikiCommons

Драматическое освещение, движение и величие произведений искусства в стиле барокко могут напомнить современным зрителям о современных тенденциях в фотографии, таких как использование высококонтрастных фильтров и ярких сюжетов.Большинство картин и скульптур в стиле барокко были созданы в 17 веке, начиная с Рима в рамках католической контрреформации, распространившейся по Европе. Этот список из 12 произведений искусства в стиле барокко дает представление о некоторых из самых важных произведений, созданных в течение этого периода.

Работы Питера Пауля Рубенса, фламандского художника эпохи барокко, широко известны своими движениями, плотскими формами и аллегорическими и христианскими сюжетами. Часть серии работ по заказу Марии Медичи, «Воспитание принцессы» изображает учащуюся Мари.Боги мудрости и искусства наблюдают за ней, в то время как Гермес драматически устремляется с небес с даром богов.

Питер Пауль Рубенс, Воспитание принцессы | © Лувр / WikiCommons

Эта картина маслом, написанная в 1632 году Рембрандтом, является известным образцом голландского искусства барокко. Сцена, изображенная в этой работе, представляет собой публичное вскрытие казненного преступника, проведенное Амстердамской гильдией хирургов в тот же год, когда была написана картина. Драматическое освещение, театральная композиция и отсылка фигур к Христу повлияли на траекторию голландской живописи того времени и характеризует ее как произведение периода барокко.

Рембрандт, Урок анатомии доктора Николаеса Тулпа | © Королевская картинная галерея Маурицхейс / WikiCommons

Эта скульптура Бернини, вырезанная из мрамора, является важным примером трехмерных произведений искусства в стиле барокко. Как главный скульптор периода барокко, Бернини известен своей способностью изображать напряжение повествования, сочетая классические формы и технику с вниманием к эмоциям и движению. Аполлон и Дафна , завершенный в 1625 году, представляет момент в книге Овидия « Метаморфозы », когда Дафна превращается в дерево.Действие и психологический стресс, изображенные в этой работе, делают ее ярким примером скульптуры в стиле барокко.

Бернини, Аполлон и Дафна | © Джеймс Андерсон / WikiCommons

Значительное произведение по нескольким причинам: Юдифь, обезглавливающая Олоферна Артемизии Джентилески графически изображает Юдифь, отрубающую голову ассирийскому генералу Олоферну с помощью своей служанки. Работа интригует, потому что является редким примером произведения искусства художницы того времени и анализировалась учеными на протяжении всей истории в зависимости от ее пола.Работа, однако, важна сама по себе, поскольку драматические брызги крови и решительное выражение лица Юдифь делают ее шедевром живописи в стиле барокко.

Артемизия Джентилески, Юдифь обезглавливает Олоферна | © Национальный музей Каподимонте

Художник, работавший в начале периода барокко, Караваджо отошел от стилей маньеристов и стал пионером своего собственного сочетания натуралистического изображения, основанного на прямом наблюдении, и использования тенебризма , техники живопись с использованием крайних светлых и темных оттенков с небольшим количеством средних значений.Религиозные картины и портреты, такие как Мальчик с корзиной фруктов , характерны для этого стиля и демонстрируют влияние Караваджо на других художников барокко.

Караваджо, мальчик с корзиной фруктов | © Galleria Borghese / WikiCommons

Известный как выдающийся художник французского стиля барокко, Николя Пуссен в основном изображал исторические сцены религиозного или мифологического значения. В отличие от французского декоративного искусства того периода, работы Пуссена известны своим отношением к классическим предметам и формам, церебральными аллегориями и вниманием к цвету и ландшафту.В его работе 1636 года « Похищение сабинянок» показана способность Пуссена изображать события, наполненные множеством фигур в сложных аранжировках.

Николя Пуссен, Похищение сабинянок | © Музей искусств Метрополитен / WikiCommons

Написанный в 1656 году Диего Валаскесом, Las Meninas - одно из самых известных когда-либо созданных западных произведений искусства, представляющее сложные отношения между зрителем, нарисованными предметами и самим художником.Хотя роль света и тени в картине схожа с другими работами в стиле барокко, Las Meninas также представляет уникальные и сложные вопросы о моменте времени, который соединяет классические и современные способы представления мира.

