Мода женская начала ХХ-го в.Детская мода. Подлинники.Фото.
На картинке:Развитие женского костюма, изменение фасона 1900-1920 годы.ИСТОРИЯ моды начала 20-го века.
Мода в 1900-1907 гг. полностью отличается от моды последующего пятидесятилетия и является как бы продолжением форм конца XIX в.
Этот период характеризуется прежде всего невиданной ранее пышностью декора, обилием бижутерии, меха, перьев, великолепными, роскошными тканями, любовью к импозантности и стремлением подчеркнуть богатство и разнообразие одежды.
Журнал мод «The Delineator», 1900-1903 гг
«Это была эра в моде, — писал Боэн, — продолжавшаяся с 1892 по 1907 г., в период которой использовались рафинированные средства выражения и которая подняла портновское искусство к недосягаемым вершинам…»
В стремлении создать совершенный наряд художники обращались к отделке из дорогих камней и элементам, подчеркивающим богатство костюма – аппликации, меховой оторочке.
Ставший популярным во второй половине XIX века, стиль модерн оказывал влияние на многие сферы жизни, в том числе на предпочтения в одежде. Гибкие линии, кружево, большое количество украшений и крупные головные уборы – все эти особенности, присущие нарядам начала века обязаны своей популярностью именно модерну.
Первые годы XX столетия
стали временем неизбежных перемен, положивших начало сегодняшней индустрии моды.Период между окончанием XIX века и началом Первой мировой войны во Франции принято называть Belle Epoque («Прекрасная эпоха»).
Господствующий в искусстве декаданс эпохи модерн диктовал свою особую, несколько извращенную эстетику, превращая женщину в неземное существо. Атмосфера переходного периода словно вдохнула новую жизнь в женскую моду.
Искусственный силуэт, столь характерный для XIX века (его формировала структурная нижняя одежда), уступил место новым формам XX века, которые следовали за изгибами женского тела, стараясь подчеркнуть его неповторимость.
Марсель Пруст в своём «Воспоминании о потерянном времени» верно подметил, что именно в начале XX века полностью изменилась структура женского платья.
Вплоть до Первой Мировой войны женщина сохраняла таинственность и женская нагота была не в моде.
Процесс развития форм одежды в 1900-1907 гг. можно разделить на три этапа. Первый — это 1900 г., в течение которого сохранялась правильная осанка фигуры, расширенной в плечах рукавами gigot (жиго — «окорок» в переводе с французского).
Юбка была в форме колокола, удлиненного треном, с подолом, отделанным оборками.
Линия талии располагалась на естественном месте и лишь спереди была несколько занижена.
На втором этапе, продолжавшемся несколько дольше, с 1901 по 1905 г. плечи стали нормальной ширины, расширенная часть рукава сдвинулась к низу и образовала буфы при сгибании рук.
Одним из новшеств, характерным для данного периода, стало появление S-образного силуэта, который примечателен тем, что подчеркивал талию путём формирования объемного, выступающего вперёд бюста и пышной задней части платья, при этом уничтожалась выпуклость живота Компании, производившие нижнее бельё, предложили дамам несколько вариантов корсетов для того, чтобы помочь им обрести изящную, тонкую талию, как того требовала мода ( в экстремальных случаях доходившую до 37 см!)
Изменения в форме и размерах женских корсетов на протяжение 16 лет, конца 19 — начала 20 вв. Мода 1900-1907 годов заимствовала много форм из прошедших эпох. Костюмы времен Людовика XIII нашли отражение в широких воротниках, коротких болеро и собранных спереди блузках.
Период Людовика XIV проявился в умеренных жакетах, называемых vestons Louis XIII, которые начали в то время соперничать с миниатюрными болеро.
Как и во времена Людовика XVI, были популярны большие шляпы, узорчатые ткани в цветах и букетах, косынки, завязанные a la Marie-Antoinette, атласные вензеля, разбросанные по ткани платья, и более широкие, чем прежде, юбки.
Домашние платья имели черты ампир и складки a la Watteau.
Женская мода заката «Прекрасной эпохи» (1908-1914) отличалась от предшествующего периода новым силуэтом с завышенной талией и прямой юбкой.Жанна Пакен в 1905 году создала коллекцию, в которой были представлены платья с завышенной талией, что было серьезным отклонением от традиций.
В 1906 году — появляется её коллекция в японском стиле.
Особое место здесь занимала придуманная ею накидка-кимоно. Жанна любила обращаться к традициям востока, использовать в костюмах египетские и китайские мотивы, украшать одежду рисунками в виде драконов и облаков.
Третий этап, более короткий, продолжался с 1905 по 1907 г. рукава той же формы, что и в 1900 г., с расширенными буфами плечами; впоследствии они стали приобретать самые фантастические формы. Талия по-прежнему затягивалась как можно туже, выпуклость бедер стала более умеренной.
Юбка укоротилась и приоткрыла носок ботинка, а подол юбки стал менее украшенным. Кроме того, силуэту постепенно возвращалось вертикальное положение.В 1906 году в эдвардианскую эпоху мода впитала вкусы английской аристократии тех лет, обретя более выпрямленный неоклассический силуэт.
Он был более респектабелен по отношению к французскому модерну и его черно-белая и полосатая цветовая гамма подчеркивала вытянутость и геометричность.
В 1907 году Поль Пуаре выпустил коллекцию, названную «Платья 1811» или «Платья Директории»
В предвоенные годы одежда расцвела новыми красками, чему сильно способствовала выставка принятые французской публикой, впечатляли не только балетом, но и удивительными декорациями и костюмами танцовщиков, над которыми работали художники Леон Бакст, Александр Бенуа и Николай Рерих.
Поль Пуаре как главный модельер десятилетия первым откликнулся на новое увлечение публики.
Ориентализм с его живыми красками и богатым декором становится новым модным течением начала 1910-х годов.
Вдохновленный восточной тематикой, Поль Пуаре создавал платья-халаты и расшитые туники, которые женщины носили с созданными им же длинными широкими брюками-шароварами.
При работе Пуаре использовал эскизы Леона Бакста. Так в моду вошли отороченные мехом платья, пальто, меховые шапки и муфты.
К первому десятилетию XX века относится еще одно «изобретение» Поля Пуаре – знаменитая «хромающая» юбка. Созданная в 1910 году, она получила свое прозвище из-за очень узкого силуэта, заставлявшего женщин передвигаться мелкими шажками. Стянутая манжетой, юбка была неудобна.
В моду такая непрактичная модель вошла благодаря актрисе Цецилии Сорель. «Хромающую» юбку Поль Пуаре придумал именно по ее просьбе, а светские дамы, пристально следившие за столичными знаменитостями, не захотели упускать новинку.
/Источник: ocostume.ru/
—————————————————
П
ОДЛИННИКИ платьев, аксессуары на начало ХХ века — эпоху модерн.
Платье 1912 год:
Палантины и шали начала 20 в шифон, кружево,металлическая нить
Пряжки + украшения 1900-20 гг:Диадемы начала 20-го века-эпохи мордерн:Кожаные кошельки 19-20 вв:
Спортивный костюм начала 20 в:
ОБУВЬ начала 20 века — эпоха модерна:
ПЛАТЬЯ -подлинники эпоха модерн:
Платье 1900-1903 гг и платье 1904 г:
Платье 1901 год
Накидка 1903-06 гг
Женская накидка с мехом начала 20 в:
Куртка и юбка с вышивкой 1908 год:
ист: antiquedress.com/gallery/
Вечерние сумочки нач 20 в:
Юбка 1905 год:
Платье 1910 год:
сумочка и зонтик начала 20 в
Костюм: юбка и жакет 1910 г.
: Платье 1911 год:
1912 год-платье:
Платье 1913 год
Платье 1916 год:
Платье 1920 год:
и другие:
1909-1910гг:
костюм
платье: Пальто 3-х видов:1911 г
1927 г:
и т.д…
Ленты атласные и др. начала 20 века:
———————————————————
Одежда для детей 1910-40 годы на картинках из журналов и фотографиях >
В начале века маленьких мальчиков одевали в платьица, как и девочек, а «лифчиком» назывался отнюдь не бюстгальтер, а предмет детской одежды
1900-ые года-детская одежда
Блузки и платья для девочек и мальчиков были в основном белого, бежевого и
цвета слоновой кости, изображая невинность детства.
Материал, наиболее часто использовался муслин и вуаль на шелке.
1910-1920-е года-детская одежда
Детская мода переживала стремительные изменения в эти годы. Мода стала приобретать стили, направленные более конкретно на детей.
Платья стали короче, а швы украшены впечатляюще тонкими кружевами и вышивками. Девочкам постарше надевали одежду более мягких тонов.
Младшие дети часто носили цветные халаты с мыс воротниками.
Старшие девочки носили пояса на
талии, чтобы добавить немного моды в одежде. Рукава заканчивались около запястья
и часто собирались в стильные манжеты.
Весь ансамбль дополнял чулками из шерсти доходящие до колена и черными
кожаными ботинками на кнопках.
Лента почти всегда украшала длинные волосы в
стиле молодых девушек.
На самом деле,
моряк стиль был одним из основных в одежде для детей 1910 до 1920-х. Детская
одежда была отражением времени. Первая мировая война привнесла более мрачный и
суровый стиль в одежде для детей.
1920-х годы
После первой мировой войны, детство стало временем освобождения и веселья! Одежда была представлена с позиции ревущих 1920-х годов.Появилась масса текстур, моделей и материалов. Natting и фигурные буфы на платье были популярны.
Для девочек, платья были теперь проще, короче, слабее в талии, часто из хлопка и шерсти. Чулки носили еще долго и ленты по-прежнему были популярным украшением.
Мальчики носили брюки до колен круглый год. Для посещения школы, они
должны были носить костюм с пиджаком и галстуком.
Появились индивидуальные платья, костюмы и простые линии. Пропали женственные платья из хлопка с пышными рукавами и закругленным воротником из их внешнего вида.
Простые юбки и блузки были весьма
экономичны. Обувь была простого пошива с ремешками и пряжками. Мальчики носили
шерстяные носки выше колена.
1940-е годы
Вторая мировая война оказала огромное влияние на детскую одежду.Тканей все время не хватало. Мода 1940-х годов представляет собой поворотный момент в истории, которая значительно изменила мир моды навсегда.
Этот период также изменяет стили, которые будут носить в последующие десятилетия. Практичность была на первом месте в умах людей даже самых модных.В России в начале 20 века Детский костюм разделялся на европейский и русский.
Русский костюм состоял из сарафана, косоворотки, вышитых и стилизованных.
Но самой популярной одеждой мальчиков и девочек в эти годы были матросские костюмчики .
Платья девочек были очень короткими, открывающими колени, линия талии у них располагалась низко на бедрах, предвосхищая моду 1920-х гг. на заниженную талию.
Мальчиков принято было коротко стричь; а девочкам завивать локоны , которые носились распущенными и украшались большими бантами — косичек в то время не заплетали.
Детские шубки шились, как правило, из светлых мехов, в отличие от взрослых, темных.
ДОПОЛНЕНИЕ:
детская одежда 18-19 вв:
начало 19века:
вторая половина 19 века: 1860-80 годы детская одежда — подлинники:
Девичьи платья 1880 год:
костюмы мальчиков 1880 год:
платья для сестер 1860 год:
Детские платья конец 19,начало 20 века:
————————————————-
Читайте так же:
Стиль винтаж в женской одежде 1900
Содержание ↷
Прошлый век – это время кринолинов, турнюров, «полонеза», доломана, обильных рюшей и оборок всевозможных видов.
Следующий за ним век, самый разгар эпохи красавиц (прекрасная эпоха), отличается простотой и здравым смыслом, и хотя детали по-прежнему тщательно проработаны, вычурная отделка платья и неестественные линии постепенно отходят на второй план. Эта тяга к простоте стала еще сильнее с началом Первой Мировой Войны, которая явно провозгласила два главных принципа женского платья – свободу и удобство ношения.
Прекрасная эпоха – время роскоши
Дом моды Redfern Galerie de vente, Париж 1910В 1900-х г.г., если вы являлись изысканной молодой английской дамой, принадлежащей к элите общества, вам полагалось дважды в год совершать паломничество в Париж вместе с другими такими же женщинами из Нью-Йорка или Санкт-Петербурга.
В марте и сентябре можно было заметить группы женщин, посещающих студии на rue Halevy, la rue Auber, rue de la Paix , rue Taitbout и Вандомской площади.
В этих, часто тесных магазинчиках, с лихорадочно работающими в задних комнатах швеями они встречались со своим личным продавцом, которая помогала им выбрать гардероб на следующий сезон.
Эта женщина была их союзником и знала все самые темные секреты их жизни как личные, так и финансовые! Выживание таких ранних домов моды всецело зависело от их могущественных клиенток, а знание их маленьких секретов помогало им в этом!
Дом моды Worth Salon-de Vente -1910 гВооруженные копиями «Les Modes», они просматривали последние творения великих кутюрье, таких как Пуаре, Ворт, сестры Калло, Жанна Пакен, Мадлен Шерюи и других, чтобы придумать гардероб, который бы затмил гардеробы не только друзей, но и врагов!
Прошли десятилетия, и эти ужасные журнальные изображения статичных женщин, где виден каждый шов и каждый стежок, были вытеснены более свободным и плавным стилем «Ар Нуво», где использовались новые фотографичные методы изображения.
Вместе с продавцом женщины выбирали гардероб на следующие шесть месяцев: нижнее белье, домашнюю одежду, платья для прогулок, варианты чередования в одежде, костюмы для путешествий на поезде или в машине, вечерние наряды для праздного времяпрепровождения, наряды для особых случаев, таких как Аскот, свадьба, посещение театра.
Список можно продолжать бесконечно, здесь все зависело от размера вашего кошелька!
Гардероб дамы эдвардианского периода (1901-1910 г)
Начнем с нательного гардероба. Он состоял из нескольких предметов нижнего белья – дневная и ночная сорочки, панталоны, гольфы и нижние юбки.
Женщины начинали свой день с выбора комбинации, затем надевали s-образный корсет, поверх которого шел лиф-чехол.
Далее шел дневной ансамбль. Обычно это была утренняя одежда, выполненная в строгом стиле, которую можно было носить при встрече с друзьями или при совершении покупок. Как правило, она состояла из аккуратной блузки и клинообразной юбки, в прохладную погоду сверху надевался жакет.
Возвращаясь к ланчу, необходимо было быстро переодеться в дневной наряд. Летом это всегда была какая-либо колоритная одежда пастельных цветов.
К 5 часам вечера можно было, что с облегчением и делалось, снять корсет и надеть чайный наряд для отдыха и приема друзей.
К 8 часам вечера женщину снова затягивали в корсет. Иногда нижнее белье менялось на свежее. После этого шел черед вечернего платья для дома или, при необходимости, для выхода в свет.
К 1910 г. такие платья стали претерпевать изменения под влиянием работ Поля Пуаре, чьи атласные и шелковые наряды, навеянные восточными мотивами, стали очень популярны среди элиты. Большим хитом 1910 г. в Лондоне стали дамские шаровары в качестве костюмированного вечернего наряда!
В течение дня необходимо было также, по крайней мере, дважды в день менять чулки – хлопковые – для ношения днем – вечером менялись на красивые вышитые шелковые чулки. Нелегко было быть женщиной эдвардианского периода!
Эдвардианский силуэт – мифы и реальность.
1900 — 1910 г.г.
До 1900г. каждая дама из высшего общества – с помощью своей служанки – была вынуждена ежедневно затягивать себя в тесные корсеты, затрудняющие дыхание, как делали ее мама и бабушка.
Для женщины это было очень болезненно! Определенно, продажа нюхательной соли была очень прибыльной в ту эпоху.
Целью корсета [если верить иллюстрациям] было вытолкнуть верхнюю часть тела вперед, как у голубя, а бедра отвести назад. Однако, Мэрион МакНили, сравнивая иллюстрации с фотографиями женщин 1900-х г.г. в их повседневной жизни, предположил в «Foundations Revealed», что реальной целью s-образных корсетов была демонстративно прямая осанка, созданная для того, чтобы подчеркнуть изгибы бедер и груди посредством отведения назад плеч, в результате чего грудь приподнималась, а бедра округлялись.
