Современное искусство и мода: Искусство в моде или модное искусство: тренд на арт-фэшн коллаборации

10 главных мыслей об искусстве и моде с мероприятия Art & Fashion при поддержке InStyle​

На -1 этаже Универмага «Цветной» в арт-пространстве Astra Lab прошла дискуссия «Art&Fashion: Роман по Любви!»

В рамках мероприятия ​Art & Fashion при поддержке InStyle​ состоялся паблик-ток, посвященный союзу моды и современного искусства. Спикеры, среди которых были дизайнер Светлана Тегин, художник Владимир Глынин, модель и художник Евгения Макарова, фэшн-директор Catcher Concept Store Лидия Александрова, главный редактор приложений «Стиль.Женщины» и «Стиль.Мужчины» газеты «Ъ» Натела Поцхверия, главный редактор InStyle Юрате Гураускайте, поделились своим опытом и обсудили сходства и различия между миром моды и искусства. 

Главный редактор фэшн-приложений газеты «Ъ» Натела Поцхверия, дизайнер Светлана Тегин, художник Владимир Глынин, фэшн-директор Catcher Concept Store Лидия Александрова, модель и художник Евгения Макарова, главный редактор InStyle Юрате Гураускайте фото № 1

Главный редактор фэшн-приложений газеты «Ъ» Натела Поцхверия, дизайнер Светлана Тегин, художник Владимир Глынин, фэшн-директор Catcher Concept Store Лидия Александрова, модель и художник Евгения Макарова, главный редактор InStyle Юрате Гураускайте

В рамках дискуссии участники паблик-тока ответили на множество актуальных вопросов: что общего у моды и искусства? почему современное искусство имеет влияние на моду? влияет ли мир моды на мир арта? является ли сама мода искусством? есть ли мода на современное искусство и какова его роль в современном мире? самые яркие коллаборации художников и дизайнеров нашего времени? что является составляющими успеха для художника и дизайнера и как занять свое место в истории?

10 главных мыслей об искусстве и моде с мероприятия Art & Fashion при поддержке InStyle​ фото № 2


Содержание

InStyle​ делится итогами паблик-тока и ключевыми мыслями спикеров о моде и искусстве

Светлана Тегин

«Между миром моды и искусства много общего. Сам процесс создания костюмов, мудбордов, возникновения идей и философии коллекции очень похож на формирование концепции выставки или объекта современного искусства. 

Что касается различий, в моде все существует вокруг человека, персоны. Мода — это про сейчас, про материальное и сиюминутное. Творчество художника всегда работает на будущее. Часто современный художник остается недопонятым. Поэтому художники с модельерами все чаще сотрудничают».

Владимир Глынин

«И дизайнера одежды, и художника объединяет творческий процесс, создание определенного объекта. Но в то же время есть разница в целях и задачах, которые ставят на сегодняшний день современные художники и дизайнеры одежды. Мода все-таки неотъемлемая часть культуры потребления, а это именно то, с чем борется современное искусство. Эта двойственность рождает интересные коллаборации и союзы. При этом создание дизайнером коллекции — невероятно творческий процесс. Я убежден, что многие дизайнеры — настоящие художники». 

Лидия Александрова

«Не будем забывать, что мода делится на прет-а-порте и кутюр. Кутюр намного ближе к искусству, чем прет-а-порте. Например, последняя кутюрная коллекция Viktor & Rolf с мессенджами на платьях, скорее всего, даже не найдет своего клиента. Но это искусство, которое обращено не столько к клиентам, сколько к людям».

Натела Поцхверия

«Я часто беру интервью у дизайнеров и креативных директоров модных домов и каждый раз задаю им довольно избитый вопрос: "Все-таки мода — это искусство или ремесло?" Помню, один из дизайнеров выделил очень хорошую формулу: "Мода — это творчество, пока мне на стол не положат отчеты о коммерческой успешности моей предыдущей коллекции". 

Примеров сотрудничества дизайнеров с художниками стало больше. За последние 10 лет трафик посетителей в музеях увеличился на 35%. Растущий интерес публики к искусству не могли оставить без внимания большие дома моды. Второй интересный момент — это возможность купить арт-объект. Когда видишь коллаборацию Яей Кусамы с Louis Vuitton, ты понимаешь, что не сможешь позволить себе скульптуру художника, зато можешь купить коллекцию, которая продается в бутике Louis Vuitton, и почувствовать себя причастным к ее творчеству.   

Сейчас век дизайна — это уже нельзя назвать искусством. Искусство — это идея, послание, которое транслирует художник в своих работах. И его нельзя сделать доступным. В то же время дизайн дает возможность сделать этот продукт потребляемым». 

10 главных мыслей об искусстве и моде с мероприятия Art & Fashion при поддержке InStyle​ фото № 3

Евгения Макарова

«Люди стали больше ходить в музеи, само искусство стало модным. Модно говорить: "Я люблю искусство", "Оно мне нравится". Мода, безусловно, тоже на это повлияла. Создавая коллаборации с художниками, модная индустрия заинтересовывает молодежь». 

Владимир Глынин

«Искусство призвано призывать зрителей к внутренним проявлениям индивидуальности. Но коммерческая составляющяя всегда взывает к низменным проявлениям — здесь, как мне кажется, нарушена главная задача современного искусства. Искусство, которое мы имеем сегодня, появилось благодаря импрессионистам. До этого оно было очень декоративным и выполняло пропагандисткие функции. С появлением импрессионистов искусство встало на совершенно другой путь развития. Современное искусство часто бывает сложным для восприятия. В нашей стране долгое время его вообще не было, соответственно не было культуры и понимания, как его воспринимать, — это основная проблема. Нет объяснений к современному искусству. Поэтому современное искусство сегодняшнего дня провокационно и скандально, оно взывает ко многим социальным и политическим вопросам. Мне обидно, когда его цели и задачи совершенно меняются ради бизнеса.

В моде вещи делаются для продажи. Но в искусстве преобладает желание обладать и наслаждаться арт-объектом каждый день. Это сильная мотивация. На сегодняшний день искусство стало очень доступным — много музеев, в том числе и современного искусства, большое количество частных галерей, выставочных проектов. Поэтому искусство по своей сути стало очень демократичным и доступным. Его не обязательно покупать, чтобы проявлять свою любовь к нему. Но мы здесь все за то, чтобы его все же покупали. Особенно в нашей стране и тем более по вполне доступным ценам».

Арт-гид: модные коллекции, вдохновлённые современным искусством

Несмотря на то, что мода давно заслужила право стать самостоятельной формой искусства, дизайнеры не спешат забыть о коллаборациях с художниками. Наоборот, мода и современное искусство продолжают сотрудничать, налаживая ещё более глубокий диалог. Часто уникальное видение художника дополняет замысел дизайнера, а модные дома с радостью смешивают собственные многолетние традиции и по-настоящему свежий взгляд. Взаимное вдохновение, безграничный талант и любовь к искусству — так рождаются шедевры арт-фэшн.

Журнал об искусстве Точка ART собрал 10 самых ярких дизайнерских коллекций, созданных в коллаборации с современными художниками.


Louis Vuitton x Richard Prince

Louis Vuitton Spring 2008, After Dark © vogue.com

В 2008 году Марк Джейкобс создал коллекцию весна-лето, вдохновителем которой стал художник Ричард Принс. «After Dark» — так назвали шоу — отсылала к двум знаковым работам Принса — Nurses и Jokes. Белые полупрозрачные платья, маски в горошек — Louis Vuitton отдал дань «медсёстрам» Принса, оживив его лучшие картины. Модели вышли в белых чепцах с ярко-красными кровавыми буквами — так, чтобы из них сложилось название модного дома. А сам Принс в свойственной ему ироничной манере вынес на подиум ещё и остросоциальные шутки: о бедности, расовой проблеме и вопросах пола. Благодаря его серии Jokes на культовых сумках Louis Vuitton появился уникальный симбиоз стёртой монограммы LV, змеиной кожи и злободневных текстов Принса.

Dior x Andy Warhol

Christian Dior, Fall 2013 © Vogue

Christian Dior, Fall 2013 © Vogue

Christian Dior, Fall 2013 © Vogue

Christian Dior, Fall 2013 © Vogue

Основой коллекции Dior осень-зима 2013 послужили работы Энди Уорхола — известнейшего американского художника 1960-х годов. Поп-арт стал вдохновением для Рафа Симонса — на тот момент креативного директора Dior. Трепетная любовь модного дома к искусству далеко не случайна: ещё в 1928 году создатель бренда Кристиан Диор открывает художественную галерею, где выставляет Рене Магритта, Пабло Пикассо, Марка Шагала. Диалог искусства и моды, начатый в нача

Как дизайнеры одежды стали художниками – Архив

Моду — в первую очередь от-кутюр, которая создается вручную и не предназначена для масс-маркета, — порой рассматривают как искусство. Конечно, классическое вечернее платье от Кристобаля Баленсиаги, продемонстрированное на подиуме или выставленное в стеклянной витрине музейного зала, производит впечатление произведения искусства, несмотря на то что это произведение мира моды. То, что модные выставки стали проводиться в музеях, несомненно способствовало стиранию границы между искусством и модой. Кроме того, некоторые модельеры стали позиционировать себя как художники, в то время как все большее число художников начали проявлять интерес к моде. Несколько лет назад я организовала симпозиум под названием «Искусство моды». После моего выступления одна из слушательниц выразила свое удивление и разочарование тем, что я вообще ставлю под сомнение, можно ли рассматривать моду как искусство. Вопрос об отношениях моды и искусства остается открытым по многим причинам, совершено независимо от спорного самого по себе определения понятия «искусство», которое существенно изменилось с течением времени.

Является ли мода искусством? Кому это решать? Обычно под словом «искусство» подразумевается ограниченное число произведений элитарной культуры — живопись, скульптура, музыка. Мода, напротив, в первую очередь воспринимается как индустрия (даже когда в ней явно присутствует элемент творчества) и неотъемлемая часть повседневной жизни. В этой главе мы обратимся к истории современной моды с конца XIX столетия и до наших дней, чтобы исследовать, какое место в разное время отводилось моде по отношению к искусству и при каких обстоятельствах модельеров стали уподоблять художникам. В частности, я хотела бы исследовать обсуждения взаимоотношений искусства и моды, которые серьезно разрослись с 1980-х годов, особенно в связи с экспонированием моды в музеях.

Традиционно к моде относились скорее с пренебрежением — как к чему-то поверхностному, недолговечному и плотскому. Искусство, напротив, ценилось — как форма, исполненная смысла, бесконечно прекрасная и духовная по природе (хотя в последние годы эти качества были полностью поставлены под сомнение). Поскольку мода меняется и изменчивость составляет суть моды, считалось, что в ней нет истины и вечного идеала красоты, которые обычно ассоциировались с высоким искусством. Примечательно, что викторианские моралисты называли моду «капризной богиней», тем самым признавая ее могущество, но в то же время подчеркивая иррациональность и беззаконие. Другие критики-культурологи описывали моду как «любимое дитя капитализма», утверждая, что изменения стиля в одежде объясняются исключительно жадностью капиталистов и доверчивостью потребителей, поскольку каждая «последняя» новинка моды никогда не бывает красивее и функциональнее своих предшественниц. Таким образом, несмотря на присущие моде эстетические составляющие, она обычно рассматривалась как предмет потребления, в то время как искусство ассоциировалось с более высокой эстетической сферой. Конечно, картины и скульптуры — тоже товар, но искусство обычно переступает через границы этого статуса, тогда как мода кажется погрязшей в своей коммерческой сущности.

И хотя эти представления могут показаться устаревшими и упрощенными, они продолжают играть на удивление важную роль в современном дискурсе, касающемся искусства и моды. Критики продолжают настаивать на том, что «искусство — это искусство, а мода — это индустрия», как выразился Майкл Будро в своей статье «Искусство и мода» (Art & Fashion), опубликованной журналом Artnews в 1990 году, отсылая нас к «идеалу», согласно которому «искусство — это творение личности, ярко пылающей огнем высокого вдохновения», в то время как мода, «то есть торговля тряпками... происходит без подобных иллюзий». Как замечает Роберт Редфорд, на протяжении веков моду «представляли как „нечто другое” по отношению к искусству», поскольку она «полностью противоречит его представлениям о неизменности, правде и подлинности и воспринимается как нечто чрезвычайно опасное, когда вероломно вторгается в цитадели искусства... как если бы девственная чистота искусства постоянно подвергалась риску быть оскверненной». С этим согласится любой, кому случалось читать обзоры музейных выставок, посвященных моде! Уже в Елизаветинскую эпоху Шекспир сравнивал моду с «ловким вором», который «скорее изнашивает платья, чем человек». Эта метафора показательна, потому что уничижительное отношение к моде почти наверняка связано с тем, что одежда надевается на тело и поэтому отождествляется с физическим, сексуальным и, если идти дальше, — разлагаемым биологически. Кроме того, долгое время мода ассоциировалась с женским тщеславием — даже в те исторические периоды, когда мужское платье было по меньшей мере таким же замысловатым и пышным, как женское. Искусство же, напротив, чаще всего ассоциировалось с маскулинным гением.

Модельеры — от Ворта до Сен-Лорана

  • Чарльз Фредерик Ворт

    Фотография: The Metropolitan Museum of Art

    1/5

  • Чарльз Фредерик Ворт

    Фотография: The Metropolitan Museum of Art

    2/5

  • Чарльз Фредерик Ворт

    Фотография: The Metropolitan Museum of Art

    3/5

  • Чарльз Фредерик Ворт

    Фотография: The Metropolitan Museum of Art

    4/5

  • Чарльз Фредерик Ворт

    Фотография: Wikipedia

    5/5

Итак, давайте обратимся к первому модельеру — мужчине, — который назвал себя художником. Когда Чарльз Фредерик Ворт в 1858 году открыл свое модное ателье на Рю де ла Пэ, модные ателье были скромной отраслью ремесленного производства, в котором большей частью были заняты женщины — портнихи, обслуживавшие индивидуальных клиенток. Многие женщины сами шили одежду для себя дома, в то время как мужчины обращались к портным или покупали вещи в магазинах готового платья. Всего за несколько лет Ворт добился того, что структура и имидж отрасли начали трансформироваться, постепенно превращая ее в то, что впоследствии получило имя «высокая мода», или «от-кутюр». Несмотря на то что высокая мода предполагает большее количество тонкой ручной работы, чем мода промышленного производства, расхожее мнение, согласно которому платье от-кутюр — это уникальный, единственный в своем роде объект, подобный произведению искусства, слишком наивно в своей простоте. Одним из нововведений Ворта стало производство демонстрационных коллекций одежды, предназначенных для показа покупателям, будь то индивидуальные клиентки его ателье, под которых платье впоследствии подгонялось, или получавшие все большее распространение магазины готового платья, которые располагались в больших универмагах и предлагали также сшить одежду на заказ. В конечном итоге модный дом Ворта превратился в масштабное предприятие, обладавшее немалым весом на международной деловой арене и имевшее в штате более тысячи сотрудников.

Ворт внес ощутимую лепту в формирование образа высокой моды как искусства, но он сделал это, находясь в особых исторических условиях, когда мода в целом становилась все демократичнее. Имеет значение и то, что от-кутюр развивалась параллельно с массовым промышленным производством готовой одежды; по сути, это две стороны современной модной индустрии. (Одновременно с этим революцию переживала и сфера розничной торговли, где передовые позиции захватили крупные универсальные магазины.) Задолго до того как появилось понятие «брендинг», Ворт тщательно заботился о том, чтобы в нем видели художника, и работал над своим внешним обликом, копируя образ Рембрандта (то же самое делал Рихард Вагнер) (ил. 1). Это помогло ему повысить свой престиж, по крайней мере в мире моды, где каждую созданную им модель встречали как произведение искусства, которого достойны лишь избранные клиенты из числа элиты. Впрочем, во всем остальном мире к нему по-прежнему относились как к торговцу-нуворишу. Пресса описывала его как настоящего диктатора от моды, предоставляющего своим клиенткам лишь минимальную возможность выбора — например, самостоятельно решать, какого цвета будет платье, — но обычно жаждущего контролировать все эстетические аспекты.

Желая полностью соответствовать романтическому образу художника, Ворт подчеркивал, что для того, чтобы создать платье, ему необходимо вдохновение. (Золя высмеял эти заявления в романе «Добыча» (La Curée, 1871), где есть списанный с Ворта персонаж — модный портной Вормс, который впадает в показную меланхолию, если вдохновение к нему не приходит.) Очевидно, именно с желанием придать большую убедительность этому образу кутюрье-художника связан еще один стратегический прием — черпать вдохновение из сокровищницы высокого искусства прошлого. Так, для некоторых моделей Ворта источником вдохновения послужили полотна ван Дейка; и светские дамы, заказывая художникам свои портреты, желали быть запечатленными только в платьях от Ворта. Как заметил французский эстет Октав Юзанн, «некоторые наши фасоны — не более чем обычные копии с картин старых мастеров; зарождается мода на моду».

Но самое главное, что Ворт первым стал нашивать на одежду свои фирменные ярлыки. В дальнейшем гриф модельера был наделен той же функцией, что и подпись художника, — устанавливал подлинность. Далеко не во всех культурах статус художника так разительно отличается от статуса ремесленника; но эти различия прочно укоренились в западной культуре начиная с XVI века, когда живописцы наконец добились того, чтобы их признали художниками, ведь прежде к ним относились как к остальному мастеровому люду. Подпись на картине сообщала, чья рука ее создала (и кому принадлежит ее замысел). Сегодня исторические модели модного дома Ворта, при условии что на них в целости сохранился оригинальный ярлык, продаются на аукционах в десять раз дороже, нежели аналогичные платья без ярлыка или изделия менее именитых модельеров. Созданные Вортом платья часто становятся экспонатами музейных выставок, посвященных истории моды и портновского мастерства.

  • Поль Пуаре

    Фотография: The Metropolitan Museum of Art

    1/4

  • Поль Пуаре

    Фотография: The Metropolitan Museum of Art

    2/4

  • Поль Пуаре

    Фотография: The Metropolitan Museum of Art

    3/4

  • Поль Пуаре

    Фотография: Wikipedia

    4/4

«Мода, как и все остальные искусства, занимает свое место в музее, — говорит Памела Гольбен, один из кураторов парижского Музея моды и текстиля. — Нет никакого противоречия между модой как индустрией и искусством. Ворт подавал себя как художник, и с самого начала во Франции высокая мода воспринималась как искусство, но вместе с тем и как индустрия». По словам Гольбен, «англо-саксы не замечают явных различий между одеждой, которую они носят, и модными изделиями, которые демонстрируются в музее, поэтому в англо-саксонских музеях предметы одежды приходится помещать в определенный контекст, добиваясь этого либо посредством дизайнерских решений, либо за счет стилизации выставочного пространства, в то время как мы [французские кураторы] стараемся сделать его максимально абстрактным, чтобы люди формально воспринимали [представленные в экспозиции предметы одежды] так же, как любое другое произведение искусства».

В то время как парижские кутюрье, такие как Ворт, пытались представлять себя художниками, авангардные художники и интеллектуалы создали новую форму одежды, в качестве альтернативы моде. Например, Уильям Моррис, который видел в моде «странного монстра, родившегося из пустоты жизни богачей и усердия конкурирующей торговли», предпочитал одевать свою супругу в свободное платье, смутно напоминающее средневековое. В свою очередь, Оскар Уайльд, возможно, самый знаменитый защитник идей эстетизма, воплощенных в костюме, говорил, что мода — «это настолько невыносимая форма уродства, что мы вынуждены менять ее каждые полгода». На европейском континенте Анри ван де Велде, Густав Климт, Мариано Фортуни и Йозеф Хоффман также создавали преобразованные, художественные платья. Однако желавших примерить на себя этот артистический стиль и тем более носить такую одежду, было крайне мало.

Несколько позже утопическую идею антимоды также пытались воплотить итальянские художники-футуристы, в частности Джакомо Балла, и русские конструктивисты, к числу которых принадлежали Варвара Степанова и Александра Экстер. И хотя некоторые из этих инициатив оказали влияние на моду, в целом они так и не нашли себе места внутри ее системы. Например, Балла создал всего несколько оригинальных предметов одежды; его никак не назовешь профессиональным модельером. Другая экспериментальная попытка соединить искусство и моду была предпринята художницей Соней Делоне; ее «Симультанный бутик» (Boutique Simultané), организованный в союзе с кутюрье Жаком Хеймом, был представлен на парижской Выставке современного декоративного искусства и художественной промышленности 1925 года в разделе, посвященном моде. Но большей частью и художественные предметы одежды, и утопические доктрины антимоды оставались на периферии системы моды.

На этом фоне одним из наиболее влиятельных модельеров начала XX века был Поль Пуаре. Совсем недолго проработав у Ворта, Пуаре основал собственный дом моделей, который специализировался на прогрессивных моделях, часто с ориентальными мотивами, которые произвели революцию в довоенном мире моды. Как и Ворт, Пуаре именовал себя художником; вдобавок к этому он покровительствовал другим передовым художникам — иллюстраторам и сценографам. «Дамы приходят ко мне, чтобы заказать платье, — точно так же они обращаются к выдающимся художникам, если хотят иметь собственный портрет, написанный на холсте. Я художник — я не портной», — заявил Пуаре в 1918 году. Тем не менее он создавал не только дорогие модели для избранных клиентов, но и сотрудничал с производителями готовой одежды, которые выпускали множество копий этих моделей для широкой продажи.

Если Пуаре задействовал элитарную культуру как инструмент своей риторики и боролся с противоречиями, которые неизбежно вызывал такой подход, то Коко Шанель, судя по всему, вполне благосклонно отнеслась к тому, что журнал Vogue сравнил ее платья, выполненные в стиле модерн, с собранными на конвейере автомобилями марки «Форд». «Платье — это не трагедия и не картина, — заявила Шанель, — это очаровательное и недолговечное творение, но не бессмертное произведение искусства. Мода должна умереть и умереть быстро, ради того чтобы могла выжить коммерция». Шанель не только относилась к Пуаре как к костюмеру («Шахерезада — это легко, маленькое черное платье — это трудно»), она также пренебрежительно называла свою великую соперницу Эльзу Скиапарелли «эта итальянская художница, которая делает одежду», — недвусмысленно намекая на то, что художнику не место в мире моды.

  • Кристобаль Баленсиага

    Фотография: theredlist.com

    1/7

  • Кристобаль Баленсиага

    Фотография: Irving Penn

    2/7

  • Кристобаль Баленсиага

    Фотография: Philippe Pottier

    3/7

  • Кристобаль Баленсиага

    Фотография: Henry Clarke

    4/7

  • Кристобаль Баленсиага

    Фотография: theredlist.com

    5/7

  • Кристобаль Баленсиага

    Фотография: Henry Clarke

    6/7

  • Кристобаль Баленсиага

    Фотография: Boris Lipnitzki

    7/7

Подобно Пуаре, которого она называла «Леонардо от моды», Скиапарелли относилась к дизайну одежды не как к «профессии, но как к искусству». Она неоднократно вступала в творческий альянс с художниками — Сальвадором Дали, Жаном Кокто, Бебе Бераром и Вертесом — и говорила, что, работая с ними, ощущает «поддержку и понимание, уносящие за пределы грубой и скучной реальности, где платья просто делаются на продажу». Без Скиапарелли и ее работ не обходится ни одна книга и ни одна выставка, посвященная искусству и моде, благодаря ее сотрудничеству с такими художниками, как Сальвадор Дали, с которым она создала известные всем сюрреалистические фешен-объекты — «Шляпу-туфлю» (Shoe Hat) и «Платье с вырванными лоскутами» (Tear Dress (это название часто переводят как «Платье-слеза»)). И хотя существуют свидетельства, указывающие на то, что роль Дали здесь первична, поскольку именно ему принадлежат эскизы этих вещей, Скиапарелли, определенно, видела этот дизайн через призму художественного вдохновения («безумные идеи»), и превратила свой модный дом в то, что Кокто назвал «лабораторией Дьявола» сарториального маскарада.

Обладая модернистским сознанием, Шанель была предана идее моды как аспекта современной жизни. В отличие от нее, и Пуаре, и Скиапарелли видели в моде театр, перформанс — а следовательно, форму искусства. Тем не менее все они работали внутри той системы моды, которая сформировалась в Париже и была ориентирована на пошив «штучных» вещей — а традиционно мода в Париже серьезнее, чем где бы то ни было, воспринималась именно как форма искусства. Надо признать, что после Второй мировой войны такие кутюрье, как Кристиан Диор, стали все больше развиваться в сторону менее дорогих линий и лицензионных копий, а также сопутствующих товаров — фирменного парфюма, чулок и бижутерии, но при этом престиж парижской моды возрос до невиданных прежде высот. Миф о парижской моде распространялся все дальше, даже несмотря на то что в действительности она становилась все более демократичной.

«Мода — это искусство. Искусство — это творчество, а мужчины — творцы», — заявил кутюрье Жак Фат в 1954 году, тем самым нивелируя господство женщин-модельеров, которое было характерно для 1920-х и 1930-х годов. Действительно, если не считать Шанель, которой удалось вновь открыть свой дом моделей в 1954 году, после войны большинство известных французских модельеров составляли мужчины: Диор, Фат и Баленсиага, а несколько позже еще и Карден, Курреж и Ив Сен-Лоран. Такое превосходство мужчин, вероятно, связано с нараставшей тенденцией особо подчеркивать в прессе художественный талант и одаренность модельеров. «Почему вы работаете в мире гениев?» — спрашивали Шанель в 1956 году. «Мы не художники, а производители одежды. Суть истинного произведения искусства в том, чтобы, сперва показавшись отвратительным, затем превратиться в нечто прекрасное. Суть моды в том, чтобы мгновенно очаровать, а затем превратиться в нечто отвратительное. Нам нужны не гениальные озарения, а изрядное мастерство и немного вкуса».

Еще в 1959 году Реми Сейсселин, специалист в области искусства XVIII столетия, опубликовал в Journal of Aesthetics and Art Criticism эссе «От Бодлера до Кристиана Диора: поэтика моды». В этой работе он утверждает, что «мода превратилась в разновидность искусства». Однако прошло еще немало времени, прежде чем появились другие международные публикации, затрагивающие тему моды как искусства, — это произошло только в 1980-е годы, и поводом для большинства из них стали посвященные моде выставки, для которых музеи стали предоставлять свои залы. Несмотря на это, с 1950-х по 1970-е годы эстетические аспекты моды были признаны по крайней мере в самом мире моды. Такие модельеры, как Баленсиага, Диор, Мадам Гре, Чарльз Джеймс и особенно Ив Сен-Лоран, именовались современниками не иначе как художники.

  • Ив Сен-Лоран

    Фотография: Wikipedia

    1/3

  • Ив Сен-Лоран

    Фотография: 1stdibs.com

    2/3

  • Ив Сен-Лоран

    Фотография: Willy Maywald

    3/3

И если сам Баленсиага не требовал, чтобы к нему относились как к художнику, то Жак Фат придерживался иной позиции — он настойчиво повторял, что «кутюрье обязан быть архитектором кроя, скульптором формы, художником цвета, музыкантом гармонии и философом стиля». Кроме того, однажды он заявил, что его современник Чарльз Джеймс «не только величайший американский кутюрье, но лучший и единственный в мире портной, который смог возвысить платье, считавшееся прикладной формой искусства, до уровня чистого искусства». Баленсиага был не только дотошным «ремесленником», готовым раз за разом переделывать конфигурацию проймы до тех пор, пока в точности не добьется желаемого результата. Как и Джеймс, он был новатором, мастерски работавшим с трехмерными формами. Его замысловатый крой и драпировки побуждали модных обозревателей сравнивать его с Веласкесом. Более того, находясь внутри системы моды, он был настолько далек от ее пошлой коммерческой стороны, насколько это только было возможно, и ограничивал производство только высококачественными изделиями, предназначенными для избранных заказчиков.

В самом начале этой статьи я сослалась на условное платье Баленсиаги, выставленное в музее. Такое платье, очевидно, было создано кутюрье, работавшим в условиях системы моды, а не человеком, выучившимся на художника, чьи работы выставляются и продаются внутри мира искусства. Платье создавалось для иной цели — чтобы его носила на теле та женщина, которая его купит. Однако изначальная функция объекта, такая как замысел его создателя, далеко не всегда превосходит в своей значимости все иные интерпретации. В музеях хранится бесчисленное количество предметов, которые когда-то предназначались для утилитарных функций, но в настоящее время служат социальным, эстетическим и/или идеологическим. Тем не менее историческая ситуация, соответствующая ей обстановка и символический контекст, в рамках которого создавалась та или иная работа, непременно сказывается на том, что мы в ней видим и какое значение ей приписываем. Создавая платье, Баленсиага создавал модный объект. И все же, став частью музейной экспозиции, платье неизбежно приобретает качества, присущие произведению искусства. Кроме того, с течением времени сложился целый научный дискурс, посвященный творчеству Баленсиаги, и особое внимание в этом дискурсе уделяется именно формальным и художественным достоинствам его работ. Как выразился музейный куратор Ричард Мартин, Баленсиага и другие великие модельеры «позволили ткани обрести голос — точно так же как Морис Луис позволил обрести голос краскам».

И при жизни, и после смерти Сен-Лорана часто сравнивали с художником — отчасти потому, что многие из созданных им вещей несли на себе печать художественного вдохновения, но также и потому, что его работы, которые всегда отличались высочайшим качеством, некоторым образом позволяли и позволяют судить о том, как «в эпоху Сен-Лорана» развивались социальная сфера и эстетика. Например, в 1965 году он представил публике коллекцию платьев «Мондриан», декорированных простым геометрическим рисунком, заимствованным у абстрактных картин Мондриана. Хотя впоследствии многие модельеры заимствовали образы и темы у изобразительного искусства, платья «Мондриан» имели особое значение, поскольку Сен-Лоран осознанно сфокусировал внимание на плоскостной природе вошедшего в моду в середине 1960-х годов А-образного силуэта, который превращал платье в подобие холста. Годом позже, в 1966 году, Сен-Лоран продемонстрировал свои платья в стиле поп-арт, «украшенные» силуэтами обнаженных женщин, словно вырезанных из картин Тома Вессельмана. Поп-арт, несомненно, стал первой несущей опорой моста, который позволил преодолеть пропасть, безнадежно разделявшую элитарную и низкую культуру до 1960-х годов. Подобно Энди Уорхолу Ив Сен-Лоран охотно и с энтузиазмом привносил в свое искусство элементы повседневной жизни.

Сен-Лоран часто рассуждал о своем творчестве и говорил о тех художниках, которые на него повлияли и чьи работы он коллекционировал, например о Матиссе и Пикассо. Кроме того, он часто указывал на свою сверхчувствительность, которую и он сам, и некоторые другие связывали с чувствительностью художественной. Иногда связь между модой и искусством была откровенно нарочитой; например, это можно сказать о коллекции платьев «Пикассо», которую Сен-Лоран представил публике в 1979 году. Критики постоянно подчеркивали, что он мастерски владеет цветом и формой. В 2010 году масштабная выставка работ позднего Сен-Лорана, которую организовал его спутник жизни последних лет Пьер Берже в Малом дворце в Париже, категорично представила его как «одного из величайших художников [XX] столетия».

Мода как инструмент современных художников

Рады представить вам спецпроект PinchukArtCentre и Marie Claire «Мода в искусстве», в рамках которого эксперты Исследовательской платформы арт-центра подготовят серию статей о взаимодействии искусства и моды, о вкладе художников в развитие fashion-индустрии и о месте одежды в произведениях искусства. Сегодня говорим о том, как художники используют инструменты моды. 

В заставке использован фрагмент работы Ильи Исупова «Не время ли уже идти», 1988

Ксения Малых — искусствоведка, кураторка, руководительница Исследовательской платформы PinchukArtCentre.

Художники всегда где-то рядом с модой и дизайном одежды. Коллаборации художников с модельерами приводят к новым эстетическим открытиям. Коллекции, вдохновленные работами художников, могут открыть или воскресить к ним интерес массового потребителя. Но на границе жанров могут возникнуть и полотна Джексона Поллока как принты на плащах и сумках, «Банка супа» Уорхола превратится в орнамент платья, а певица Билли Айлиш объединится с художником Такаси Мураками и они выпустят совместную коллекцию. 

Работы дизайнеров одежды всегда утилитарны, даже самые дерзкие образы не лишены функции одежды. Работы же современных художников не ограничены в формах практически ничем. Одежда в современном искусстве — площадка для высказывания. Если художник обращается в своей практике к одежде, скорее всего он апеллирует к символам массовой культуры, гендерным ролям и гендерным стереотипам, отношениям «личное-публичное» или использует одежду как плоскость для манифеста. 

Художница Алина Копица столкнулась, как и многие другие, с бюрократическими особенностями оформления брака с иностранцем. Кроме увесистого пакета официальных документов, художница была вынуждена ответить на многие очень личные вопросы анкеты, которые должны пролить свет на то, насколько хорошо будущие супруги знают друг друга. А вот для оформления визы гостя в Германию двумя годами ранее ей нужно было предоставлять частную переписку.

Для того чтобы другое государство открыло перед тобой свои границы, нужно сделать то же, но со своими личными границами. Это вопиющее вторжение художница переосмыслила в акте, который можно приравнять к эксгибиционизму. Она напечатала переписку со своим партнером на свадебном платье. Мол, читайте, мне не жалко!

Алина Копица. Свадебное платье, печать на ткани, соавтор дизайна – Екатерина Мусина, 2015/16. Фотографии предоставлены художницей

А для художника Николая Карабиновича одежда — такая же форма, которую он использует в своей художественной практике, как и любая другая (видео, песни, тексты, цвет стен, караоке и много другое). Карабинович происходит из мультикультурной одесской семьи. Это происхождение во многом определяет его практику: его работы о самоидентификации в мультикультурном обществе и о коллективной памяти.

Есть в его арсенале и нерегулярные практики — проекты, которые пунктиром проложены по его творческому пути, к которым он возвращается время от времени. По его мнению художник неразрывно связан с понятиями «мода» и «модный».

В 2016 году он выпустил первую футболку, апеллирующую к культовому бренду BOY LONDON. Сам бренд возник в конце 1970-х в Лондоне на почве рассвета бунтарской культуры. Изначальная идеология бренда была направлена на непонятую, разочарованную молодежь и бесстрашных мятежников. Сам магазин, где бренд зародился, функционировал скорее как панк-клуб с вечеринками, перформансами и периодическим разгоном толпы полицейскими. Бренд переживал несколько новых запусков и волн популярности в разных странах. Периодически бренд сталкивается со скандальными обвинениями в сходстве их логотипа с нацистским орлом. 

Карабинович подошел к переосмыслению этого явления с присущей ему иронией и в этот раз по-партизански. Он использовал метод паразитирования на бренде (как часто вовсе не в художественных целях делают производители в основном в Китае) и изменил смысл бренда, поменяв всего одну букву. 

Фотографии предоставлены художником

Goy (гой) — означает не еврей (не-иудей в иудаизме). И, придерживаясь до конца принципов функционирования fashion-индустрии, он выпустил эти футболки в малом тираже и распространяет через интернет. 

Обнаружив другую неожиданную рифму, которая смешивает совершенно разные культуры, Карабинович выпустил свитшот OY VEY с портретом Шандора Ла-вея (ой-вей — Ла-вей). 

Фотографии предоставлены художником

Ой-вей — известное идишское восклицание, означающее примерно «оох». А Антон Шандор Ла-вей — важный представитель американской треш-культуры, основатель «Церкви Сатаны», идеолог современного сатанизма и автор «Сатанинской библии». 

Так Николай Карабинович сводит в одной работе совершенно разные культуры, как диджей — треки, что не случайно, ведь диджейство является любимым хобби художника.

Художница Леся Хоменко использует традиционный инструмент — живопись, занимается ее переосмыслением. Она одновременно и использует, и опровергает наработки предыдущих поколений живописцев. Например, недавно она решила нарушить все технологии и вместо холста стала использовать бифлекс — сильно тянущуюся ткань, которая в основном используется для танцевальных и спортивных костюмов, купальников. Она пишет человека на бифлексе, а потом, натягивая его на подрамник, искажает фигуру. Эти работы она выставляет не на стенах, а на полу, под углом, натягивает не полностью — демонстрируя, что она чувствует себя свободно с этим материалом. 

Серия «Леся Хоменко и ее школа» 2018. Фотографии предоставлены художницей

Однажды Леся Хоменко в свой день рождения решила сделать перформанс. Она приготовила угощения, позвала гостей. А сестра Леси, дизайнер одежды Яся Хоменко, по заданию Леси пошила ей нарядное платье. Платье переходило в скатерть, покрывающую стол. Так художница и простояла весь вечер, принимая поздравления, но как часть праздничного стола, не имея возможности отойти и присоединиться к вечеринке. 

Перформанс Леси Хоменко «Праздничный стол» Фотография предоставлена художницей

А через несколько лет Яся Хоменко инструментализировала Лесю как художницу. В коллаборации сестер Яся дала задание Лесе нарисовать драпировки (складки ткани). Эти картины стали принтом на ткани, из которой Яся пошила платья. На фотографиях и не разобрать, реальны складки или нарисованы. Здесь сошлись интересы обеих Хоменко. Для Леси — это продолжение исследования границ живописи, а для Яси — эксперимент с присущими ей нотками абсурда. 

Коллаборация Леси Хоменко с брендом _xomenko_

Мода вдохновляется современным искусством, современное искусство вдохновляется модой и использует ее формы и механизмы. Так взаимное наполнение приводит к новым произведениям и направлениям мысли, и делает современную культуру еще более разнообразной. 

10 дизайнеров, которые любят искусство больше, чем моду

Взаимопроникновение моды и искусства становится глубже с каждым годом: модные корпорации открывают собственные музеи, художники выпускают коллекции одежды, дизайнеры выкладывают в свои Instagram шедевры мировой живописи и открыто черпают из них вдохновение. Одним из первых дизайнеров, собиравших искусство для своей частной коллекции, был французский модельер и меценат Жак Дусе. В 1907 году Дусе приобрел полотно Пикассо «Девушки из Авиньона», которое теперь входит в коллекцию нью-йоркского музея МоМА. Современные дизайнеры продолжают традицию удовлетворения собственных эстетических потребностей с помощью дорогостоящего искусства и иногда демонстрируют свои собрания миру. Bazaar.ru публикует подборку дизайнеров, у которых с искусством долгая взаимная любовь.

Миучча Прада

Коллекция из тысячи объектов искусства, которую собрали дизайнер и ее супруг Патрицио Бертелли, по праву заслуживает присутствия в публичном музее — Fondanzione Prada, распахнувшем двери своей постоянной резиденции в Милане в 2015 году. В экспозиции здания по проекту архитектора Рэма Колхаса можно увидеть лучшие образцы коллекции современного искусства Миуччи Прады — работы Ива Кляйна, Лучио Фонтана, Луиз Буржуа, Дэмиена Херста, Пьеро Манцони, Роберта Гобера, Сары Лукас и Франческо Веццоли. Еще одним центром арт-притяжении имени Миуччи является Prada-Marfa, небольшая галерея посреди пустыни Невада. Вопреки фактам, сама Миучча в интервью отказывается называть себя коллекционером или патроном искусства. Тем не менее, дизайнер регулярно преломляет его в своих коллекциях одежды: в 2014 году показ Prada сезона весна-лето был обрамлен декорациями, который на заказ делали шесть художников-муралистов из разных стран. Получившийся визуальный бурлеск Прада обыграла в следующей коллекции, выпустив сумки и платья с арт-принтами.

Лучио Фонтана. Testa di Medusa, 1948−1954. Courtesy Fondazione Prada

Раф Симонс

Для Рафа Симонса все началось в каком-то смысле с белого холста: бельгийский дизайнер признавался в интервью, что начать карьеру в модном мире его вдохновила абсолютно белая, как нетронутый холст, коллекция Мартина Маржелы в 1991 году. Картины же Симонс собирает куда более красочные: Эван Холлоуэй, Майк Келли, Брайан Калвин и Стерлинг Руби. Работы последнего не только легли в основу дебютной haute couture коллекции дизайнера для Dior в качестве принта на платьях, но и были переработаны в совместной коллаборации мужской одежды в 2014 году уже под собственным брендом Симонса.

Стерлинг Руби. Tectonic Temptalia. 2016. Courtesy Gagosian Gallery.

Марк Джейкобс

«Это просто моя страсть. Я начал ходить по галереям и как будто сошел с ума», — рассказал 53-летний дизайнер о своем пути к коллекционированию в интервью одному журналу. Марк Джейкобс начал активно собирать современное искусство в 2002 году. Из этого увлечения родились культовые арт-коллаборации бренда Louis Vuitton, у руля которого Джейкобс провел 16 лет: первой была коллекция сумок, со-дизайнером которых стал японский художник Такаши Мураками. В личной коллекции Джейкобса журналисты насчитали восемь работ англичанина Джона Каррина, огромное полотно Эда Рушей, скульптуру «Пиноккио» Пола Маккарти, несколько работ Ричарда Принса, Урса Фишера, Джона Балдессари и Элизабет Пейтон. Большая часть коллекции дизайнера находится в его парижских апартаментах и таунхаусе в Гринвич Вилладж в Нью-Йорке.

Джон Каррин. Gold Coast. 2012. Работа находится в собрании Марка Джейкобса.

Мэри-Кейт Олсен

Большинство свяжет фамилию Олсен и мир искусства только в контексте романа Эшли с художником Джорджем Кондо. Но они давно расстались, а связь с искусством у Олсен имеется гораздо более тесная: Мэри-Кейт является страстным коллекционером современного искусства. «Все что мне нужно, — это моя кровать и мои любимые арт-работы», — обычно свое хобби и предпочтения девушка не афиширует, но в ее собрании числятся работы Энди Уорхола, Томаса Раффа и Нобиеcи Араки.

Нубиеси Араки. Shiki-in (Color Eros) — U02. 2005

Том Форд

В отточенном эстетическом вкусе дизайнеру и режиссеру Тому Форду отказать невозможно, однако в сфере живописи Форд предпочитает не творить, а созерцать. В его коллекции первоклассные имена, вроде Александра Калдера, Эда Рейнхарта, Энди Уорхола и Элсворта Келли. Тем не менее, предсказуемым Форда-коллекционера назвать трудно: он собирает и современных художников из Лос-Анджелеса, вроде Марка Брэдфорда и Аарона Карри, и даже самоучек. Например, Форд приобрел несколько работ своей подруги, режиссера «50 оттенков серого» Сэм Тейлор-Джонсон. В нью-йоркской квартире Форда есть «сексуальная комната». И это не то, что вы подумали, а тематический выставочный зал с картинами Эллсворта Келли, которые изображают вагины. Да, в квартире Тома Форда.

Эллсворт Келли. Mandorla Form. 1951. Courtesy MoMA

Виктория Бекхэм

По оценкам, стоимость коллекции Виктории Бекхэм и ее супруга Дэвида достигает отметки в сорок миллионов долларов и включает в себя работы Бэнкси, Дэмиена Херста и Сэма Тейлора Вуда. В отличие от подавляющего большинства фигурантов этого рейтинга, у их собрания есть четкая тематика: пара коллекционирует исключительно искусство, посвященное теме любви. Поэтому в известной лондонской галерее White Cube Виктория купила в подарок Дэвиду неоновую надпись Трейси Эмин «For You», а Дэвид преподнес новорожденной дочке Харпер подарок, который она по достоинству сможет оценить гораздо позже, — картину в виде розового сердца с бабочками Дэмиена Херста стоимостью 600 000 фунтов стерлингов. Сейчас работа находится во флагманском бутике Victoria Beckham в Лондоне.

Дэмиен Херст. Untitled. 2000. Эта более ранняя Херста работа незначительно отличается от картины, выполненной по заказу Дэвида Бекхэма, расположением бабочек на холсте.

Томми Хилфигер

Хилфигер достиг той стадии коллекционирования, когда работы из своего собрания можно продавать без особых потерь: на прошлой неделе с молотка на Phillips успешно ушли пять работ Уорхола, Баския, Дебюффе и Харинга из собрания дизайнера, который обожает поп-арт. Большая часть работ, принадлежащих Хилфигеру и его жене Ди Оклеппо, находятся в резиденции в Майами: в фотогеничном особняке дизайнер охотно проводит интерьерные съемки для изданий вроде Architectural Digest.

Жан-Мишель Баския. Untitled (Devil's head). 1987. Работа из собрания Томми Хилфигера, которая была продана на осенних торгах Phillips в Нью-Йорке.

Карл Лагерфельд

Легендарный дизайнер с 1972 года собирает антикварную мебель и предметы декоративно-прикладного искусства, но периодически приобретает живопись и фотографии. В парижской резиденции Лагерфельда есть работы Хельмута Ньютона, одна римская квартира меблирована объектами Wiener Werkstatte (венские мастерские, художественное объединение начала XX века), а дизайн второй, по признанию Лагерфельда изданию The New York Times, вдохновлен «студиями скандинавских художников XIX века».

Хельмут Ньютон. Карл Лагерфельд. 1973

Рик Оуэнс

Авангардная одежда, сделавшая имя американскому дизайнеру Рику Оуэнсу, перекликается с идиосинкратическими работами из его коллекции искусства. Среди деревянной перфорированной мебели собственного дизайна и алебастровых стен в квартире дизайнера располагаются фрески художницы Скарлетт Руж (дочери супруги Оуэнса, Мишель Лами), скульптура-урна эпохи ар-нуво авторства Георга Хоенштеля, мраморные скульптуры от художественного дуэта Barry X Ball и огромная скульптура Хорста Эгона Калиновски.

Barry X Ball. Envy/Purity. 2008 — 2011.

Вирджил Абло

35-летний создатель бренда Off-White и арт-директор Канье Уэста считает, что все виды искусства должны работать вместе. Отсюда в его одежде ассиметричного кроя столько референсов в мир искусства — от принтов Караваджо до элементов современной граффити-культуры. Абло — завсегдатай Арт-Базеля и страстный собиратель стрит-арта: в его коллекции числятся работы Бэнкси, Отелло Гервачио, Джима Джо, Кали Торнхилл Левитта (последний участвовал в модной коллаборации с Канье Уэстом). Но в собрании Вирджила есть и другие современные художники: Такаши Мураками, Трейси Эмин, Рейчел Фейнштейн. «Быть коллекционером — настоящее проклятие. Поиски конкретной вещи могут тебя полностью поглотить. Зато потом наступает эйфория. Я считаю, что главное не видеть искусство вокруг себя, а знать, что оно у тебя есть», — с иронией прокомментировал он в одном из последних интервью переезд в новую квартиру и пустые стены в своей новой миланской мастерской. ДНК коллекции дизайнера пока не сформулировано до конца, в отличие от ДНК его бренда, который любят Джиджи Хадид, Бейонсе и Карли Клосс: «Представьте себе парня, который носит Supreme, и девушку, которая носит Celine. Они вместе. И они оба могут надеть Off-White».

Кали Торнхилл Девитт. Large Wall. 2015

Мода как искусство | Журнал Harper’s Bazaar

Как связаны Chanel и Энди Уорхол, Celine и баухаус, Cartier и ар-деко, Prada и стрит-арт, Mary Katrantzou и сюрреализм? Установить тесные взаимосвязи искусства и современной моды поможет месячный курс лекций «Мода и искусство XX—XXI вв.еков», стартующий 12 мая в ММОМА.

Интенсивом руководит эксперт моды и журналист Илектра Канестри, которая разобрала для Harper’s Bazaar ART экспонаты выставки Manus X Machina: Fashion at an Age of Technology (с 5 мая по 14 августа, Metropolitan Museum, Нью-Йорк) и проанализировала наряды звезд с ежегодного бала Met Gala, темой которого на этот раз стали взаимоотношения рукотворного кутюра и высоких технологий.


Илектра Канестри — эксперт в области моды и дизайна, журналист, преподаватель авторских курсов по истории моды Британской Высшей Школы Дизайна и Московской Школы Кино, лектор Московского Музея Современного Искусства (ММОМА).

Платье Issey Miyake

Платье «Flying Saucer» из коллекции Miyake Design Studio весна-лето 1994. Courtesy of The Miyake Issey Foundation Photo © Nicholas Alan Cope

Традиция использования плиссировки пришла в современную моду из древнегреческого костюма. Этот метод возник еще в античности: тогда он был призван создать классические скульптурные формы, подчеркнуть красоту женского силуэта.
Японский дизайнер Иссей Мияке сделал плиссировку частью своего грандиозного модного эксперимента: вот уже много десятилетий он занимается поиском новых форм, эстетических концептов и способов создания одежды — с минимальным использованием швов или вовсе без них. Эта одежда вступает в неожиданный диалог с человеческим телом: совершенно иначе соприкасается и двигается вместе с ним.

Созданная Иссей Мияке в 1993-м году линия плиссированной одежды Pleats Please до сих пор является одним из самых оригинальных и самобытных явлений в моде».

Костюм Coco Chanel

Карьера, работа, занятия спортом, поездки на автомобиле — в этих новых обстоятельствах 1920−1930-х годов женщинам понадобился принципиально новый гардероб. Элегантный, универсальный, практичный. Коко Шанель точно уловила дух эпохи, и создала моду по принципу «функциональность плюс эстетика».

Модернистский подход Шанель к моде — простой силуэт с геометрической основой, сдержанный декор, графичная колористика — сродни супрематическим экспериментам в искусстве Казимира Малевича, минималистским поискам Миса ван дер Роэ в архитектуре и другим теориям и идеям, появившимся в культуре в этот период.


Платье Christian Dior

Платье haute couture «Vilmiron» из коллекции Christian Dior весна-лето 1952. Шелк, нейлон. The Metropolitan Museum of Art, New York, Gift of Mrs. Byron C. Foy, 1955 (C.I.55.76.20a-g). Photo © Nicholas Alan Cope

Клод Моне, Пьер Огюст Ренуар, Камиль Писсаро, Берта Моризо и другие импрессионисты произвели революцию в живописи, выйдя из мастерских на природу и впустив на свои полотна «живые» цвет, свет и воздух. С ними в живопись врываются новые сюжеты — семьи, гуляющие в Булонском лесу, красивые дамы в элегантных платьях, отдыхающие под зонтиком на живописном лугу, танцы на открытом воздухе.
Подобно импрессионистам, Кристиан Диор «впустил» на свои изящные коктейльные и вечерние платья цветочный декор совершенно нового «качества». Вместо статичных гирлянд и плоскостных цветочных композиций, они украшаются нежной и изящной отделкой, максимально передающей ощущение живых цветений.

Вышивка на этом платье выполнена знаменитым вышивальщиком Ребе (Rebe), с которым дизайнер часто сотрудничал. Нюансировка оттенков, филигранность исполнения «трехмерных» цветов и то, как они «рассыпаны» по ткани, делает наряд символичным изображением цветущего луга. Это платье — подлинное произведение искусства.

Платье Iris Van Herpen

Платье haute couture из коллекции Iris Van Herpen осень-зима 2013−14. Силикон, хлопок. The Metropolitan Museum of Art, New York, Purchase, Friends of The Costume Institute Gifts, 2015 (2016.14)

На мой взгляд, голландский дизайнер Айрис ван Эрпен — одна из главных надежд современного haute couture». Все, что делает эта девушка, абсолютно инновационно. Футуристическая эстетика, необыкновенное мастерство в использовании самых прогрессивных технологий (прежде всего 3-D печати) и высочайшая художественная образность делают ее работы неповторимыми.

Хочется подчеркнуть — подлинная инновационность применительно к моде предполагает формирование новых эстетических канонов посредством использования новых технологий и методов. Проще говоря, новым должно быть и «что», и «как». В случае Айрис ван Эрпен мы без преувеличения говорим о моде будущего.

Свадебный ансамбль Chanel haute couture

Свадебный ансамбль (вид сзади) авторства Карла Лагерфельда для коллекции Chanel haute couture осень-зима 2014−15.Courtesy of CHANEL Patrimoine Collection. Photo © Nicholas Alan Cope

Карл Лагерфельд — дизайнер, который мастерски балансирует на грани классики и модернизма, роскоши и аскетичности, предсказуемости и эпатажности, высокого искусства и неприкрытой коммерциализированности.

Коллекция haute couture сезона осень-зима 2014, показ которой завершился «выходом» этого свадебного платья, является образцом того, как нужно сегодня работать с историческим костюмным материалом: лакончиный белый фон и простая скульптурная форма оттеняют массивную барочную отделку.

Бейонсе в Givenchy Haute Couture

Beyonce на Met Gala 2016

Рикардо Тиши, креативный директор дома Givenchy — знаменитый эклектик от моды. В его фантазии художественные «цитаты» из готической эстетики легко уживаются с футуристическими темами, образами из комиксов и компьютерных игр.

Этот наряд из коллекции Givehcny Haute Couture — очередной пример удачного «гибрида» идей. Сочетание супер-современного материала (латекса пыльного розового оттенка) и «старинного» кроя (рукава и подол платья несут отпечаток средневекового костюма) позволило Бейонс «попасть в тему» бала, не пожертвовав женственностью и изяществом.

Шарлотта Казираги в Gucci

Шарлотта Казираги на Met Gala 2016

Радужное многоцветье и богемный романтизм, навеянный модой belle époque и стилем 1970-х, который не теряет своей актуальности. Это изысканное платье от Gucci с каскадом воланов — идеальное «обрамление» для аристократической красоты Шарлотты Казираги.

Николь Кидман в Alexander McQueen

Николь Кидман на Met Gala 2016

В этом винтажном наряде Alexander McQueen Николь Кидман похожа на сказочную волшебницу. Длинная накидка и тонкой работы отделка, напоминающая звездное небо, придают этому черному с серебром платью загадочный колорит. Декор этого ансамбля отсылает нас к украшенным «космическими» вышивками жакетам и платьям Эльзы Скиапарелли, вдохновленным искусством Сальвадора Дали, Мана Рэя и других представителей сюрреализма.

Зои Салдана в Dolce & Gabbana Alta Moda

Зои Салдана на Met Gala 2016

Украшенное многоцветными перьями вечернее платье Dolce & Gabbana Alta Moda, выбранное Зои Салдана, обладает абсолютно живописной красотой: издалека цветные перья на подоле напоминают «взрывы» краски на черном фоне. Подобные мелкие прерывистые цветовые мазки являются основой многих абстрактных полотен Пауля Клее.

Алекса Чанг в Thakoon

Алекса Чанг на Met Gala 2016

Алекса Чанг вышла на красную дорожку в костюме с элементами пижамного стиля: расшитый крупными пайетками смокинг с запахом и укороченные брюки. Общая эстетика, ощущение удлиненности формы, андрогинность и одновременная хрупкость этого образа напоминают серию портретов молодых людей и девушек, выполненных Амедео Модильяни в 1920-х годах. Выбор Алексы интересен и тем, что it girl сделала ставку на творчество дизайнера более молодого поколения, не столь именитого, но с большим потенциалом — американца Такуна Паничгула из Thakoon.

Курс лекций Илектры Канестри «Отражения: искусство в моде XX—XXI вв.» пройдет в ММОМА на Тверском бульваре, 9 по средам и четвергам, начало в 19.30. Даты занятий: 12.05, 18.05, 19.05, 25.05, 26.05, 1.06, 2.06.


Искусство XX века в весенне-летних коллекциях — Wonderzine

Как носить вещи, вдохновленные искусством, сейчас

Дизайнеры уже не первый сезон оглядываются на искусство, то нанося на одежду принты-репродукции известных мастеров (здесь чаще всего цитируют Босха и Гогена), то сотрудничая с современными художниками. Однако в этом сезоне заметный акцент был сделан на поп-арте, хотя без Гогена не обошлось (его репродукции мы увидели на показе Aquilano.Rimondi и в кутюрной коллекции Maison Martin Margiela). С 60-ми и поп-артом современную моду роднит и коммерциализированность моды и искусства. Наиболее ярким проявлением поп-арта стала коллекция Prada — Миучча Прада переосмыслила работы современных и уличных художников: Пьера Морне, Jeanne Detallante, Stinkfish, Габриэля Спектра и других. Кроме того, популярность пришла к нескольким маркам, которые производят нарядные клатчи: Sarah’s Bag показывают работы Роя Лихтенштенйна, Yazbukey создают яркие клатчи в виде пачки сигарет или зубной пасты, британка Lulu Guinness — в виде губ. Jean-Charles de Castelbajac, Jeremy Scott и Ashish на поп-арте собаку съели: тут вам и Coca-Cola, и принт в виде профилактики на телевидении.

Кроме того, Джереми Скотт в коллекции уже будущего сезона для Moschino, показывая платья-обертки, цитирует первые вещи, созданные для рекламы в 1956 году, а именно платья и юбки длины миди Martini Label, украшенные полностью логотипами бренда, которые носили первые фанаты рок-н-ролла за бесплатные фестивальные напитки. Кристофер Кейн создает юбки с принтом в виде растиражированных цветов, напоминая работы 60-х. Раф Симонс для Christian Dior использует прием поп-арта — логоманию. Missoni вдохновляются японскими комиксами. Kenzo цитируют современную графику и штрихи-наброски карандашами. Prabal Gurung создают оммаж Мэрилин Монро. Preen наносят на платья абстракцию.

Сразу несколько марок вдохновились абстрактным экспрессионизмом, в первую очередь работами Джексона Поллока и Марка Ротко. Лагерфельд в коллекции Chanel нанес на одежду принты в виде ярких брызг краски, а пространство показа украсил 75 произведениями искусства с символами дома Chanel; картины, скульптуры и инсталляции после показа были перенесены в Гран-Пале в Париже. Жиль Зандер перед своим уходом из дома Jil Sander в свою последнюю монохромную весенне-летнюю коллекцию также включила несколько луков с абстрактными принтами. Фиби Файло выпустила коллекцию Сéline, кажется, под стать фовизму и большой выставке «Henri Matisse: The Cut-Outs», которая идет в Тейт Модерн до сентября. Даже Calvin Klein включает в показ один лук с абстрактными принтами. 

Как говорит британский дизайнер Джонатан Андерсон, показывающий некоммерческие коллекции, над которыми долго размышляют критики: «Для меня мода никогда не была формой искусства. Нельзя сравнивать художника и дизайнера. И мода, и искусство коммерциализированы сегодня». Разница в том, что искусство не попадает на распродажи, а наоборот, с годами растет в цене, а вот в музей моды попадает редкое платье.

Топ-50 Блогов, Сайтов и Властителей Современного Искусства в 2020 году

1. Современное искусство Daily

О блоге Избранные выставки современного искусства со всего мира, новые выставки публикуются каждый день. Частота 2 сообщения в день Начиная с нояб. 2008 г. Также в Блоги по искусству, Блоги современной фотографии Блог Contemporaryartdaily.com
Фанаты в Facebook 121.4K followers Подписчики в Twitter 10.1K ⋅ Подписчики в Instagram 131.8K ⋅ Social Engagement 10ⓘ ⋅ Управление доменом 55ⓘ ⋅ Alexa Ранг 454.8Kⓘ Просмотреть последние сообщения ⋅ Связаться с

2. Ревнивый куратор

Канада О блоге Куратор «Ревнивый» был запущен в 2009 году как место, где я могу показать произведения искусства, которые «сделали меня ревнивым». Да, я завидовал работе других художников, их жизни, их успеху, их студиям. Частота 1 сообщение / день Начиная с Фев 2009 Блог thejealouscurator.com/blog
Фанаты в Facebook 266.4K ⋅ Подписчики в Твиттере 17.4K ⋅ Подписчики в Instagram 205.8K ⋅ Социальная активность 8ⓘ Author Управление доменом 52ⓘ ⋅ Рейтинг Alexa 517.1Kⓘ Последние сообщения ⋅ Получить электронное письмо Контакт

3. Современное искусство | Reddit

О блоге Место для людей, интересующихся современным искусством и миром современного искусства, новостями современного искусства, соответствующей теорией и беседами о современных художниках. Частота 4 сообщения / день Блог reddit.com/r/ContevenArt
Фанаты Facebook 1.3M ⋅ Подписчики в Twitter 721.9K ⋅ Социальная активность 2.4Kⓘ ⋅ Управление доменом 91ⓘ ⋅ Alexa Rank 20ⓘ Просмотреть последние сообщения ⋅ Связаться с

4. CAFA ART INFO | Найти китайское современное искусство и новости

О блоге CAFA ART INFO - это художественная организация, тесно связанная с Центральной академией изящных искусств, целью которой является продвижение отечественных художников и коммуникаций на международном уровне. CAFA ART INFO надеется предоставить платформу, где художники, а также любители искусства смогут насладиться и оценить современное искусство. Частота 30 сообщений в год Блог cafa.com.cn/en
Подписчиков в Твиттере 761 ⋅ Управление доменом 47ⓘ ⋅ Alexa Ранг 738.6Kⓘ Просмотреть последние сообщения ⋅ Получить адрес электронной почты Контакт

5. Привет-фруктоза Журнал | Новый журнал современного искусства

Richmond CA О блоге Hi-Fructose демонстрирует объединение новых современных, начинающих и выдающихся художников с акцентом на впечатляющие очки со всего мира. Частота 8 сообщений / месяц С март 2008 Также в журналах современного искусства Блог hifructose.com
Фанаты в Facebook 705.7K followers Подписчики в Твиттере 52.8K Eng Социальная активность 3ⓘ Author Управление доменом 56ⓘ ⋅ Alexa Ранг 322.4Kⓘ Просмотреть последние сообщения ⋅ Связаться с

6. AO Art Observed

Нью-Йорк О блоге Art Observed охватывает современное искусство во всем мире с точки зрения Нью-Йорка. Мы намерены предоставить выборочный, отредактированный, курированный взгляд на арену изобразительного искусства, включая тенденции и силы, которые движут рынком. Частота 15 сообщений / месяц Начиная с янв. 2015 г. Также в New York Art Blogs Блог artobserved.com
Фанаты в Facebook 8.6K followers Подписчики в Твиттере 154K ⋅ Подписчики в Instagram 414.1K Author Власть домена 55⋅ ⋅ Рейтинг Alexa 2.7Mⓘ Просмотреть последние сообщения ⋅ Связаться с

7. Художественная галерея "Узкое место"

Brooklyn, NY О блоге Пространство современного искусства, расположенное в самом сердце Уильямсбурга, Бруклин, специализирующееся на поп-культуре, концертах и ​​альтернативных афишах фильмов. Частота 3 сообщения / неделя Начиная с окт 2012 года Также в Блоги поп-арта Блог bottleneckgallery.com / blogs / ..
Фанаты в Facebook 34.9K followers Подписчики в Твиттере 19.6K ⋅ Подписчики в Instagram 44K Eng Социальная активность 87 ⋅ Власть домена 54 ⋅ Просмотреть последние сообщения ⋅ Получить письмо Связаться с

8. Блог современного искусства

О блоге Настоящие художники общаются напрямую с нашей душой. Блог коллекции дизайнерской мебели 'STUA' Частота 24 сообщения / неделя Блог modern-art-blog.com
Фанаты в Facebook 83.1K ⋅ Социальная активность 2 ⋅ Управление доменом 7 ⋅ Просмотр последних сообщений ⋅ Получение электронной почты Контакт

9.Общество современного искусства

Великобритания О блоге Поощрение широкой публики признания и понимания современного искусства и передача работ известных и новых художников в музеи и общественные галереи по всей Великобритании. Частота 2 сообщения / неделя Блог modernartsociety.org/news
Фанаты в Facebook 15.5K followers Подписчики в Твиттере 26.4K ⋅ Подписчики в Instagram 45.6K ⋅ Социальная активность 3 ⋅ Управление доменом 48 ⋅ Рейтинг Alexa 7.7M Последние сообщения ⋅ Получить адрес электронной почты Контакты

10.ИСКУССТВО И ТОРТ | Журнал Современного Искусства

Лос-Анджелес, Калифорния О блоге Art and Cake - это онлайн-журнал о искусстве, посвященный современному искусству в Лос-Анджелесе. Частота 1 пост / неделя Также в Блоги Лос-Анджелеса Блог artandcakela.com
Фанаты в Facebook 3.1K followers Подписчики в Твиттере 1.1K Follow Подписчики в Instagram 4.2K ⋅ Социальная активность 78 ⋅ Власть домена 34 ⋅ Alexa Ранг 2.6M Просмотреть последние Должности ⋅ E-mail Контакт

11.Блог художника Дианы Маливани

О блоге Прочитайте статью художника Дианы Маливани на Medium. Художник Диана Маливани, доктор медицинских наук (доктор медицинских наук). Художник Диана Маливани и тысячи других людей каждый день читают, пишут и делятся важными историями на Medium. Частота 11 сообщений / квартал Блог medium.com/@diana_malivani
Управление доменом 96 ⋅ Alexa Позиция 93 Последние сообщения ⋅ Получить адрес электронной почты контакт

12. Неделя современного искусства Азии

.

современного искусства Daily

Художники: Игнаси Абалли, Ибон Аранберри, Мириам Бэкстрем, Карлос Бунга, Кабелло / Карселлер, Фернанда Фрагатеиро, Хрейн Фридфиннссон, Карлос Гарайко, Кристина Иглесиас, Вик Мунис, Эрнесто-Франциско де Франсиско 9, Франсиско Руис,

Место проведения: Эльба Бенитес, Мадрид

Название выставки: Obra Temprana / Ранние работы

Дата: 11 июня - 31 июля 2020 года

Нажмите, чтобы увидеть слайд-шоу

Полная галерея изображений, пресс-релиз и ссылка доступны после прыжка.

(подробнее ...)

,

Онлайн курсы | МоМА

Погрузитесь в идеи и по-новому взгляните на свой мир с помощью искусства. На бесплатных массовых открытых онлайн-курсах (MOOC) MoMA на Coursera вы узнаете непосредственно от художников и дизайнеров, внимательно посмотрите на работы в нашей коллекции и на выставках, а также присоединитесь к сообществу учеников, в отличие от других. Зарегистрируйтесь в любое время и завершите курс в своем собственном темпе. Нажмите на курс ниже или посетите coursera.org/moma, чтобы зарегистрироваться.

Что такое современное искусство?

Что такое современное искусство? В этом курсе вы изучите этот вопрос с помощью более 70 произведений искусства, созданных в период с 1980 года по сегодняшний день, с акцентом на искусство, созданное за последнее десятилетие.Вы не только получите более глубокое понимание практики художников сегодня, вы также исследуете их бесчисленное множество подходов к актуальным проблемам и вопросам нашего времени. Пройдя этот курс, вы обретете уверенность в том, чтобы смотреть на современное искусство, где бы вы ни встречались, и находить связи с собственной жизнью или творческой практикой.

Современное искусство и идеи

Используя произведения из обширной коллекции MoMA в качестве отправной точки, этот курс поощряет учащихся понимать, наслаждаться и использовать современное и современное искусство по четырем темам: «Места и пространства», «Искусство и идеи», «Преобразование предметов быта» и «Искусство и общество».

Видя сквозь фотографии

Что такое фотография и как она использовалась на протяжении всей истории? Seeing Through Photographs исследует эту увлекательную тему с помощью работ из коллекции MoMA и всесторонних бесед с художником и кураторами, которые раскрывают множество различных факторов, влияющих на создание фотографии.

Мода как Дизайн

Fashion as Design фокусируется на выборе более 70 предметов одежды и аксессуаров и исследует их глубокое влияние - социальное, культурное, экономическое и экологическое - на мир.В этом курсе вы узнаете напрямую от ряда дизайнеров, производителей и историков и внимательно рассмотрите, что мы носим, ​​почему мы его носим, ​​как оно сделано и что это значит.

В студии: послевоенная абстрактная живопись

Хотите знать, как некоторые из самых знаменитых художников 20-го века создавали абстрактные картины? Этот курс предлагает углубленный, практический взгляд на материалы, методы и подходы семи художников Нью-Йоркской школы, включая Виллема де Кунинга, Яёи Кусама, Агнес Мартин, Барнетт Ньюман, Джексона Поллока, Ад Рейнхардта и Марка Ротко ,

Искусство и справка: музейные стратегии обучения для вашего класса

Узнайте, как интегрировать произведения искусства в класс, используя методы обучения, основанные на запросах, первоначально разработанные для музейного образования в галерее.

Искусство и Идеи: Обучение с Темами

Этот курс предназначен для того, чтобы помочь развить критические навыки, которые поддерживают основанные на темах методы преподавания, и укрепить уверенность в интеграции современного искусства в планы междисциплинарных уроков.

Искусство и деятельность: интерактивные стратегии взаимодействия с искусством

Art & Activity базируется на основанных на запросах подходах Art and Inquiry: стратегии преподавания в музее для вашей классной комнаты, в то же время углубляясь в стратегии, основанные на деятельности, чтобы сделать ваших учеников уполномоченными участниками.

世界 摄影 看 世界 / Просмотр фотографий (мандарин)

.

艺术家 、 策展人 和 学者 的 对话 我们 我们 将向 张 揭露 一 张

FAQ

Оплата

Все онлайн-курсы предлагаются бесплатно, или вы можете оплатить сертификат об окончании курса.

Как мне зарегистрироваться?

Чтобы зарегистрироваться на онлайн-курсы, выберите курс выше или посетите coursera.org/moma, чтобы выбрать и записаться на курс.

Как узнать, заполнен ли класс?

Онлайн курсы имеют неограниченную регистрацию и не заполняются.

Могу ли я пройти онлайн-курс для получения кредита?

Учащиеся онлайн-курса могут пройти полный онлайн-курс и получить доступ ко всему контенту бесплатно, либо они могут выбрать оплату сертификата об окончании курса, выданного Coursera.

Как работают онлайн-курсы?

MoMA предлагает бесплатные массовые открытые онлайн-курсы (MOOC) на Coursera. Сессии продолжаются, и вы можете записаться на новую сессию курса в любое время. Хотя вы можете пройти полный курс и получить доступ ко всему контенту бесплатно, вы также можете оплатить сертификат об окончании курса, выданный Coursera. Получите доступ ко всем нашим MOOC, посетив coursera.org/moma.

Как часто предлагаются онлайн-курсы?

Новые сессии каждого курса начинаются каждые четыре недели, но вы можете получить доступ к большинству содержимого курса, как только вы зарегистрируетесь.Все онлайн-курсы MoMA доступны на постоянной основе.

Что, если я хочу продвинуться в онлайн-курсе или мне нужно больше времени?

Вы можете получить доступ к содержанию курса в своем собственном темпе. Если вам нужно больше времени на курс, вы можете изменить сроки, не теряя при этом своей работы.

Что если мне понадобится техническая помощь по онлайн-курсу?

Пожалуйста, обратитесь в справочный центр Coursera.

Volkswagen of America гордится тем, что является ведущим партнером MoMA в сфере образования.

Основная поддержка для взрослых и академических программ предоставляется имением Сьюзен Сабель.

Щедрое финансирование предоставляется фондами, учрежденными Агнес Гунд и Даниэлем Шапиро, младшими сотрудниками Музея современного искусства Уолтера и Джин Тейер, а также дарами Алана Канзера. Дополнительную поддержку оказывает Годовой фонд образования.

,

Поп-арт в моде и музыке

Появившись в Соединенном Королевстве в середине 1950-х годов и впервые появившись в творчестве таких прогрессивных художников, как Эдуардо Паолоцци и Ричард Гамильтон, поп-арт нельзя было бы назвать истинным движением, пока он не перешел через пруд в 60-х годах; Нью-йоркские художники Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн, Джеймс Розенквист и Клас Олденбург определяют, что станет международным феноменом, создавая произведения, вдохновленные массовой культурой, предметами быта и культом знаменитости, стремясь стереть грани между высоким искусством и с низким уровнем культуры.

Richard Hamilton, Just what is it that makes today

Ричард Гамильтон, Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? 1956, 26 см × 24,8 см. Расположен в Кюнстхалле Тюбинген © художник

С этой захватывающей новой волной художников, сосредоточивших свое внимание на темах, которые говорили об обыденности реальной жизни и массового общества, часто включая коммерческие образы - в то время, когда капитализм взрывался после жесткой экономии во время войны - поп-арт продолжал бы стать одним из самых узнаваемых стилей современного искусства, пробираясь в сцены моды и музыки, прежде чем проложить путь для молодых художников, которые выросли бы на диете потребительства и перенасыщенной массовой культуры.

Родившийся в Лондоне в 1922 году, Ричард Гамильтон был провидцем искусства, который погрузился в кино, телевидение, журналы и современную музыку, излагая идеалы и представляя восприятие художника как потребителя и участника массовой культуры. Несмотря на то, что Уорхол стал нарицательным для поп-арта, он должен отдать должное Гамильтону за то, что он заложил основы, на которых он построит свою художественную империю; Британский коллаж 1956 года, Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? , первая работа в новом жанре, чтобы достигнуть действительно знакового статуса.

Хотя их индивидуальные стили могут отличаться, все артисты поп-музыки разделяют мнение о выборе иконографии популярной культуры как основополагающей для своей работы. Гамильтон и Эдуардо Паолоцци с их тщательно выложенными коллажами; Уорхол и его озабоченность повторением - ранние бутылки Coca-Cola и суповые банки Кэмпбелла, изготовленные так, как будто работа была полкой супермаркета; Джеймс Розенквист, еще один нью-йоркский поп-пионер, фанат политических посланий путем реконтекстуализации вырезок из журналов в колоссальных коллажах.

Wittgenstein in New York (from the As is When portfolio), 1965

Эдуардо Паолоцци, Витгенштейн в Нью-Йорке (из портфолио «Как есть, когда»), 1965 год. 76 x 53,5 см Предоставлено Шотландской Национальной галереей современного искусства © Попечители Фонда Паолоцци, лицензированы DACS

Eduardo Paolozzi, Conjectures to Identity, 1963–64

Эдуардо Паолоцци, домыслы идентичности, 1963–64. Скриншот экрана. 79,5 x 52,5 см. Коллекция Британского Совета. С разрешения Британского Совета. Коллекция © Попечители Фонда Паолоцци, лицензированы DACS

. James Rosenquist, President Elect, 1960–61/1964

Джеймс Розенквист, избранный президент, 1960–61 / 1964.Масло на масоните. 7 ′ 5 3/4 ″ x 12 ′ (228,0 x 365,8 см) [89 3/4 ″ x 144 ″]
Центр Жоржа Помпиду, Национальный музей современного искусства / Centre Industrieelle, Париж [AM 1976–1014] ,

Roy Lichtenstein, Hopeless, 1963

Рой Лихтенштейн, «Безнадежный», 1963, Музей искусств Базеля, Депозитум дер Питер уд Ирен Людвиг Стифтунг, Аахен

Roy Lichtenstein, Masterpiece, 1962

Рой Лихтенштейн, Шедевр, 1962, Частная коллекция © Поместье Роя Лихтенштейна / DACS 2012

Рой Лихтенштейн оставил свой след, присвоив - с большим противоречием и частым недовольством художников-оригиналов - изображения из комиксов для создания своих собственных картин: его нарисованные вручную точки Бенди часто изображают главных героев как пойманных в ловушку меланхоличных ситуаций с выражениями от гниющей неудовлетворенности к откровенным страданиям.

Claes Oldenburg and Coosje van Bruggen, Shuttlecocks, 1994

Claes Oldenburg, American (род. Швеция, 1929), Coosje van Bruggen, American (род. Нидерланды, 1942-2009), Shuttlecocks, 1994. Фото, Кит Юинг. Парк скульптур, Музей искусств Нельсона-Аткинса, Канзас-Сити

Родившийся в Стокгольме американский художник Claes Oldenburg также станет ключевой фигурой. Известная благодаря изготовлению больших общественных скульптур, прищепка высотой 900 футов высотой 900 футов (1974) в Ольденбурге, расположенная в офисном комплексе на центральной площади Филадельфии, и серия воланов в 1992 году, разбросанная вокруг парка скульптур в музее искусств Нельсона-Аткинса в Канзас-Сити изменил лицо современного публичного искусства, в то время как его «мягкие скульптуры» из еды и мирских неодушевленных предметов размыли реалии.«Я за искусство, которое принимает форму от линий самой жизни, - сказал он однажды, - которое крутит, расширяет, накапливает, плюет и капает, оно тяжелое, грубое, тупое, сладкое и глупое, как сама жизнь».

В то время как мир искусства с 1970-х годов перешел от предметов искусства к инсталляциям, поп-арт стал менее популярным, пока одержимые средствами массовой информации художники, такие как Джефф Кунс и Такаши Мураками, не возглавили движение возрождения, которое будет называться нео-поп; Кунс - как и Дюшан до него - черпал вдохновение из предметов, которые обычно не считались изобразительным искусством.Надувные пластмассовые игрушки, баскетбольные мячи и пылесосы находят себе дорогу в галереи как своего рода поп-готовые подружки. Снова возникло ощущение, что все популярное было честной игрой; Поп вернулся с мультяшной карикатуры на серийные эфемеры. (Действительно ли это когда-нибудь осталось?) Японский художник Мураками, прославившийся своими психоделическими набегами на графику в стиле комиксов, как говорят, «использует и злоупотребляет» слиянием между высоким и низким искусством; его перенасыщенные фэнтезийные миры черпают вдохновение из японской популярной культуры.

Jeff Koons, New Hoover Convertibles Green, Blue, New Hoover Convertibles, Green, Blue Doubledecker, 1981–87

Джефф Кунс, Новые кабриолеты Гувера Зеленый, Синий, Новые кабриолеты Гувера, Зеленый, Голубой двухэтажный, 1981–87. Четыре пылесоса, акриловые и флуоресцентные лампы; 116 х 41 х 28 дюймов (294,6 х 104,1 х 71,1 см). Музей американского искусства Уитни, приобретенный за счет средств Сондры и Чарльза Гилмана, младшего Фонда, Inc., и Комитета по живописи и скульптуре 89.30a-v. © Джефф Кунс.

Jeff Koons, Moon (Light Pink), 1995–2000

Джефф Кунс, Луна (светло-розовый), 1995–2000. Зеркально отполированная нержавеющая сталь с прозрачным цветным покрытием; 130 х 130 х 40 дюймов(330,2 х 330,2 х 101,6 см). Коллекция художника. © Джефф Кунс.

Takashi Murakami, Hustle

Такаши Мураками, Hustle’nPunch By Kaikai And Kiki, 2009
акриловый и платиновый лист на холсте, смонтированный на алюминиевой раме
118 1/8 x 239 3/8 x 2 дюйма (300,04 x 608,01 x 5,08 см)

Richard Hamilton for The Beatles, 1968

Ричард Гамильтон для The Beatles, 1968

Takashi Murakami for Kanye West, Graduation, 2007

Такаши Мураками для Канье Уэста, Выпускной, 2007

По иронии судьбы, трогательные точки поп-арта в популярной культуре обернулись бы полным циклом, и само художественное движение заняло бы свое место в средствах массовой информации; Ричард Хэмилтон разрабатывает обложку для The Beatles - записи 1968 года, также известной как White Album, единственной обложки студийного альбома Beatles, на которой не изображены участники группы на обложке, - в резком контрасте с предложением Питера Блейка о сержантГруппа Pepper Lonely Hearts Club , каждая из которых демонстрирует широкое разнообразие эстетики, появившееся в поп-движении.

Jeff Koons for Lady Gaga

Джефф Кунс для Artpop Леди Гага

Поскольку сцена вдохновила совершенно новое поколение художников, находящийся в Лос-Анджелесе Кенни Шарф, известный своим участием в междисциплинарной арт-сцене East Village в 1980-х годах вместе с Жаном-Мишелем Баския и Китом Харингом, разработал дизайн обложки для B -52 четвертый студийный альбом, отскакивая от спутников ; в то время как сам Харинг писал видео 1986 года Грейс Джонс для , я не идеален (но я идеален для вас) , в котором Уорхол выглядит мимолетно.

Совсем недавно Мураками разработал обложку для альбома 2007 года Канье Уэста, Graduation , где художник использовал свой фирменный стиль на талисмане «выпадающего медведя» Запада; показывая, как он покидает вымышленный колледж «Город вселенной»; В 2013 году Кунс обработал обложку альбома Lady Gaga Artpop , создав реалистичную скульптуру для вечеринки, посвященной выпуску в Нью-Йорке. Слияние влияний хип-хопа, панка и культуры уличного искусства с попсовыми чувствами его друга Энди Уорхола, стиля неоэкспрессионизма Жана-Мишеля Баския, продемонстрировало, как влияние движения может перекоситься в новые и освежающие искажения его оригинальной эстетики - Бруклина. Неистовая эстетика прирожденного художника послужит образцом для многих художников-графиков.Рукав для экспериментальных звезд хип-хопа Rammellzee и сингла K-Rob's 1983 года, Beat Bop , позволил художнику создать одну из немногих комиссий, которые он выполнил за свою жизнь.

Philip Colbert

Группа Родника Филиппа Колберта

Philip Colbert

Пронизывая все аспекты современной культуры, резонанс Pop ощущается в дизайне интерьера - итальянские лейблы Seletti и производитель Gufram, особенно заметные, смелые изделия, такие как стул Studio 65 Bocca , определяющий пересечение культуры, - и во всех аспектах графического искусства. и маркетинг; где даже бинго-сайты впитывают вдохновение, что позволяет использовать точки Лихтенштейна-эска, так как опытные маркетологи понимают эффектную природу Pop.

Andy Warhol, The Souper Dress, 1966–67

Энди Уорхол, The Souper Dress, 1966–67
Закупки, Фонд Изабель Шульц и Подарки Мартина и Кэрила Хорвиц и Херста, 1995

С давней историей перекрестного опыления миры искусства и моды регулярно сталкивались в течение десятилетий с момента появления поп-арта. Со-основатель Ива Сен-Лорана Пьер Берже однажды предложил следующее: «Мода - это не искусство, но для ее создания нужен художник», и эти две дисциплины часто сливались друг с другом. Уорхола «Супер-платье » само по себе было настоящим кроссовером в стиле «арт-сперма», и взлет комиксов Лихтенштейна понравился всем - от Ники и Конверса до нью-йоркской модной дорогой Лизы Перри, которая довольно одержима поп-артом, ее квартира ода движению. «Стен не осталось», - призналась она в прошлом году, собирая работы со сцены в течение почти 20 лет.

«Я не хочу когда-либо что-либо помещать в хранилище, и иногда мы обмениваем вещи, но коллекция находится в месте, которое нам очень нравится.Поп-арт взлетел до небес. Это совершенно другой мир с 2000 года. Поэтому мы очень довольны тем, что у нас есть, что мы смогли получить. В некоторых других домах и для моих детей мы собираем молодых художников и по-прежнему ищем разные места, но этот дом у нас хорош ».

Такаси Мураками также сотрудничал с многочисленными брендами - Vans и Louis Vuitton, чтобы назвать только два - в то время как Кунс сотрудничал с H & M, создавая коллекцию сумок, украшенных его фирменной воздушной собакой. Тогда есть современные дизайнеры моды, которые черпали вдохновение в поп и побежали: Филипп Колберт (который заработал себе прозвище «крестник Энди Уорхола» Андре Леона Талли) со своим лейблом Poptastic The Rodnik Band, и провокатор Джереми Скотт, чье барахло Культурная работа для Moschino настолько же популярна, насколько это возможно.

Ben Frost

© Бен Фрост

Alex Chinneck, From the Knees Of My Nose to the Belly Of My Toes

Алекс Чиннек, от коленей моего носа до живота моих пальцев ног

Alex Chinneck, 20 Blackfriars Road

Алекс Чиннек, Под погодой, но над луной

Наряду с модными дизайнерами, современные художники также продолжают поглощать влияние тех пионеров середины века, с такими именами, как Бен Фрост, который находится где-то посередине между антагонизмом Джереми Скотта и потребительскими идеалами Уорхола, и Алекс Чиннек, который поддерживает общественность контркультуры. художественный дух Класа Ольденбурга; его масштабный сюрреализм, воплощающий квинтэссенцию движения.

По мере того, как мир продолжает спускаться вглубь массового потребления, поп-арт продолжает процветать на тех же культурных ценностях, которые привели к его своевременному возникновению; пока есть средства массовой информации, творчество будет подпитываться интроспективными ценностями ваших паолоцци, гамильтонов и вархолов. Галереи продолжают курировать огромные ретроспективные выставки истинных пионеров сцены, и мы продолжаем видеть влияние на других культурных равнинах - совсем недавно, на последних кругах недель моды, Prada и Comme des Garçons выставляли напоказ красочные и повторяющиеся дизайны, в то время как Донателла Версаче переиздавала Работы Уорхола и поп-арт обложки Vogue для последнего подиумного шоу Versace.

«Поп-арт», увековеченный в культуре от низкого до высокого уровня, кажется повторяющимся, как самая известная работа Уорхола. Но, как сказал великий человек: «Разве жизнь - это не серия образов, которые меняются по мере того, как они повторяются?»

,

Похожие записи

Отправить ответ

avatar
  Подписаться  
Уведомление о