Diego Velázques, Las Meninas | © Museo del Prado / WikiCommons

Немецкий резчик по дереву периода барокко, Йорг Цурн известен своей скульптурной стеной высотой десять метров в церкви Святого Николая в Уберлингене. Изготовленный из ели и липы, Главный алтарь Девы Марии изобилует движущимися фигурами и энергией стиля барокко.

Йорг Зурн, Высокий алтарь Девы Марии | © Роман Эйселе / ​​Wikimedia Commons / CC BY-SA 3.0 & GFDL ≥ 1.2

Написано в 1668 году голландским художником Йоханнесом Вермеером, Географ демонстрирует влияние периода барокко на голландскую живопись. Естественный свет проникает в комнату, изображенную на картине, создавая глубокие тени и золотые блики. Географ одет в японские мантии и жестом показывает на карту перед ним, а его взгляд устремлен в окно.Несмотря на то, что работы Вермеера явно отличаются от барочных образов Италии, энергия и свет характерны для периода барокко в Северной Европе.

Йоханнес Вермеер, географ | © Städel / WikiCommons

Рубенс и Брейгель совместно работали над 25 работами. Исследователи предполагают, что The Battle of the Amazons был разработан Брейгелем. В результате анализа мазков в работе фигуры в нижней половине изображения были приписаны Рубенсу, а пейзаж - Брейгелю.

Питер Пауль Рубенс и Ян Брейгель Старший, Битва при Амазонке | © Картинная галерея Сан-Суси / WikiCommons

Написано в 1586 году Эль Греко, Погребение графа Оргаса иллюстрирует испанскую легенду за несколько веков до этого о графе, который пожертвовал такие большие суммы церкви Санто-Томе, что святой Стефан и Святой Августин сошел с небес, чтобы похоронить его, когда он умер. Высокий контраст в живописи и движении, предлагаемый многими фигурами в работе, характеризует его как образец живописи раннего барокко в Испании.

Эль Греко, захоронение графа Оргаса | © Иглесия де Санто-Томе (Толедо) / WikiCommons

Известный своим использованием тенебризма , Жорж де Ла Тур известен как участник движения французского барокко. Иосиф Плотник изображает Иисуса, работающего со своим отцом Иосифом. Глубокие тени и прямой свет в картине, а также аллегорические отсылки к распятию делают ее ярким примером живописи в стиле барокко.

Жорж де Ла Тур, Жозеф Плотник | © Мигель Эрмосо Куэста / WikiCommons

Стиль барокко

Хотя термин «барокко» часто используется только для обозначения времени, теперь мы будем использовать его для определения стиля как в живописи, так и в скульптуре.Характеристики стиля барокко следующие:

Просматривая работы ниже, проверьте эти определения.

Все изображения с пометкой MAS были сфотографированы на месте Мэри Энн Салливан. Все остальные изображения были отсканированы из других источников или загружены из всемирной паутины; они размещены на этом защищенном паролем сайте только в образовательных целях в Bluffton College в соответствии с положением U.S. Закон об авторском праве.