Мое мнение по данному вопросу следующее: существует тенденция, как и на современных модных иллюстрациях, чересчур подчеркивать линии. Сравнение представленной выше картинки дома мод Lucille от 1905 г. с красивой естественной фотографией молодой женщины из Лондона, сделанной Эдвардом Самбурном, доказывает тот факт, что женщины не затягивали корсеты слишком сильно!
Скорее всего, это была идеализированная версия женщины эдвардианской эпохи того времени, популяризованная с помощью иллюстраций Чарльза Даны Гибсона, и открыток с девушкой Гибсона Камиллой Клиффорд, в результате чего у нас сформировалось крайне утрированное впечатление о женских формах эдвардианской эпохи.
Мода в платьях – 1900 – 1909 г.г.
Женщины стали носить жакеты в строгом стиле, длинные юбки [подол немного приподнят], полусапожки на высоком каблуке.
Силуэт постепенно стал меняться с s-образного в 1901 г. на линию ампир к 1910 г. Типичными цветами одежды на каждый день для женщины эдвардианского периода было сочетание двух красок: светлый верх и темный низ. Материал – льняное полотно [для бедных], хлопок [для среднего класса] и шелк и качественный хлопок [для высшего класса].
Что касается деталей, в Прекрасную Эпоху кружевные оборки сигнализировали о социальном статусе женщины. Многочисленные оборки на плечах и корсаже, а также аппликации на юбках и платьях.
Несмотря на запрет на ношение корсетов, женщины, особенно из нового среднего класса, стали ощущать большую социальную свободу. Стало вполне нормальным для женщин совершать путешествия за границу на велосипедах – например, в Альпы или Италию, что прекрасно запечатлено в мелодраматической картине «Комната с видом», снятой по книге Э.
М. Форстера, которую он опубликовал в 1908 г.
Популярная повседневная одежда состояла из белой или светлой хлопковой блузы с высоким воротником и темной клинообразной юбки, начинающейся под грудью и спускающейся вниз до лодыжек. Некоторые юбки также вшивались в корсетное изделие от талии до места под грудью. Такой стиль: простая спортивная блузка и юбка – впервые появился в конце 1890-х г.г.
Часто на юбках существовал один-единственный шов, в результате чего даже самые безнадежные фигуры приобретали приятную стройность!
Юбки и платья шились в пол, но так, чтобы женщинам удобно было забираться в повозки. К 1910 г. подол стал короче и заканчивался немного выше лодыжки. Первоначально в силуэте блузок присутствовали объемные плечи, но к 1914 г. они значительно сократились в объеме, что, в свою очередь, привело к большей округлости бедер.
К 1905 г. с возрастающей популярностью автомобилей женщины, следящие за модой, стали осенью и зимой носить манто или полудлинное пальто.
Такие пальто были очень модными, они шли от плеча и заканчивались ниже талии, что в длину составляло примерно 15 дюймов. В таком наряде, да еще в новой короткой юбке, которая даже не доходила до лодыжек, женщина выглядела очень смело! Если на улице было сыро или шел снег, сверху можно было накинуть пыльник, чтобы уберечь одежду от грязи.
Послеобеденное платье, несмотря на то, что было выполнено в различных пастельных оттенках и с многочисленной вышивкой, по-прежнему оставалось достаточно консервативным в 1900-х г.г., так как его надевали для посещения официальных обедов, на встречи и консервативные женские собрания – здесь дресс-код находился под влиянием женщин с викторианскими взглядами на жизнь!
Чайные платья, в которые женщины, если они находились дома, обычно облачались к 5 часам вечера, были превосходны: как правило, они были выполнены из хлопка, белые и очень удобные. Это было единственное время для женщины эдвардианской эпохи, когда она могла снять корсет и дышать нормально! Женщины часто встречали и развлекали друзей в платье для чая, ведь можно было позволить себе быть крайне неформальной!
В Британии эдвардианского периода женщинам предоставлялась возможность продемонстрировать свои самые лучшие наряды из Парижа во время Лондонского сезона, проходящего с февраля по июль.
Начиная с Ковент Гардена, королевских приемов и частных балов и концертов, и заканчивая скачками в Аскоте, элита общества демонстрировала свои самые последние, самые лучшие и самые худшие наряды.
Вечерние платья в эдвардианский период были вычурными и вызывающими, с глубоким вырезом, который открыто демонстрировал грудь женщины и ее украшения! Вечерние платья в 1900-х г.г. шились из роскошного материала. К 1910 г. женщины стали уставать от крупных вечерних платьев, особенно это касается француженок, которые решили отказаться от шлейфов на платье и перешли на стиль ампир от Пуаре, навеянный «Русскими Сезонами».
В 1909 г., когда эдвардианский период уже подходил к концу, возникла странная мода на узкие юбки с перехватом ниже колен, чей приход также причисляют к Полю Пуаре.
Такие узкие юбки сильно стягивали колени женщины, что затрудняло движение. В сочетании с все более популярными широкополыми шляпами [в некоторых случаях их размер доходил до 3 футов], получившими свою популярность благодаря Люсиль – основной конкурентки Пуаре из Америки, начинало казаться, что мода перешла все грани разумного к 1910 г.
Прически и дамские шляпы в эдвардианский период 1900 – 1918 г.г.
Модные журналы того времени стали уделять огромное внимание прическам. Самыми популярными тогда считались кудри, завитые щипцами в стиле «Помпадур», так как это был один из самых быстрых способов укладки волос. В 1911 г. 10-минутная прическа «Помпадур» становится самой популярной!
На таких прическах хорошо держались удивительно большие шляпы, которые затмевали прически, к которым они были приколоты.
К 1910 г. прически в стиле «Помпадур» постепенно сменились на «Низкий Помпадур», которые, в свою очередь, с наступлением Первой Мировой Войны превратились в простые низко уложенные пучки.
Чтобы использовать преимущества данной прически, шляпки стали носить ниже, прямо на пучке, ушли широкие поля и яркие перья предыдущих лет. Нормы военного времени не одобряли подобных вещей.
«Русские Сезоны» 1909 г. – Ветер Перемен
К 1900 г. Париж был мировой столицей моды, а дома моды Worth, Callot Soeurs, Doucet и Paquin входили в список лидирующих имен.
Высокая мода или от-кутюр — так называлось предприятие, использующее самые дорогие ткани для продажи их влиятельной элите Парижа, Лондона и Нью-Йорка. Однако стиль оставался прежним – линии Ампир и стиль Директории – высокая талия и прямые линии, пастельные краски, такие как зеленоватый цвет нильской воды, бледно-розовый и небесно-голубой, напоминающие чайные наряды и вечерние платья элиты общества.
Пришло время перемен. Этому предшествовали следующие события: влияние стиля «Ар Деко», возникшего из модернистского движения; наступление «Русских Сезонов», впервые прошедших в 1906 г. в форме выставки, организованной их основателем Сергеем Дягилевым, феноменальные выступления Русского Императорского Балета 1909 г. с их роскошными костюмами, навеянными востоком и созданные Леоном Бакстом.
Шаровары танцора Нижинского вызвали огромное удивление среди женщин, а мастер оппортунизма Поль Пуаре, рассмотрев их потенциал, создал гаремную юбку, которая на некоторое время стала очень популярной среди молодежи из британского высшего класса. Пуаре, возможно, под влиянием иллюстраций Бакста 1906 г. почувствовал необходимость в создании более выразительных иллюстраций для своих творений, в результате чего он привлек неизвестного тогда иллюстратора Поля Ирибо, работающего в стиле «Ар Нуво», для иллюстрирования своей работы «Платья Поля Пуаре» в 1908 г. Невозможно переоценить то влияние, которое эта работа оказала на возникновение моды и искусства. После этого два этих великих мастера работали вместе в течение двух десятилетий.
Возникновение современной моды – 1912 – 1919 г.г.
К 1912 г. силуэт приобрел более натуральные очертания. Женщины стали носить длинные прямые корсеты в качестве основы для плотно облегающих дневных нарядов.
Как ни странно, короткое возвращение в прошлое в 1914 г. было просто ностальгией: большая часть домов моды, включая дом моды Пуаре, представили временные стильные решения с турнюрами, обручами и подвязками. Однако желание перемен было уже не остановить, и к 1915 г. в разгар бушующей кровавой войны в Европе сестры Калло представляют совершенно новый силуэт — не окольцованную женскую сорочку поверх прямого основания.
Другим интересным нововведением в первые военные годы стало появление блузы, совпадающей по цвету – первый шаг на пути к повседневному стилю, которой было суждено стать главным элементом женского костюма.
Коко Шанель обожала женские сорочки или платья покроя «рубашка» и благодаря своей любви к популярной американской куртке или матросской блузе [блуза свободного покроя, подвязанная поясом] – она адаптировала джемпера, носимые моряками в популярном приморском городке Довиль (где она открыла новый магазин), и создала женский кардиган с выразительными ремнями на каждый день и карманами, который стал предвестником модного образа 1920 г. за 5 лет до того, как это стало нормой.
Как и Шанель, другому дизайнеру Жанне Ланвин, которая в данный период специализировалась на одежде для молодых женщин, также нравилась простота женской сорочки, и она приступила к созданию летних платьев для своих клиенток, которые возвестили уход от ограничивающих движение платьев.
Начало Первой Мировой Войны в 1914 г. не положило конец международным показам парижских коллекций. Но, несмотря на попытки редактора американского журнала «Vogue» Эдны Вулман Чейз организовать благотворительные мероприятия в помощь модной французской индустрии, Париж был вполне оправданно обеспокоен тем, что Америка, будучи конкурентом Парижа, намерена тем или иным способом извлечь выгоду из создавшейся ситуации. Если вам повезло иметь модные французские винтажные периодические издания того времени, такие как «Les Modes» и «La Petit Echo de la Mode», обратите внимание на то, что в них редко можно найти упоминание о войне.
Тем не менее, война шла повсюду, и женские платья, как и в 1940-х г.г., по необходимости, стали более военными.
Одежда стала разумной – куртки строгих линий, даже теплые полушинели и брюки приобрели особые женские очертания, если их носили женщины, которые помогали на войне. В Британии женщины присоединялись к добровольческим медицинским отрядам и состояли в службе медицинских сестер СВ. В США существовал резерв женского вспомогательного состава МП, а также специальные женские батальоны.
Такие военные группы были предназначены для женщин высшего класса, женщины же из рабочего класса в разных странах, особенно в Германии, трудились на военных заводах. В результате такой встряски социальных классов, когда бедные и богатые, мужчины и женщины все вместе, как никогда раньше, выросло такое явление, как эмансипация в женском платье.
1915 — 1919 г.г. – Новый силуэт.
Это было время фигуры в стиле «Ар Нуво»
Теперь акцент в женском белье делался не на придание форм женской фигуре, а на ее поддержку. Традиционный корсет превратился в бюстгальтер, который теперь стал незаменим для более физически активной женщины. Первый современный бюстгальтер появился благодаря Мэри Фелпс Джейкоб, это свое творение она запатентовала в 1914 г.
На смену традиционному лифу пришла мода на завышенную талию, подвязываемую красивым широким поясом-шарфом. Использовались такие ткани, как натуральный шелк, лен, хлопок и шерсть, также стал применяться искусственный шелк – саржа, габардин (шерсть), органза (шелк) и шифон (хлопок, шелк или вискоза). Благодаря молодым дизайнерам, таким как Коко Шанель, в жизнь стали входить такие материалы, как джерси и деним.
В 1910г. появился горизонтальный взгляд на дизайн платьев. В качестве альтернативы использовались вертикальные накидки, такие как популярные куртки-кимоно от Пуаре, которые надевались поверх комплекта из жакета и юбки строгих линий. Подол повседневной одежды находился на уровне немного выше лодыжки; традиционная длина в пол у вечернего платья начала немного приподниматься с 1910 г.
К 1915 г. вместе с появлением юбки-клеш (известной также как военный кринолин), сокращением длины одежды, а, следовательно, и с появлением видимой теперь обуви стал проявляться и новый силуэт. Обувь на шнуровке и с каблуком стала приятным дополнением моделей на зиму – бежевые и белые цвета присоединились к обычно черным и коричневым краскам! С развитием военных действий из коллекций стали исчезать вечерние платья, а также одежда для чая.
Аннет Келлерман – революция в купальниках
Дизайны купальников эдвардианского периода привели к свержению общественных нравов, когда женщины на пляже стали демонстрировать свои ноги, хоть и облаченные в чулки.
Если не принимать во внимание австралийцев, особенно австралийскую плавчиху Аннет Келлерман, которая, в некотором роде, произвела революцию в купальниках, то нужно отметить, что купальные костюмы менялись постепенно с 1900 по 1920 г.г.
Келлерман вызвала настоящий переполох, когда по прибытии в США она появилась на пляже в плотно облегающем тело купальнике, в результате чего она была арестована в Массачусетсе за непристойное обнажение. Суд над ней стал поворотным моментом в истории купального костюма, а также помог избавиться от устаревших норм, в результате которых она была заключена под стражу. Она создала образ для красоток в купальниках от Max Sennett, а также стандарты для сексуальных купальников от Jantzen, которые появились позднее.
Рождение образа платья-чарльстон
Трудно точно определить, когда появился стиль платья девчонки-сорванца с низкой талией, ставший нормой к 1920 г. Здесь притягивает внимание образ матери и дочери, созданный Жанной Ланвин в 1914 г.
Внимательно посмотрите на маленькое прямоугольное платье дочери с заниженной талией, и вы узнаете образ платья-чарльстон, которое будет доминировать лишь несколько лет спустя!
Черный цвет был стандартным цветом во время Первой Мировой Войны, и миниатюрная Коко Шанель решила взять максимум от него и других нейтральных красок, а также от моделей одежды военного времени, а благодаря любви Шанель к простоте и было создано платье-рубашка с поясом на низкой талии, модели которого были продемонстрированы в «Harpers Bazaar» в 1916 г.
Эта ее любовь к более спортивным и повседневным платьям начала быстро распространяться от приморского городка Довиль, где она открыла магазин, в Париж, Лондон и дальше. В издании « Harper’s Bazaar» 1917 г. было замечено, что имя Шанель просто не сходит с уст покупателей.
Звезда Поля Пуаре начала тускнеть с наступлением войны, и когда он вернулся в 1919 г. с многочисленными красивыми моделями в новом силуэте, его имя уже не вызывало такого восхищения. Случайно столкнувшись с Шанель в Париже в 1920 г., он спросил у нее:
«Мадам, по кому вы носите траур?» Шанель носила свои фирменные черные цвета. Она ответила: «По вам, мой дорогой Пуаре!»
Историзм в моде XIX — начала XX века. Издание второе, переработанное и дополненное.
Как-то я уже писала на эту тему, но уняться никак не могу. Так что читайте издание второе, сильно переработанное и дополненное новой информацией и новыми картинками 🙂Историзм вошел в моду в самом конце XVIII века и с тех пор так из никогда и не выходил. Но наивысший свой расцвет он пережил в XIX веке. Историзм нашел отражение во всех аспектах европейской культуры того периода: литературе, архитектуре, театре, музыке, живописи, декоративно-прикладном искусстве, танце, организации развлечений и праздников… Особенное влияние он оказал на женский костюм. Собственно, именно о нем сегодня и пойдет речь.
Платье, стилизованное под эпоху рококо. 1880 год / Франсуа Буше. Портрет Маркизы де Помпадур — законодательницы стиля в эпоху рококо. 1759 год.
Источник фото: www.metmuseum.org
Особенностью исторических стилей было то, что когда в моду входили новые, старые никуда не исчезали. Греческие хитоны и набивные шелка эпохи рококо комфортно сосуществовали друг с другом. Возможно, именно этим и объясняется, почему историзм так долго был популярен. Он не диктовал, а предлагал варианты. Исторических стилей было невероятное множество, они основывались на эстетическом наследии самых разных стран и эпох и могли даже смешиваться в одном костюме. Однако у вхождения в моду каждого нового исторического стиля была своя предыстория.
Античность
Историзм вошел в женскую моду только в самом конце XVIII века. До этого момента всеобщее восхищение античностью, так заметно проявившееся в искусстве классицизма, почему-то моду обходило стороной. Но около 1795 года сдался и этот последний бастион. Женщины начали одеваться в пастельные струящиеся платья, напоминающие (как казалось тогдашним модницам) греческие хитоны или римские туники.
Платье. 1805-10 гг.
Источник фото: www.metmuseum.org
Танагрская статуэтка. 250-200 гг. до н.э.
Фото из Википедии.
Настенная живопись из г. Помпеи. Около 30 г. н.э.
Фото из Википедии
Бальное платье. 1804-5 гг.
Источник фото: www.metmuseum.org
Платье. Около 1810 г.
Источник фото: www.metmuseum.org
Готические стили
В 1810-х годах влияние античных одежд на моду было еще очень значительно, однако, уже тогда в женском костюме стали появляться первые элементы «готических» стилей (к ним относили все стили, содержавшие отсылки к моде XII-XVII вв., которые часто смешивали между собой в одном костюме). Это был ответ на новую манию, охватившую общество — повальное увлечение средневековьем. Сложно сказать, откуда это увлечение возникло. Здесь все сыграло свою роль — и успехи историков в изучении этого периода, и разочарование классицистическим рационализмом, наступившее с крахом французской революции, и крайне популярные романы Вальтера Скотта и других авторов, писавших о рыцарских временах… Как бы то ни было, с этого времени элементы моды XII-XVII вв. стали очень популярны в женской одежде.
Необходимо отметить, что больше всего элементов «готические стили» переняли из костюма XVI-XVII века, когда готика уже давным-давно отжила свое. Но таково уж было тогдашнее мировосприятие — именно буффы на рукавах и гофрированные воротники в первую очередь ассоциировались у широкой общественности со средневековьем.
Ротонда. Около 1820 г.
© Victoria and Albert Museum, London.
Портрет Марии Медичи. Алессандро Аллори. Около 1555 года.
Бальное платье. 1811 г.
Источник фото: www.metmuseum.org
Бальное платье. 1820 г.
Источник фото: www.metmuseum.org
Стиль рококо.
В 1820-30-х гг. к «готическим» стилям добавились и стили, характерные для XVIII столетия. Все началось с тканей. Популярные в XVIII веке шелка очень хорошо подходили к вошедшему в 1820-30 гг. в моду силуэту с пышными юбками и рукавами. Ткань эта была очень дорогая и женщины стали перешивать старые, вышедшие из моды платья. Не малую роль в возвращении в моду элементов женского костюма XVIII века сыграла реставрация Бурбонов, всячески подчеркивающих преемственность своей власти и величие Франции в эпоху Людовика XV.
Платье, сшитое в 1827-9 гг. из ткани 1770-80 гг.
© Victoria and Albert Museum, London.
Robe à la française. Конец XVIII века.
Уже во второй половине XIX века к тканям эпохи рококо добавились и конструктивные особенности платьев той эпохи. Гладкий, прилегающий лиф, узкий рукав, обрамленный кружевом, квадратный вырез декольте, украшения в виде бантов, раскрывающиеся спереди лиф и юбка…
Платье. 1770-е годы.
Источник фото: www.metmuseum.org
Платье. 1878-1880.
© Victoria and Albert Museum, London.
Платье. 1885 год.
Источник фото: www.metmuseum.org
Воротник «Берта».
Воротник «Берта» — широкий воротник, спадающий на плечи и обычно обрамляющий глубокое декольте — вошел в моду во второй половине 1830-х гг. Он был назван в честь Большеногой Берты, матери Карла Великого, знаменитой своей целомудренностью. Лично я никаких связей между средневековым костюмом (и даже целомудрием) и этим модным аксессуаром не нашла, зато он очень похож на кружевные воротники, популярные в середине — второй половине XVII века.
Платье. 1842 г.
© Victoria and Albert Museum, London.
Берта, королева франков. Копия XIX века с оригинала XIII века.
Жан Нокре. Портрет Марии-Терезии Австрийской, жены Людовика XIV. Около 1660 года.
Каспар Нетшер. Портрет девушки. Около 1660 г.
Платье. 1845-6 гг.
© Victoria and Albert Museum, London.
Платье для визитов. 1845-50 гг.
Источник фото: www.metmuseum.org
Свадебное платье. 1867 год.
© Victoria and Albert Museum, London.
Источник фото: www.mcny.org
Отделка «Ван Дейк»
Такое название получила отделка, по форме напоминающая фестоны на воротниках с картин ван Дейка. Она в XIX веке также ассоциировалась со средневековыми мотивами.
Портрет Карла I. Ван Дейк. 1635-36 гг.
Отделка «Ван Дейк» могла быть кружевной и тогда использовалась в украшении воротников и рукавов…
Бальное платье. 1860.
Источник фото: www.metmuseum.org
Платье. 1867 г.
Источник фото: www.metmuseum.org
А могла быть служить декоративным обрамлением края юбки или шлейфа. В этом случае, зубчики просто вырезались по краю ткани.
Платье. 1881 г.
Источник фото: www.metmuseum.org
Художественное платье.
Новая волна популярности историзма в костюме была связана с искусством прерафаэлитов. Художники этого направление в английской живописи, образовавшегося в 1848 году, боролись против слепого подражания классическим образцам, начавшегося в эпоху Высокого Возрождения. Они восхищались искусством флорентийских мастеров эпохи раннего Ренессанса, то есть художниками «до Рафаэля» и Микеланджело. Прерафаэлиты создали в изобразительном искусстве новый тип красоты — средневековый образ идеальной женственности: отрешённый, спокойный, таинственный. Женщины на их полотнах были одеты в длинные струящиеся платья без жесткой линии талии.
Данте Габриэль Россетти. Пиа де Толоме. 1868-1880.
Первые художественные платья, созданные под влиянием картин прерафаэлитов, появились 1850-е гг. Термин «художественное платье» («artistic dress») был придуман самими художниками: они называли так одежду, в которой модели позировали. Художественные платья отличали свободный силуэт, широкие длинные рукава с буфами, зачастую – отсутствие корсета. Выразительность художественного костюма создавалась за счет драпировок. Основным украшением служила вышивка, созданная вручную. Художественное платье обрело более широкую популярность в 1870-х годах, когда окрепло эстетическое направление, поддержавшее взгляды прерафаэлитов на костюм.
Платье. 1891 г.Источник фото: www.metmuseum.org
Платье. 1894.
© Victoria and Albert Museum, London.
Такие платья очень не походили на высокую моду того времени и пользовались популярностью в первую очередь среди богемных девушек.
Закрытый показ в Королевской Академии. Уильям Пауэл Фрит. 1883. Справа и слева девушки одеты в артистические платья, в центре — по обычной моде того десятелетия.
Впрочем, высокая мода богемных кругов достаточно быстро подстроилась под запросы простых обывательниц, хотевших прикоснуться к миру эстетизма, но не решавшихся порвать с привычным корсетом. Стали появляться платья, в которых привычная жесткая линия талии сочеталась со струящимися тканями и средневековыми мотивами в отделке. Обычно артистические вольности позволяли себе при пошиве так называемых «платьев для чая», которые носили дома, в кругу близкой семьи.
Дневное платье. 1885
Источник фото: www.metmuseum.org
Стиль эпохи Директории.
Стиль Директории (1795-1799 г.) вошел в моду в самом конце 1880 годов, в ответ на тяготение моды к более естественному силуэту. В первую очередь источниками вдохновения для кутюрье XIX века послужили рединготы эпохи Директории — одежда для верховой езды, использующая элементы, типичные для мужского костюма.
Редингот. 1790 г.
Фото из Википедии
Платье. 1888 год.
© Victoria and Albert Museum, London.
Лиф. 1890-93 гг.
© Victoria and Albert Museum, London.
Рукава-жиго
После Всемирной выставки в Париже в 1889 году стало очевидным, что на смену историзму, господствовавшему в искусстве более полувека, приходит модерн. Под влиянием новой эстетики появляется и новый идеал женской фигуры, которую Анатоль Франс в 1894 году сравнивал с «прекрасным подобием амфоры». Меняются крой и силуэт платья. На смену узким драпированным юбкам и тюнику (верхняя часть двойной женской юбки) приходят юбки, мягко облегавшие фигуру и расширяющиеся книзу. Однако именно в это время заката историзма в моду входят огромные пышные рукава с густой сборкой у плеча, получившие название «жиго», явное заимствование из арсенала модного костюма Возрождения.
Вечернее платье. 1894.
© Victoria and Albert Museum, London.
Тициан. Любовь земная и любовь небесная. 1512-1515 гг.
Платье. 1895.
©The Kyoto Costume Institute, photo by Takashi Hatakeyama
Дневное платье. 1892-1894.
© Victoria and Albert Museum, London.
В это же время (1890-е гг.) в моду опять входят высокие стоячие воротники на косточках, даже в летних платьях, где они исполнялись из кружева. Это еще одно заимствование из моды XVI века, только уже не итальянской, а испанской.
Платье. 1897 год.
© Victoria and Albert Museum, London.
Портрет инфанты Катерны Микаэлы Испанской. Алонсо Санчес Коэльо. 1585 год.
Свадебное платье. 1905 год.
© Victoria and Albert Museum, London.
Свадебное платье. 1899 год.
© Victoria and Albert Museum, London.
Летнее платье. 1905 г.
© Victoria and Albert Museum, London.
Накидка. 1895 год.
Источник фото: www.metmuseum.org
Стиль Первой Империи.
В начале XX века женский костюм становится все более и более удобным и функциональным, на смену жесткому силуэту приходят платья из мягкий струящихся тканей, которые можно было носить без корсета. Однако женская мода не спешила расставаться с историзмом. Вместо этого она приспособила к новым веяниям очередной исторический стиль — стиль Первой Империи, вдохновленный ампирными струящимися платьями с завышенной талией, популярными в самом начале XIX века.
Вечернее платье. 1910 г.
Источник фото: www.metmuseum.org
Платье в стиле ампир. 1800.
© Victoria and Albert Museum, London.
Вечернее платье. 1911.
Источник фото: www.metmuseum.org
Вечернее платье. 1910-1914.
Источник фото: www.metmuseum.org
А потом была Первая Мировая война и мир стал другим, бесконечно далеким от рыцарской романтики и излишеств рококо. Историзм остался в прошлом. Он не исчез навсегда, он еще вернется в моду, но это будет уже совсем другая история.
Использованная литература.
Чарльз Ворт и работы его фирмы в собрании Эрмитажа. СПб., 2000
Lucy Johnston. Nineteenth century fashion in detail.V&A Publications, 2005
Чупрунова Е.С. Художественное и эстетическое платье в контексте изобразительного искусства Англии второй половины XIX века / Инновации молодежной науки: тезисы докладов Всероссийской научной конференции молодых ученых. СПб., 2011.
www.metmuseum.org
http://www.vam.ac.uk/
http://www.kci.or.jp
www.mcny.org
Еще на эту тему можно почитать:
Историзм в иллюстрациях модных журналов XIX — начала XX вв.
Мода рубежа 19-20 веков: от историзма к модерну.
Платья Чарльза Ворта из собрания Эрмитажа (Чарльз Ворт очень часто использовал исторические мотивы в своих костюмах).
Мода 1900-х — характерные черты, фото
Мода 1900-х – «Золотая эпоха» для женской одежды. Период появления «новых богачей» значительно повлиял на гардероб всех представительниц прекрасной половины человечества.
Париж, являясь центром моды, диктует свои правила. В это время процветает кутюр, вручную создаются шикарные платья, которые затем демонстрируются на выставках.
Особенности эпохи
История моды 20 века начинается именно в Париже. Город, который и сегодня отличается своей специфической атмосферой, задаёт моду и вдохновляет на создание новых фасонов и стилевых направлений в одежде.
[adv]
Первое десятилетие прошлого века характеризует роскошная одежда в вечернем стиле, вещи, обильно украшенные кружевом, перьями, мехом, и разнообразие украшений, как драгоценных, так и в виде бижутерии. Женщины этого времени стремятся подчеркнуть богатство своим разнообразным гардеробом.В 1900-е годы появляется всё больше модных журналов, пока ещё уступающим в популярности открыткам с изображением королевских особ и актрис, которым подражали многие девушки.
Женская одежда начала 20-го века
Мода 1900-х мало отличается от предыдущей эпохи. Значительное влияние 19-го века продолжалось почти десятилетие. От женщин требовалось придерживаться определенного дресс-кода, и надевать соответствующую одежду. В обязательном порядке девушки носили нижнюю рубашку из натуральной ткани, узкий корсет и длинное платье.
История моды и стиля того времени выделяет фасон в виде песочных часов. Платья и пальто характеризует подчёркивание талии с помощью корсетов и поясов. Но основной задачей дизайнеров считалось акцентирование внимания на дорогостоящих тканях и пышной отделке.
Вечерние вещи создавались из шифона, шелка, кружева, сатина. Зимний гардероб – из бархата, натуральной шерсти и меха. Для повседневной одежды использовали хлопок и лен темных или бледных расцветок.
Стиль модерн остаётся так же популярным, особенно это видно в модных платьях. Главной чертой является S-образный силуэт, который создавали на основе удлиненного корсета. Но такой фасон был крайне неудобным, поэтому девушки стремились отказаться от подобного наряда.
[adv-2]
Это способствовало появлению мягких корсетов, а вскоре и полный отказ от данного элемента гардероба. Поль Пуаре стал первым дизайнером, разработавшим одежду, которая не требует корсета. Предложенные им модели отличались завышенной талией и акцентированием линии плеч.
Именно это новшество оказало наибольшее влияние на моду 1900-х и последующих годов. Искусственный силуэт, который ранее создавался корсетом, уступил место естественным женским формам. Новые платья исполнялись из легких, струящихся тканей, подчеркивающих изгибы тела.
Из стилевых направлений набирали популярность восточные костюмы. Эстетика далеких стран вдохновляла большинство дизайнеров и художников. Стиль нашел отражение в гардеробе модниц в виде пестрых аксессуаров, персидской вышивки, тюрбанов, широких брюк и зауженных юбок. Одежда также имела большое количество отделки и броские детали.
Характерная обувь и аксессуары
Любимой обувью девушек были туфли на низком каблуке, имеющим форму рюмки. Декорировали обувь бантами, пряжками или небольшими пуговицами. В дополнение туфлям носили чулки, которые различались по цвету и декору, для вечернего и дневного комплекта соответственно.
Важным аксессуаром стала женская сумочка. Если в начале столетия оставалась популярной непрактичная бархатная модель, небольших размеров, то уже через несколько лет сумочка увеличилась в размерах. Это сделало её неотъемлемой деталью образа.
[adv-3]
Основным аксессуаром эпохи специалисты считают шляпу. Она имела широкие поля, богато украшалась перьями, лентами и бисером. Каждая модница была обязана иметь такую шляпу.
Как создать образ в стиле 1900-х
В современной моде остаётся актуальным создание разнообразных образов в стилистике определённой эпохи. Такой облик позволяет подчеркнуть своё чувство стиля, индивидуальность, а также проявить фантазию.
При составлении вечернего комплекта отдайте предпочтение платьям длиной в пол, выполненных из броской ткани. Модели прямого или S-силуэта будут как нельзя кстати. Также подойдут варианты с небольшим шлейфом и зауженной юбкой.
Сделайте основной акцент на украшениях, декоре и аксессуарах. Это позволит максимально воссоздать образ 1900-х.
Обувь выбирайте удобную, на среднем или низком каблучке. Актуальными будут классические туфли, короткие сапоги или ботильоны.
Стилисты рекомендуют обратить внимание на цветовую гамму общего комплекта. Пастельные цвета, золотистые и серебристые оттенки приблизят вас к золотой эпохе прошлого века.
?Не как у всех» — топ-7 необычных свадебных платьев звезд XX века
Как повлияла на свадебную моду Вторая мировая война, Великая депрессия и королева Виктория? Мы решили вспомнить, каким образом менялись свадебные платья на протяжении последних ста лет, начиная с 10-х годов XX века.
Блок: 1/12 | Кол-во символов: 218
Источник: https://www.wedding-magazine.ru/articles/wedding-day/fashion/53849
Свадебные платья в 60-е годы 20-го столетия
60-е годы прошлого века – эпоха свободы, начало зарождения разнообразных социальных движений, время глобальных перемен. Все эти перемены затронули и область моды – в 60-е появился купальник-бикини и мини-юбка.
Изобретение мини-юбки Мэри Куант стало своего рода революцией в моде, в том числе и в моде свадебной. И некоторые знаменитости того времени выбрали для собственного бракосочетания, как раз-таки свадебное платье с мини-юбкой. В коротеньком платье невесты вышла замуж Йоко Оно, мини на свою свадьбу с Фрэнком Синатрой надела Мия Фэрроу.
Еще одной отличительной особенностью нарядов невесты того времени является изобилие цветочных аппликаций. Они могли украшать как само платье, так и декорировать прочие свадебные аксессуары невесты – шляпку, сумочку, перчатки.
Блок: 2/5 | Кол-во символов: 842
Источник: https://MameNaZametku.ru/moda-i-stil/odezhda/kak-menyalis-svadebnye-platya-poslednie-50-let
Эдмунд Блэр Лейтон, Регистрация брака
Во все времена свадебный наряд должен был олицетворять невинность, но имелась ещё одна задача: показать, насколько состоятельна семья невесты. До конца XIX века подвенечные наряды в основном даже белыми не были: в ход шло всё, что угодно — главное, чтобы выглядело дорого. С приходом моды на античность во времена ампира свадебные платья стали белыми. Но окончательно всё изменилось в 1840-м году, в день публикации фото со свадьбы королевы Виктории. Её роскошное белоснежное платье навсегда изменило свадебную моду.
Блок: 2/12 | Кол-во символов: 580
Источник: https://www.wedding-magazine.ru/articles/wedding-day/fashion/53849
Особенности наряда невесты в 70-х годах 20-го века
В 70-х годах прошлого века мода на ультракороткие свадебные наряды для невест пошла на спад. Невесты того времени вновь стали надевать платья в пол, но модели и фасоны нарядов были максимально простыми, без вычурного декора и украшений.
Строгости не было и в силуэте – на пике моды были силуэты воздушные и струящиеся, превращающие невесту в сказочное видение, мираж, волшебную фею или эльфийскую деву.
Украшались такие наряды кружевом ручной работы – из кружева делалась кокетка наряда или широкие рукава, которые при желании невеста могла приспустить по плечам, красиво оголив эту часть своего тела.
Блок: 3/5 | Кол-во символов: 679
Источник: https://MameNaZametku.ru/moda-i-stil/odezhda/kak-menyalis-svadebnye-platya-poslednie-50-let
Закрытая шея, высокая талия, шляпка, венок или тиара и обязательно фата — так выглядело большинство невест переходной эпохи. В повседневной моде подолы уже стали неумолимо ползти вверх, но в свадебной оставались на своём месте, в пол.
Блок: 3/12 | Кол-во символов: 247
Источник: https://www.wedding-magazine.ru/articles/wedding-day/fashion/53849
Свадебная мода в 80-е годы: какие наряды для невест вошли в моду в эпоху диско
Свадебная мода 80-х годов прошлого столетия способна удивить своим разнообразием и многоцветием. Платье невесты в то время могло быть не только белым, но и бежевым, кремовым, цвета шампанского и даже более ярких тонов – появляются даже ярко-розовые свадебные наряды.
Чаще всего невесты 80-х облачались в длинные наряды из плотных тканей с пышной юбкой и корсетом. На голову надевался красивый трогательный веночек с фатой или же элегантная шляпка с широкими полями.
Невесты, не боящиеся нарушать традиции, выходили замуж не только в платьях, но и в брючных костюмах. Свадебный брючный костюм того времени делался достаточно строгого кроя, а дополнять его предполагалось все той же широкополой шляпкой и кокетливой маленькой сумочкой.
Писком свадебной моды 80-х годов становятся перчатки – невесты поголовно надевают этот аксессуар в любом виде – кружевные или плотные, короткие или длинные свадебные перчатки можно было увидеть на любой невесте эпохи 80-х.
Блок: 4/5 | Кол-во символов: 1071
Источник: https://MameNaZametku.ru/moda-i-stil/odezhda/kak-menyalis-svadebnye-platya-poslednie-50-let
Vogue; New York Vol. 68, Iss. 12, The Vogue Archive
Книга «Великий Гэтсби» Фицджеральда стала буквально символом своего времени, в том числе и в плане моды. Дэйзи Бьюкенен в образе невесты: аккуратная шляпка-шлем с фатой, длинные бусы, белое платье, обнажающее колготки. Более смелого наряда не было ни в одну предыдущую эпоху, но мы-то знаем, — это было только начало.
Блок: 4/12 | Кол-во символов: 382
Источник: https://www.wedding-magazine.ru/articles/wedding-day/fashion/53849
Модные наряды невест в сложные 90-е годы 20-го столетия
В 90-е годы невесты могли выбирать для своей свадьбы наряды абсолютно любого стиля, в том числе и совсем, отказаться от платья, как например, поступали некоторые звезды рок-музыки: вместо длинного наряда эти дамы надевали рваные джинсы или ультракороткие шорты и свободную блузку с косухой. Из традиционного образа невесты обычно оставалась фата и букет.
Однако те невесты, которые к подобным экспериментам на собственном бракосочетании были не готовы, выбирали платье в стиле «сказочная принцесса» с корсетом и кринолином в три широких волана. В 90-х вернулись в моду фата в пол и шлейфы на платье.
Вот такой короткий экскурс в историю свадебного наряда.
В 2000 свадебная мода вновь переживет перемены, но их лучше всего проследить по авторским коллекциям на сайтах свадебных салонов и агентств.
В наше время моделей свадебных платьев огромное множество. Помимо основных силуэтов есть платья в греческом стиле, с крежевом, бохо, с корсетом, годе и т.д. Так же есть свадебные платья для беременных и для мусульманок. Все эти платья и многие другие вы можете найти на сайте салона “Эдем”.
Блок: 5/5 | Кол-во символов: 1178
Источник: https://MameNaZametku.ru/moda-i-stil/odezhda/kak-menyalis-svadebnye-platya-poslednie-50-let
La Mode Illustree, 1934
Великая депрессия с её строгой экономией не могла не сказаться и на подвенечных нарядах — в это время большинство из них в лучшем случае делали из дешёвого искусственного шёлка и вискозы или вовсе перешивали из материнских. Но менее эффектными они от этого не становились.
Блок: 5/12 | Кол-во символов: 310
Источник: https://www.wedding-magazine.ru/articles/wedding-day/fashion/53849
Джуди Гарленд: струящееся миди
Прекрасный вариант для невест,которые хотят найти золотую середину между«дешево и сердито» и «дорого-богато». Если ты боишься выглядеть слишком просто,но и не желаешь иметь ничего общего с подъюбником,корсетом и аляповатой вышивкой,советую присмотреться к романтичным и элегантным шелковым и шифоновым нарядам несложного кроя. Дай шанс оттенкам крем-брюле,капучино и шампанского(они прекрасно оттеняют цвет лица) и подумай о платьях с ненавязчивой отделкой — с красивым длинным поясом,интересными пуговицами на спинке или элегантным узором на рукавах.
Блок: 6/8 | Кол-во символов: 598
Источник: https://www.cosmo.ru/fashion/star_style/ne-kak-u-vseh-top-7-neobychnyh-svadebnyh-platev-zvezd-xx-veka/
Глянцевые журналы военного времени утверждали: «Свадебное расписание теперь составляется командующим офицером жениха. Именно он решает, что помолвку объявят в понедельник, приглашение разошлют в среду телеграммой, а в субботу уже будут поздравлять молодых.» В это же время мужчины начинают носить обручальные кольца — на фронте это зачастую было единственным, что напоминало о мирной жизни. Невесты в это время были изобретательны и практичны: кто-то выходил замуж в платье подруги, кто-то — в своей униформе. Но неизменными в фасонах свадебных платьев тех лет были приталенный лиф, объёмные рукава, сердцевидный вырез и жёсткие плечи.
Блок: 6/12 | Кол-во символов: 648
Источник: https://www.wedding-magazine.ru/articles/wedding-day/fashion/53849
Миа Фэрроу: элегантный минимализм
Муза Вуди Аллена выходила замуж несколько раз,но именно этот свадебный образ Мии мне нравится больше других. Здесь все работает на актрису: и мальчишеская прическа,и минималистичное платье-футболка,перехваченное поясом,и туфли без каблука. Идеальный референс для невест,которые в повседневной жизни придерживаются урбанистичного стиля и оплакивают стиль«нормкор», популярность которого в последнее время идет на спад. Проще говоря,если в тебе еще живет tomboy и ты не представляешь себе нормальной жизни без классических«конверсов», а свободная белая футболка всегда найдется в твоем шкафу,распечатай фото Фэрроу и отправляйся на поиски«платья мечты» в обычный масс-маркет,там ты точно найдешь что-то похожее!
Блок: 7/8 | Кол-во символов: 759
Источник: https://www.cosmo.ru/fashion/star_style/ne-kak-u-vseh-top-7-neobychnyh-svadebnyh-platev-zvezd-xx-veka/
Vogue; New York Vol. 115, Iss. 8, (May 1, 1950) The Vogue Archive
Время победившего New Look, обнажённых плеч и Элизабет Тейлор. Всем хотелось одного — забыть ужасы Второй мировой и просто наслаждаться красотой и счастьем. Платья в стиле голливудской принцессы подходили для этого как нельзя лучше.
Блок: 7/12 | Кол-во символов: 312
Источник: https://www.wedding-magazine.ru/articles/wedding-day/fashion/53849
Йоко Оно: мини,гольфы и шляпа
Свадьба легендарной пары — Оно и Леннона — состоялась в 1969 году,а совместное фото влюбленных украсило экспериментальный альбом музыканта под названием The Wedding Album. Экспериментальным можно назвать и образ невесты: ультра-мини,широкополая фетровая шляпа,гольфы и ботинки на плоском ходу — неплохой референс для современных леди,планирующих неформальную свадьбу в духе инди или бохо. Самый главный плюс такой истории — это платье ты точно сможешь надеть еще раз на пару-тройку вечеринок,и оно не будет одиноко грустить в твоем и без того переполненном гардеробе!
Наташа Байбурина
Интересуешься этой темой?
Получай последние тенденции моды на почту.
Я соглашаюсь с правилами сайта
Мы отправили на ваш email письмо с подтверждением.
Блок: 8/8 | Кол-во символов: 1077
Источник: https://www.cosmo.ru/fashion/star_style/ne-kak-u-vseh-top-7-neobychnyh-svadebnyh-platev-zvezd-xx-veka/
Если вы ищете самую пышную фату — посмотрите фотографии свадеб 1960-х. Чем лаконичнее в угоду моды становились платья, тем больше и выразительнее становились головные уборы. В ход шли гигантские тиары, сложные композиции из цветов и просто огромное количество тюлевой ткани.
Блок: 8/12 | Кол-во символов: 289
Источник: https://www.wedding-magazine.ru/articles/wedding-day/fashion/53849
Кадр из фильма «Крёстный отец», 1972г
Конечнно, свадебный пиджак на голое тело Бьянки Джаггер незабываем. Но это был не единственный экстравагантный образ 70-х — декады, которая прокричала о свободе громче других. Поэтому-то её дети не боялись ни радикальных мини, ни мимолётных браков.
Блок: 9/12 | Кол-во символов: 300
Источник: https://www.wedding-magazine.ru/articles/wedding-day/fashion/53849
Мода 80-х, казалось, не знала слова «слишком» — за это мы и полюбили её сейчас. Ведь тогда даже платье, целиком сделанное из гигантского банта, смотрелось вполне естественно.
Блок: 10/12 | Кол-во символов: 187
Источник: https://www.wedding-magazine.ru/articles/wedding-day/fashion/53849
Vogue; New York Vol. 180, Iss. 12 (Dec. 1, 1990), стр 318-31, The Vogue Archive
Минимализм следующего десятилетия не обошёл стороной и свадебные традиции. Исчезли шлейфы и рукава-буфы, зато появились платья-комбинации, простые пучки и ностальгия по 1920-м.
Блок: 11/12 | Кол-во символов: 271
Источник: https://www.wedding-magazine.ru/articles/wedding-day/fashion/53849
Кадр из фильма «Сбежавшая невеста», 1999г.
В 2000-х А-силуэт занял лидирующую позицию. Облегающий лиф, умеренно пышная юбка — идеально для любой фигуры. В моде — скромная и практически целомудренная невеста.
Текст: Анастасия Углик
Фото: Gettyimages.com
Блок: 12/12 | Кол-во символов: 266
Источник: https://www.wedding-magazine.ru/articles/wedding-day/fashion/53849
Количество использованных доноров: 3
Информация по каждому донору:
- https://MameNaZametku.ru/moda-i-stil/odezhda/kak-menyalis-svadebnye-platya-poslednie-50-let: использовано 4 блоков из 5, кол-во символов 3770 (29%)
- https://www.cosmo.ru/fashion/star_style/ne-kak-u-vseh-top-7-neobychnyh-svadebnyh-platev-zvezd-xx-veka/: использовано 7 блоков из 8, кол-во символов 5150 (40%)
- https://www.wedding-magazine.ru/articles/wedding-day/fashion/53849: использовано 12 блоков из 12, кол-во символов 4010 (31%)
Исторический музей принимает выставку придворного костюма из Эрмитажа — Российская газета
Выставка «Придворный костюм середины XIX — начала XX века из собрания Государственного Эрмитажа», которая открывается в Москве, — первое из юбилейных приношений коллег Государственному историческому музею (ГИМ), который отпразднует свое 150-летие в 2022 году.
Музей своим рождением обязан легендарной Всероссийской политехнической выставке 1872 года, приуроченной к празднованию 200-летнего юбилея Петра I. Ее огромная экспозиция, занявшая все кремлевские сады, вдохновила Москву на создание сразу двух музеев: Исторического и Политехнического. В частности, здесь публика впервые увидела археологические находки из Херсонеса. Так что можно сказать, что сокровищница Исторического музея ведет отсчет от юбилея Петра и от раскопок античного города. Эту линию античного полиса продолжат собиратели, передававшие свои коллекции музею «на общественное благо». А линия имперская, от Петра I, продолжится «высочайшим соизволением» от 9 февраля 1872 года на создание Исторического музея имени цесаревича Александра Александровича. Впервые в музей Александр Александрович вступит уже императором, вскоре после коронационных торжеств 27 мая 1883 года. Нынешняя выставка связь Исторического музея с императорской четой Александра III и Марии Федоровны акцентирует.
Посетителей встречает огромный портрет императрицы Марии Федоровны в полный рост. Церемониальные, парадные, бальные платья русского императорского двора напоминают о торжествах 1883 года. А среди 50 комплектов костюмов и более 60 аксессуаров, привезенных из Эрмитажа, — львиная часть принадлежит Марии Федоровне, моднице, изящной красавице, носившей туфельки 35 размера. Урожденная датская принцесса Дагмар, она должна была выйти замуж за цесаревича Николая Александровича (его портрет показывается после реставрации впервые за почти сто лет), но он умер в 1865 году. И через год после смерти жениха она приняла предложение его брата Александра, ставшего наследником русского престола.
О чем могут поведать придворные костюмы позапрошлого и прошлого века, рассказывает Нина Тарасова, хранитель коллекции костюмов Эрмитажа, куратор нынешней выставки в ГИМе.
Хотя среди экспонатов выставки есть портреты, аксессуары, почему тем не менее главным героем выставки вы сделали придворный костюм?
Нина Тарасова: Это наш способ показать церемониальный характер жизни императорского двора, показать под новым углом зрения исторические события.
Например?
Нина Тарасова: Например, смерть Александра III и наступление царствования Николая II. Александр скончался весной 1894 года. А в ноябре была церемония бракосочетания Николая II и Александры Федоровны. Рядом можно увидеть подвенечное платье невесты и белое траурное платье вдовствующей императрицы Марии Федоровны, в котором она была в момент свадьбы своего сына.
Белое траурное платье?
Нина Тарасова: Глубокий траур длился год. Его можно было ослабить только в день рождения императрицы Марии Федоровны — 14 ноября. В этот день строгий черный траур был заменен на белый. И она смогла надеть белое платье из шелкового крепа на свадьбу сына. Креп при дворах европейских монархов считается траурной тканью.
Откуда эта традиция идет?
Нина Тарасова: Это общеевропейская традиция. Структура русского императорского двора была выстроена во многом по модели Пруссии, а церемониалы шли из Франции. Тут соединялись разные традиции.
Платье по ранжиру
Одни представляют придворную жизнь как следование ритуалу, шаг вправо или влево от которого грозит нарушителю остракизмом. Другие — как праздник моды и гламура. Пытались ли вы соблюсти баланс между этими крайностями, готовя выставку?
Нина Тарасова: Если вы заметили, одна из главных тем выставки — именно церемониальные костюмы русского императорского двора. Дамы должны были приходить на торжественные церемонии только в платьях, которые соответствуют их рангу.
С каких пор платья регламентировались?
Нина Тарасова: Со времен Николая I. Он издал соответствующие указы в 1831 и 1834 годах. Так, указ от 27 февраля 1834 года вводил дополнение о «русских платьях». Они были весьма фантазийными. Современники называли их офранцуженными сарафанами.
Регламентировался не только покрой. Для фрейлин, камер-фрейлин, статс-дам и гофмейстерин был также определен цвет бархата и рисунок шитья платья. Он был разработан до мелочей и вошел в полный свод законов Российской империи.
Ничего личного?
Нина Тарасова: Абсолютно ничего.
А если кому-то сарафан не шел?
Нина Тарасова: Для зрелых статс-дам Николай I предусмотрел возможность легких газовых кофточек, которые на живую нитку пришивались к парадному платью. Можно было уменьшить декольте. Специальные нашивные рукавчики могли закрыть проблемную зону руки. Тогда перчатки они надевали уже не до локтя, а короткие.
А остальные-то могли выбрать платья по вкусу?
Нина Тарасова: Дамы без придворного ранга, которых звали ко двору, должны были являться на придворные церемонии также в платьях русского покроя. Но платья шились из того материала, который позволял домашний бюджет, и украшались по возможностям. Разумеется, нельзя было ни в коем случае повторять ни рисунок шитья, ни цвет бархата дам «в ранге».
Представляю, какой выбор был у мужчин, если у женщин его не было.
Нина Тарасова: Придворные кавалеры, от камер-юнкеров до обер-гофмейстеров, носили форменные мундиры с положенным количеством пуговиц, с определенным рисунком золотого шитья.
Указ Николая I вводил дополнение о «русских платьях» при дворе. Их называли офранцуженными сарафанами
Они делали костюмы за свой счет?
Нина Тарасова: Да, и они обходились им очень дорого.
А женские платья?
Нина Тарасова: Фрейлинам, которые были незамужними барышнями, казна строила платья. Замужние статс-дамы шили платья за свой счет.
Почему Николай I решил заняться женским гардеробом?
Нина Тарасова: Он занялся большой реформой ведомственного костюма, в том числе и придворного. Следующую реформу в 1855-м провел Александр II, но суть николаевского регламента она не затронула.
Скромное обаяние прошлого сезона
Оставалось ли место для моды? Хотя бы на балах.
Нина Тарасова: Тут тоже не так все просто. Являться на бал в слишком модном платье считалось дурным вкусом. Кроме того, новое бальное платье стоило дорого. А например, Николаевский бал — это самый большой январский бал в Зимнем дворце — был рассчитан на 3500 — 4500 приглашенных. В этой толпе можно было и платье помять, и драгоценности потерять. Хороший тон требовал приходить на придворный бал в платье прошлого сезона. И потом, было неписаное правило — нельзя было затмить императрицу. Особенно такую, как Мария Федоровна.
Шансов не было.
Нина Тарасова: Шансы были, как мне кажется. Например, у Зинаиды Николаевны Юсуповой. Она была еще фрейлиной Марии Александровны, супруги Александра II. Она дружила с Марией Федоровной. Зинаида Николаевна была красавицей, и Юсуповы обладали колоссальными средствами. В коллекции Эрмитажа есть всего несколько платьев Зинаиды Николаевны, но это потрясающие по исполнению вещи. Шились в лучших мастерских, например, в Париже у Чарльза Фредерика Ворта. Кстати, он был любимым модельером и Марии Федоровны. Он ее обожал как заказчицу. Она была в меру экстравагантна. Не боялась смелого сочетания цветов, неожиданного кроя.
Не ездила же она к нему в Париж на примерку?
Нина Тарасова: У Ворта для нее был сделан манекен. Какие-то мерки присылали. В штате у Марии Федоровны была портниха. Кроме того, были замечательные поставщицы двора, которые делали для императрицы роскошные платья. Для Марии Федоровны работали мастера Парижа, Лондона, Вены, Петербурга. Такие, например, как Авдотья Трофимовна Иванова. На выставке мы показываем несколько костюмов этой портнихи императорских театров, которая была еще поставщицей императорского двора. Она содержала прекрасное ателье.
На выставке будет рассказ об отдельных мастерах, например, той же Ивановой?
Нина Тарасова: Нет. Но мы показываем одно из самых удивительных платьев, созданных Авдотьей Трофимовной для графини Софьи Гендриковой. Платье создано для бала в Михайловском дворце 1890 года. Костюмированный бал был в стиле эпохи позднего итальянского Возрождения. Ориентиром для создания нарядов служили картины Тинторетто и Веронезе. Казалось бы, маскарадное платье на один раз. Но оно так тонко стилизовано, что дает возможность почувствовать самый дух эпохи историзма. Мы выставляли это платье лишь однажды ранее. Но — без шемизетки, то есть без внутренней блузки с воротником а ля Медичи. Эта часть платья была реставрирована специально к выставке в ГИМ.
Интимное измерение истории
Вы знаете обладательницу каждого платья на выставке?
Нина Тарасова: Нет. Скажем, мы не знаем, кому конкретно принадлежало платье фрейлины императрицы, платье статс-дамы императорского двора и мундир камергера. А все остальные вещи — именные. Мы знаем, кто носил эти платья, костюмы, туфли. Все 18 пар туфель — из гардероба Марии Федоровны. Шляпки, чулки и перчатки тоже ее. Впервые выставляется венгерка — форменное мундирное дамское платье Марии Федоровны. Если ливреи слуг, то именно тех, кто был рядом с Марией Федоровной и Александром III.
И в этом, на мой взгляд, особая прелесть этого проекта. Вещи способны очень многое рассказать о своих хозяевах.
Интимное измерение истории?
Нина Тарасова: Да. Можно открыть ящички комода и увидеть, например, чулочки императрицы.
Иначе говоря, мы можем заглянуть в ту часть жизни двора, которая не регламентировалась.
Нина Тарасова: Как сказать… В зале, где представлены личные вещи Александра III и Марии Федоровны, можно увидеть пеньюар новобрачной великой княгини и халат и туфли великого князя, которые он надевал в первую брачную ночь. По традиции, существовавшей в доме Романовых, новобрачные встречались в спальне в особых одеяниях. О женском платье не было никаких указаний. Но на женихе непременно должен был быть халат из серебряной парчи или серебряного глазета поверх ночной сорочки и из такой же серебряной ткани домашние туфли, отороченные лебяжьим пухом.
Этот халат жених надевал единственный раз?
Нина Тарасова: Да. Традиция шла, как минимум, с позднего XVIII века. Мы показываем серебряный халат будущего Александра III и его ночную сорочку со следами починок — из тонкого голландского полотна с вышивкой короны и даты «66» — свадьба была в 1866 году. Сзади есть кушак, который крепится на шлёвке. По идее он должен был быть завязан вокруг талии молодого человека. Но поскольку костюм будет на выставке три месяца, мы решили кушак не завязывать, а опустить его сзади.
Кстати
От «арапа Петра Великого»
У дверей зрителей встречают «арапы» в парадных костюмах.
Традиция берет свое начало с петровских времен. В штате двора арапы появляются при Елизавете Петровне: два младших и два старших придворных «арапа». В церемониал двора они вносят элемент экзотики и в конце XIX — начале XX века.
Начиная со времен Александра II служба при дворе ливрейных, то есть лакеев, была по вольному найму. Иначе говоря, любой человек Российской империи, мужчина, достигший 16-летнего возраста, мог подать прошение в Гофмаршальскую часть Министерства императорского двора и при хорошем стечении обстоятельств получить место.
Должность «арапа» не была исключением. Хотя принято было говорить, что «арапы» были из Эфиопии, это не так. Определяющим был цвет кожи.
Во времена Александра III на этой должности были уроженцы Турции, уроженцы Островов Зеленого Мыса, кто-то был подданным Великобритании, кто-то — из Абиссинии. Претенденты должны были предоставить метрику и справку, что они на родине отбыли военную службу. Принести присягу на верность государю. Если они не были христианами, то должны были дать согласие принять христианство. Церемония крещения происходила в большом соборе Зимнего дворца. Они получали новые имена и поступали на службу при дворе.
5 трендов 20-х годов XX века, которые стоит взять на вооружение — BurdaStyle.ru
Фото: Wikimedia Commons
В Европе 20-х годов царила радость — люди, пережившие войну и ее последствия, хотели наконец жить полной жизнью. Мода живо откликнулась на эти перемены, тем более что женщины постепенно начинали играть все большую роль в обществе, осваивая не только новые профессии, но и новые виды спорта. Рестораны и бары ежевечерне приглашали мужчин и женщин на вечеринки, где все желающие могли танцевать до упада под звуки чарльстона.
Фото: unique vintage
Предлагаем вам вместе с нами познакомиться с самыми главными трендами 20-х годов прошлого века и взять их на вооружение сегодня!
Заниженная талия
Фото: Lanvin
Пожалуй, одна из самых узнаваемых черт моды 20х годов! Заниженная талия была чрезвычайно популярна, и платье практически на любой случай жизни, от танцевальной вечеринки до обычного домашнего платьица, могло похвастаться именно заниженной талией.
Журнал:
Burda 2/2013
Размеры:
36 — 44
Это скромное платье производит грандиозное впечатление: заниженная линия талии и прямой силуэт — …
Это скромное платье производит грандиозное впечатление: заниженная линия талии и прямой силуэт — …
Журнал:
Burda. Мода для полных 2/2015
Размеры:
44 — 52
Заниженная талия, летящая юбка с втачным клином годе спереди — это шелковое платье напоминает мод…
Заниженная талия, летящая юбка с втачным клином годе спереди — это шелковое платье напоминает мод…
Линия талии могла быть спущена как всего лишь на пару сантиметров, так и почти до середины бедра, и это один из самых удачных фасонов для фигуры типа Перевернутый треугольник и Прямоугольник, поскольку такой крой может добавить узким бедрам объема, чтобы уравновесить плечи, или же скорректировать отсутствие ярко выраженной талии.
Фото: Weldon’s Ladies’ Journal, август 1927
Следует отметить, что такой фасон изначально стал пользоваться спросом еще и благодаря особому типажу женской внешности, который стал популярным в 20-е годы — юная девушка-сорванец, с маленькой грудью, короткими волосами и без особых изгибов фигуры. Прямые платья с заниженной талией как раз и создавали желанный силуэт.
Журнал:
Burda 11/2012
Размеры:
36 — 44
Строгий стиль тоже может быть сексуальным, и убедительное тому доказательство — двубортное платье…
Строгий стиль тоже может быть сексуальным, и убедительное тому доказательство — двубортное платье…
Журнал:
Burda 11/2012
Размеры:
36 — 44
Девушки любят носить воздушные батистовые платья независимо от времени года. У нашей модели есть …
Девушки любят носить воздушные батистовые платья независимо от времени года. У нашей модели есть …
К слову, стоит иметь ввиду, что такой фасон может скрадывать и рост, поэтому невысоким девушкам лучше носить подобные платья в сочетании с высоким каблучком и сделать выбор в пользу более короткой длины платья.
Головные уборы
Фото: Sears, Roebuck and Co, vintagedancer
В 20-х любительницам головных уборов определенно было где разгуляться — шляпки, тиары, повязки, заколки, что только не предлагали модные магазины и каталоги!
Огромной популярностью пользовалась шляпка-клош, в форме колокольчика, и береты. Изготавливались они из самых разнообразных материалов — от атласа до соломы!
Спортивный стиль
Фото: Sears, Roebuck and Co
Популярность тенниса и велосипедного спорта, которые стали доступны дамам, привела к тому, что модные журналы начали посвящать целые страницы и разделы для одежды, которая подошла бы для занятий спортом.
Надо сказать, что представление о спортивной одежде для женщин, несколько отличались от того, что мы сегодня сочли бы подходящим нарядом для спорта. Например, на иллюстрации выше представлены спортивные юбки.
Бахрома
Фото: unique vintage
Бахрома — из ткани или бисера — часто встречавшийся элемент декора, ведь во время зажигательных танцев она так красиво раскачивалась и сверкала!
Классическое маленькое платье, украшенное рядами бахромы, пользуется огромной популярностью и сегодня.
Вышивка и пайетки
Фото: Augusta Auctions Богатая отделка нарядов считалась абсолютным маст-хэвом, благодаря чему на свет появлялись все новые и новые платья, расшитые бисером, стеклярусом и пайетками.
Конечно, сегодня мы едва ли выберем расшитое сверкающее платье для будничной прогулки по делам, но вышивка определенно в числе самых популярных трендов в этом году, поэтому обязательно добавьте к своему гардеробу украшенную ей вещь, если еще не успели этого сделать!
Краткая история модной фотографии
Хотя самые ранние известные модные фотографии относятся к 1850-м годам, при дворе Наполеона III использование фотографии в качестве рекламного инструмента не стало популярным до начала 20-го века, когда сама мода стала доступной для более широкой аудитории. Первые журналы мод, Harper’s Bazaar и Vogue , основанные в конце 1800-х годов, изначально иллюстрировались вручную. Только в 1913 году Condé Nast нанял барона Адольфа де Мейера (нем., 1868–1946) для съемки портретов моделей, актрис и аристократов для Vogue , и фотографии начали использоваться в редакционных статьях о моде.Важность журналов возросла в начале 20 века по мере расширения сотрудничества с дизайнерами. Линии прет-а-порте и универмаги повысили доступность модной одежды, а тенденции были приняты и распространены по всему миру. С помощью фотографии восходящие кутюрье 1920-х и 1930-х годов, такие как Chanel, Schiaparelli, Balenciaga и Lanvin, стали известны своими отличительными стилями. В то время Париж был центром мира моды, и такие фотографы, как Хорст П.Сюда стекались Хорст, Ман Рэй, Сесил Битон, Эдвард Стейхен, Джордж Хойнинген-Хуэн и Эрвин Блюменфельд.
Хорст П. Хорст, Корсет Майнбоше , 1939 г., серебряно-желатиновая печать, продается на аукционах artnet
После Второй мировой войны мода претерпела кардинальные изменения, и в 1950-х и 1960-х годах появилось множество новых дизайнеров. Фэшн-модель также приобрела новое значение, поскольку имена Твигги, Джин Шримптон и другие стали нарицательными. С этими изменениями последовали новые подходы к фотографии, и некоторые из самых известных имен в модной фотографии оставили свой след в истории.К середине 1950-х надуманные студийные снимки и строгая элегантность моделей ранних десятилетий модной фотографии уступили место новой эстетике, которая была более плавной, спонтанной и энергичной. Ведущими фигурами этого нового поколения были Норман Паркинсон (британец, 1913–1990), Уильям Кляйн (американец, 1928 г.р.), Лилиан Бассман (американка, 1917–2012 гг.) И Дэвид Бейли (британец, 1938 г.р.). Возможно, двумя наиболее влиятельными модными фотографами того времени были Ричард Аведон (американец, 1923–2004) и Ирвинг Пенн (американец, 1917–2009), оба придерживались минималистской эстетики, оказавшей глубокое влияние на жанр.
Ричард Аведон, Довима со слонами , 1955, Wada Garou Co., Ltd., Токио, Япония
В 1970-е годы социальные изменения, особенно феминизм, повлияли на индустрию моды и способ представления женщин. Все больше женщин-фотографов, таких как Сара Мун (француженка, родилась в 1941 г.), Дебора Турбевилль (американка, 1937–2013) и Ева Арнольд (американка, 1913–2012 гг.), Привнесли свежие перспективы в такие публикации, как Vogue и Harper’s. Базар . Хельмут Ньютон (немец, 1920–2004) раздвинул границы своими подрывными и откровенно сексуальными образами.Рецессия в Соединенных Штатах и изобретение джинсов открыли эру более практичных и повседневных стилей как для мужчин, так и для женщин. С 1970-х по 1980-е годы утвердилась концепция прет-а-порте (или prêt-a-porter ), и к 1980-м годам безудержный консьюмеризм превратил моду в быстро развивающуюся международную индустрию, подпитываемую рекламными кампаниями и телевизионные ролики. Супермодели, такие как Синди Кроуфорд, Кристи Терлингтон и Наоми Кэмпбелл, боготворили за их безупречную красоту, возможно, лучше всего запечатлел Патрик Демаршелье (французский язык, р.1943 г.). Мужская мода также превратилась в отдельную отрасль, благодаря таким фотографам, как Херб Риттс (американец, 1952–2002 гг.) И Брюс Вебер (американец, род. 1946 г.), известным своими работами для таких брендов, как Armani и Calvin Klein, которым приписывают новые перспективы концепции мужественности.
Helmut Newton, Roselyne in Arcangues , 1975, серебряно-желатиновая печать, продается на аукционах artnet
Сегодня модная фотография принимает множество форм, поскольку границы между коммерческой и художественной работой становятся все более размытыми.Определенное чувство сюрреализма характеризует работы многих современных художников, включая Марио Тестино, Эллен фон Унверт, Роксанну Ловит, Юргена Теллера и Дэвида Лашапеля, чье использование цифровых манипуляций предлагает уйти от повседневной реальности в сияющий мир высокой моды. знаменитости и красивые люди.
Марио Тестино, Кейт Мосс, Лондон, 2006, хромогенный принт, продается на аукционах artnet
Следите за новостями Artnet в Facebook:
Хотите опередить мир искусства? Подпишитесь на нашу рассылку, чтобы получать последние новости, откровенные интервью и острые критические моменты, которые продвигают разговор.
потеря зрения: как критики недооценили фотографию начала 20-го века и как архивы заслоняют изображение | по журналу экспозиции | журнал экспозиции
Двойной портрет неизвестной женщины, любезно предоставлен библиотеками Вашингтонского университета, Специальная коллекция.Хотя и исторические архивы, и музеи собирают фотографии, они подходят к этому по-разному. В то время как музеи собирают несколько экспонатов, исторический архив, в котором хранятся миллионы фотографий, может вместить всю работу фотографа.Я работаю с большими коллекциями фотографий вот уже 35 лет, работая куратором / архиватором визуальных материалов. Такие коллекции, которые могут варьироваться от 10 000 до 100 000 изображений, позволяют вам увидеть их работу так, как если бы вы увидели лишь несколько работ фотографа, никогда не смогли бы сравниться с ними.
Работая со многими коллекциями ранней коммерческой фотографии, я особенно заинтересовался неправильным толкованием коммерческой фотографии современными критиками и историками искусства, которые судят о ней, используя неверные стандарты, и я также заинтересовался тем, как фотодокумент может быть скрыт обоими сами фотографы и по архивной практике.Сначала я собираюсь обсудить, как фотокритики могут неверно судить о работе коммерческих фотографов из-за своего непонимания социальной среды и методологии работы коммерческого фотографа. Прекрасный пример этого — в книге Макса Козлоффа 2007 года Театр лица: портретная фотография с 1900 года . Козлофф — историк и искусствовед, автор множества книг и статей по искусству и фотографии.
Фотография Э.Дж. Беллок © Ли Фридлендер, любезно предоставлено галереей Fraenkel, Сан-Франциско.В Театр лица, Козлов обсуждает фотографию Э.Дж. Беллок, новоорлеанский фотограф на рубеже веков. Беллок работал профессиональным фотографом, снимая достопримечательности, корабли и технику для различных клиентов в районе Нового Орлеана. О нем мало что известно; после его смерти его работа была уничтожена. Восемьдесят девять негативов проституток в районе Сторивилля в Новом Орлеане были найдены примерно в 1912 году, а позже, в 1966 году, были куплены художественным фотографом Ли Фридлендером.Фридлендер напечатал негативы 8×10 на тонированной золотом бумаге для печати (чтобы подражать тому, как, по его мнению, мог печатать Беллок), и выставка этой работы была повешена в Музее современного искусства в Нью-Йорке в 1970 году. Было опубликовано несколько книг с фотографиями. по гравюрам Ли Фридлендера. Отпечатков Беллока проституток Сторивилля нет, но недавно стали известны некоторые примеры его регулярной работы. Это типичные коммерческие работы того времени.
Фотография Э.Дж. Беллок © Ли Фридлендер, любезно предоставлено галереей Fraenkel, Сан-Франциско.Обсуждая эту фотографию проститутки Сторивилля, Козлофф опровергает похвалу Ли Фридлендера Беллока как работника исключительного мастерства: управления своим материалом. Иногда девушек позируют перед задними простынями, края которых показывают… фигуры поглощены необъяснимыми тенями. Одна модно одетая дама, кажется, не замечает, что белье на веревке позади нее….Беллок мало заботился — или понятия не имел, как — оформить своих натурщиков в соответствии с их представлением о себе. Эта импровизированная экспозиция настолько вопиющая, что ее почти жаль.
Первое предложение заявления Козлоффа показывает, что он не осведомлен о мотивах Беллока для создания изображения. Он говорит: «Вместо того, чтобы быть работой опытного или знающего художника…» Что ж, чтобы понять основу, на которой Козлов судит об этом изображении, мы должны добавить слова «конец 20-го века», чтобы его заявление читалось следующим образом: «Вместо того, чтобы быть работа опытного или знающего художника [конца 20 века]… »Козлофф, очевидно, не подозревает, что продукт коммерческого фотографа 1912 года сильно отличается от того, как художник представлял изображение для выставки в художественном музее в 1970-х годах.
Козлофф замечает, что на фотографии видно белье позади женщины, и считает, что это доказывает «реальное отсутствие у Беллока власти над материалом». Однако, в то время как Ли Фридлендер пытался подражать работам Беллока временного периода, то, как изображения были представлены публике, соответствовало эстетике арт-фотографа конца 20-го века, а не той манере, в которой они предназначались для клиентов Беллока в 1912 году. Фридлендер сделал контактные отпечатки негативов, и они были показаны, показывая все изображение до краев — практика, которая не применялась до тех пор, пока к этому не применили художественные фотографы конца 20-го века.Во времена Беллока они не беспокоились о компоновке краев негатива; впоследствии его композиция была улучшена, когда он вырезал лишнюю область изображения, в которой он не нуждался.
Портрет вождя Джозефа, 1901 г. © Ли Мурхаус, любезно предоставлено библиотеками Вашингтонского университета, специальные коллекции.На приведенном выше портрете вождя Джозефа мы можем заметить, что фотографические стратегии, такие как подвешивание одеяла в качестве фона, были обычной практикой. Многие странствующие фотографы или те, кто работает за пределами официальной студии, использовали этот метод.Часто у фотографов не было более одного или двух объективов, и поэтому у них не было возможности управлять композицией путем смены объективов. Они работали с тем, что было у них под рукой. Фотографы коммерческих студий также не беспокоились о краях изображения.
Портрет Ди Уоллес, Джанкшен-Сити, штат Канзас, 1897 г., © Коллекция Джозефа Пеннелла, Коллекция Канзаса, любезно предоставлено Исследовательской библиотекой Спенсера, Университет Канзаса.Этот снимок Джозефа Пеннелла с изображением Ди Уоллеса, показывающий весь негатив, является замечательной записью, поскольку позволяет современному зрителю увидеть, на что была похожа его студия.Однако, когда фотография была напечатана Пеннеллом, она, скорее всего, была обрезана так, чтобы получился небольшой овал лица и верхней части тела. Об этом свидетельствуют многие старинные портреты, напечатанные Пеннеллом. В коллекции Пеннелла из 30 000 негативов часто можно увидеть фон и реквизит на фотографиях, потому что он никогда не планировал видеть края изображения.
Типография Мэйбл и Грейс Томасон 1880-х годов со Спенсером Фредериком Батлером, с овалом, показывающим, где циновка была уложена поверх изображения.Фотография Джозефа Пеннелла, любезно предоставлена библиотеками Вашингтонского университета, специальные коллекции.Вышеупомянутая краска, показывающая задний фон и студию за его пределами, также показывает, что фотограф представил готовое изображение с овальной матовой матрицей. Неровный срез тинтайпа и дополнительный студийный край показывают, что фотограф не беспокоился о плотной композиции по краям изображения.
Фотография Э.Дж. Беллок © Ли Фридлендер, любезно предоставлено галереей Fraenkel, Сан-Франциско.Козлов упоминает тьму теней; это трудно обсуждать, глядя на репродукцию, которая не может показать все детали гравюры Фридлендера.Однако одна из причин, по которой современный принт выглядел бы темнее, чем винтажный принт того времени, заключается в том, что негативы на стеклянных пластинах в то время печатались на бумаге, которая отображала больше тонов стеклянного негатива. На современной бумаге с меньшим диапазоном тонов сложно напечатать стеклянные пластины.
Джон Жарковски, куратор Музея современного искусства, который устроил выставку Bellocq 1970 года, сказал: «Возможно, что картины были сделаны в коммерческих целях, но это кажется маловероятным; у них есть различные концепции и чувство свободного времени в процессе создания, которое идентифицирует их как работу, сделанную для любви », [Глядя на фотографии] Я бы не согласился с этим утверждением, потому что Беллок зарабатывал себе на жизнь как коммерческий фотограф и, скорее всего, проституткам, как и всем остальным, нужны были личные фотографии наряду с рекламными фотографиями.
Фотография ХХ века | Учебные материалы по истории искусств
Этот план урока фокусируется на ключевом аспекте истории фотографии: как фотографы двадцатого века уравновешивали возможности камеры для документирования с ее эстетическими возможностями, чтобы передать множество социальных и культурных сообщений.
Эту ключевую тему можно изучить за час и пятнадцать минут на различных примерах, в том числе:
- Джейкоб Риис, В доме итальянского тряпщика, Нью-Джерси, ок.1889
- Льюис Хайн, Чайлд на хлопковой фабрике Каролины, 1908
- Эдвард Стейхен, Автопортрет с кистью и палитрой , 1901
- Эдвард Стейхен, Флэтайрон , 1904
- Альфред Штиглиц, The Flatiron , в Camera Work , 1903
- Альфред Штиглиц, The Steerage , 1907
- Laszlo Moholy-Nagy, Bauhaus Balconies, 1926
- Родченко Александр Сергеевич, Демонстрационная сборка , 1928 г.
- Ласло Мохоли-Надь, от Радиобашни, Берлин, c.1928
- Родченко Александр Сергеевич, Материнское чтение , 1924 г.
- Доротея Лэнг, Мать-иммигрантка, Нипомо, Калифорния, 1936
- Уокер Эванс, Семья Берроузов, округ Хейл, Алабама, 1936
- Роберт Франк, Новый Орлеан, 1955
- Роберт Франк, Parade, Хобокен, Нью-Джерси, 1955
- Дайан Арбус, Ребенок с игрушечной гранатой в Центральном парке, Нью-Йорк, 1962
- Ли Фридлендер, Нью-Йорк, 1964
- Ли Фридлендер, Каньон де Челли, 1983
- Уильям Эгглстон, Трехколесный велосипед , 1970
- Эд Руша, Каждое здание на Сансет Стрип (фрагмент), 1966
- Бернд и Хилла Бехер, Водонапорные башни , 1980
- Синди Шерман, Кадры из фильмов без названия № 6 и № 21 , 1977
- Барбара Крюгер, Без названия (Ваш взгляд попадает в мою сторону ), 1981
- Андреас Гурски, Атланта , 1996
Концепция социально вовлеченной документальной фотографии фотографии может быть введена благодаря ранним усилиям Джейкоба Рииса и Льюиса Хайна по изображению и популяризации условий жизни иммигрантов в трущобах Нью-Йорка и детей, работающих на фабриках по всему Восточному побережью.Риис, сам иммигрант из Дании, отправился в бедные многоквартирные дома Нижнего Ист-Сайда, чтобы создать свои резкие фотографии. Используя порошковую вспышку, Риис буквально и метафорически пролил свет на убожество, в котором многие жили, а его фотографии использовались для продвижения реформ. Он опубликовал изображения в книге « Как другая половина жизни» (1890). Хайн, который начал свою карьеру в качестве социолога и учителя, начал фотографировать бедственное положение нью-йоркских иммигрантов на острове Эллис в 1908 году. Работая в Национальном комитете по детскому труду, Хайн путешествовал по Восточному побережью, документируя мрачную реальность, с которой сталкиваются дети, работающие на фабриках. , мельницы и сельское хозяйство.Фотографии Хайна были представлены в брошюрах, плакатах и слайд-шоу, чтобы заручиться общественной поддержкой регулирования и реформ. Благодаря прямолинейному подходу Рииса и Хайна фотография несет в себе вес объективного факта, обнажая повседневные реалии жизни этих детей для аудитории из среднего класса американцев.
Примерно в то же время Фотографы-пикториалисты , такие как Эдвард Штайхен и Альфред Штиглиц, стремились к тому, чтобы фотография достигла статуса искусства, сознательно отворачивая свои камеры от предметов, изображающих современную промышленность, которые считались недостойными изобразительного искусства.И Штайхен, и Штиглиц были немецкими иммигрантами, которые обучались в художественных академиях в Европе, и они использовали условности и методы живописи и гравюры в своих фотографиях. Как фотография Стейхена передает его художественную индивидуальность? Здесь он показывает себя не с фотоаппаратом, а с кистью, в манере, напоминающей столетия автопортретов художников, таких как портреты Рембрандта. Он также обработал окончательное изображение, используя процесс печати бихроматом резины и применив ретушь кистью, таким образом придав механической фотографии качество ручной работы.
При сравнении двух фотографий Флэтайрон-билдинг, сделанных Штайглицем и Стейхеном, как сочетаются техника Pictorialism с интересом к формальным элементам? На фотографии Альфреда Штиглица мы видим меньше манипуляций с печатью и больше акцента на основной структуре композиции. Предметом является якобы современный небоскреб, а не натюрморт, портрет или традиционный пейзаж, но Стиглиц фокусирует внимание зрителя прежде всего на формальной взаимосвязи изобразительных элементов фотографии.
Штиглиц считал свою фотографию The Steerage моментом прорыва, в котором формальные элементы композиции преобладали над манипуляциями при печати. Его интерес к формализму противоречит социальным отношениям, которые здесь играют: мы видим богатых пассажиров, отделенных жестким горизонтальным трапом от пассажиров второго класса, которые буквально «под ними». Примечательно, что Штиглиц — также важный владелец галереи Нью-Йорка — сыграл важную роль в привнесении (нефотографического) формализма в Америку посредством выставок выдающихся европейских художников и скульпторов.
Вопрос о способности формализма передавать социальное послание, несмотря на его упор на композицию, стал предметом дискуссий в политическом контексте революционной России, где фотографий Ласло Мохоли-Надя New Vision сначала рассматривались как пустые искажения реальности. В то время как Мохой-Надь рассматривала фотографию в Баухаусе как лишь одно средство среди множества экспериментов, поразительные композиции Александра Родченко были предназначены для того, чтобы потрясти зрителя в новых отношениях с реальностью, вынудив ее от самоуспокоенности и к политической активности. .У вы, , разницу видите? Мохоли-Надь жил и работал за пределами СССР, где у него не было таких же обязательств по отношению к общественным и политическим интересам, как у Родченко. В конечном итоге Мохоли-Надь был свободнее экспериментировать с абстракцией и формой. Подумайте, как фотографии Мохоли-Надя превозносят современную архитектуру и технологии и превращают их в абстракции, и как Родченко фокусируется на людях, участвующих в таких мероприятиях, как сбор на политическую демонстрацию или следит за новостями.
В Соединенных Штатах в 1930-е годы американские фотографы работали на правительство Соединенных Штатов. Во время Великой депрессии Управление безопасности фермерских хозяйств ( FSA ) разослало фотографов по всей территории США, чтобы запечатлеть условия жизни городских и сельских рабочих и особенно государственные программы, помогающие людям найти работу. Доротея Ланге Мать-мигрантка стала культовым примером этого периода. Что делает эту фотографию знаковой? Как это соотносится с другими изображениями, которые мы видели в классе?
ФотографияЛанге была напечатана в журналах, чтобы склонить общественное мнение среднего класса в пользу социальных программ Франклина Делано Рузвельта.Такие журналы, как LIFE , в этот период получили распространение, наняв фотографов, обученных New Vision и документальной фотографии, в качестве фотожурналистов.
Уокер Эванс также работал на FSA, но покинул программу после разногласий по поводу использования его фотографий. В 1941 году он опубликовал влиятельную книгу своих документальных фотографий под названием Давайте теперь восхваляем знаменитых мужчин . В двадцатом веке журналы и книги стали важными платформами, на которых фотографии просматривались последовательно и вместе с текстом в форме рассказов, подписей и даже рекламы.Эти взаимосвязи слова и изображения продолжают играть важную роль в том, как (или, если) фотографии передают социальное сообщение.
Роберт Франк , швейцарский фотограф, который в 1955 году выиграл стипендию Гуггенхайма для путешествия по США, документируя повседневную жизнь, также опубликовал свои фотографии в виде книги. Под влиянием Давайте теперь восхваляем знаменитых людей , его книга Американцы была сначала опубликована во Франции, а затем в США с предисловием автора битов Джека Керуака. Американцы подверглись критике со стороны журнала Popular Photography за изображение негативного видения жизни в США. В контексте национализма времен холодной войны иногда резкий взгляд Фрэнка на современное американское общество рассматривался как антиамериканский. Фрэнк использовал прямолинейный подход документального кино, тщательно выявляя контрасты и случайные моменты. Как вы думаете, это негативное изображение Америки или они просто раскрывают правду?
Ли Фридлендер был одним из поколения фотографов, работавших после Фрэнка в 1960-х годах, которые также обрамляли случайные и противоречивые моменты на фотографиях в остроумных сопоставлениях, напоминающих коллаж.Этих фотографов стали называть New Documents после того, как в 1967 году им была предоставлена выставка с таким названием в MoMA. Это институциональное признание показывает, как далеко зашла фотография к тому времени как художественная среда. Как автопортрет Фридлендера отражает это изменение отношения по сравнению с автопортретом Стейхена?
Название «Новые документы» отличало этих фотографов от фотографов послевоенного периода, включая Франка. Джон Жарковски, куратор выставки MoMA, написал об их работе:
Большинство из тех, кого поколения назад называли фотографами-документалистами, когда лейбл был еще новым, делали свои снимки ради общественных целей.Их целью было показать, что не так с миром, и убедить своих товарищей принять меры и исправить это.
За последнее десятилетие новое поколение фотографов направило документальный подход в более личные цели. Их целью было не реформировать жизнь, а познать ее. Их работа выдает сочувствие — почти любовь — к несовершенствам и слабостям общества. Им нравится реальный мир, несмотря на его ужасы, как источник всего удивления, очарования и ценности — не менее драгоценный из-за своей иррациональности.
Арбус ‘s Ребенок с игрушечной ручной гранатой в Центральном парке, Нью-Йорк , например, вызывает неоднозначное и тревожное напряжение, если учесть, что это было снято во время войны во Вьетнаме и вскоре после неудачной попытки ЦРУ вторжение на Кубу, известное как Вторжение в залив Свиней. Согласны ли вы, что цель Арбус на этой фотографии — «не реформировать жизнь, а познать ее?»
Художественная фотография на протяжении двадцатого века ассоциировалась с черно-белыми отпечатками, тогда как цветная фотография использовалась в основном для любительских снимков и рекламы. Уильям Эгглстон обладал таким же остроумием и сообразительностью, что и «Новые документы», в своем подходе к деталям повседневной жизни на юге Америки, включая изменения в масштабе и перспективе, но добавляя образы снимка, включая цвет. Использование цвета Эгглстоном увеличило способность его фотографий передать реалии пригородной Америки, более полно раскрывая социальный мир, изображенный Фрэнком и фотографами New Documents.
В 1960-х художники и фотографы также начали концептуально работать в рамках уже устоявшихся стилей и стереотипов средств массовой информации. Эд Руша изобразил низкое качество и банальное содержание рекламы недвижимости в своей книге художника Every Building on the Sunset Strip , в которой каталогизированы типологии народных зданий. Похожий проект предприняли муж и жена фотографов Бернд и Хилла Бехер , которые путешествовали по послевоенной Германии, документируя структуры современной промышленности с безупречной технической точностью. Выставленные сериями или сетками, эти работы зависят от внимательного наблюдения и сравнения и подрывают статус уникальной фотографии, чтобы передать информацию.
Между 1977 и 1980 годами Синди Шерман маскировалась под типичных голливудских женщин, таких как молодая секретарша, роковая женщина и ingénue в серии Untitled Film Stills . Эти фотографии говорят о том, насколько полно мы усвоили культурные образы женственности. Барбара Крюгер усложнила эти идеи в своих коллажах. Включив внешний вид рекламы, она обратилась к истории взгляда в искусстве, но часто оставляла гендерные нормы неоднозначными.Ее коллаж, как и фотография Синди Шерман, также использует визуальную лексику образов СМИ, чтобы критиковать воспроизводимые системы, такие как сексизм и капитализм. Основываясь на присвоении изображений массового производства, эти художники и их соратники стали известны как Поколение Изображений . Социальную критику, подобную их, также следует рассматривать в связи с политическими, социальными и интеллектуальными потрясениями 1960-х годов, включая Движение за гражданские права и студенческие революции в Европе.Движение феминистского искусства 1970-х, на котором строятся работы Шерман и Крюгер, демонстрирует вовлеченность художников в политику идентичности в этот период.
К 1980-м годам фотография начала появляться в масштабах, ранее предназначавшихся только для картин. На огромных цветных фотографиях, заполняющих стены, Андреас Гурски , который обучался у Бехеров, был одним из многих фотографов, которые запечатлели пространства и товары глобализации. Эти фотографии, сочетающие цельную и убедительную манипуляцию, погружают зрителя в такие места, как магазины, вестибюли отелей и аэропорты: обычные, ярко освещенные, пространства потребительства и быстротечности.
Общая картина: С 1960-х годов фотография стала одним из многих средств массовой информации, которые, вероятно, используют современные художники. Из-за своей «ценности истины» это мощный инструмент в исследовании постмодернизма того, как устроена реальность. Как это понятие ставит под сомнение традицию документальной фотографии?
Как датировать старые фотографии моды: фотографии начала 20 века
В моем блоге о студийных портретах в викторианском стиле я упомянул различные методы датировки старых неопознанных семейных фотографий, уделяя особое внимание анализу модных подсказок.Иногда может помочь исследование дат работы фотографа / студии (при условии, что источники данных полны: не всегда!), Но даты могут быть неуловимыми или слишком широкими для твердого исторического контекста. Напротив, внешность наших предков и родственников, когда они позировали перед камерой, не может быть ошибочной: их одежда и аксессуары были настоящими и принадлежали их времени, обеспечивая точную современную визуальную запись.
Сцена свадьбы c.1906-08Платье прошлого, которое видно на фотографиях, никогда не лжет, но распознавание одежды, шляп и причесок ключом к знакомству с изображениями требует хорошо обученного глаза.Угадывать даты старых фотографий бесполезно: плохо информированные «предположения» подрывают достоверность фотографии, уменьшая вероятность точного определения ее объекта (объектов). Семейные фотографии — это драгоценные реликвии, которые заслуживают должного внимания, поэтому знание исторических параметров со ссылкой на датированные фотографические примеры и понимание одежды, возраста, статуса и места неоценимо. Это информированное введение в моду свиданий на фотографиях эпохи Эдварда и Первой мировой войны 1901-1919 годов.
Карточка кабинета: 1901-04 и открытка: ок. 1902–05В начале 1900-х идеалом женственности был стройный силуэт в форме песочных часов, выраженный в отдельных блузке и юбке или строгом лифе и сочетающейся юбке. Плотный корсет создавал подтянутую талию, ткань лифа / блузки была полной спереди, подчеркивая бюст; узкие рукава, расширенные к запястью и вставленные в манжету. Юбки с вырезом на кромке плавно обрамляли бедра, расширяясь к низу. Широкие шляпы часто были колготками, соединяющими макушку с полями.Мужчины носили костюм-тройку, состоящий из пиджака, жилета и брюк, лацканы пиджака обычно были небольшими. Воротники накрахмаленных рубашек стояли высоко или были опущены. Шляпы представляли собой круглые тканевые кепки, котелки, стили из фетра с зазубренной или помятой короной и соломенные канотье. У большинства зрелых мужчин были усы, у пожилых — бороды.
Открытка: c.1906-08 и любительский снимок: 1907Женские блузки сохраняли высокий воротник-чокер на протяжении всего начала 1900-х годов, по крайней мере, до 1910 года. Обычной была белая или бледная блузка, которую часто носили с модной одеждой на заказ. костюм, состоящий из элегантного функционального жакета и юбки.Примерно в 1905 году рукава блузки становились полнее и короче, с воланами на локтях или глубокими манжетами. Длинные волосы были мягко собраны вокруг головы, а с 1906 года шляпы приобрели широкую корону, отделанную цветами, перьями или лентами. Мужские костюмы умеренного покроя оставались вплоть до 1910 года: накрахмаленный воротник рубашки с закругленными краями обычно сочетался с длинным завязанным узлом галстуком. Шляпы-котелки были формальным вариантом, тканевые кепки — по выбору рабочего, а кепки плоской формы с 1905 г.
Открытки: 1912 и 1915В начале 1910-х годов для женщин эволюционировала тонкая линия, более естественный, столбчатый силуэт.Талия была слегка завышена, юбки заужены, а некоторые кромки доходили до щиколотки, крайним вариантом была «юбка с ограниченными возможностями» 1911–1914 годов. Около 1910 года вырезы начали опускаться, иногда воротники и облегающие рукава были многослойными или укороченными до уровня ниже локтя. Широкие шляпы «эпохи Титаника» были широкими, часто носились под наклоном. Повторяя женский стиль, мужские костюмы становились стройнее, лацканы пиджаков, как правило, длинные и узкие, популярна была полосатая костюмная ткань. В 1910-е годы молодые мужчины предпочитали аккуратно подстриженный вид, а усы носили мужчины старшего возраста.
Любительский снимок: 1916 г .; Студийный портрет: 1917 г.Типичным женским костюмом военного времени (1914-1918 гг.) Была блузка, простая юбка и жакет со свободным поясом или повседневный вязаный кардиган с большими внешними карманами. С 1915 года женские юбки стали шире, некоторые подолы доходили до икр, особенно для работы. Практичная блузка с пуговицами спереди и сзади также стала популярной, а воротники с каждым годом становились все больше. В начале-середине 1910-х годов шляпы часто были небольшого размера, а с 1916/17 года они стали шире.Мужская гражданская одежда сохранила свой узкий крой: многие мужчины были в военной форме с 1916 года.
Открытка: c.1918 / 1919Появился новый женский силуэт, доминирующий в 1918-1920 годах. Часто называемый «бочкообразным», это был стиль вздутия, слегка завышенной талии, со свободными складками, спускающимися вертикально вниз или сужающимися до низкого подола до щиколотки. Эффект работал с раздельными блузкой и юбкой или модным цельным платьем / пальто-платьем. Воротники для одежды были большими и выступающими, обычно широко доходили до плеч.Шляпы были относительно простыми, с небольшими круглыми головками и широкими полями. Многие мужчины оставались в форме до демобилизации в 1919 году (или позже). Эксперт по униформе IDS в идеале должен проводить военный историк.
Изображения любезно предоставлены Клэр Дуланти, Берил Венн, Кэт Уильямс, Джейн Шримптон
Джейн Шримптон, BA History, MA История одежды
Для получения экспертной помощи с вашими викторианскими изображениями, пожалуйста, свяжитесь с меня , загрузите мой список услуг или посмотрите мои соответствующие книги .
Фотография в последнем 20 веке
В течение 20 -го века как фотография изобразительного искусства, так и документальная фотография стали приняты англоязычным миром искусства и системой галерей. В Соединенных Штатах первые фотографы, такие как Альфред Штиглиц, Эдвард Стейхен, Джон Шарковски, Ф. Холланд Дэй и Эдвард Уэстон, всю жизнь отстаивали фотографию как изобразительное искусство. Кульминационный момент для живописи и фотографии в целом наступил в 1910 году, когда галерея Олбрайт в Буффало купила 15 фотографий из галереи 291 Альфреда Штиглица.Впервые фотография была официально признана видом искусства, достойным музейной коллекции.
Пикториализм
Сначала фотографы изобразительного искусства пытались имитировать стили живописи, что породило пикториализм — стиль, в котором используется мягкий фокус для создания мечтательного, «романтического» образа. Пикториализм доминировал в фотографии примерно с 1885 по 1915 год, хотя некоторые все еще продвигали его вплоть до 1940-х годов. В общем, этот термин относится к стилю, в котором фотограф каким-то образом манипулирует тем, что в противном случае было бы простой фотографией, как средством «создания» изображения, а не просто его записи.Как правило, графическая фотография не имеет резкого фокуса (некоторым в большей степени, чем другим), печатается в одном или нескольких цветах, а не в черно-белом (от теплого коричневого до темно-синего), и на ней могут быть видимые мазки кисти или другие манипуляции с изображением. поверхность . Для художника фотография, как и картина, была способом проецировать эмоциональное намерение в воображение зрителя.
Джордж Сили, Черная чаша
Джордж Сили, Черная чаша, ок. 1907. Опубликовано в Camera Work, No.20, 1907 г., благодаря мягкому фокусу и живописной эстетике, является хорошим примером пикториалистической фотографии.
По мере того как суровые реалии Первой мировой войны начали распространяться по миру, вкус публики к искусству прошлого начал меняться. Популярность пикториализма постепенно снижалась после 1920 года, полностью потеряв популярность к концу Второй мировой войны. Уэстон, Ансель Адамс и другие позже начали отходить от пикториализма и создали Группу f / 64, которая выступала за «прямую фотографию» или буквальное представление объекта, а не имитацию чего-то еще.В этот период в моду вошел новый стиль фотографического модернизма, и интерес публики сместился к более резким изображениям. Когда развитые страны мира обратили свое внимание на индустриализм и рост, искусство отразило это изменение, представив резкие изображения новых зданий, самолетов и промышленных ландшафтов. До конца 1970-х годов преобладали несколько жанров, такие как обнаженная натура, портреты и природные пейзажи (на примере Анселя Адамса).
Ансель Адамс, Церковь, Таос Пуэбло
Ансель Адамс, церковь, национальный исторический памятник Таос-Пуэбло, Нью-Мексико, 1942 год.Из серии фотографий национальных парков и памятников Анселя Адамса, собранной в 1941-42 гг., Документирующей период ок. 1933-42 гг.
Эстетика моментальных снимков
Примерно с 1963 года термин «эстетика моментальных снимков» вошел в словарный запас мира художественной фотографии. Джон Жарковски, который возглавлял отдел фотографии в Музее современного искусства с 1962 по 1991 год, стал одним из крупнейших популяризаторов этой тенденции, и с конца 1970-х до середины 1980-х она стала особенно модной.Эстетика моментального снимка обычно представляет собой смещенное по центру кадрирование и повседневные предметы, которые часто представлены без явной связи между изображением, вместо этого полагаясь на сопоставление и разъединение отдельных фотографий. Среди известных практиков — Гарри Виногранд, Нан Голдин, Вольфганг Тиллманс, Мартин Парр, Уильям Эгглстон, Дайан Арбус и Терри Ричардсон. Эти фотографы стремились не «реформировать жизнь, а познать ее» (Джон Шарковски, Дайан Арбус).
Дайан Арбус, ребенок с игрушечной гранатой в Центральном парке, 1962 год
Дайан Арбус является примером «эстетики моментального снимка» в своей работе, которая представляет образы из повседневности.
Концептуальная фотография
Концептуальная фотография — это вид фотографии, которая иллюстрирует идею. С момента изобретения средства массовой информации были сделаны иллюстративные фотографии, однако термин «концептуальная фотография» происходит от концептуального искусства, движения конца 1960-х годов. Сегодня этот термин используется для описания методологии или жанра. В концептуальном искусстве конца 1960-х — начала 1970-х годов часто использовалась фотография, которая использовалась для документирования перформансов, эфемерной скульптуры или действий.Художники не называли себя фотографами. С 1970-х годов такие художники, как Синди Шерман, Томас Рафф и Томас Деманд, считались концептуальными. Хотя их работы в целом не похожи на lo-fi эстетику концептуального искусства 1960-х годов, у них могут быть определенные общие методы, такие как документирование перформанса (Шерман), типологические или серийные образы (Ruff) или повторная постановка событий (Demand).
Синди Шерман, хромогенная цветная печать, 1981
Синди Шерман использовала в своей работе вид перформанса, фотографируя себя в костюме, расширяя возможности среды.
В современной фотографии сейчас существует тенденция к тщательной постановке и освещению изображения, вместо того, чтобы надеяться «обнаружить» его в готовом виде. Такие фотографы, как Грегори Крюдсон и Джефф Уолл, известны качеством своих постановочных снимков. Кроме того, новые технологические тенденции в цифровой фотографии создали возможность фотографии полного спектра, где тщательная фильтрация в ультрафиолетовом, видимом и инфракрасном диапазонах приводит к новым художественным видениям.
Серия лекций с Джеффри Марцем — |
Зима 2015
Четверг, с 19:00 до 20:00
Бесплатно
Приглашаем вас вместе с фотографом и историком искусства Джеффри Марцем совершить экскурсию по истории фотографии 20 -го -го века.Используя наилучшие репродукции, мы увидим технологии, специалистов-практиков и ключевые работы, которые сделали фотографию центральной в нашей истории мира. Серия предназначена как для новичков, так и для любопытных экспертов, желающих внести свой вклад в обсуждение. Увидимся там!
The Steerage, 1907. Фото © Альфред Штиглиц.
Часть 1: Живопись и прямая фотография
Художественная фотография начала ХХ века развивается под влиянием живописи. Практикующие создают субъективные изображения вручную, пытаясь продвинуть фотографию как законный вид искусства.К Первой мировой войне все это меняется с появлением первого современного голоса фотографии. Присоединяйтесь к фотографу и историку искусства Джеффри Марцу, который представляет таких фотографов-революционеров, как Альфред Штиглиц, Гертруда Кезебир, Пол Странд, Чарльз Шилер и другие, на открытом форуме, где представлены точные репродукции в высоком разрешении.
Кот и я, 1932. Фото © Ванда Вулц.
Часть 2: Фото-графика и новое видение
Второй любительский авангард бросает вызов живописной фотографии в Европе начала 20-х, -х годов, века.После Великой войны художники отвечают революционными фотоработами, охватывающими дадаизм, сюрреализм и конструктивизм. В результате Новое видение приобретает глобальное влияние и навсегда меняет среду. Присоединяйтесь к фотографу и историку искусства Джеффри Марцу, который поделится фотографиями революционеров, таких как Ласло Мохоли-Надь, Флоренс Анри, Ман Рэй, Эдвард Уэстон и другими, на открытом форуме, где представлены точные репродукции в высоком разрешении.
Семья Филдсов, 1936.Фото © Уокер Эванс.
Часть 3: Социальный документ, часть 1
Документальное фотоаппаратное изображение развивается параллельно с художественной фотографией в первые десятилетия -х годов века. Социально сознательные фотографы используют объектив, чтобы отстаивать политические перемены. Другие просто позволяют фактам говорить не тронутыми идеологией. К 1930-м годам поколение фотографов поднимет эту форму до нового классицизма. Присоединяйтесь к фотографу и историку искусства Джеффри Марцу, который поделится фотографиями революционеров, таких как Льюис Хайн, Август Сандер, Доротея Ланге, Билл Брандт и другими, на открытом форуме, где представлены точные репродукции в высоком разрешении.
Йер, Франция, 1932. Фото © Анри Картье-Брессон.
Часть 4: Рисунки в печати, Часть 1
Урбанизация запада сопровождается процветанием средств массовой информации. Фотография становится нашим основным визуальным источником для распространения новостей, продажи товаров и создания фантазий. С появлением в конце 1920-х великих журналов с картинками фотографии стали повседневной составляющей жизни широкой публики.Присоединяйтесь к фотографу и историку искусства Джеффри Марцу, который поделится фотографиями революционеров, таких как Эдвард Стейхен, Маргарет Бурк-Уайт, Андре Кертес, Анри Картье-Брессон и другими, на открытом форуме, где представлены точные репродукции в высоком разрешении.
Довима со слонами, 1955. Фото © Ричард Аведон.
Часть 5: Рисунки в печати, часть 2
Медийная фотография после Второй мировой войны — это энергия и деньги Нью-Йорка.Фотографы, работающие в крупных изданиях, выводят моду и портретную фотографию на новый уровень. Фотожурналистика вступает в золотой век с созданием одних из самых запоминающихся и шокирующих изображений 20, и века. Присоединяйтесь к фотографу и историку искусства Джеффри Марцу, который поделится фотографиями революционеров, таких как Ирвинг Пенн, У. Юджин Смит, Мэри Эллен Марк, Сара Мун и другими, на открытом форуме, где представлены точные репродукции в высоком разрешении.
Однояйцевые близнецы, 1967.Фото © Дайан Арбус.
Часть 6: Социальный документ, часть 2
Теплый гуманизм пронизывает репортажи многих европейских и американских фотографов после Второй мировой войны. Одновременно суровость и реальность улицы проявляются как новый авангард. К 1970-м годам фотографы поворачивают объектив документального кино на себя на границе личного. Присоединяйтесь к фотографу и историку искусства Джеффри Марцу, который поделится лучшими фотографическими работами Хелен Левитт, Роберта Дуано, Дайан Арбус, Гарри Виногранда, Ларри Кларка и многих других на открытом форуме, где представлены точные репродукции в высоком разрешении.
Без названия, Мемфис, 1970. Фото © Уильям Эгглстон.
Часть 7: Субъективная и новая цветная фотография
Художественные фотографы в конце Второй мировой войны расширяют более раннее «Новое видение», чтобы выразить свое субъективное восприятие мира. К 1960-м годам в работе движения «Новая топография» проявляется безличная объективная реакция. Цветная художественная фотография прибывает в этот критический момент, создавая новый словарь для среды.Присоединяйтесь к фотографу и историку искусства Джеффри Марцу, который поделится фотографиями революционеров, таких как Майнор Уайт, Йозеф Судек, Бернд и Хилла Бехер, Стивен Шор и другими, на открытом форуме, где представлены точные репродукции в высоком разрешении.
Кадр из фильма без названия # 58, 1980. Фото © Синди Шерман.
Часть 8: Фото-графика и постмодернистская фотография
Художественный авангард 1950-х и 1960-х годов превращает фотографию в множество новых визуальных форм.Другие используют среду для документирования выступлений и иллюстрации идей на границах концептуального. К концу 1970-х новое поколение создателей изображений, насыщенных медиа, обращается к присвоению, искажению и повторной фотографии, чтобы раскрыть то, как мы видим, и оспорить все наши общие культурные представления о среде. Присоединяйтесь к фотографу и историку искусства Джеффри Марцу, который поделится фотографиями революционеров, таких как Гарри Каллахан, Джерри Уэлсманн, Эд Руша, Марта Рослер и другие, на открытом форуме, где представлены точные репродукции в высоком разрешении.
Часть 9: Обзор современной фотографии, часть 1 — Объективность в современной фотографии
99 центов, 1999. Фото © Андреас Гурски.
В эпоху беспрецедентной цифровой коммуникации и перенасыщения изображений фотография заняла центральное место в качестве нашей основной формы языка. Фотографии заполняют наши музеи, экраны и повседневную жизнь. Фотографическая практика стала глобальной, и на нее сильно повлияла вся история этого средства массовой информации. Присоединяйтесь к фотографу и историку искусства Джеффри Марцу, который исследует мир современной фотографии в серии из двух частей, посвященных знаменитым имиджмейкерам последних 30 лет.На нашем форуме будут представлены точные репродукции в высоком разрешении и интерактивный диалог.
Часть 10: Обзор современной фотографии, часть 2 — Субъективность в современной фотографии
Suspension, 1999. Фото © Роберт и Шана Парк Харрисон.
Четверг, 3 декабря, 19:00
В эпоху беспрецедентной цифровой коммуникации и перенасыщения изображений фотография заняла центральное место в качестве нашей основной формы языка. Фотографии заполняют наши музеи, экраны и повседневную жизнь.Фотографическая практика стала глобальной, и на нее сильно повлияла вся история этого средства массовой информации. Присоединяйтесь к фотографу и историку искусства Джеффри Марцу, который исследует мир современной фотографии во второй части серии, состоящей из двух частей, с участием знаменитых имиджмейкеров последних 30 лет. На нашем форуме будут представлены точные репродукции в высоком разрешении и интерактивный диалог.
Биография докладчика: Опытный путешественник и фотограф изобразительного искусства, Джеффри Марц получил степень магистра в области фотографии в Университете штата Юта в 1997 году.Он преподавал фотографию, переплет и историю искусства более 20 лет, а в настоящее время преподает в средней школе сэра Фрэнсиса Дрейка в Сан-Ансельмо, Калифорния.
Детская мода на рубеже 20-го века — Коллекция Морриса
Марриотт С. Моррис сделал эту фотографию своего сына, Марриотта-младшего, в 1903 году возле своего дома на Кресхайм-роуд в районе Маунт. Воздушный район. Одежда Young Marriott была типичной для мальчика трех лет: матросский костюм с юбкой, длинные волосы, чулки и широкополая шляпа.Однако у современных зрителей, которые привыкли видеть мальчиков в брюках и с короткими волосами, этот образ вызывает некоторые вопросы.
В своей статье «Одежда и гендер в Америке: детская мода 1890-1920» Джо Б. Паолетти отмечает, что до Первой мировой войны было обычным явлением видеть мальчиков, одетых как Марриотт-младший, или, другими словами, в современной одежде. зрители могут ассоциироваться с типичной женской модой. Паолетти предлагает несколько мотивов использования этого стиля. Одна причина была вполне практической; платья было проще и дешевле шить, и их можно было использовать как повседневную одежду, будь то мальчик или девочка.Однако семья Морриса была достаточно богата, поэтому финансовые выгоды от платьев, вероятно, не были их главной заботой. По словам Паолетти, различать девочек и мальчиков было менее важно, чем различать взрослых и детей. Этот эффект был усилен обычным использованием белой ткани в одежде как для мальчиков, так и для девочек, а не с использованием гендерной розовой и синей цветовой кодировки, наблюдаемой сегодня. В этом контексте легкий костюм с юбкой и длинные волосы Марриотта-младшего больше всего выделяют его как ребенка, а не как мальчика или девочку.
Изменения в детской одежде отражали медленное принятие более взрослых стилей и постепенное взросление ребенка. В конце 19 — начале 20 веков все младенцы носили длинные белые платья до тех пор, пока они не научились ходить, и более короткие платья, пока им не исполнилось два или три года. После этого и мальчики, и девочки часто носили костюмы с юбкой, как на фотографии сына Морриса, с небольшими изменениями в отделке и застежках, которые отличали мальчиков и девочек. На этом изображении справа из номера журнала Godey’s Ladies Book за июль-декабрь 1889 года показаны образцы детской одежды.Два рисунка в центре страницы (рис. 14-17) предназначались для детей около двух лет: одежда слева для «повседневной носки» и одежда справа со вставкой из кружева як. В тексте не указывается пол платьев, предположительно потому, что их носили и мальчики, и девочки.
Когда-то в возрасте от пяти до семи лет, обычно совпадая с посещением школы, мальчики перешли на бриджи и постриглись. Особой популярностью пользовались матросские костюмы и одежда, вдохновленная военной формой.На рисунке в правом нижнем углу страницы Годи (рис. 20–21) изображен костюм для мальчика примерно четырех лет, напоминающий военную куртку. Костюм состоит из жилета и брюк, которые специально носят мальчики. Лишь когда мальчику исполнилось двенадцать, он начал носить длинные брюки и одеваться как взрослый мужчина.
Фотографии сыновей Морриса из коллекции Морриса представляют собой наглядный пример перехода от платьев к брюкам, типичных для мальчиков на рубеже веков.На этом портрете Эллистона-младшего старший сын Морриса носит длинное белое платье, обычное для ребенка примерно одного года. Эллистон-младший может стоять, опираясь на деревянный стул, однако, поскольку его платье все еще длинное, мы можем предположить, что он еще не научился ходить. Второй сын Морриса, Марриотт-младший, родился годом позже, в 1900 году. На этой фотографии справа, сделанной в 1902 году, Марриотту-младшему около полутора лет, а Эллистону-младшему — три года. Марриотт-младший носит длинное платье, подобное тому, которое носил его брат на фотографии выше, в то время как Эллистон-младший.перешла в костюм с юбкой. Его волосы были подстрижены, но по-прежнему связаны бантом. К 1904 году оба мальчика носят костюмы с юбкой в морском стиле, как показано на фотографии ниже. В пять лет волосы Эллистона-младшего остригли коротко, однако в четыре года волосы Марриотта-младшего все еще длинные и стянуты лентой. К 1907 году на семейной фотографии справа оба мальчика были одеты в матросские костюмы с трусиками и коротко пострижены. Их младшая сестра Джанет, родившаяся в том же году, теперь была одета в длинное белое платье, которое, возможно, было передано по наследству от одного из ее братьев.
В целом, дети Морриса, кажется, придерживаются традиционной детской одежды того времени. Тем не менее, похоже, что волосы Эллистона-младшего были коротко острижены примерно в три года, в то время как волосы Марриотта-младшего были длинными, пока ему не исполнилось пять лет. Как указывает Паолетти, точное время перехода мальчика с юбок на брюки и его стрижка в конечном итоге зависела от его матери. Возможно, более длинные волосы Марриотта-младшего отражали желание его матери Джейн хоть немного подольше сохранить его детскую невинность.
Элисон Ван Дененд , помощник менеджера проекта
Коллекция фотографий Marriott C. Morris
Jo B. Paoletti. «Одежда и пол в Америке: детская мода, 1890-1920». Знаки 13 , вып. 1: 136-43. JSTOR. http://www.jstor.org/stable/3174031.
.