Бернини
Плутон и Персефона
1621-
Бернини, работы которого мы часто будем видеть на этом месте в стиле барокко, изображает предмет из классической мифологии: похищение Персефоны Плутоном, богом подземного мира.Бернини очень драматично показывает кульминационный момент. Работа очень реалистична - особенно это видно по интересу Бернини к текстурам, которые обычно не изображаются так естественно в скульптуре. Здесь даже мимолетные слезы высечены в камне.
Бернини
Аполлон и Дафна
1622-25
Еще одна ранняя работа Бернини, эта скульптура также изображает соблазн, заимствованный из классической мифологии, как сказал Овидий.(Бернини, чрезвычайно религиозный художник, продолжит изображать религиозные предметы в своей более поздней карьере.) В этой истории Дафна спасена от изнасилования богами, которые превратили ее в лавровое дерево. Хотя эту метаморфозу нелегко передать реалистично, Бернини это делает! Здесь, в кульминационный момент, мы видим, как ее ноги превращаются в стволы деревьев, а руки - в листья. Представьте, как сложно изобразить листья на мраморе.
Бернини
Дэвид
1623
Изображение Бернини библейского героя намного динамичнее, чем у Микеланджело.Он изображает кульминационный момент, как Дэвид - о качелях. Ноги Давида широко расставлены, и он смотрит вперед на Голиафа, который находится в пространстве зрителя за пределами зоны скульптуры. Это иллюстрирует еще одну черту барокко: скульптура часто вторгается в зрительское пространство.
Бернини
Алтарь Святой Терезы с Экстаз Святой Терезы
1645-52
Некоторые произведения в стиле барокко трудно охарактеризовать средствами массовой информации - это скульптура или архитектура, или и то, и другое? (См. Также книгу Бернини Baldacchino .Таким образом, еще одно качество, которое иногда проявляется в искусстве барокко, - это объединение архитектуры и скульптуры. Вся эта часовня, за пределами нефа маленькой церкви, была задумана как скульптурная картина, целая живописная сцена. Когда зрители стоят в часовне, они вовлекаются в произведение, то есть стираются пространственные границы. Справа и слева зрители смотрят на что-то вроде оперных лож. Там они видят рельефные скульптуры членов семьи Коронаро, заказавшей эту работу.Но эти скульптурные фигуры наблюдают за чудом мистического переживания любви Святой Терезы, и это привлекает зрителей в часовне, чтобы они тоже были свидетелями этого чуда.

Здесь мы снова видим очень драматичную и эмоциональную работу. Художники барокко обожают красноречивую драпировку - она ​​объемная и безвольно свисает, чтобы показать истощение святого и подчинение божественной любви. Еще одно качество барокко - скрытый источник света, который также помогает передать чувство откровения.

[ Щелкните здесь, чтобы узнать больше о Св.Тереза ​​и собственный отчет о ее опыте. ]

Живопись

Караваджо
Ужин в Эммаусе
c. 1600
Караваджо, хотя и недолго просуществовал, был одним из самых влиятельных художников эпохи барокко. В частности, художники по всей Европе копировали его театральные световые эффекты.Подобно скульпторам барокко, Караваджо выбрал здесь самый кульминационный момент в своей истории - когда ученики узнают воскресшего Христа. Сравните их буйную и интенсивную физическую реакцию с бестолковым трактирщиком. И так же, как «Давид » Бернини, казалось, вторгался в пространство зрителя, так и здесь укороченные руки, кажется, прорываются сквозь плоскость изображения и вторгаются в наше пространство. Хотя это чудесный момент, Караваджо изобразил его правдоподобно. Фигуры не идеализированные, а настоящие морщинистые мужчины.
Артемезия Джентилески
Юдифь и ее служанка с головой Олоферна
1612-21
Джентилески, очень известная художница своего времени, была заново открыта учеными-феминистками двадцатого века. Поскольку ее отец был художником, у нее были возможности, недоступные для самых талантливых женщин, которые не могли участвовать в системе ученичества - методе обучения художников.Она была одной из многих подражателей стилю Караваджо, с одним отличием. Обычно она выбирала истории, в которых фигурировали сильные, героические женщины. Какие черты барокко можно выделить в этой картине?
Рубенс
Похищение дочерей Левкиппа
1618
Рубенс, фламандский художник, так же важен, как и Бернини, в распространении стиля барокко.Он был международным художником, который написал множество картин для меценатов во многих европейских странах. Будучи плодовитым художником, он изображал религиозные и мифические сюжеты, писал портреты, придумывал политические аллегории и даже писал пейзажи.

Здесь он изображает мифический предмет - одно из тех повторяющихся произведений искусства, в которых мужчина преследует женщину. Сюжет по своей сути драматичен, и нестабильная композиция подчеркивает его драматизм, поскольку элементы вращаются вокруг оси, как вертушка.Цвет Рубенса часто драматичен, и его интересуют реалистичные текстуры - гривы и шубы лошадей, женское тело и тому подобное.

Рубенс
Снятие с креста
1612-14
Рубенс жил в католической стране, поэтому ему было поручено написать несколько алтарей. (У художников в протестантских странах такой возможности не было.) На этой большой картине очень эмоционально изображено снятие Христа с креста. Обратите внимание на использование диагонали, распространенного в стиле барокко средства для подчеркивания драматизма сцены. Сравните эту драматическую композицию с устойчивыми композициями Высокого Возрождения, такими как Рафаэль «Свадьба Девы» .

5 величайших художников барокко и их работы - DailyArtMagazine.com

Рубенс, Караваджо, Веласкес, Рембрандт и Пуссен - это имена 5 величайших художников эпохи барокко 16-17 веков, периода, в течение которого были богатые краски и искусство стало характеризовать широкий спектр индивидуалистических стилей.

Караваджо - Вакх

Мало кто знает, что Микеланджело Караваджо, один из самых влиятельных художников эпохи барокко, при жизни был известен своим агрессивным поведением.Итальянский художник, ведущий реформатор европейского искусства XVI и XVII веков, якобы не раз в жизни совершал преступления. В возрасте 38 лет он умер при загадочных обстоятельствах в Порто Эрколе в Тоскане.

Вакх, Караваджо, 1595, Музей-галерея Уффици, Флоренция

Картина «Вакх» была написана во время пребывания Караваджо в 1595 году со своим первым покровителем, кардиналом дель Монте, и представляет собой интерпретацию Караваджо натурализма.

Рембрандт - Автопортрет с двумя кругами

Рембрандт ван Рейн, выдающийся голландский художник, родился в 1606 году на территории современной Голландии, и хотя он никогда не выезжал за границу, его работы были вдохновлены иностранными влияниями.Когда большинство людей думают о самых выдающихся художниках эпохи барокко и Золотом веке Голландии, почти всегда на ум приходит Рембрандт. Это потому, что его работа была действительно значимой. Огюст Роден однажды сказал: «Сравните меня с Рембрандтом? Какое кощунство! С Рембрандтом, колоссом искусства! Мы должны падать ниц перед Рембрандтом и никогда никого не сравнивать с ним! »

Автопортрет с двумя кругами, Рембрандт, 1665–1668, Кенвуд Хаус, Лондон

«Автопортрет с двумя кругами» - это мистическое произведение, написанное в последние годы жизни Рембрандта и одно из его многочисленных автопортретов.

Питер Пауль Рубенс - Сад любви

Питер Пауль Рубенс, еще один из 5 величайших художников эпохи барокко, известный как «принц художников и художник принцев», был ярким фламандским великим мастером искусства, родившимся в 1577. На его работы сильно повлияли исторические и мифологические идеалы, а его уникальный стиль живописи стал ассоциироваться с Контрреформацией.

Сад любви, Питер Пауль Рубенс, 1630–1631, Музей Прадо, Мадрид

«Сад любви» был символом любви для его второй жены, молодой и красивой Хелены Фурман.На картине изображена сцена флирта в утопическом саду, наполненном элементами эпохи Возрождения.

Диего Веласкес - Венера-дель-Эспехо, «Рокби-Венера»

Один из 5 величайших художников эпохи барокко, упомянутых в моей статье, - Диего Веласкес, олицетворяющий золотой век Испании. Он также был одним из лучших портретистов своего времени. Веласкес был знаком с итальянским искусством; поэтому его вдохновение изначально исходило от таких художников, как Рафаэль и Микеланджело. Позже его работы вдохновляли реалистов и импрессионистов.

Рокеби Венера, Диего Веласкес, 1647–1651, Национальная галерея, Лондон

Католическая церковь подвергала резкой критике картину «Рокеби Венера», однако это единственное сохранившееся полотно Веласкеса, изображающее наготу.

Николя Пуссен - Пейзаж со спокойствием

Этот художник эпохи классического барокко, основатель французской классической традиции, часто описывается как воплощающий противоположные черты Караваджо, и в этом есть доля правды.

Похожие записи

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *