Эпоха барокко это: Эпоха Барокко. Тема: Творчество | by Eggheado | Eggheado: Art

Содержание

Эпоха барокко | История искусства

Охота на бегемота и крокодила. Рубенс

В конце 16-го - начале 17-о века искусство Ренессанса в Западной Европе сменилось новым направлением "барокко". Слово "барокко" в буквальном переводе с итальянского означает "причудливый", "вычурный".

Зародилось барокко в Италии, в конце 16 века. Зрителя поражают яркость чувств, порывистость, страстность этого искусства, его преувеличения и излишества полны неожиданностей. Барокко покорило всю Европу.

Архитектура

Родиной архитектуры барокко стал Рим. Новый стиль утвердился прежде всего в церковном зодчестве, а затем и в архитектуре дворцов. Построенные ранее церкви украшали элементами барокко, в основном - интерьер. Сооружения в стиле барокко ослепляют пышностью, роскошью. Здания богато украшены, часто без меры, разнообразными деталями: это богатый, лепной, с завитками, орнамент, портики, галереи со статуями атлантов и кариатид. В интерьере дворцов сглаживаются углы потолка и стен, они украшаются богатыми росписями, лепниной, позолотой. Помещения украшаются гобеленами, статуями, зеркалами. Разноцветные полы, хрустальные люстры, изящная мебель на тонких изогнутых ножках дополняют убранство дворцов.

Типичной для архитектурного барокко представляется архитектура Рима в 17 веке.

Фонтан Треви в Риме. Николо Сальви. (1732 -1762)

Мастера барокко порывают со многими художественными традициями Возрождения, с его гармоничными, уравновешенными объемами. Архитекторы барокко включают в целостный архитектурный ансамбль не только отдельные сооружения и площади, но и улицы, которым они придают строго прямолинейные очертания. Начало и конец улиц непременно отмечены какими-либо архитектурными или скульптурными акцентами. Огромное значение приобретают обелиски и фонтаны.

На смену статуе как организующему площадь началу приходит обелиск с его устремленностью ввысь, а еще чаще - фонтан, обильно украшенный скульптурой. Блестящим примером барочных фонтанов были фонтаны Бернини: фонтан Тритона на площади Барберини и фонтаны Четырех рек и Мавра на площади Навона.

В эпоху раннего барокко не столько были созданы новые типы дворцов, вилл, церквей, сколько усилен декоративный элемент: интерьер многих ренессансных палаццо превратился в анфиладу пышных покоев, усложнился декор порталов, много внимания барочные мастера стали уделять внутреннему двору, дворцовому саду. Особого размаха достигла архитектура вилл с их богатым садово-парковым ансамблем. Парк обильно украшают гроты, балюстрады. скульптуры, фонтаны.

Джакомо делла Порта. Церковь Иль Джезу в Риме.Фасад (1573 - 1584)

Скульптура

Неотъемлимой частью архитектуры в эпоху барокко была скульптура. Она украшала фасады и внутренние помещения. Скульптуры барокко были декоративным дополнением к архитектуре зданий. Парки украсились скульптурными группами на античные сюжеты; на площадях появились памятники властителям, многочисленные статуи оживляли фонтаны и лестницы.

Скульптуры барокко беспокойны, порывисты, живописны. Люди - в развевающихся одеяниях или обнаженные - представлены в вычурных, неестественных позах. Пышные драпировки, вычурные жесты, бесчисленные детали придают статуям извилистые и неопределенные очертания.

что это такое, стиль картин, эпоха раннего в живописи и искусстве, примеры скульптуры, элементы художников, хаус

В переводе с итальянского языка, barocco – «странный, удивительный, причудливый». Стиль барокко зародился в период становления монархического строя правления в Италии. Он получил широкое применение в области изобразительного искусства, скульптуры, музыки и архитектуры. Его призванием стало прославление могущества церкви и аристократического общества того времени. Барокко смог выразить новое представление о безграничности и многообразии окружающего мира, его единстве и драматичной изменчивости, пробудил интерес к стихиям природы.

История возникновения барокко – новая эпоха в Европе на смену Возрождению

Именно в Италии на смену Высокого Возрождения возник барочный стиль (16-й век). Не смотря на тяжелое политическое положение страны, где господствовали иностранцы (испанцы и французы), Италия продолжает оставаться культурным центром Европы. В этот период итальянцы не могли позволить себе выстраивать новые шикарные замки (романские или готические, как он назывался ранее, по стилю) .

Появление барокко позволило создавать иллюзию богатства, обходясь без дорогостоящих материалов.

Активное развитие культуры началось по причине недостатка средств. Возведение шикарных палаццо было не по карману знати и представителям церковной власти, но они все же нуждались в подтверждении собственной состоятельности и мощи. Высшие сословия обратились за помощью к искусству – появившееся направление их возвышало и за счет этого набирало все большую популярность.

Витиеватость узоров и массивность дерева в стиле барокко

Черты и особенности стиля

Для направления барокко присущи контрастность образов и их динамичность, совмещение иллюзорных форм и реальности, великолепие композиций. В интерьерах и экстерьерах построек применяются скульптурные элементы, рустованные колонны, волюты и раскреповки, а также пилястры. Нередко можно было встретить развернутые колоннады значительных масштабов. Стиль барокко от маньеризма унаследовал тенденцию поражать воображение. Это можно наблюдать в сложных купольных формах, выполненных в виде многоярусных конструкций. К отличительным чертам также относится использование кариатид, атлантов и маскарон.

Тенденции вычурности и напыщенного богатства также можно проследить еще в стиле Викторианской эпохи.

Кариатиды, атланты и маскароны

Интерьер

В моду барочного интерьера широко входят необычные композиции ассиметричных рисунков декора, изображения вогнутых и выпуклых форм. Четко выражены вертикальные линии колон и членений горизонтального типа, что присуще еще и колониальному стилю.

Стиль барокко идеально сочетается с интерьером помещений значительного размера – многообразные украшения и мебельные гарнитуры занимают невероятно большое пространство комнаты.

На фото представлен один из ярчайших примеров интерьера в направлении барокко.

Интерьер в стиле барокко

Мебель

Мебель в стиле барокко – уникальное произведение искусства, поэтому она использовалась чаще всего для создания интерьерной композиции помещения. Мягкие гарнитуры (диваны, кресла с деревянными ножками, стулья) обивались дорогостоящими материалами насыщенных оттенков. Гигантские шкафы из дерева украшались резными гравировками и однотонными рисунками. Очень популярны были громадные кровати с нарядными навесами, с которых струились вниз красочные покрывала. Гостиным помещениям во времена барокко уделялось особое внимание – в шикарных залах принимали гостей и устраивали балы.

Мебель в стиле барокко

Оформление стен

В интерьере барокко использовалась настенная роспись. Высокие мраморные стены были покрыты крупными многоцветными изображениями, дополненными обильной позолотой и фресками на потолках. А картины невероятных размеров и обрамленные богатыми рамами (с позолотой или лепниной), довершали общую композицию невероятного великолепия.

Изображения на стенах в стиле барокко описывали сцены из мифологических сказаний.

Классическое представление барокко в современном интерьере

Оформление полов

Мраморный пол служил гармоничным контрастом общему интерьеру гигантских залов. Он оформлялся в виде плиток, расположенных в шахматном порядке. Цветовая палитра не отличалась особенным разнообразием – использовались однотонные цвета. На фото выше можно и просмотреть, как оформлялись полы в стиле барокко.

Живопись

К характерным особенностям становления живописи в барочный период относятся:

  • Броская цветовая палитра.
  • Динамичность композиции.
  • Пышность «плоских» форм.

Яркие примеры картин эпохи барокко можно наблюдать в творчестве Рубенса («Распятие», «Страшный суд», «Битва греков с амазонками») и Караваджо («Больной Вакх», «Отдых на пути в Египет», «Призвание апостола Матфея»).

“Страшный суд”, Рубенс

Архитектура и ее представители

Отличительными чертами архитектуры барокко стали текучесть криволинейных и сложных форм, а также невероятный размах стилистического пространства. Изобилие скульптурных творений декорируют фасады здания церквей и соборов.

Во многих странах стиль барокко в архитектуре получает огромную популярность. Только во Франции он был не настолько выражен – к барочным памятникам даже употребляется термин «классицизм».

Классицизм – это направление в искусстве (17-19 вв). Характеризуется возвращением к античному искусству и культуре, которая считалась идеальным образцом.

Неоценимый вклад в области архитектуры внесли:

  • Донато Браманте – основоположник барочного зодчества.
  • Джакомо Делла Порта, Карло Мадерна и Доменико Фонтана – архитекторы раннего периода барокко.
  • Франческо Брромини – представитель радикального зодчества.
  • Сантино Солари – создал первый барочный собор в Зальцбурге.

Архитектура барокко

Скульптура

Лоренцо Бернини

Органически присущей частью искусства барокко являлась скульптура. Самым знаменитым скульптором 17-го столетия был признан Лоренцо Бернини. Его наиболее популярные работы на мифологическую тематику:

  • Плутон (бог подземного царства), похищающий Прозерпину.
  • «Экстаз святой Терезы» – алтарная группа, расположенная в одном из храмов Рима.
  • Аполлон (бог света), преследующий нимфу Дафну, которая чудесным образом превращается в дерево.

На фото изображена скульптура в стиле барокко, выполненная из дерева. Именно этот материал преобладал при создании скульптур, а для большей реалистичности с хрустальной срезкой и стеклянными глазами.

Мода

Эпоха барокко развивается во времена правления Людовика XIV (2-я половина 17-го века), когда при дворе царил безукоризненный этикет. Законодателем модных тенденций в Европе была Франция, и другие страны строго следовали французским направлениям в моде.

Для европейских нарядов характерна невероятная пышность, дополненная многочисленными украшениями.

Модные веяния барокко

Платья прекрасных дам видоизменились – в отличие от эпохи Раннего Ренессанса они были на китовом усе. Наряд книзу юбки плавно расширялся, а сзади платья прикреплялся шлейф. Глубокий вырез декольте открывал плечи, а вошедшие в моду высокие прически покрывались косынками и чепчиками из тонкой ткани.

Мужчины носили длинные кафтаны, украшенные кружевами и красочными бантами. Высокие ботфорты носили исключительно во время военных походов или в полях. В гражданской же обстановке представители сильного пола носили туфли. Обувь украшалась аграфами (пряжки), но со временем более популярными стали банты.

Головы кавалеров покрываются элегантными париками, распускающимися кудрявыми локонами по плечам и торчащими вверх. Как женщины, так и их кавалеры стали использовать косметику в непомерном количестве. Лица и парики тщательно напудривались. Кроме того, появились мушки – они придавали яркий контраст невероятной белизне кожи.

Пример нарядов времени барокко можно наблюдать на фото.

 

Искусство: художественные картины в барочном стиле

И.С. Бах

В самом конце эпохи ренессанса появляется музыка барокко, которая становится предшественником культуры классицизма. Наблюдается противопоставление инструментов и голосов, солистов и хора, а также сочетание форм значительных масштабов. Возникают инструментальные жанры, а ведущее положение занимают опера, жанры кантаты и оратории.

Известные музыканты и композиторы:

  • Ч. Бернелли, Г. Рейтер, И.И. Фукс, Д. Фантини, У.Г. Руэ, И.Г. Вюлькен – знаменитые трубачи.
  • И.С. Бах, Ф. Джеминиани, Жан-Батист, А. Вивальли, С. Шейд – известные композиторы.

Человек

Люди эпохи барокко считали естественным поведением проявление бесцеремонности, дикого невежества и даже самодурства. Женщины придерживаются безукоризненной белизны кожи и очень дорожат ею. Они украшают свои головы замысловатыми прическами и появляются в высшем обществе в элегантных туфельках на невысоких каблучках.

Олицетворением мужского идеала становится “джентельмен” – образ спокойной, мягкого, уравновешенного мужчины. Усы и бороды теперь сбривают, напудривают парики, пользуются парфюмом. Споры между представителями сильного пола проявляются в дуэлях.

Именно во время барокко начинают появляться элегантные салфетки и вилки, что относится к изысканности столового этикета.

Бог представляется людям не как спаситель человеческих душ, а как Величайший Архитектор, сотворивший мир подобно часовому механизму.

В столицах европейских государств открываются научные сообщества и многочисленные Академии наук. Исаак Ньютон в 1689 году создает труд под названием “Математические начала натуральной философии”, а также открывает “Закон всемирного тяготения”. Карл Линнец публикует в 1735-м году известную работу по систематизации биологии “Система природы”. Галилей доказывает предположение о том, что Земля вращается вокруг Солнца. Начинается период открытия новых земель и парусники невероятных размеров путешествуют по просторам мировых океанов.

Символы литературы: искатели удивительных приключений и предприимчивые путешественники (Барон Мюнхаузен, Робинзон Крузо, Гулливер). Нормой в художественной лексике считаются иносказания.

Иллюстрация “Путешествия Гулливера”

Виды обоев для стен: как их правильно подобрать и как правильно поклеить.

Какими бывают современные серванты для гостиной читайте в этой статье.

Состав ламината: https://trendsdesign.ru/materialy/napolnye-pokrytiya/laminat/laminat-sostav-osnovnye-osobennosti-pokrytiya. html

Краткий видео-обзор на стиль Барокко

Выводы

Век барокко возник в 16-м столетии и приобрел широчайшую популярность на территории Западной и Восточной Европы. Этот период развития культуры и искусства принято считать предвестником победоносного шествия «цивилизации Запада». Производной стиля барокко считается рококо – более спокойный и утонченный стиль в интерьере на фоне своего предшественника. Так же читайте об архитектуре Ампир.

Рекомендуем также прочитать что это неоклассика.

Стиль Барокко - Все об эпохе искусства

На закате эпохи Возрождения, в конце XVI века появился новый стиль – барокко. Именно о нем пойдет речь в данной статье.

Барокко (итал. barocco — «причудливый», «странный», «склонный к излишествам», порт. perola barroca — дословно «жемчужина с пороком») – это стиль в искусстве вообще и архитектуре в частности.

Родиной этого стиля принято считать некоторые итальянские города: Рим, Венецию и Флоренцию. Сразу нужно подчеркнуть, что эпоха барокко с самого начала резко противопоставила себя классицизму и рационализму.

Эпоха барокко

Условно считается (как и все исторические периоды), что эпоха барокко продолжалась в течение XVI-XVIII вв. Интересно, что все началось с Италии, которая к 16 веку стала заметно ослабевать на международной арене в экономическом и политическом плане.

Французы и испанцы активно проводили свою политику в Европе, хотя Италия по-прежнему оставалась культурным центром европейского общества. А силу культуры, как известно, определяет ее умение приспосабливаться к новым реалиям истории.

Вот и итальянская знать, не имея денег на постройку богатых дворцов, демонстрирующих их мощь и величие, обратилась к искусству, чтобы с его помощью создать видимость богатства, силы и процветания.

Именно так наступила эпоха барокко, ставшая важным этапом в развитии мирового искусства.

Важно подчеркнуть, что жизнь людей в это время начала основательно меняться. Для эпохи барокко характерно много свободного времени. Горожане предпочитают рыцарским турнирам (см. интересные факты о рыцарях) прогулки на лошадях («карусели») и игру в карты, паломничествам – гуляние в парке, мистериям – театры.

Старые традиции, основанные на суевериях и предрассудках, отпадают. Выдающийся математик и философ Рене Декарт (см. интересные факты о Декарте) выводит формулу: «Я мыслю, следовательно, существую». То есть общество перестраивается на другое мышление, где здраво не то, что сказал какой-то авторитет, а то, что можно математически точно объяснить любому разумному существу.

Интересен факт, что в профессиональной среде вокруг самого слова «барокко» происходит больше споров, чем об эпохе, как таковой. С испанского языка barroco переводится, как жемчужина неправильной формы, а вот с итальянского – baroco обозначает ложный логический вывод.

Этот второй вариант выглядит наиболее правдоподобным вариантом происхождения спорного слова, так как именно в эпоху барокко в искусстве наблюдалась какая-то гениальная нелепость, и даже причудливость, поражающая воображение своей напыщенностью и величием.

Стиль барокко

Для стиля барокко характерны контрастность, динамичность и напряженность, а также отчетливое стремление к пышности и внешнему величию.

Интересно, что представители данного направления чрезвычайно органично объединяли разные стили искусства. Одним словом, Реформация и учение Коперника (см. интересные факты о Копернике) сыграли ключевую роль в закладке фундамента стиля барокко.

Если для эпохи Возрождения свойственно было воспринимать человека, как меру всех вещей и разумнейшее из существ, то уже Блез Паскаль иначе осознает себя: «чем-то средним между всем и ничем».

Искусство барокко

Искусство барокко отличается, прежде всего, необыкновенной пышностью форм, оригинальностью сюжетов и динамизмом. В художестве преобладает броская цветистость. В живописи наиболее выдающимися представителями этого стиля были Рубенс и Караваджо.

Глядя на некоторые картины Караваджо, невольно поражаешься динамичности его сюжетов. Игра света и тени невероятно тонко подчеркивает различные эмоции и переживания героев. Интересен факт, что влияние этого художника на искусство было столь большим, что появился новый стиль – караваджизм.

Некоторые последователи сумели перенять от своего учителя натурализм в передаче на холст людей и событий. Питер Рубенс, обучаясь в Италии, стал последователем Караваджо и Каррачи, освоив их технику и переняв стиль.

Видным представителем искусства барокко были также фламандский живописец Ван Дейк и голландец Рембрандт. В Испании этому стилю следовал выдающийся художник Диего Веласкес, а во Франции — Никола Пуссен.

К слову сказать, именно Пуссен начал закладывать основы нового стиля в искусстве – классицизма.

Барокко в архитектуре

Архитектура, выполненная в стиле барокко, отличается пространственным размахом и сложными, криволинейными формами. Множественные скульптуры на фасадах и в интерьерах, различные колоннады и масса раскреповок создают пышность и величественный вид.

Архитектурный ансамбль «Цвингер» в Дрездене

Купола приобретают сложные формы, и нередко имеют несколько ярусов. Пример может служить купол в соборе Святого Петра в Риме, архитектором которого был Микеланджело Буонарроти.

Наиболее значимыми произведениями барокко в архитектуре считаются Версальский дворец и здание Французской Академии в Париже. К крупнейшим в мире ансамблям барокко относят Версаль, Петергоф, Цвингер, Аранхуэс и Шёнбрунн.

Вообще надо сказать, что архитектура этого стиля распространилась во многих европейских странах, в том числе и в России, под влиянием Петра Великого.

Стиль «Петровское Барокко»

Музыка барокко

Говоря об эпохе барокко, невозможно обойти стороной музыку, так как она в этот период также претерпевала значительные изменения. Композиторы объединяли масштабные музыкальные формы, одновременно пытаясь противопоставлять хоровое и сольное пение, голоса и инструменты.

Возникают различные инструментальные жанры. Наиболее видными представителями музыки барокко являются Бах, Гендель и Вивальди.

Подводя итог можно с уверенностью сказать, что эта эпоха породила гениев мирового значения, которые навсегда вписали свое имя в историю. Творчеством многих из них до сих пор украшены лучшие музеи разных стран.

Если Вы любите интересные факты обо всем на свете — рекомендуем подписаться на InteresnyeFakty.org. С нами всегда интересно!

Понравился пост? Нажми любую кнопку:

Интересные факты:

Музыкальная культура барокко: эстетика, художественные образы, жанры, музыкальный стиль, композиторы

Знаете ли вы, что эпоху, подарившую нам Баха и Генделя, называли «причудливой»? Причём называли далеко не в положительном контексте. «Жемчужина неправильной (причудливой) формы» – таково одно из значений термина «барокко». Ещё бы новая культура была неправильной с точки зрения идеалов Возрождения: на смену гармонии, простоте и ясности пришли дисгармония, сложные образы и формы.

Эстетика барокко

Музыкальная культура барокко сводила прекрасное и безобразное, трагедию и комедию. «В тренде» были «неправильные красоты», сменившие естественность Ренессанса. Мир уже не представлялся целостным, но воспринимался как мир контрастов и противоречий, как мир, полный трагедии  и драматизма. Впрочем, этому есть историческое объяснение.

Эпоха барокко охватывает около 150 лет: с 1600-го по 1750-е годы. Это время великих географических открытий (вспомним открытие Америки Колумбом и кругосветное плавание Магеллана), время гениальных научных открытий Галилея, Коперника и Ньютона, время ужасных войн в Европе. Гармония мира рушилась на глазах, равно как и менялась сама картина Вселенной, менялись понятия времени и пространства.

Жанры барокко

Новая мода на вычурность рождала новые формы и жанры. Передать сложный мир человеческих переживаний смогла опера, главным образом через яркие эмоциональные арии. Отцом первой оперы считают Якопо Пери (опера «Эвридика»), но именно как жанр опера оформилась в творениях Клаудио Монтеверди («Орфей»). Среди самых громких имён оперного жанра барокко также известны: А. Скарлатти (опера «Нерон, ставший Цезарем»), Г.Ф. Телеман («Марио»), Г. Пёрселл («Дидона и Эней»), Ж.-Б.Люлли («Армида»), Г. Ф. Гендель («Юлий Цезарь»), Дж. Б. Перголези («Служанка-госпожа»), А. Вивальди («Фарнак»).

Почти как опера, только без декораций и костюмов, с религиозным сюжетом, оратория заняла важное место в иерархии жанров барокко. Такой высокий духовный жанр как оратория также передавал глубину человеческих эмоций. Самые известные барочные оратории написаны Г.Ф. Генделем («Мессия»).

Из жанров духовной музыки популярными были также духовные кантаты и пассионы (пассионы – это «страсти»; возможно не к слову, но на всякий случай всё помянем один однокоренной музыкальный термин – аппассионато, что в переводе на русский значит «страстно»). Здесь пальма первенства принадлежит И. С. Баху («Страсти по Матфею»).

Еще один крупный жанр эпохи – концерт. Острая игра контрастов, соперничество солиста и оркестра (сольный концерт), либо разных групп оркестра между собой (жанр concerto grosso)– хорошо перекликались с эстетикой барокко. Здесь правили маэстро А. Вивальди («Времена года»), И.С. Бах «Браденбургские концерты»), Г. Ф. Гендель и А. Корелли (Concerto grosso).

Контрастный принцип чередования разнохарактерных частей получил развитие не только в жанре концерта. Он лёг в основу сонаты (Д. Скарлатти), сюиты и партиты (И. С. Бах). Нужно заметить, что этот принцип существовал и раннее, но только в эпоху барокко он перестал быть случайным и обрёл упорядоченность формы.

Один из главных контрастов музыкальной культуры барокко – это хаос и порядок как символы времени. Случайность жизни и смерти, неуправляемость рока  и вместе с тем – торжество «рацио», порядок во всём. Этуантиномию ярче всего передал музыкальный жанр прелюдии (токкаты, фантазии) и фуги. И.С. Бах создал непревзойденные шедевры в этом жанре (прелюдии и фуги «Хорошо темперированного клавира», Токката и фуга ре-минор).

Как следует из нашего обзора, контрастность барокко проявилась даже в масштабности жанров. Наряду с объёмными композициями создавались и лаконичные опусы.

Музыкальный язык барокко

Эпоха барокко внесла свою лепту в развитие нового стиля письма. На музыкальную арену выходит гомофония с её разделением на главный голос и сопровождающие.

В частности, популярность гомофонии связана и с тем, что церковь предъявляла особые требования к написанию духовных композиций: все слова должны быть разборчивы. Так вокал выходил на первый план, обрастая к тому же многочисленными музыкальными украшениями. Барочная склонность к вычурности проявилась и здесь.

Богатой на украшения была и инструментальная музыка. В связи с этим распространена была импровизация: открытый эрой барокко остинатный (то есть повторяющийся, неизменный) бас давал простор для фантазии на заданный гармонический ряд. В вокальной же музыке длинные каденции и цепочки форшлагов и трелей часто украшали оперные арии.

В то же время процветала и полифония, но уже совсем в другом русле. Полифония барокко – это полифония свободного стиля, развитие контрапункта.

Важным шагом в развитии музыкального языка стало принятие темперированного строя и становление тональности. Чётко определились два главных лада – мажор и минор.

Теория аффектов

Поскольку музыка эпохи барокко служила выражению страстей человеческих, цели композиции пересматривались. Теперь каждое сочинение связывалось с аффектом, то есть с определённым состоянием души. Теория аффектов не нова, она восходит истоками к античности. Но в эру барокко она получила широкое распространение.

Гнев, печаль, ликование, любовь, смирение – эти аффекты связывались с музыкальным языком композиций. Так, совершенный аффект радости и веселья выражался использованием в письме терций, кварт и квинт, беглого темпа и трёхдольного размера. Напротив, аффект печали достигался включением диссонансов, хроматики и медленного темпа.

Существовала даже аффектная характеристика тональностей, в которой суровый ми-бемоль мажор на пару со сварливым ми-мажором противостоял жалобному ля-минору и нежному соль-мажору.

Вместо заключения…

Музыкальная культура барокко оказала огромное влияние на развитие последующей эпохи классицизма. И не только этой эпохи. Даже сейчас слышны отголоски барокко в жанрах оперы и концерта, популярных по сей день. Цитаты баховской музыки появляются в соло тяжёлого рока, эстрадные песни в большинстве своём строятся на барочной «золотой секвенции», а джаз в какой-то мере перенял искусство импровизации.

И уже никто не считает барокко «странным» стилем, но восхищается его поистине драгоценными жемчужинами. Пусть и причудливой формы.

Автор – Александра Рамм




БАРОККО, ЛИТЕРАТУРА | Энциклопедия Кругосвет

БАРОККО, ЛИТЕРАТУРА – литература идейного и культурного движения, известного под именем барокко, затронувшего разные сферы духовной жизни и сложившегося в особую художественную систему.

Переход от Возрождения к барокко представлял собой длительный и неоднозначный процесс, и многие черты барокко уже вызревали в маньеризме (стилевом течении позднего Ренессанса). Происхождение термина не вполне ясно. Иногда его возводят к португальскому термину, который означает «жемчужина причудливой формы», иногда к понятию, обозначающему один из видов логического силлогизма. Нет единого мнения о содержании данного понятия, сохраняется неоднозначность трактовки: его определяют как культурную эпоху, но нередко и ограничивают понятием «художественный стиль». В отечественной науке утверждается трактовка барокко как культурного направления, характеризующегося наличием определенного миросозерцания и художественной системы.

Возникновение барокко определялось новым мироощущением, кризисом ренессансного миросозерцания, отказом от его великой идеи гармоничной и грандиозной универсальной личности. Уже в силу этого возникновение барокко не могло быть связано только с формами религии или характером власти. В основе же новых представлений, определивших суть барокко, лежало понимание многосложности мира, его глубокой противоречивости, драматизма бытия и предназначения человека, в какой-то мере на эти представления оказывало влияние и усиление религиозных исканий эпохи. Особенности барокко определяли различия в мироощущении и художественной деятельности целого ряда его представителей, а внутри сложившейся художественной системы сосуществовали весьма мало схожие друг с другом художественные течения.

Литература барокко, как и все движение, отличается тенденцией к сложности форм и стремлением к величавости и пышности. В барочной литературе осмысляется дисгармония мира и человека, их трагическое противостояние, как и внутренние борения в душе отдельного человека. В силу этого видение мира и человека чаще всего пессимистично. Вместе с тем барокко в целом и его литературу в частности пронизывает вера в реальность духовного начала, величие Бога.

Сомнение в прочности и непоколебимости мира приводило к его переосмыслению, и в культуре барокко средневековое учение о бренности мира и человека причудливо сочеталось с достижениями новой науки. Представления о бесконечности пространства привели к коренному изменению видения картины мира, который приобретает грандиозные космические масштабы. В барокко мир понимается как вечная и величественная природа, а человек – ничтожная песчинка – одновременно слит с нею и противостоит ей. Он словно растворяется в мире и становится частицей, подчиненной законам мира и общества. Вместе с тем, человек в представлении деятелей барокко подвержен необузданным страстям, которые ведут его ко злу.

Преувеличенная аффектированность, крайняя экзальтация чувств, стремление познать запредельное, элементы фантастики – все это причудливо сплетается в мироощущении и художественной практике. Мир в понимании художников эпохи – разорван и беспорядочен, человек – всего лишь жалкая игрушка в руках недоступных сил, его жизнь – цепь случайностей и уже в силу этого представляет собой хаос. А потому мир пребывает в состоянии неустойчивости, ему присуще имманентное состояние перемен, а закономерности его трудноуловимы, если вообще постижимы. Барокко как бы раскалывает мир: в нем рядом с небесным сосуществует земное, рядом с возвышенным – низменное. Для этого динамичного, стремительно меняющегося мира характерны не только непостоянство и быстротечность, но и необычайная интенсивность бытия и накал тревожных страстей, соединение полярных явлений – грандиозности зла и величия добра. Для барокко была характерна и другая черта – оно стремилось выявить и обобщить закономерности бытия. Помимо признания трагичности и противоречивости жизни, представители барокко полагали, что существует некая высшая божественная разумность и во всем имеется скрытый смысл. Следовательно, надо смириться с миропорядком.

В этой культуре, и в особенности в литературе, кроме концентрации на проблеме зла и бренности мира возникало также стремление преодолеть кризис, осмыслить высшую разумность, сочетающую и доброе и злое начало. Тем самым делалась попытка снять противоречия, место человека в необъятных просторах мироздания определялось созидательной мощью его мысли и возможностью чуда. Бог при подобном подходе представал как воплощение идеи справедливости, милосердия и высшего разума.

Отчетливее эти черты проявились в литературе и изобразительном искусстве. Художественное творчество тяготело к монументальности, в нем сильно выражено не только трагическое начало, но также религиозные мотивы, темы смерти и обреченности. Многим художникам были присущи сомнения, ощущение бренности бытия и скепсис. Характерны рассуждения о том, что загробное бытие предпочтительнее страданиям на грешной земле. Эти черты литературы (да и всей культуры барокко) в течение длительного времени позволяли трактовать данное явление как проявление контрреформации, связывать с феодально-католической реакцией. Теперь такая трактовка решительно отброшена.

Вместе с тем в барокко, и прежде всего в литературе, отчетливо проявились различные стилевые тенденции, и отдельные течения достаточно далеко расходились. Переосмысление в новейшем литературоведении характера литературы барокко (как и самой культуры барокко) привело к тому, что в нем выделяется две основных стилевых линии. Прежде всего, в литературе возникает аристократическое барокко, в котором проявилась тенденция к элитарности, к созданию произведений для «избранных». Было и другое, демократическое, т.н. «низовое» барокко, в котором отразилось душевное потрясение широких масс населения в рассматриваемую эпоху. Именно в низовом барокко жизнь рисуется во всем ее трагическом противоречии, для данного течения характерна грубоватость и нередко обыгрывание низменных сюжетов и мотивов, что нередко приводило к пародии.

Особое значение приобретает описательность: художники стремились детально изобразить и изложить не только противоречия мира и человека, но и противоречивость самой человеческой природы и даже абстрактные идеи.

Представление об изменчивости мира породило необычайную экспрессивность художественных средств. Характерной чертой барочной литературы становится смешение жанров. Внутренняя противоречивость определила характер изображения мира: раскрывались его контрасты, взамен ренессансной гармонии появилась асимметрия. Подчеркнутая внимательность к душевному строю человека выявила такую черту, как экзальтация чувств, подчеркнутая выразительность, показ глубочайшего страдания. Для искусства и литературы барокко характерна предельная эмоциональная напряженность. Другим важным приемом становится динамика, которая вытекала из понимания изменчивости мира. Литература барокко не знает покоя и статики, мир и все его элементы меняются постоянно. Для нее барокко становится типичен страдающий герой, пребывающий в состоянии дисгармонии, мученик долга или чести, страдание оказывается едва ли не основным его свойством, появляется ощущение тщетности земной борьбы и ощущение обреченности: человек становится игрушкой в руках неведомых и недоступных его пониманию сил.

В литературе нередко можно встретить выражение страха перед судьбой и неизведанным, тревожное ожидание смерти, ощущение всевластия злобы и жестокости. Характерно выражение идеи существования божественного всеобщего закона, и людской произвол в конечном счете сдерживается его установлением. В силу этого меняется и драматический конфликт по сравнению с литературой Возрождения и маньеризма: он представляет собой не столько борьбу героя с окружающим миром, сколько попытку в столкновении с жизнью постичь божественные предначертания. Герой оказывается рефлектирующим, обращенным к своему собственному внутреннему миру.

Литература барокко настаивала на свободе выражения в творчестве, ей присущ безудержный полет фантазии. Барокко стремилось к чрезмерности во всем. В силу этого – подчеркнутая, нарочитая усложненность образов и языка, соединенная со стремлением к красивости и аффектации чувств. Язык барокко предельно усложнен, используются непривычные и даже нарочитые приемы, появляется вычурность и даже напыщенность. Ощущение иллюзорности жизни и недостоверности знаний привело к широкому использованию символов, сложной метафоричности, декоративности и театральности, определило появление аллегорий. Литература барокко постоянно сталкивает подлинное и мнимое, желаемое и действительное, проблема «быть или казаться» становится одной из важнейших. Накал страстей привел к тому, что чувства потеснили разум в культуре и искусстве. Наконец, для барокко характерно смешение самых различных чувств и появление иронии, «не существует явления ни столь серьезного, ни столь печального, чтобы оно не могло превратиться в шутку». Пессимистическое мировосприятие породило не только иронию, но и едкий сарказм, гротеск и гиперболу.

Стремление обобщить мир раздвинуло границы художественного творчества: литература барокко, подобно изобразительному искусству, тяготела к грандиозным ансамблям, вместе с тем можно заметить и тенденцию к процессу «окультуривания» природного начала в человеке и самой природы, подчинения ее воле художника.

Типологические черты барокко определили и жанровую систему, которой была присуща подвижность. Характерно выдвижение на передний план, с одной стороны, романа и драматургии (в особенности жанра трагедии), с другой, культивирование сложной по концепции и языку поэзии. Преобладающими становится пастораль, трагикомедия, роман (героический, комический, философский). Особым жанром является бурлеск – комедия, пародирующая высокие жанры, грубо приземляющая образы, конфликт и сюжетные ходы этих пьес. В целом во всех жанрах выстраивалась «мозаичная» картина мира, причем в этой картине играло особую роль воображение, и нередко совмещались несовместимые явления, используется метафоричность и аллегория.

Литература барокко имела свою национальную специфику. Она во многом определила возникновение отдельных литературных школ и течений – маринизм в Италии, консепсьонизм и культизм в Испании, метафизическая школа в Англии, прециозность, либертинаж во Франции.

Прежде всего барокко возникло в тех странах, где наиболее усилилась мощь католической церкви: Италии и Испании.

Применительно к литературе Италии можно говорить о зарождении и становлении литературы барокко. Итальянское барокко нашло свое выражение раньше всего в поэзии. Его родоначальником в Италии стал Джанбатиста Марино (1569–1625). Уроженец Неаполя, он прожил бурную, авантюрную жизнь и приобрел европейскую славу. Его мироощущению было присуще принципиально иное по сравнению с Ренессансом видение мира: он был достаточно индифферентен в вопросах религии, полагал, что мир состоит из противоречий, которые и создают единство. Человек же рожден и обречен на страдания и гибель. Марино использовал привычные литературные формы Ренессанса, прежде всего, сонет, но наполнял его другим содержанием, одновременно вел поиск новых языковых средств с целью поразить и ошеломить читателя. Его поэзия использовала неожиданные метафоры, сравнения и образы. Особый прием – сочетание противоречивых понятий типа «ученый невежда» или «богатый нищий», присуща Марино и такая черта барокко, как понимание грандиозности мира природы, стремление соединить космическое начало с человеческим (сборник Лира). Наиболее крупные его произведения – поэма Адонис (1623) и Избиение младенцев. И мифологические, и библейские сюжеты трактовались автором подчеркнуто динамично, были усложнены психологическими коллизиями и драматичны. Как теоретик барокко Марино пропагандировал идею единства и единосущность всех искусств. Его поэзия вызвала к жизни школу маринизма и получила широкий отклик за Альпами. Марино связывал итальянскую и французскую культуры, и его воздействие на французскую литературу таково, что его испытали не только последователи барокко во Франции, но даже один из основоположников французского классицизма Ф.Малерб.

Особое значение барокко приобретает в Испании, где барочная культура проявилась практически во всех сферах художественного творчества и коснулась всех художников. Испания, в 17 в. переживавшая упадок, пребывавшая под властью не столько короля, сколько церкви, дала особый настрой барочной литературе: здесь барокко приобрело не только религиозный, но и фанатический характер, активно проявлялось стремление к потустороннему, подчеркнутый аскетизм. Однако именно здесь ощущается влияние народной культуры.

Испанское барокко оказалось необычайно мощным направлением в испанской культуре в силу особых художественных и культурных связей Италии и Испании, специфических внутренних условий, особенностей исторического пути в 16–17 вв. Золотой век испанской культуры был связан, прежде всего, с барокко, и в максимальной мере оно проявилось в литературе, ориентировалось на интеллектуальную элиту (см. ИСПАНСКАЯ ЛИТЕРАТУРА). Некоторые приемы использовались уже художниками позднего Ренессанса. В испанской литературе барокко нашло свое выражение и в поэзии, и в прозе, и в драматургии. В испанской поэзии 17 в. барокко породило два течения, боровшиеся между собой – культизм и консептизм. Сторонники первого противопоставляли отвратительный и неприемлемый реальный мир совершенному и прекрасного миру, созданному человеческим воображением, который постичь дано только немногим. Приверженцы культизма обратились к итальянскому, т.н. «темному стилю», для которого характерны сложные метафоры и синтаксис, обращался к мифологической системы. Последователи консептизма использовали столь же сложный язык, и в эту форму облекалась сложная мысль, отсюда многозначность каждого слова, отсюда характерная для консептистов игра слов и использование каламбуров. Если к первому принадлежал Гонгора, то ко второму – Кеведо.

Раньше всего барокко проявилось в творчестве Луиса де Гонгора-и-Арготе, чьи сочинения были напечатаны только после его смерти (Сочинения в стихах испанского Гомера, 1627) и принесли ему славу величайшего поэта Испании. Крупнейший мастер испанского барокко, он – основатель «культизма» с его учеными латинскими словами и сложностью форм при очень простых сюжетах. Поэтика Гонгоры отличалась стремлением к многосмыслию, стиль его изобилует метафорами и гиперболами. Он достигает исключительной виртуозности, и темы его обычно просты, но раскрыты предельно усложнено, сложность, по мысли поэта, является художественным средством усиления воздействия поэзии на читателя, причем не только на его чувства, но и на интеллект. В своих произведениях (Сказание о Полифеме и Галатее, Одиночествах) он создал стиль испанского барокко. Поэзия Гонгоры быстро приобрела новых сторонников, хотя в оппозиции к ней находился Лопе де Вега. Не менее значительно для развития испанского барокко прозаическое наследие Ф.Кеведо (1580–1645), оставившего большое количество сатирических произведений, где показан отвратительный безобразный мир, приобретающий искаженный характер благодаря использованию гротеска. Мир этот находится в состоянии движения, фантастичен, ирреален и убог. Особое значение в испанском барокко приобретает драматургия. По преимуществу барочные мастера работали в жанре трагедии или драмы. Значительный вклад в развитие испанской драматургии внес Тирсо де Молина (фрей Гaбриэль Тельес). Он создал около 300 пьес (сохранилось 86), по преимуществу религиозных драм (ауто) и комедий нравов. Мастер виртуозно разработанной интриги, Тирсо де Молина стал первым автором, обработавшим в мировой литературе образ Дон-Жуана. Его Севильский озорник или каменный гость не только является первой разработкой этого сюжета, но и выдержан в духе барокко с предельным натурализмом в последней сцене. Творчество Тирсо де Молина как бы перебрасывало мостик от маньеризма к барокко, во многом он открывал путь, по которому пошли драматурги школы Кальдерона, выстраивая свою художественную систему, синтез маньеризма и барокко.

Классическим мастером драматургии барокко стал Кальдерон. Во всех своих драмах использовал логически стройную и до малейших деталей продуманную композицию, предельно усиливал интенсивность действия, концентрируя его вокруг одного из персонажей, экспрессивный язык. Его наследие связано с драматургией барокко. В его творчестве нашло свое предельное выражение пессимистическое начало, прежде всего, в религиозных и морально-философских сочинениях. Вершиной является пьеса Жизнь есть сон, где барочное мироощущение получило наиболее полное выражение. Кальдерон показывал трагические противоречия жизни человека, из которых нет выхода, за исключением обращения к богу. Жизнь изображается как мучительное страдание, любые земные блага призрачны, границы реального мира и сна размыты. Человеческие страсти бренны, и только осознание этой бренности и дает познание человеку.

Испанский 17 век в литературе был полностью барочным, как и в Италии. Он в известной степени резюмирует, усиливает и подчеркивает опыт всей барочной Европы.

В Нидерландах барокко утверждается почти безраздельно, но здесь почти отсутствует черта, характерная для Италии и Испании: устремленность к Богу, религиозная исступленность. Фламандское барокко более телесно и грубовато, пронизано впечатлениями окружающего бытового вещного мира или же обращено к противоречивому и сложному духовному миру человека.

Гораздо более глубоко барокко затронуло немецкую культуру и литературу. Художественные приемы, мироощущение барокко распространились в Германии под влиянием двух факторов. 1) Атмосфера княжеских дворов 17 в., во всем следовавших элитарной моде Италии. Барокко было обусловлено вкусами, потребностями и настроениями немецкого дворянства. 2) На немецкое барокко оказала влияние трагическая ситуация Тридцатилетней войны. В силу этого в Германии существовало аристократическое барокко наряду с народным барокко (поэты Логау и Грифиус, прозаик Гриммельсгаузен). Крупнейшим поэтом Германии стали Мартин Опиц (1597–1639), поэзия которого достаточна близка к стихотворным формам барокко, и Андреас Грифиус (1616–1664), в творчестве которого отразились и трагические пертурбации войны, и типичная для литературы барокко тема бренности и тщетности всех земных радостей. Его поэзия была многозначна, использовала метафоры, в ней отразилась глубокая религиозность автора. С барокко связан крупнейший немецкий роман 17 в. Симплициссимус Х.Гриммельсгаузена, где с потрясающей силой и трагизмом были запечатлены страдания народа в годы войны. Барочные черты в нем отразились в полной мере. Мир в романе – не просто царство зла, он беспорядочен и изменчив, причем изменения происходят только к худшему. Хаос мира определяет и предназначение человека. Судьба человека трагична, человек – воплощение изменчивости мира и бытия. Еще в большей мере мироощущение барокко проявилось в немецкой драматургии, где трагедия кровава и изображает самые дикие преступления. Жизнь и здесь видится как юдоль скорби и страдания, где тщетны любые человеческие начинания.

Гораздо меньше барокко было присуще литературе Англии, Франции, Голландской республики. Во Франции элементы барокко отчетливо проявились в первой половине 17 в., но после Фронды барокко во французской литературе вытесняется классицизмом, а в итоге создается так называемый «большой стиль». Барокко во Франции приняло столь специфические формы, что до сих пор ведутся споры о том, существовало ли оно там вообще. Его элементы присущи уже творчеству Агриппы д'Обинье, который в Трагических поэмах выразил ужас и протест против жестокости окружающего мира и в Приключениях барона Фенеста поставил проблему «быть или казаться». В дальнейшем во французском барокко почти полностью отсутствует любование и даже изображение жестокости и трагичности мира. Практически барокко во Франции оказалось связано, прежде всего, с такой общей чертой (унаследованной от маньеризма), как стремление к иллюзорности. Французские авторы стремились создать вымышленный мир, далекий от грубости и нелепости реальной действительности. Литература барокко оказалась связана с маньеризмом и восходит к роману О.д'Юрфе Астрея (1610). Возникала прециозная литература, которая требовала максимального отвлечения от всего низменного и грубого в реальной жизни, была отрешена от прозаической действительности. Принципы пасторали утверждались в прециозном романе, равно как и подчеркнуто изысканная усложненная и цветистая речь. Язык прециозной литературы широко использовал метафоры, гиперболы, антитезы и перифразы. Сложился этот язык явно под влиянием Марино, посещавшим французский двор. Проводником прециозного, выспреннего языка стали литературные салоны. К представителям этого направления можно отнести, прежде всего, М.де Скюдери, автора романов Артамен или великий Кир (1649) и Клелия. Иную жизнь барокко получает во времена Фронды, в творчестве так называемых поэтов вольнодумцев, в котором переплетаются черты маньеризма и барокко (Сирано де Бержерак, Теофиль де Вио). Широко распространяется бурлескная поэма, где присутствует диссонанс стиля и содержания (возвышенные герои при низменных, грубых обстоятельствах). Барочные тенденции проявились в драматургии первой половины 17 в., где торжествовали пасторали и трагикомедии, где отразились представления о многообразии и изменчивости бытия и обращение к драматическим конфликтам(А.Арди).

Во Франции барокко нашло свое выражение в творчестве одного из крупнейших философов 17 в., мыслителя и стилиста Б.Паскаля. Он выразил во Франции весь трагизм миросозерцания барокко и его возвышенный пафос. Паскаль – гениальный ученый-естествоиспытатель – в 1646 обратился к янсенизму (течению в католицизме, осужденному церковью) и издал серию памфлетов Письма провинциала. В 1670 были изданы его Мысли, где он говорил о двойственной природе человека, проявляющейся и в проблесках величия, и в ничтожности, вопиющем противоречии его натуры. Величие человека создается его мыслью. Мироощущение Паскаля трагично, он говорит о безграничных пространствах мира, твердо верит в целесообразность миропорядка и противопоставляет величию мира слабость человека. Именно ему принадлежит знаменитый барочный образ – «Человек – тростник, но это тростник мыслящий».

В Англии барочные тенденции отчетливее всего проявились в театре после Шекспира и литературе. Здесь сложился особый вариант, в котором сочетаются элементы литературы барокко и классицизма. Барочные мотивы и элементы в наибольшей мере затронули поэзию и драматургию. Английский театр 17 в. не дал миру барочных драматургов, которых можно было сравнить с испанскими, и даже в самой Англии их творчество несопоставимо по своим масштабам с талантами поэта Дж. Донна или Р.Бэртона. В драматургии ренессансные идеалы постепенно сочетались с идеями маньеризма, а с эстетикой барокко оказались тесно связаны последние драматурги предреволюционной эпохи. Барочные черты можно найти в поздней драматургии, в особенности у Фр.Бомонта и Дж.Флетчера, Дж.Форда (Разбитое сердце, Перкин Уорбек), Ф.Мэссинджера (Герцог Миланский), у отдельных драматургов эпохи Реставрации, в частности в Спасенной Венеции Т.Отуэя, где обнаруживается экзальтация страсти, а героям присущи черты барочных мучеников. В поэтическом наследии под воздействием барокко складывалась так называемая «метафизическая школа. Основателем ее стал один из крупнейших поэтов эпохи Дж.Донн. Для него и его последователей были характерны склонность к мистицизму и изощренно изысканному сложному языку. Для большей выразительности парадоксальных и вычурных образов использовались не только метафоры, но и специфическая техника стихосложения (использование диссонансов и т.п.). Интеллектуальная сложность при внутренней смятенности и драматизме чувства определила отказ от социальной проблематики и элитарность этой поэзии. После революции в эпоху Реставрации в английской литературе сосуществуют и барокко, и классицизм, нередко в творчестве отдельных авторов сочетаются элементы обеих художественных систем. Это характерно, например, для важнейшего произведения крупнейшего из английских поэтов 17 в. – Потерянного рая Дж.Мильтона. Эпическая поэма Потерянный рай (1667) отличалась невиданной для литературы эпохи грандиозностью и во времени, и в пространстве, а образ Сатаны – бунтовщика против установленного миропорядка характеризовался исполинской страстностью, непокорностью и гордостью. Подчеркнутый драматизм, необычайная эмоциональная выразительность, аллегоризм поэмы, динамизм, широкое использование контрастов и противопоставлений – все эти черты Потерянного рая приближали поэму к барокко.

Литература барокко создала свою эстетическую и литературную теорию, которая обобщала уже имевшийся художественный опыт. Наиболее известны сочинения Б.Грасиана Остроумие или искусство изощренного ума (1642) и Подзорная труба Аристотеля Э.Тезауро (1655). В последнем, в частности, отмечается исключительная роль метафоры, театральность и яркость, символичность, способность сочетать полярные явления.

Ирина Эльфонд

«Эпоха барокко»

24 Октября в 18:00

В музыкально-театральной гостиной «Дома Гоголя» продолжается цикл лекций историка Юрия Марковича Вахтеля. Очередная встреча лектора со слушателями состоится 24 октября 2017 года в 18:00 и будет посвящена эпохе барокко.

Данная лекция будет посвящена барокко (дословно «жемчужина с пороком»), как новому мироощущению европейцев и художественному стилю в искусстве, выразившему это ощущение в период заката эпохи Возрождения.

Тридцатилетняя война (1618–1648), Контрреформация, голод и эпидемии опустошающие европейские города привели к изменению отношения человека к миру. Культ античности и идеалы эпохи Возрождения теряют свою власть над человеческими умами. На первом месте в системе ценностей человека эпохи барокко становится не разум, а бурная страсть, любовь к огромным чувствам, к экзальтации, к быстрому, изменчивому и блестящему. Барокко воспринимает мир как театр, отсюда пышная декоративность орнамента, демонстративность в стиле жизни и в искусстве.

Ведущими видами искусства барокко являются архитектура и живопись. Архитектура барокко — это архитектура дворцов и соборов периода абсолютной монархии. Главной постройкой этого стиля можно назвать Собор Святого Петра Микеланджело — последнего художника Возрождения и первого мастера нового стиля. Барокко открывает архитектуру как пространство города, улицы, площади, в этот период создаются ансамбли центра города во всех столицах Европы, включая Дворцовую площадь Санкт-Петербурга.

В живописи барокко идёт борьба света и тени (Караваджо) или бурное проявление чувственности (Рубенс), но всегда это столкновение мира сверхчувственного и реального. В России барокко не имеет трагического оттенка, оно радостное и жизнеутверждающее, какое и должно быть юное национальное искусство.

Лекция будет сопровождается обширным наглядно-иллюстративный материалом.

ВХОД ПО БИЛЕТАМ

ВОЗРАСТНОЕ ОГРАНИЧЕНИЕ: 12+

К списку лекций

Эстетика и стиль эпохи барокко

Государственное образовательное учреждение

высшего профессионального образования

Московский Государственный Университет

имени М. В. Ломоносова

Факультет искусств

Кафедра музыкального искусства

Курсовая работа на тему:

«Эстетика эпохи барокко»

Москва 2016

Оглавление

У. С. Моэм писал: «Барокко – трагичный, массивный, мистический стиль. Оно стихийно. Оно требует глубины и прозрения». Барокко – один из господствующих стилей европейского искусства конца XVI – середины XIII вв. Барокко зародилось в эпоху Позднего Возрождения в итальянских городах: Риме, Венеции, Флореции.

В современной музыкальной культуре очень значимо наследие эпохи барокко. Все чаще на конкурсах и фестивалях звучат произведения не только великих композиторов эпохи барокко – И. С. Баха, Г. Ф. Генделя, но и менее известных композиторов, таких как Р. Броски, Л. Винчи, Н. Порпоры. Этим определяется актуальность изучения эпохи барокко.

Основной целью работы является изучение барочной эстетики, а именно рассмотрение истории барокко, причин его возникновения, основных принципов, а также примеров воплощения эстетики барокко в различных искусствах (преимущественно в музыке).

Теоретической основой исследования послужили работы кандидата искусствоведения Е. В. Кругловой, музыковеда и специалиста по музыке европейского барокко М. Лобановой, профессора и доктора искусствоведения Э. Симоновой и пр. В процессе исследования были применены следующие методы: описание музыки эпохи барокко, анализ процесса адаптации барочной вокальной традиции в современном исполнительстве, синтез всех полученных сведений для составления наиболее полной картины эстетики барокко.

Барокко – это обозначение не только эпохи, но и художественного стиля, господствующего в культуре Европы в период с начала XVII века до 30-х гг. XVIII в. Барокко – эпоха нестабильности, «рассогласования», дисбаланса всех общественных сил, когда между властью и народом, между государством и церковью больше не наблюдалось необходимого согласия.

Сам термин появился позже, чем направление в искусстве. Ученые рассматривают несколько версий происхождения термина «барокко»:

1) baruecco (итал.) – жемчужина неправильной формы. Слово являлось жаргонизмом и использовалось португальскими моряками. Позже вошло в язык как синоним к словам «грубый», «фальшивый», «неуклюжий».

2) baroco – один из терминов в логике, форма силлогизма;

3) baroquer (франц.) – слово использовалось ювелирами и переводилось, как «смягчать контур», «делать форму мягкой».

В XVIII веке слово «барокко» приобретает отрицательную коннотацию и начинает обозначать все грубое, некрасивое и неуклюжее. Данное понятие было введено в язык критиком Теофилем Готье. Сначала слово «барокко» использовалось для характеристики упадка культуры, ее завершения, но позже слово стало применяться намного чаще в качестве насмешки.

В XIX веке термин теряет негативную оценку и начинает применяться для характеристики скульптуры, живописи, литературы и музыки. Х. Вёльфлин впервые вводит слово «барокко» для характеристики культурного направления и определяет барокко как самую высокую, критическую стадию развития художественного стиля (архаика – классика – барокко).

Теоретик искусства М. Дворжак, напротив, видел в стиле барокко порождение Маньеризма, но при этом рассматривал этот период как более высокую ступень развития по сравнению с Классицизмом.

В настоящее время термин «барокко» очень распространен в области литературоведения и искусствоведения, хотя понятие остается довольно широким. Так, с одной стороны, оно обозначает художественный стиль в искусстве XVII – XVIII вв., критические стадии развития других стилей, беспокойное мироощущение. В культурологии отмечаются также такие стили, как «необарокко», «второе барокко», «ультрабарокко».

С конца XVI века до начала XVIII века Западная Европа переживала один из наиболее значимых и переломных периодов истории: феодализм с его патриархальным духом и упорядоченным укладом жизни уступал место буржуазной эпохе, которая принесла индустриальную революцию и культ «золотого тельца». Начали складываться национальные государства – Италия, Англия, Германия, Франция.

В связи с тем, что раньше народ угнетали многочисленные войны и свирепство католической церкви, эпоха Возрождения, несмотря на непомерные амбиции маленьких феодалов и всеобщий авантюризм, воспринималась теперь как «золотой век». В воздухе царила атмосфера неустроенности и постоянных перемен. Казалось, что всесильный Бог, которому люди доверяли безгранично, от них отвернулся. Огромная эпоха, объединяющая Средние века и Ренессанс, канула в лету и унесла с собой ведущую тему всех искусств – тему Господа Бога. Наступило Новое время.

Барокко зародилось в Италии во время кризиса ренессанса. Несмотря на то, что в этот период Италия не занимает господствующее положение с точки зрения экономического и политического развития, становится полуколонией, Рим остается центром культуры. Именно там и начинает зарождаться новый стиль, целью которого стало прославление католической церкви, создание иллюзии могущества, богатства, возвышение итальянской знати. Эпоха барокко вступает в противоречие со всеми прежними традициями и ищет новые принципы и авторитеты. Барокко очень быстро распространяется по всей Европе, где основными социальными слоями становятся аристократия, буржуазия и крестьянство.

Идеологической основой распространения нового стиля стало общее ослабление духовной культуры, раскол церкви из-за падения ее авторитета и борьбы учений. В тоже время начинают развиваться науки – оптика, физика, география.

С наступлением Нового времени произошел огромный переворот в художественной жизни, которого еще не знала история. Несмотря на то, что Средневековье и Возрождение были совершенно разными эпохами, общей темой стала тема Бога, величие которой каждая из эпох выражала по-своему. В эпоху барокко окружающий мир казался наполненным контрастами, противоречиями, изменились представления о пространстве и времени, на первое место вышла тема Человека, поэтому уже нельзя было творить, опираясь на каноны «строгого письма». На смену жизнерадостным и лучезарным краскам должны были прийти напряженные и резкие тона барокко.

На протяжении всей эпохи Возрождения искусство повествовало от лица неопределенного «мы». В эпоху барокко незримым автором высказывания стала Личность. В культуре воцаряется новая тема – тема Человека. На смену «универсальному» человеку эпохи Возрождения пришел человек с совершенно иным мироощущением: он был раздираем всевозможными противоречиями – между духом и плотью, смертью и фортуной. Для человека снова открылся смысл земного пути: он отрывает взгляд от мира небесного и обращается к миру земному. Очень точно передано мироощущение человека в следующих строках:

Зову я смерть, мне видеть невтерпёж

Достоинство, что просит подаянья,

Над простотой глумящуюся ложь,

Убожество в роскошном одеянье...1

В эпоху барокко на сцену выходит трагический герой, он бросает вызов всем стихиям – земным и небесным, он обращается к небесам: «Бог, если ты есть, то как терпишь все это?». Музыкальное искусство стремилось передать все страсти человеческие в их контрастах и многообразии, а потому выбирало мелодическое одноголосие, а не хоровую полифонию. Музыка становится трагичной, она словно отталкивает безмятежную ясность эпохи Возрождения. Многие композиторы начинают обращаться к жанру арии, чтобы излить печаль исстрадавшегося сердца. Но, несмотря на все душевные терзания, музыка пропитана Верой, в ней нет безнадежности. Это к нему, к Господу, устремлены трагические вопросы, это он, Всевышний, должен рассеять сомнения, поддержать в жизненных испытаниях.2 Таков по содержанию и настроению «Псалом Давида» на библейские стихи композитора XVII века Генриха Шютца. И чудо происходит: человек, который был разочарован несовершенством мира, но был силен духом, наконец, обретает душевный покой и радость. Но теперь ему приходится искать их в сомнениях, размышлениях и тяжелой борьбе – душевный покой и радость больше не посылаются Богом.

Мир в эпоху барокко представлялся как четко разделенный по вертикали на три сферы: небо-земля-ад, а человек оказывался странником, пилигримом. С. А. Гудимова писала: «Картина мира в эпоху барокко представала как христианский космос; мир – макрокосм был театром, на сцене которого выступал человек – микрокосм, обживая этот безграничный мир, повторяя его строение3».

Идеи природной Гармонии, которые вдохновляли Ренессанс, с приходом Нового времени отошли на второй план. Связь времен порвалась и девизом эпохи барокко стало Противоречие, которое проявлялось во всем. Наиболее значимым было противоречие рационального и эмоционального, разума и чувств. Страсть и холодный расчет словно спорили друг с другом и желали занять господствующее положение в культуре эпохи. Этот «спор» еще более подчеркивал причудливый характер данной эпохи, которая ни в чем не знала меры. Страсть барокко была безгранична: радость неизменно оборачивалась ликованием, а печаль – скорбью. Томас Кэрью очень точно передал это тяготение к гиперболе в своем стихотворении «Нестерпимость к обыденному»:

Дай мне любви, презренья дай,

Дай насладиться полнотой.

Мне надо жизни через край –

В любви невыносим покой!

Огонь и лед – одно из двух!

Чрезмерное волнует дух.

Пускай любовь сойдет с небес,

Как сквозь гранит златым дождем

К Данае проникал Зевес!

Пусть грянет ненависть, как гром,

Разрушив все, что мне дано.

Эдем и ад – из двух одно.

О, дай упиться полнотой –

Душе невыносим покой. 4

Тяга к преувеличению проявилась в эпоху барокко на разных уровнях и в разных видах искусства: излишняя эмоциональная наполненность, стремление освободиться от рамок привычного характерны и для музыки, и для живописи, и для архитектуры. Барочные формы стремятся к асимметрии, избыточной детализации, изобилию.

Так как эпоха была наполнена противоречиями, то наравне с эмоциями и чувствами в эпоху барокко был заметен рационализм. С особенной силой он проявился в музыкальном искусстве, когда различные стороны и аспекты музыкального целого как будто соответствовали противоположным направлениям: «звуковое тело» музыки – мелодии и сочетания звуков – тяготеют к взволнованности, проявлению эмоций, в то время как накал страстей уравновешен ясной структурной организацией целого и ритмической дисциплиной. Противоречие эмоционального и рационального в культуре барокко приобретало новую грань, дополнялось противоречиями индивидуального и риторического, что отразилось в стихотворении Джироламо Фонтанелло «Воображаемая любовь»:

Я говорю и словом, и пером

О молниях очей, не зная грома.

Я слезы лью, но это лишь прием,

И в горле ком – и никакого кома.

Индивидуализация в художественной речи барокко возникала оттого, что общеизвестные приемы письма, формы и сюжеты каждый раз использовались в разном контексте, потому автор мог их трактовать по-разному.

Эпоха барокко творила свою аллегорическую мифологию. Мифологическими фигурами выступали не только Надежда, Милосердие, Вера, Утешение, Церковь, Любовь, но и острова, страны света, города. Такие аллегорические фигуры выступали как носители отвлеченных понятий и олицетворяли явления и силы природы. Античные божества вошли в сложную систему символов и аллегорий, обросли новыми атрибутами. Именно поэтому одним из главенствующих жанров эпохи барокко стал жанр эмблемы.

С открытием гомофонного склада также выделились в качестве ведущих мажор и минор, так как печаль и радость лишь сейчас потребовали музыкального выражения. В эпоху барокко было сделано еще одно открытие – ладового тяготения, пытающегося передать с помощью сложных связей и тонов неощутимый процесс возникновения и разрешения душевных переживаний. Открытия мажора и минора как двух противоположных начал в музыке и открытие ладового тяготения позволили музыке перейти от погружения в природную гармонию к изображению вселенских страстей, или, как их тогда называли, аффектов.

С приходом новой эпохи также и ритмическая сторона претерпела изменения. С начала Средневековья и до конца Возрождения время казалось чем-то застывшим, статичным, вечным. В эпоху барокко с приходом темы Человека, изменилось и понятие времени – «вечное и бесконечное время Господа Бога превратилось в конечное время человеческой жизни». Представление о пространстве, которое движется, и времени, стремящемся вперед, стало основополагающим. Начали цениться каждые уходящие минуты, мгновения, которые неизбежно приближали конец земного бытия. Это нашло отражение и в музыке: условной единицей музыкального ритма стала не длинная, а короткая нота. Музыкальная речь в это время начала делиться на равновеликие такты, стала акцентированной.

В связи с желанием выразить все богатство и многообразие души появились новые музыкальные жанры и формы. Начало этого процесса было отмечено рождением оперы в начале 17го века. Также возникли «опероподобные» духовые жанры – кантата и оратория. Инструментальная музыка приобрела самостоятельное значение. Родились новые жанры и формы: прелюдия и фуга, инструментальный концерт, танцевальные сюиты. Произведение, в котором элементы взаимно отражали друг друга, в эпоху барокко считалось целостным и совершенным. Данный критерий оценки произведений искусства был связан с представлением эпохи барокко о взаимозависимости элементов мира, о неразрывной связи всего сущего.

Музыкальная культура барокко сочетает разнообразные исторические планы: антично-средневековые принципы переплетаются с идеями модернистскими, которые были выдвинуты теоретиками «нового искусства». Само слово «музыка» в эпоху барокко было очень многозначно, границы между понятиями оказались настолько размыты, что термин «музыка» часто совпадает с понятием «стиль».

В эпоху барокко существовало убеждение, что музыка подражает миру. Это происходило из-за строгой иерархии, которая соединяла макро- и микрокосмос, «человеческую» и «мировую» музыку. Многие ученые эпохи барокко считали, что малый мир человека – это миниатюрная реплика мироздания, его уменьшенное повторение, в то время как земная музыка – это зеркало, отражающее «большой мир». Противостоит музыке земной музыка небесная, совершенная. Небесная гармония недостижима для любого композитора. Ни один человек не может достигнуть этой цели в земном обличии. Немецкие композиторы эпохи барокко были уверены, что существует «небесная капелла», где музицируют ангелы и святые.

Также очень значимой была идея универсальной музыкальной гармонии. Так, Г. В. Лейбниц писал: «Музыка – имитация универсальной гармонии, которую Бог придал миру». Интерес представляет и высказывание И. Липпиуса: «Гармония прекрасна в триедином Боге, первообразе, источнике всего, в сочетаниях, в метеорах, металлах, камнях, растениях – в одном и во всем, среди вся, от всего просто изумительна гармония, как то: в самой метафизике, физике, арифметике, геометрии, музыке, астрономии, географии, оптике, механике…». Ученый ставит в один ряд такие разные науки, как музыка, арифметика, астрономия не случайно, так как они составляют «квадривий», а музыка как его часть рассматривалась как точная наука, учение о носителях и гарантах гармонии. Эта же идея нашла отражение и в учении И. Г. Вальтера, который рассматривал гармонию как пропорциональное и исчисленное явление. «Автономия музыки», по И. Г. Вальтеру, это «природная последовательность созвучий», «гармонические числа, установленные демиургом», – 1, 2, 3, 4, 5, 6 и 8. Этому же закону соответствует человек, «гармонически пропорциональное создание», который понимает космос с точки зрения числа. Если композитор отражает в своих сочинениях подобную «автономию музыки», то они становятся отражением «божественного порядка и предвкушением небесной гармонии». Только следование числу и гармонии обеспечивает место в «небесной капелле»5. Многие стремились достичь такой гармонии. Так, Роберт Флуд создал трактат «Мировой монохорд» (1617 – 1618), в котором запечатлел полное соответствие между сверхприродными космическими сферами, музыкальными пропорциями и звукорядом. Гармоническая связь музыки и универсума изображена и на титульном листе I части «Маленьких духовных концертов» Г. Шютца: Гармония, держащая в руках окрыленное человеческое сердце (эмблематический образ дущи) указывает на музыку, творимую «небесной капеллой», уравновешенная Мерой, она составляет основу истинной композиции.

В эпоху барокко весь мир воспринимался как единство, которому были подчинены множество и разнообразие. От эпохи Средневековья в барочную музыкальную эстетику пришло теологическое объяснение единства: «единство сравнимо лишь с Богом», «гармония – это единство». Эта идея была реализована и на практике. По мнению ученых и теоретиков эпохи барокко, музыка обязана выражать идею единства. Одним из способов ее выражения был унисон. Данный прием многократно применял в своих сочинениях И. С. Бах. Существует его собственноручная запись, которая относится к 1725 году, где он рассуждает об окончании на одном звуке: «В конце будет виден один звук. Символ. Все хорошо, когда един конец». Унисон оказывается «единицей» - геометрической точкой, центром круга: «Унисон есть то же в музыке, что monas (греч.) или unitas (лат.) в арифметике, центр в круге».6 Круг или сфера являлись символами вечности, божественного начала, совершенсва, христианской добродетели, которая неразрывно связана со вселенской церковью. Частое изображение круга в музыкальных композициях эпохи барокко было не случайным. Круг олицетворял завершение, окончание произведения, предел выстроенного музыкального космоса.

В эпоху барокко было совершено открытие, которое перевернуло все представление о культуре и привело к тому, что гармоническое восприятие мира стало иным: основным свойством универсума стал считаться пафос. По убеждения сторонников «musica pathetica», она отражает пафос мира, ярким образцом которого является рассказ евангелиста в «страстях по Матфею» Баха о космическом отклике на смерти Иисуса.

Пафос является универсальным принципом, который своим действием охватывает мир: «в волнении души видится отражение волнения мира». Целью музыканта становится улучшение, изменение, возбуждение и успокоение движений чувств. Бах утверждал, что между музыкой и душевным движением существует глубокая внутренняя связь.

Особо популярным было изображение темпераментов музыки. Кирхер сравнивает музыку и темпераменты, которые соответствуют природным элементам: холерический – огню, сангвинический – воздуху, флегматический – воде, меланхолический – земле. Примеры этого мы можем найти в произведениях К.Ф. Э. Баха (струнная Трио-соната c-moll «Разговор сангвиника с меланхоликом»), И. Штрауса-сына (Вальс «Сангвиники»), В. Успенского (Трио для скрипки, тромбона и фортепиано «Темпераменты») и пр.

Одним из важнейших достижений эпохи барокко является создание теории аффектов. О. Шушкова писала7: «Преимущественная ориентация музыки на человека неизменно приводила к постановке вопроса о ее содержании. Теория аффектов – один из путей к всеобщей понятности музыки, поскольку аффект был и ее целью, и ее содержанием».

В связи с тем, что музыканты начинают обращаться к человеческим эмоциям и страстям, появляются новые измерения в музыке. Музыкальные произведения связываются с аффектами.

С возникновением категорий пафоса и теорий аффектов перед музыкой появляются новые задачи, а также пересматриваются цели композиции. В эпоху барокко музыка служит выражению человеческих страстей. «В каждой мелодии мы должны ставить себе целью какое-нибудь движение души8» - эта мысль Маттезона стала общепринятой.

Выражение аффектов в разных странах было связано с различными эстетическими принципами. Изображение человека, движимого страстями, в Италии ориентировалось на «pansophia». Кампанелла уподоблял речь магическому инструменту. В Германии аффект был связан с наукой, о чем много размышлял Шютц. Он интересовался страстями, аффектами, которые были открыты в эпоху барокко искусством. По мнению Шютца, аффект, душевное движение и наука составляют единое целое: «Наука музыки движет душой9». У Бернхарда аффект связан с музыкальными риторическими фигурами, так как он понимал музыку как риторическое учение. Веркмайстер писал о числовой основе в изображении аффекта. В Германии также разрабатывается особая теория воздействия музыки на слушателя. Изображения аффектов контролируются рассудком. Musicus poeticus должна верно определить объекты изображения, средства, с помощью которых передается аффект, вызвать вполне регламентированную реакцию слушателя. Для композитора становится главным не передача своих собственных эмоций, а внушение. Он рассчитывает на эмоциональный отклик. В этом случае музыка и поэзия согласуются, основным для них является воздействие, а не самовыражение.

Теория аффектов имела длительную предысторию, опиралась на авторитеты. Аффекты казались идеализированными: по мнению Аристотеля, с которым соглашались и другие ученые, человек должен изображаться не таким, каков он есть, а таким, каким он должен быть.

В теории различались главные и второстепенные аффекты. Монтеверди выделил три основных аффекта: гнев, уверенность и смирение, или мольбу. Эту схему считали верной на протяжении всей эпохи. Другие теоретики выделяли также аффект любви, печали (или сострадания), слез, стенания или плача, радости или веселья и ликования. Некоторые говорили также об аффектах удивления, упорства и отваги, страха и терзания, отчаяния, неверности и пр.

В эпоху барокко разрабатывается строгий канон изображения и передачи аффекта. Так, с аффектом радости связывалась «совершенная гармоническая триада»: лидийский, миксолидийский, гипоионийский лады. Данный аффект основывался на понятии благого. Его репрезентация подразумевала малое число диссонансов, запрет на их свободное применение, а также на увеличенные и уменьшенные интервалы. Терция ,кварта, квинта, фигура «saltus» считались радостными. Движение должно было быть практически без синкоп, а размер – трехдольным («tempus perfectum»). Мотеты И.С. Баха «Singet dem Herren», «Der Geist hilft», начало его Рождественской оратории являются примера музыкальной репрезентации аффекта радости.

Аффекту любви соответствовали «слабые» интервалы, синкопы, диссонансы, спокойное и мягкое движение, резкие «клаузуры». При передаче аффекта любви важно было избегать тритонов, уменьшенных интервалов, которые нарушали присущую аффекту «усталость». Аффект любви схож с аффектом печали, поэтому словесный текст должен был иметь скорбный характер.

По мнению Кирхера, аффект печали выражает грусть, внутреннюю скорбь, жалобу. Выразить данный аффект помогают жесткие интервалы, диссонансы, хроматика, секстаккорды, нарушение гармонических связей. Подобали аффекту печали также медленное движение, резкие синкопы, эмфазы. Ученые предписывают аффекту печали такие лады, как:

  • дорийский,

  • фригийский,

  • эолийский.

Аффект жалобы изображался с помощью широких интервалов (квинты, сексты, септимы) – по Кирхеру, они «еще не оформлены в страдании10». Остальные средства передачи аффекта жалобы сходны с передачей аффекта печали.

Между аффектами и ладами существовал особая система соответствий. По традициям школы Габриели, которые унаследовал Шютц, фригийский лад выражает скорбь, эолийский (а также дорийский лад, по мнению Шютца) способен вызывать слезы, ионийский и лидийский лады соответствовали «ликующим, бурным и резвым высказываниям11», таким представлялся и миксолидийский лад – Бернхард называл его «сдержанным и радостным».

Неаполитанская опера выработала конкретную типизацию тональностей в зависимости от аффекта. Так, месть выражал – d-moll, бравурность и героику – D-dur, жалобу – g-moll, пастораль – G-dur, любовные чувства А-dur. Для демонических сцен использовали c-moll, fis-moll.

Выработанный в рамках музыки барокко канон выразительных средств, который передавал тот или иной аффект, оказался очень устойчивым. На нем воспитывались композиторы, в первую очередь – оперные.

И. Сусидко отмечает, что наиболее значимым с развитием музыки, в основе которой лежит теория аффектов, являлось сочетание декламационного начала с собственно музыкальным. На основе поэтического образа была создана специфическая музыкальная выразительность, или музыкальная типизация аффекта.

Искусство риторики было особенно популярно в эпоху барокко, именно оно способствовало появлению и развитию особых приемов музыкального интонирования. Так была сформирована музыкальная риторика, основной задачей которой было услаждать и волновать слушателя и от которой полностью зависело воплощение того или иного аффекта в музыке. Именно музыкальная риторика стала основой для организации творческого процесса в искусстве XVII века. И. Шейбе указывал: «Фигуры придают наибольшую экспрессию музыкальному стилю и сообщают ему необыкновенную силу. Именно фигуры являются языком аффекта»12. Музыкально-риторические фигуры составляли часть барочной эмблематики. Как отмечает Булычева, в конце XVII века «…главенствующее положение занимали фигуры слова, появление которых было мотивировано содержанием текста, точнее, наличием в нем определенных ключевых слов, репрезентирующих важное для данного стиля явление, понятие или идею. Музыкально-риторические фигуры такого рода подчеркивали слова текста, несущие важную смысловую нагрузку, репрезентировали тот или иной аффект или же имели изобразительный характер»13.

В немецкой теории проблема музыкальной риторики была очень актуальна и тщательно разрабатывалась, а в Италии, напротив, не получила научного обоснования. Но, несмотря на это, нельзя полностью отрицать ее влияние на особенности тематики и формы в опере. По меньшей мере, многие приемы схожи с теми, которые были выработаны риторикой. Например, прием «украшение» - выделение при помощи колоратуры или фиоритуры слова, которое наделено особым смысловым и эмоциональным значением. «L´onde» (волна), «un dolore» (боль), «l´ombra» (тень), «guerriera» (воинственная), «spietato» (жестокий) – слова, которые были очень любимы композиторами, особенно если в них встречались гласные «о» и «а», наиболее удобные для распева. По мнению И. Сусидко, такое отношение к конкретным словам восходит к «elocutio» - одному из разделов риторики, который посвящен украшению и произнесению речи.

Через Кирхера, Мерсенна, Декарта и др. теория аффектов была передана в наследие музыкальной науке XVIII века. Однако уже в начале этого столетия учение об аффектах подверглось критике некоторых ученых-практиков. «Новая» музыка потребовала переосмысления старых традиций и старого учения. Важным оказались систематизация и классификация типов аффектов, рассмотрение способов их реализации в музыке.

Так, принцип одноаффектности (доминирования одного и того же аффекта на протяжении всего произведения) постепенно изменяется. К середине XVIII века возникают новые требования. Значимыми становятся разнообразие и смена аффектов, переход из одного состояния в другое. Несмотря на это, в теории аффектов XVIII столетия ярко выражается тенденция подчинения побочного аффекта главному. В результате чего, по мнению О. Шушковой, «…музыкальная теория середины XVIII в. сохранила одно из ценнейших свойств барочной теории аффектов, а именно формообразующую и объединяющую роль ее одноаффектности»14.

Дальнейшим развитием учения об аффектах занимались известные немецкие и итальянские музыканты – Л. Моцарт, И. Кванц, Дж. Риккати, Ф. Марпурга, Д.-Г. Тюрка, К.Ф.Э. Бах и др.

В позднем барокко важным становится не изображение аффекта, а изображение определенных свойств черт характера. «Принцип изображения» и «принцип подражания» в 1730-50ых годах сменяется «принципом выражения», связанным с непосредственной передачей субъективного переживания.

Опера появилась на рубеже XVI и XVII вв. в Италии и быстро заняла лидирующее положение в музыке.

Толчком к рождению оперы послужил многоголосный мадригал: впервые для композитора стало важно слово, он хотел донести до слушателя его выразительный смысл и красоту.

В сознании музыкантов эпохи барокко одноголосная ария заменила полифонический мадригал, однако и в том, и в другом случае целью композитора было выразительное прочтение текста с помощью музыки.

Еще одной причиной возникновения оперного жанра стало соединение музыкального и сценического действия, что тоже берет начало в искусстве эпохи Возрождения. Условия для соединения музыки, слова и сценического действия появились очень скоро: как только во Флоренции в конце XVI в. образовался кружок просвещенных аристократов, художников и музыкантов – «Камерата» - образ оперы, словно витавший в воздухе, воплотился в жизнь. Главой кружка стал граф Барди, который вместе со своими единомышленниками захотел возродить античный театр. Однако в то время сведений о нем было очень мало: сохранились лишь некоторые тексты, также не было информации о музыкальном оформлении спектаклей. Недостающие сведения пришлось восполнить с помощью воображения. Композитор Пери, автор первой дошедшей до нас оперы «Эвридика», которая была создана в 1600 году, пишет: «…можно понять, что речь идет о драматической поэзии, где, однако, пение должно заменить речь. Это было тем более трудно, что мы, конечно, в жизни никогда не употребляли пение вместо речи. Но я знал, что, по мнению многих, греки и римляне пели на сцене целые трагедии». Так появилась новаторская мысль в основе нового жанра – оперы: композитор осмелился заменить речь пением.

Создатели первых опер, возрождая трагедию античности, хотели в наибольшей степени придерживаться подлинника. Музыка должна была играть второстепенную роль, позволять слушателю пережить те события, о которых рассказывается в поэтическом тексте. Само собой разумеется, в основу сюжетов первых опер легли античные мифы.

В опере «Эвридика» композитор был вынужден принести себя в жертву поэзии: музыка произведения представляла собой только мелодекламацию на фоне аккордов итальянской разновидности клавесина – чембало. Лишь редкие реплики хора прерывали горестную речь певцов, рассказывающих о несчастной судьбе Эвридики и ее возлюбленного Орфея. Но, тем не менее, первый шаг был сделан: союз музыкального и сценического действия, музыки и слова был заключен.

Архитектуру барокко характеризуют текучесть сложных форм (чаще криволинейных), слитность, пространственный размах. Очень часто постройки украшаются многочисленными элементами: изобилие скульптуры на фасадах, волюты, колонны, пилястры. Одним из известнейших представителей в архитектуре Италии является Карло Мадерна. В 1603 году он закончил свое главное творение – фасад церкви Санта-Сусанна.

Также значительный вклад в развитие архитектуры Италии внесли и другие скульпторы эпохи барокко: Г. Гварини, Л. Бернини, П. Кортона, Р. Райнальди и др. Стиль барокко распространяется и в архитектуре других стран: в Испании, Германии, Фландрии, Нидерландах, России, Франции.

В Испании самым известным памятником барокко является собор в Сантьяго-де-Компостела.

Архитектурное барокко Испании получило название "чурригиреско" (в честь архитектора Хосе Чуригеры) и распространилось также в Латинскую Америку, где смешалось с национальными архитектурными традициями, в результате чего появился самый вычурный тип Барокко – ультрабароккко.

Во Франции стиль барокко представлен не так ярко. К произведениям эпохи барокко во Франции обычно относят Версальский дворец, Здание Французской академии наук, Люксембургский дворец и др. Отличительной чертой французского барокко является своеобразный стиль садово-паркового искусства. Позже барокко во Франции переходит в стиль рококо, впоследствии распространившийся по всей Европе.

Во Фландрии архитектуру эпохи барокко представляют ансамбль Гранд-Плас в Брюсселе, а также дом Рубенса в Антверпене.

В Германии к самым известным памятникам эпохи барокко относят Новый и Летний дворцы в Сан-Суси.

В России барокко появляется в XVII веке, развивается в эпоху Петра (строительство Санкт-Петербурга) и расцветает при Елизавете Петровне. Главные архитекторы, с которыми связано развитие архитектурного барокко в России, − Б. Растрелли, Д. Трезини и С. Чевакинский. Самое значимое произведение – Петергоф.

В целом, барокко как архитектурный стиль зародился еще в XVI веке (где ассоциируется с именем Микеланджело) и завершился в конце XVIII века. Архитектурное барокко получило значительное распространение в Италии, Франции, Германии, Фландрии, Испании и России.

Что касается литературы эпохи барокко, то основными ее чертами являются внимание к теме непостоянства, бренности, ночи и сна, сочетание аллегории и реальности. Писатели эпохи барокко воспринимали реальный мир как сон или своего рода иллюзию и очень часто использовали антитезы, метафоры, стремились к разнообразию языка, вычурности.

Основными жанрами барочной литературы являются сонет, сатирический роман, пастораль, кончетти, а наиболее яркими представителями – Г. Гриммельсгаузен (роман «Симплициссимус»), П. Кальдерон («Жизнь есть сон»), Д. Марино (поэма «Адонис», мадригалы), Луис де Гонгора-и-Арготе (цикл «Поэмы уединения»), В. Вуатюр (стихи), Ф. Прокопович, С. Полоцкий (проповеди, стихи).

Стиль барокко в живописи отличает динамизм композиций, аристократичность, оригинальность сюжетов, главные черты – цветистость и динамичность.

В Италии живопись барокко представляют такие мастера, как Микеланджело Меризи, Андреа дель Поццо, братья Карраччи. Из школ барокко в Италии наиболее известной является венецианская. Картины писались обычно на религиозные темы.

Французское барокко в живописи представляют работы мастера Иасента Риго, а также его последователей Симона Вуэ и Шарля Лебрена. Характерной чертой их творчества являются парадные портреты.

В Испании наиболее яркими представителями барокко в живописи являются Веласкес и Эль Греко. Отличительными особенностями испанской живописи называют декоративность, противопоставление реального и идеального, смешного и возвышенного, капризность, ирреальность, что нашло яркое выражение в работах Эль Греко. Веласкес прославился как мастер характерологического портрета.

Фламандское барокко в живописи ориентировалось не на чувства зрителя, а на их рациональное и спокойное отношение к жизни. Расцвет стиля барокко приходится на первую половину XVII века и представлен творчеством Рубенса и Ван Дейка.

Литература барокко, как и все движение, отличается тенденцией к сложности форм и стремлением к величавости и пышности. В барочной литературе осмысляется дисгармония мира и человека, их трагическое противостояние, как и внутренние борения в душе отдельного человека. В силу этого видение мира и человека чаще всего пессимистично. Вместе с тем барокко в целом и его литературу в частности пронизывает вера в реальность духовного начала, величие Бога.

Преувеличенная аффектированность, крайняя экзальтация чувств, стремление познать запредельное, элементы фантастики – все это причудливо сплетается в мироощущении и художественной практике. Мир в понимании художников эпохи – разорван и беспорядочен, человек – всего лишь жалкая игрушка в руках недоступных сил, его жизнь – цепь случайностей и уже в силу этого представляет собой хаос. А потому мир пребывает в состоянии неустойчивости, ему присуще имманентное состояние перемен, а закономерности его трудноуловимы, если вообще постижимы.

Художественное творчество тяготело к монументальности, в нем сильно выражено не только трагическое начало, но также религиозные мотивы, темы смерти и обреченности. Многим художникам были присущи сомнения, ощущение бренности бытия и скепсис. Характерны рассуждения о том, что загробное бытие предпочтительнее страданиям на грешной земле.

Вместе с тем в барокко, и прежде всего в литературе, отчетливо проявились различные стилевые тенденции, и отдельные течения достаточно далеко расходились. Переосмысление в новейшем литературоведении характера литературы барокко (как и самой культуры барокко) привело к тому, что в нем выделяется две основных стилевых линии. Прежде всего, в литературе возникает аристократическое барокко, в котором проявилась тенденция к элитарности, к созданию произведений для «избранных». Было и другое, демократическое, т.н. «низовое» барокко, в котором отразилось душевное потрясение широких масс населения в рассматриваемую эпоху. Именно в низовом барокко жизнь рисуется во всем ее трагическом противоречии, для данного течения характерна грубоватость и нередко обыгрывание низменных сюжетов и мотивов, что нередко приводило к пародии.

Особое значение приобретает описательность: художники стремились детально изобразить и изложить не только противоречия мира и человека, но и противоречивость самой человеческой природы и даже абстрактные идеи.

Представление об изменчивости мира породило необычайную экспрессивность художественных средств. Характерной чертой барочной литературы становится смешение жанров. Внутренняя противоречивость определила характер изображения мира: раскрывались его контрасты, взамен ренессансной гармонии появилась асимметрия. Подчеркнутая внимательность к душевному строю человека выявила такую черту, как экзальтация чувств, подчеркнутая выразительность, показ глубочайшего страдания. Для искусства и литературы барокко характерна предельная эмоциональная напряженность. Другим важным приемом становится динамика, которая вытекала из понимания изменчивости мира. Литература барокко не знает покоя и статики, мир и все его элементы меняются постоянно. Для нее барокко становится типичен страдающий герой, пребывающий в состоянии дисгармонии, мученик долга или чести, страдание оказывается едва ли не основным его свойством, появляется ощущение тщетности земной борьбы и ощущение обреченности: человек становится игрушкой в руках неведомых и недоступных его пониманию сил.

В литературе нередко можно встретить выражение страха перед судьбой и неизведанным, тревожное ожидание смерти, ощущение всевластия злобы и жестокости. Характерно выражение идеи существования божественного всеобщего закона, и людской произвол в конечном счете сдерживается его установлением. В силу этого меняется и драматический конфликт по сравнению с литературой Возрождения и маньеризма: он представляет собой не столько борьбу героя с окружающим миром, сколько попытку в столкновении с жизнью постичь божественные предначертания. Герой оказывается рефлектирующим, обращенным к своему собственному внутреннему миру.

Таким образом, барокко появилось в XVII веке, в Италии, на фоне кризиса идей ренессанса. Первой задачей нового стиля было создание иллюзии богатства и могущества, возвышение католической церкви и итальянской знати. Однако рассматривать эпоху барокко исключительно как время перехода от Возрождения к Просвещению неверно. Барокко представляет собой самостоятельную фазу в развитии искусства, и причинами ее появления являются не только экономические и политические проблемы Италии: новый стиль отражал настроения всего европейского общества.

Сущность эстетики барокко заключается в том, что в эту эпоху изменилось утвердившееся в античности представление о мире, как о разумном и постоянном единстве, а также ренессансное представление о человеке, как о разумнейшем существе. В эстетике барокко прекрасным иногда считалось то, что было безобразным, например, в эпоху ренессанса. Барокко начинает отвергать авторитеты и традиции не сами по себе, а как предрассудки, как отжившую субстанцию. Для барокко важны новые формы для познания прекрасного, окружающего мира, разума.

Сущность барокко отражает кризисную концепцию мира и личности, которая гуманистически ориентирована, однако социально пессимистична: в ней присутствуют сомнения в возможностях человека, ощущения тщетности бытия и обреченности добра на поражение в борьбе со злом. Основными чертами барокко являются повышенная эмоциональность, явный динамизм, эмоциональность, контрастность образов; большое значение придается иррациональным эффектам и элементам. Эти черты наиболее ярко проявились в архитектуре и скульптуре, музыке, литературе и искусстве в разных европейских странах.

  1. Багадуров В. Очерки по истории вокальной методологии. Ч. II. – М., 1932. – 320 с.

  2. Булычева А. Стиль и жанр опер Ж.Б. Люлли: Дис. канд. искусствоведения. – Спб., 1999. – 212 с.

  3. Виноградов М.А. Барокко - жемчужина неправильной культуры XVII века. М.: Эдельвейс, 1999. – 158 с.

  4. Владимирова С.А. Эстетика барокко: причины появления, происхождение термина. М.: Гардарика, 1994. – 203 с.

  5. Гудимова С.А. Музыкальная эстетика: Науч.-практ. пособие / РАН. ИНИОН. Центр гуманит. науч.-информ. исслед.; Отв. ред. Галинская И.Л. — М., 1999. — 283 с.

  6. Захарова О. Музыкальная риторика XVII – пер. пол. XVIII вв. // Проблемы музыкальной науки. – М., 1975. – Вып. 3. – С. 345 – 378.

  7. Захарова О. Риторика и западноевропейская музыка XVII – пер. пол. XVIII вв.: принципы, приемы. – М., 1983. – 77 с.

  8. Кирнарская Д. Классическая музыка для всех: Западноевропейская музыка от григорианского пения до Моцарта. – М.: СЛОВО/SLOVO, 1997 г. – 272 с.

  9. Круглова Е.В. Традиции барочного вокального искусства и современное исполнительство: Монография/РАМ им. Гнесиных. – М., 2008. – 213 с.

  10. Лобанова М. Западноевропейское музыкальное барокко: проблемы эстетики и поэтики. – М.: Музыка, 1994. – 320 с.

  11. Офицеров С.А. Диалогическая культура эпохи барокко – М.: Книжная лавка, 1997. – 206 с.

  12. Русское искусство барокко // Отв. ред. М.А. Алексеева - М.: Наука, 1970. – 250 с.

  13. Симонова Э. Искусство арии в итальянской опере барокко (от канцонетты к арии da capo): Дис. канд. искусствоведения. – М., 1997. – 186 с.

  14. Сусидко И. Опера seria: генезис и поэтика жанра: Дис. д-ра искусствоведения. – М., 2000. – 409 с.

  15. Шушкова О. Раннеклассическая музыка: эстетика, стилевые особенности, музыкальная форма. Автореф. дис. д-ра искусствоведения. – Новосибирск, 2002. – 43 с.

1 В. Шекспир. Сонеты в переводе С. Маршака. Отв. редактор: М. П. Николаева. – Астрель, 2012 г. – Сонет 66.

2 Кирнарская Д. Классическая музыка для всех: Западноевропейская музыка от григорианского пения до Моцарта. – М.: СЛОВО/SLOVO, 1997 г. – с. 67.

3 Гудимова С.А. Музыкальная эстетика: Науч.-практ. пособие / РАН. ИНИОН. Центр гуманит. науч.-информ. исслед.; Отв. ред. Галинская И.Л. — М., 1999. — с. 188.

4 Кирнарская Д. Классическая музыка для всех: Западноевропейская музыка от григорианского пения до Моцарта. – М.: СЛОВО/SLOVO, 1997 г. – с. 69.

5 Лобанова М. Западноевропейское музыкальное барокко: проблемы эстетики и поэтики. – М.: Музыка, 1994. – с. 127.

6 Лобанова М. Западноевропейское музыкальное барокко: проблемы эстетики и поэтики. – М.: Музыка, 1994. – с. 138.

7 Шушкова О. Раннеклассическая музыка: эстетика, стилевые особенности, музыкальная форма. Автореф. дис. д-ра искусствоведения. – Новосибирск, 2002. – с. 25.

8 Лобанова М. Западноевропейское музыкальное барокко: проблемы эстетики и поэтики. – М.: Музыка, 1994, стр. 57.

9 Лобанова М. Западноевропейское музыкальное барокко: проблемы эстетики и поэтики. – М.: Музыка, 1994, стр. 61.

10 Лобанова М. Западноевропейское музыкальное барокко: проблемы эстетики и поэтики. – М.: Музыка, 1994, стр. 73.

11 Лобанова М. Западноевропейское музыкальное барокко: проблемы эстетики и поэтики. – М.: Музыка, 1994, стр. 74.

12 Захарова О. Риторика и западноевропейская музыка XVII – пер. пол. XVIII вв.: принципы, приемы. – М., 1983, стр. 30.

13 Булычева А. Стиль и жанр опер Ж.Б. Люлли: Дис. канд. искусствоведения. – Спб., 1999, стр. 97.

14 Шушкова О. Раннеклассическая музыка: эстетика, стилевые особенности, музыкальная форма. Автореф. дис. д-ра искусствоведения. – Новосибирск, 2002, стр. 28.

Что такое музыка барокко? - Музыка барокко

Что такое «барокко» и когда было барокко?

Произведенный от португальского barroco , или «жемчужина необычной формы», термин «барокко» широко использовался с девятнадцатого века для описания периода западноевропейского музыкального искусства с 1600 по 1750 год. Шедевры деформированной жемчужины могут показаться нам сегодня странными, но для критиков девятнадцатого века, применявших этот термин, музыка эпохи Баха и Генделя казалась чрезмерно орнаментированной и преувеличенной.Слово «барокко», давно избавившееся от уничижительных коннотаций, теперь стало просто удобной ловушкой для одного из самых богатых и разнообразных периодов в истории музыки.

Помимо создания самой ранней европейской музыки, знакомой большинству из нас, включая «Канон» Пахельбеля и «Времена года » Вивальди, эпоха барокко также значительно расширила наши горизонты. Принятие теории Коперника XVI века о том, что планеты не вращаются вокруг Земли, сделало Вселенную намного больше, а работа Галилея помогла нам лучше познакомиться с космосом.Благодаря достижениям в области технологий, таким как изобретение телескопа, то, что считалось конечным, казалось бесконечным. Великие мыслители, такие как Декарт, Гоббс, Спиноза и Локк, занимались большими вопросами существования. Такие гении, как Рубенс, Рембрандт и Шекспир, предлагали уникальные перспективы через свое искусство. Европейские страны все больше и больше вовлекались во внешнюю торговлю и колонизацию, что привело нас к непосредственному контакту с частями земного шара, которые ранее были незнакомы. А рост нового среднего класса вдохнул жизнь в художественную культуру, которая долгое время зависела от прихотей церкви и двора.

В начало

Кто были крупнейшими композиторами эпохи барокко и откуда они?

Многие из известных личностей первой половины периода барокко родом из Италии, в том числе Монтеверди, Корелли и Вивальди. (К середине восемнадцатого века наше внимание смещается на немецких композиторов Баха и Генделя.) Многие формы, отождествляемые с музыкой барокко, возникли в Италии, включая кантату, концерт, сонату, ораторию и оперу. Хотя Италия сыграла жизненно важную роль в развитии этих жанров, новые концепции того, что значит быть нацией, усилили императив «национального стиля».«Различия между народами часто слышны в музыке того периода, не только в том, как была сочинена музыка, но и в традициях исполнения; особенно очевиден был контраст между Италией и Францией. Хотя может показаться, что некоторые страны сегодня претендуют на большую часть нашего опыта музыки барокко, все же каждая нация сыграла свою роль. Когда музыканты и композиторы путешествовали по всей Европе и слушали музыку друг друга, новые соглашения, с которыми они столкнулись, произвели на них тонкое впечатление.Вот некоторые из самых известных композиторов того периода:

Италия: Монтеверди, Фрескобальди, Корелли, Вивальди, Доменико и Алессандро Скарлатти

Франция: Куперен, Люлли, Шарпантье и Рамо

Германия: Преториус, Шайн, Шайдт, Шютц, Телеман, Гендель и Бах

Англия: Перселл

В начало

Какова философия музыки барокко?

Хотя одна философия не может описать 150 лет музыки со всей Европы, несколько концепций важны в период барокко.

Вера в музыку как мощный инструмент коммуникации

Одно из основных философских течений в музыке барокко связано с интересом эпохи Возрождения к идеям Древней Греции и Рима. Греки и римляне верили, что музыка - мощный инструмент общения, способный вызвать у слушателей любые эмоции. В результате возрождения этих идей композиторы все больше осознавали потенциальную силу музыки и культивировали веру в то, что их собственные композиции могут иметь аналогичные эффекты, если они правильно имитируют древнюю музыку.Как описал французский гуманист Артус Томас перформанс конца шестнадцатого века,

Я часто слышал, что о сьере Клодене Ле Жене (который, не желая никого пренебрегать, намного превзошел музыкантов прошлых веков в своем понимании этих вопросов), что он спел аранжировку (которую он сочинил по частям) ... и что когда этот аффект репетировали на частном концерте, он заставил джентльмена взяться за оружие и начать ругаться вслух, так что казалось невозможным помешать ему напасть на кого-то: после чего Клоден запел еще один звук ... джентльмен такой же спокойный, как и раньше.Это подтвердили мне несколько человек, которые были там. Такова сила и сила мелодии, ритма и гармонии над разумом.

В 1605 году итальянский композитор Клаудио Монтеверди фактически определил «первую» и «вторую» практики: в первой гармония и контрапункт преобладали над текстом; во втором случае необходимость выразить значение слов превзошла любую другую озабоченность. В барокко дух второй практики - использование силы музыки для общения - стал доминировать в эпоху.

Реалии патронажа
Любое обсуждение художественной философии композитора эпохи барокко должно хотя бы немного сдерживаться реальностью его жизни. В наше время художники часто зарабатывают на жизнь, создавая именно то искусство, к созданию которого они стремятся. Соответственно, мы часто думаем о художнике - и о степени его художественного вдохновения - как о отправной точке для произведения искусства. Однако на протяжении большей части эпохи барокко композиторы зарабатывали на жизнь написанием музыки только в том случае, если им посчастливилось получать зарплату в политическом или религиозном учреждении.Музыкальные потребности этого учреждения, таким образом, диктовали музыку, которую создавал композитор. Бах написал количество кантат, которое он написал, например, не обязательно потому, что он нашел форму вдохновляющей, но из-за литургических требований Лейпцигской церкви, в которой он работал. Если смотреть в этом свете, музыка в стиле барокко может стать захватывающим окном в историю.

В начало

Каковы особенности музыки барокко?

Новый интерес к драматическим и риторическим возможностям музыки породил множество новых звуковых идеалов в период барокко.

Контраст как драматический элемент
Контраст - важная составляющая драматургии композиции в стиле барокко. Различия между громким и мягким, соло и ансамблевым (как в концерте), разными инструментами и тембрами играют важную роль во многих композициях в стиле барокко. Композиторы также стали точнее относиться к инструментам, часто определяя инструменты, на которых должна исполняться пьеса, вместо того, чтобы позволять исполнителю выбирать. Также стали популярны такие блестящие инструменты, как труба и скрипка.

Монодия и появление бассо континуо
В предыдущие музыкальные эпохи музыкальное произведение, как правило, состояло из одной мелодии, возможно, с импровизированным аккомпанементом, или из нескольких мелодий, играемых одновременно. Лишь в эпоху барокко понятия «мелодия» и «гармония» стали по-настоящему артикулироваться. В рамках усилий по подражанию старинной музыке композиторы стали меньше сосредотачиваться на сложной полифонии, которая доминировала в пятнадцатом и шестнадцатом веках, и больше на едином голосе с упрощенным аккомпанементом, или монодии.Если музыка была формой риторики, как указывают писания греков и римлян, необходим сильный оратор - а кто лучше для этой работы, чем вокальный солист? Новое слияние между выражением чувств и сольным певцом ясно и ясно прослеживается в предисловии Монтеверди к Combattimento di Tancredi e Clorinda из его Восьмой книги мадригалов (1638), в которой он пишет: «Мне показалось что главных страстей или привязанностей в нашем уме три, а именно гнев, невозмутимость и смирение.Лучшие философы согласны с этим, и сама природа нашего голоса с его высокими, низкими и средними частотами указывает на это ». Самые ранние оперы - прекрасная иллюстрация этой новой эстетики.

Наряду с акцентом на единую мелодию и басовую линию пришла практика bassocontino , метод нотной записи, в котором мелодия и басовая линия записываются, а гармонический заполнитель указывается в виде стенографии. Как объяснил итальянский музыкант Агостино Агаццари в 1607:

Так как, наконец, был найден истинный стиль выражения слов, а именно, путем наилучшего воспроизведения их смысла, что лучше всего удается одним голосом (или не более чем несколькими), как в современной музыке различными способами. способные люди, и поскольку в Риме постоянно практикуется концертная музыка, я говорю, что нет необходимости делать партитуру ... Баса с его знаками гармонии достаточно.Но если бы мне сказали, что для исполнения старых произведений, полных фуги и контрапунктов, баса недостаточно, я отвечу, что вокальные произведения такого рода больше не используются.

Поскольку бассо континуо, или основательный бас, оставался стандартной практикой до конца периода барокко, эту эпоху иногда называют «эпохой основательного баса».

Различные инструментальные звуки
Музыка барокко, которую игнорировали на протяжении десятилетий, за последние пятьдесят лет стала все более популярной.В рамках этого нового интереса ученые и музыканты потратили бесчисленные часы, пытаясь выяснить, как музыка могла бы звучать для публики 17-го и 18-го веков. Хотя нам никогда не удастся точно воссоздать перформанс, их работы выявили несколько основных отличий между барочными и современными ансамблями:

шаг: В 1939 году современные оркестры согласились настроиться на a ’= 440 Гц (нота A с частотой 440 циклов в секунду), которая заменила ранее более низкий (a’ = 435 Гц), принятый в 1859 году.Однако до 1859 года стандарта высоты тона не существовало. Таким образом, нота, на которую настраивались ансамбли в стиле барокко, в разное время и в разных местах сильно различалась. В результате музыка, записанная в партитуре, могла бы звучать на полтона ниже, чем то, как она традиционно исполняется сегодня. Стремясь учесть это несоответствие, многие ансамбли барокко корректируют свою настройку в соответствии с исполняемым репертуаром: a '= 415 Гц для музыки позднего барокко, a' = 392 Гц для французской музыки, a '= 440 Гц для ранней итальянской музыки и' = 430 Гц для классического репертуара.

тембр: Хотя большинство инструментов в ансамбле в стиле барокко знакомы, есть несколько выдающихся участников, которые больше не используются в современных ансамблях. Клавесин был основным клавишным инструментом (и важным членом группы континуо), а инструменты, важные в 16-17 веках, такие как лютня и виола, все еще использовались. Вариации инструментов, которые все еще популярны сегодня, также придали ансамблю в стиле барокко другое звучание. Струнные инструменты, такие как скрипка, альт и виолончель, использовали струны из живота, а не обернутые металлом струны, с которыми они нанизываются сегодня, например, придавая им более мягкий и сладкий тон.

техника исполнения : партитура в стиле барокко содержит мало (если вообще есть) информации о таких элементах, как артикуляция, орнамент или динамика, поэтому современные ансамбли должны делать свой собственный осознанный выбор перед каждым выступлением. Механические различия между барочными и современными инструментами также предполагают, что старые инструменты звучали бы иначе, поэтому ансамбли, такие как Музыка барокко, часто корректируют свою технику, чтобы учесть это. Поскольку барочные и современные луки структурно различаются, например, струнные исполнители, использующие современные луки, часто используют более мягкую атаку на струне и крещендо и диминуэндо на более длинных нотах.В трактатах о перформансах 17-го и 18-го веков также подразумевается, что вибрато для пальцев (техника, в которой струнный исполнитель качает пальцем по струне для обогащения звука) использовалось умеренно для выразительных моментов, в то время как вибрато смычка (волнообразное движение смычка) было вообще предпочтительнее.

В начало

Какие музыкальные формы определили эпоху барокко?

В то время как формы из более ранних эпох продолжали использоваться, такие как мотет или особые танцы, интерес к музыке как форме риторики вызвал развитие новых жанров, особенно в области вокальной музыки.Многие формы, связанные с эпохой барокко, прямо вытекают из этого нового драматического импульса, особенно опера, оратория и кантата. В инструментальной музыке идея контраста и стремление создавать масштабные формы породили концерт, сонату и сюиту.

Вокальная музыка

Opera: Драма, которая в основном поется в сопровождении инструментов и проводится на сцене. Оперы обычно чередуются между речитативом , речевой песней, которая развивает сюжет, и ариями, песнями, в которых персонажи выражают чувства в определенных точках действия.Также часто включаются хоры и танцы. Появление этого жанра на рубеже XVII веков часто связывают с деятельностью группы поэтов, музыкантов и ученых во Флоренции, известной сегодня как Florentine Camerata. Первой сохранившейся оперой была «Дафне » Якопо Пери «», основанная на либретто Оттавио Ринуччини и исполненная во Флоренции в 1598 году; Самая ранняя опера, исполняемая до сих пор, - это « Орфей » (1607) Клаудио Монтеверди. Сюжеты первых опер взяты из греческих мифов, что отражает тесные союзы жанра с попытками воссоздать музыку и драму древних культур и исполнялись исключительно в аристократических кругах для приглашенных гостей.

Когда в 1637 году в Венеции открылись первые публичные оперные театры, жанр был изменен в соответствии с предпочтениями публики. Сольные певцы приобрели своего рода статус знаменитостей, и в результате больший акцент был сделан на арии. Речитатив стал менее важным, а хоры и танцы практически исчезли из итальянской оперы. Сказались и финансовые реалии частой постановки оперных постановок. Захватывающие сценические эффекты, связанные с оперой при дворе, были сильно преуменьшены, а либретто было построено с использованием стандартных сценических приемов.К началу 18 века (особенно в Неаполе) стали очевидными два поджанра оперы: opera seria , в которой основное внимание уделялось серьезным предметам, и da capo aria , и opera buffa , в которой была более легкая , даже шуточный тон и иногда используются дуэты, трио и более крупные ансамбли. Итальянская традиция оперы постепенно доминировала в большинстве европейских стран. Однако в конце 17 века во Франции уроженец Италии Жан-Батист Люлли и либреттист Филипп Кино создали уникальную французскую версию оперы, известную как tragédie-lyrique .

Оратория: расширенная музыкальная драма с текстом на религиозную тематику, предназначенная для исполнения без декораций, костюмов или действий. Первоначально оратория означала молитвенный зал, здание, расположенное рядом с церковью, которое было спроектировано как место для религиозных переживаний, отличных от литургии. Хотя в репертуаре мотетов и мадригалов имеются прецеденты конца шестнадцатого века, оратория как отдельный музыкальный жанр возникла среди превосходной акустики этих пространств в начале 1600-х годов.К середине 17 века оратории исполнялись во дворцах и публичных театрах и становились все более похожими на оперы, хотя тематика, разделение на две части (а не три действия) и отсутствие сценического действия по-прежнему выделяли их. Некоторые из композиторов, связанных с жанром в Италии, включают Джокомо Кариссими, Алессандро Скарлатти и Антонио Вивальди. Популярность оратории росла и в других частях Европы. В протестантской Германии драматическая музыка, написанная для использования в лютеранской церкви, постепенно слилась с элементами оратории, особенно с включением небиблейских текстов.Страсть к оратории, как ее стали называть, достигла высшей точки в великих произведениях И. С. Баха. Другие известные примеры за пределами Италии включают английские оратории Джорджа Фридриха Генделя, который популяризировал этот жанр в Лондоне в результате неприязни англичан к итальянской опере. Такие произведения, как Мессия , Израиль в Египте и Иуда Маккавей , остаются фаворитами публики и по сей день.

Кантата: расширенное произведение, состоящее из последовательности речитативов и стандартных пьес, таких как арии, дуэты и припевы.Возникнув в начале 17 века в Италии, кантата зародилась как светское произведение, написанное для сольного голоса и бассо континуо, скорее всего, предназначенное для исполнения на частных общественных собраниях. Многие из этих произведений были опубликованы, что позволяет предположить, что они были исполнены как профессиональными музыкантами, так и любителями. К середине века кантаты стали публиковаться реже, что свидетельствует о том, что выступления все чаще исполнялись профессионалами. К концу 17 века кантаты начали включать арию da capo aria и часто имели оркестровое сопровождение.Среди основных композиторов итальянского жанра кантаты - Луиджи Росси, Антонио Чести, Алессандро Страделла, а в первой половине 18 века - Алессандро Скарлатти, Гендель, Бенедетто Марчелло и Иоганн Адольф Хассе. За пределами Италии расширяющийся жанр лютеранского мотета начал включать многие элементы итальянской кантаты, особенно техники драматического выражения, такие как речитатив и ария. Многие кантаты Баха демонстрируют широкое влияние их итальянских коллег.

Инструментальная музыка

Соната : Используется для описания нескольких типов произведений в эпоху барокко, термин «соната» чаще всего обозначает произведение в нескольких частях для одного или нескольких инструментов (чаще всего скрипок) и bassocontinuo; Сонату для двух скрипок или других высоких инструментов плюс бас обычно называли трио-сонатой.К 1650-м годам сонаты часто классифицировались как сонат da chiesa («церковные сонаты»), обычно состоящие из четырех частей, чередующихся между медленным и быстрым темпом и исполняемых в церкви, или сонат da camera («камерная соната»). , который состоял из серии танцев, родственных сюите. Примеры обоих типов можно найти в работах Корелли конца 17 века. В 18 веке Телеман, Бах и Гендель написали множество сонат по образцу сонат Корелли da chiesa .Рост популярности сольных сонат для клавишных инструментов начинается в конце периода барокко, в том числе для органа (Бах) и клавесина (Гендель, Доменико Скарлатти). Среди других известных примеров сольных сонат - сочинения Баха для скрипки и виолончели без аккомпанемента.

Концерт : Производный от итальянского Concerto (объединить, объединить), концерт принял несколько форм в эпоху барокко. До начала 18 века концерт был просто композицией, объединяющей разноплановый ансамбль, состоящий из голосов, инструментов или того и другого.Священные произведения для голосов и инструментов часто назывались концертами, тогда как подобные светские произведения обычно назывались arie (арии), кантатами или musiche . В то время как крупномасштабные священные концерты можно найти в произведениях Клаудио Монтеверди, гораздо более распространены более интимные композиции для одного-четырех голосов, континуо и дополнительные сольные инструменты. В Германии прекрасные примеры священного концерта можно найти в произведениях Иоганна Германа Шайна, Михаэля Преториуса, Самуэля Шайдта и Генриха Шютца (особенно в его Kleine geistliche Concerte , или «Малых священных концертах» 1636–39).

Позже, в семнадцатом веке, концерт начал принимать свое современное определение: произведение, состоящее из нескольких частей, для инструментального солиста (или группы солистов) и оркестра. Взяв за основу канцоны и сонаты конца шестнадцатого и семнадцатого веков, в которых с большим эффектом использовались контрастирующие группы инструментов, в «Концерто гроссо» небольшая группа солистов чередуется с более крупным ансамблем. Произведения Корелли, особенно его соч. 6, представляют собой, пожалуй, самые известные образцы концерто гроссо конца 17 века.В то время как работы Корелли копировали в 18 веке, особенно в сочинении Генделя. 6, многие образцы концертного гроссо 18-го века показывают возрастающее влияние сольного концерта (например, Бранденбургские концерты И. С. Баха).

Самым распространенным типом концертов в 18 веке был сольный концерт, в котором использовался один инструмент в отличие от ансамбля. Самым плодовитым композитором сольного концерта был Антонио Вивальди, который написал около 350 и установил стандартную трехчастную форму концерта (две быстрые внешние части, одна средняя часть в более медленном темпе).Хотя большинство сольных концертов было написано для скрипки, были также популярны концерты для трубы, а также концерты для виолончели, гобоя, флейты и фагота. В 1730-х годах Гендель написал 16 органных концертов, и Бах также написал несколько концертов для клавесина примерно в то же время (большинство из них - аранжировки уже существовавших произведений).

Сюита: Сюита, ​​основанная на традиционном парном танце эпохи Возрождения, стала первым произведением для инструментов с несколькими движениями. По сути, сюита представляла собой серию танцев в одной тональности, большинство или все они состояли из двух частей.Примерно в середине 17 века в Германии последовательность аллеманд, куранте, сарабанда и жига стала относительно стандартной, хотя часто добавлялись другие танцевальные движения, такие как дополнительные аллеманды или куранты, бурре, гавоты и менуэты. Большинство сюит также начиналось с вступительной части, такой как прелюдия, увертюра или фантазия. Для многих композиторов эпохи барокко разные танцы олицетворяли определенные характеры. В своей книге Der volkommene Capellmeister (The Complete Music Director) 1739 года немецкий теоретик Иоганн Маттесон перечислил характер каждого танца: менуэт был «умеренной веселостью», гавот - «ликующей радостью», бурре - «удовлетворенностью» и т. Д. courante «надежда», сарабандское «амбиции» и жига могут означать целый ряд эмоций, от гнева до легкомыслия.Сюиты в стиле барокко звучали как для солирующих инструментов, так и для оркестра; те, что написаны для одного или двух мелодических инструментов и континуо, иногда называют сонатой да камеры. Французские сюиты для клавишных иногда называют ordres (как в работах Франсуа Куперена, который вставил множество не танцевальных движений, включая вызывающие воспоминания зарисовки персонажей суда.

В начало

Каково было посетить концерт в эпоху барокко?

В наше время поход на концерт - это событие.Мы слышим рекламу по радио или видим объявление в газете; приобретаем билеты; мы идем в концертный зал и сидим тихо, пока не пришло время аплодировать. В эпоху барокко подобные публичные концерты были редкостью. Многие из самых известных произведений в стиле барокко исполнялись в церквях на службе, в рамках частного концерта или праздника в доме богатого мецената. Однако в течение периода барокко публичные выступления стали более распространенными, особенно в жанрах оперы и оратории, и наши современные концертные традиции начали объединяться во многих европейских городах.Роджер Норт описал выступление в одной из самых ранних серий концертов, организованных в Лондоне в 1670-х годах:

Первая попытка была неудачной: проект старого [Джона] Банистера, который был хорошей скрипкой и театральным композитором. Он открыл темную комнату в трактире «Белые монахи»; наполнил его столами и сиденьями, а для музыки сделал боковой ящик с занавесками. Иногда консорт, иногда соло, скрипки, флаголета, бас-виолы, лютни и песни all’Italiana , и такие разновидности отвлекали компанию, которая платила за вход.Один шиллинг за штуку, звоните, сколько хотите, платите по счету и Добро пожаловать, господа .

Появление публичных концертов сделало растущий средний класс важным источником дохода для музыкантов. К концу барокко эта социальная группа стала музыкальным покровителем, почти таким же могущественным, как церковь или двор.

В начало

Что пришло после периода барокко?

К середине восемнадцатого века идея музыки в стиле барокко как формы риторики подверглась критике.Музыка обладала удивительно мощной способностью выражать даже самые сложные концепции - но только в ее самой «естественной» форме, которую эпоха барокко якобы запутала. Как сказал Иоганн Адольф Шайбе о И. С. Бахе в 1737 г.,

г.

Этот великий человек вызвал бы восхищение у целых народов, если бы он сделал больше удобства, если бы он не убрал естественный элемент в своих изделиях, придав им пухлый и запутанный стиль, и если бы он не омрачил их красоту чрезмерным количеством искусство. Поскольку он судит по своим пальцам, его пьесы чрезвычайно трудны для исполнения; ибо он требует, чтобы певцы и инструменталисты могли делать со своим горлом и инструментами все, что он может играть на клавире, но это невозможно ... Тургидизм привел [его] от естественного к искусственному, а от возвышенного к мрачному. ; и ... восхищаются тяжелым трудом и необычными усилиями, которые, однако, используются напрасно, поскольку противоречат природе.

Стремление Шайбе к ясности и простоте исполнения намекает на серьезное изменение музыкальной эстетики: на протяжении всей его обличительной речи окончательным арбитром вкуса является не Платон или Аристотель, а в конечном итоге сами слушатели и исполнители. Этот новый акцент на прямом мелодическом выражении и ясной музыкальной архитектуре указывает путь к классическому периоду, эпохе Моцарта и Гайдна.

В начало

Эпоха барокко в Новое время

Хотя период барокко закончился более 250 лет назад, его следы можно услышать повсюду.Некоторые из самых влиятельных и любимых композиций регулярно исполняются в концертных залах, а множество записей делают барокко доступным по запросу. Многие из музыкальных жанров, которые все еще используются сегодня, такие как оратория, концерт и опера, возникли в тот период. Композиторы двадцатого века, такие как Ральф Вон Уильямс, Игорь Стравинский и Бенджамин Бриттен, отдали дань уважения барокко в своих произведениях. Его влияние можно услышать даже за пределами области художественной музыки: свободное движение между соло и группой в джазе иногда сравнивают с музыкой барокко, а фрагменты Баха и Вивальди часто появляются в соло гитаристов хэви-метала.А дух барокко - непоколебимая вера в способность музыки влиять на жизнь людей - навсегда изменил историю музыки.

В начало

История музыки барокко и ее истоки

Театр в стиле барокко в Чески-Крумлов

Театро Аргентина (Панини, 1747, Лувр)

Музыка барокко

Музыка барокко - это стиль западной художественной музыки, сочиненный примерно с 1600 по 1750 год.Эта эпоха последовала за эпохой Возрождения, а за ней, в свою очередь, последовала классическая эпоха. Слово «барокко» происходит от португальского слова barroco, означающего деформированную жемчужину, что является негативным описанием богато украшенной и богато украшенной музыки этого периода. Позже это название стало применяться и к архитектуре того же периода.

Музыка барокко составляет основную часть канона «классической музыки», она широко изучается, исполняется и слушается. Композиторы эпохи барокко - Иоганн Себастьян Бах, Джордж Фридрих Гендель, Алессандро Скарлатти, Доменико Скарлатти, Антонио Вивальди, Генри Пёрселл, Георг Филипп Телеманн, Жан-Батист Люлли, Арканджело Корелли, Томазо Альбинони, Франсуа Куперин, Денис Гаултиерди. Генрих Шютц, Жан-Филипп Рамо, Ян Дисмас Зеленка и Иоганн Пахельбель.

В эпоху барокко возникла тональность. В течение этого периода композиторы и исполнители использовали более сложный музыкальный орнамент, внесли изменения в нотную запись и разработали новые методы инструментальной игры. Музыка барокко расширила размер, диапазон и сложность инструментального исполнения, а также утвердила оперу, кантату, ораторию, концерт и сонату как музыкальные жанры. Многие музыкальные термины и концепции той эпохи используются до сих пор.

Этимология

Периоды
Западной классической музыки

Ранний

Средневековье г.500–1400
Ренессанс г. 1400–1600
Общая практика
Барокко г. 1600–1760
Классический г. 1730–1820
Романтика г. 1815–1910
Современное и современное
Современное г. 1890–1930
20 век 1901–2000
Современный г.1975– настоящее время
21 век 2001– настоящее время

История европейского музыкального искусства

Термин «барокко» обычно используется историками музыки для описания широкого спектра стилей из обширного географического региона, в основном в Европе, созданных за период примерно 150 лет.

Хотя долгое время считалось, что это слово как критический термин впервые было применено к архитектуре, на самом деле оно появилось раньше в отношении музыки, в анонимном сатирическом обзоре премьеры в октябре 1733 года ромо Hippolyte et Aricie, напечатано. в Mercure de France в мае 1734 г.Критик намекал, что новинкой в ​​этой опере был «дюбарок», жалуясь на то, что в музыке отсутствует связная мелодия, она наполнена неумолимыми диссонансами, постоянно меняет тональность и размер и быстро проходит через все композиционные приемы.

Систематическое применение историками термина «барокко» к музыке этого периода произошло относительно недавно. В 1919 году Курт Закс стал первым, кто систематически применил к музыке пять характеристик теории барокко Генриха Вельфлина.Критики поспешили поставить под сомнение попытку перенести категории Вёльфлина в музыку, и во второй четверти 20-го века независимые попытки были предприняты Манфредом Букофцером (в Германии, а после иммиграции в Америке) и Сюзанной Клеркс-Лежен. (в Бельгии) использовать автономный технический анализ, а не сравнительные абстракции, чтобы избежать адаптации теорий, основанных на пластических искусствах и литературе, к музыке. Все эти усилия привели к заметным разногласиям относительно временных границ периода, особенно относительно того, когда он начался.В английском языке этот термин приобрел популярность только в 1940-х годах в трудах Букофцера и Пола Генри Лэнга.

Еще в 1960 году в академических кругах, особенно во Франции и Великобритании, все еще велись серьезные споры о том, имеет ли смысл объединять музыку столь же разнообразную, как музыка Якопо Пери, Доменико Скарлатти и Дж. Баха под единой рубрикой. Тем не менее, этот термин стал широко использоваться и использоваться для этого широкого диапазона музыки. Может быть полезно отличить барокко как от предшествующего (Возрождения), так и от последующих (классических) периодов музыкальной истории.

История

Период барокко делится на три основных этапа: ранний, средний и поздний. Хотя они частично совпадают по времени, их условно датируют периодом с 1580 по 1630 год, с 1630 по 1680 год и с 1680 по 1730 год.

Музыка раннего барокко (1580–1630)

Клаудио Монтеверди в 1640 году

Флорентийская камерата была группой гуманистов, музыкантов, поэтов и интеллектуалов во Флоренции позднего Возрождения, которые собрались под патронажем графа Джованни де Барди, чтобы обсудить и направить тенденции в искусстве, особенно в музыке и драме.Что касается музыки, они основывали свои идеалы на восприятии классической (особенно древнегреческой) музыкальной драмы, в которой ценились дискурс и ораторское искусство. Таким образом, они отвергли использование современниками полифонии и инструментальной музыки и обсуждали такие древнегреческие музыкальные приемы, как монодия, которая состояла из сольного пения в сопровождении кифары. Ранние воплощения этих идей, в том числе Dafne Якопо Пери и L’Euridice , положили начало опере, которая, в свою очередь, стала катализатором для музыки барокко.

Что касается теории музыки, более широкое использование фигурного баса (также известного как глубокий бас ) представляет растущее значение гармонии как линейной основы полифонии. Гармония - это конечный результат контрапункта, а фигурный бас - визуальное представление тех гармоний, которые обычно используются в музыкальном исполнении. Композиторы начали заниматься гармоническими прогрессиями, а также использовали тритон, воспринимаемый как неустойчивый интервал, для создания диссонанса.Инвестиции в гармонию существовали также среди некоторых композиторов эпохи Возрождения, особенно Карло Джезуальдо; Однако использование гармонии, направленной на тональность, а не на модальность, знаменует переход от эпохи Возрождения к периоду барокко. Это привело к идее, что аккорды, а не ноты могут обеспечить ощущение завершения - одна из фундаментальных идей, которая стала известна как тональность.

Включив эти новые аспекты композиции, Клаудио Монтеверди способствовал переходу от стиля музыки эпохи Возрождения к стилю музыки периода барокко.Он разработал два индивидуальных стиля композиции - наследие ренессансной полифонии (prima pratica) и новую технику бассо континуо барокко (seconda pratica). Написав среди прочего оперы L’Orfeo и L’incoronazione di Poppea , Монтеверди привлек значительное внимание к новому жанру оперы.

Музыка среднего барокко (1630–1680)

Возникновение централизованного двора - одна из экономических и политических особенностей того, что часто называют эпохой абсолютизма, олицетворяемой Людовиком XIV из Франции.Стиль дворца и придворная система нравов и искусств, которые он воспитал, стали образцом для остальной Европы. Реалии растущего церковного и государственного патронажа создали спрос на организованную общественную музыку, поскольку растущая доступность инструментов создала спрос на камерную музыку.

Жан-Батист Люлли

Период среднего барокко в Италии определяется появлением в 1630-х годах стиля бельканто в кантате, оратории и опере. Этот стиль, один из самых важных вкладов в развитие барокко, а также более позднего классического стиля, был порожден новой концепцией мелодии и гармонии, которая подняла статус музыки до уровня равенства со словами, которые раньше имели считался выдающимся.Цветочная монодия колоратуры раннего барокко уступила место более простому, более отполированному мелодическому стилю, обычно в тройном ритме. Эти мелодии были построены из коротких, каденциально ограниченных идей, часто основанных на стилизованных танцевальных узорах, взятых из сарабанды или куранте. Гармонии также были проще, чем в монодии раннего барокко, и сопровождающие басовые партии были более интегрированы с мелодией, создавая контрапунктную эквивалентность частей, что позже привело к устройству первоначального басового предвкушения мелодии арии.Это гармоническое упрощение также привело к новому формальному способу разграничения речитатива и арии. Самыми важными новаторами этого стиля были римляне Луиджи Росси и Джакомо Кариссими, которые были в первую очередь композиторами кантат и ораторий соответственно, и венецианец Франческо Кавалли, который был главным оперным композитором. Позже важные практики этого стиля включают Антонио Чести, Джованни Легренци и Алессандро Страделла.

Среднее барокко не имело абсолютно никакого отношения к теоретическим работам Иоганна Фукса, систематизировавшего строгий контрапункт, характерный для более ранних веков, в его Gradus ad Paranassum (1725).

Один выдающийся пример композитора придворного стиля - Жан-Батист Люлли. Он купил у монархии патенты, чтобы быть единственным композитором опер для короля и не позволять другим ставить оперы. Он завершил 15 лирических трагедий и оставил незаконченным Achille et Polyxène .

В музыкальном плане он не установил для оркестров нормы струнного доминирования, унаследованной от итальянской оперы, и типично французской пятичастной композиции (скрипки, альты - в размерах hautes-contre, tailles и quintes - и басовые скрипки). использовался в балете со времен Людовика XIII.Однако он ввел этот ансамбль в лирический театр, где верхние партии часто дублировались флейтами, флейтами и гобоями, а бас - фаготами. В героических сценах часто добавлялись трубы и литавры.

Арканджело Корелли известен как влиятельный благодаря своим достижениям по другую сторону музыкальной техники - как скрипач, который организовал скрипичную технику и педагогику, - и в чисто инструментальной музыке, в частности, за его пропаганду и развитие Concerto Grosso.В то время как Люлли устроился при дворе, Корелли был одним из первых композиторов, которые широко публиковались и исполняли свою музыку по всей Европе. Как и в случае стилизации и организации оперы Люлли, концертный гроссо построен на сильных контрастах: части чередуются между тем, что играет весь оркестр, и тем, что играет меньшая группа. Динамика была «террасированной», то есть с резким переходом от громкого к тихому и обратно. Быстрые и медленные участки накладывались друг на друга.Среди его учеников значится Антонио Вивальди, который позже написал сотни произведений, основанных на принципах трио-сонат и концертов Корелли.

В отличие от этих композиторов, Дитрих Букстехуде не был придворным, а был церковным музыкантом, занимал должности органиста и Werkmeister в Мариенкирхе в Любеке. В его обязанности как Werkmeister входило выполнение функций секретаря, казначея и бизнес-менеджера церкви, в то время как его должность органиста включала исполнение всех основных служб, иногда в сотрудничестве с другими инструменталистами или вокалистами, которым также платила церковь.Совершенно вне своих официальных церковных обязанностей он организовал и направил серию концертов, известную как TheAbendmusiken, в которую вошли исполнения священных драматических произведений, которые его современники считали эквивалентом опер.

Музыка позднего барокко (1680–1730)

Джордж Фридрих Гендель

Иоганн Себастьян Бах, 1748

Благодаря работам Иоганна Фукса, стиль полифонии эпохи Возрождения стал основой для изучения композиции.

Непрерывный рабочий, Гендель заимствовал у других и часто перерабатывал собственный материал. Он также был известен переработкой таких произведений, как знаменитый Messiah , премьера которого состоялась в 1742 году, для доступных певцов и музыкантов.

Хронология композиторов эпохи барокко

Инструменты в стиле барокко

Инструменты в стиле барокко, включая шарманку, клавесин, бас-виолу, лютню, скрипку и гитару

Клавесин с двойным ручным управлением по Жан-Клоду Гужону ​​(1749)

Струны

  • Виолино пикколо
  • Скрипка
  • Виол
  • Альт
  • Виола д'амур
  • Помпа для альта
  • Скрипка тенор
  • Виолончель
  • Контрабас
  • Лютня
  • Теорбо
  • Archlute
  • Анжелик
  • Мандолина
  • Гитара
  • Арфа
  • Шарманка

Духовые духовые

  • Барочная флейта
  • Chalumeau
  • Cortol (также известный как Cortholt, Curtall, семейство гобоев)
  • Дульсиан
  • Musette de Cour
  • Гобой в стиле барокко
  • Ракетт
  • Регистратор
  • Фагот
  • Кларнет

Латунь

  • Корнет
  • Натуральный рог
  • Труба в стиле барокко
  • Tromba da tirarsi (также называемый tromba spezzata )
  • Плоская труба
  • Змей
  • Sackbut (английское название FR: saquebute , saqueboute ; ES: sacabuche ; IT: trombone ; MHG: busaun , busîne / DE / DE) (с начала 17 века) Posaune )
  • Тромбон (английское название того же инструмента, с начала 18 века)

Клавиатуры

  • Клавикорд
  • Tangent фортепиано
  • Фортепьяно - ранняя версия фортепиано
  • Клавесин
  • Орган

Ударные

  • литавры в стиле барокко
  • Деревянный малый барабан
  • Теноровый барабан
  • Бубен
  • Кастаньеты

Стили и формы

Сюита в стиле барокко

Сюита в стиле барокко часто состоит из следующих частей:

  • Увертюра - Сюита в стиле барокко часто начиналась с французской увертюры («Увертюра» по-французски), за которой следовала череда танцев разных типов, в основном следующих четырех:
  • Allemande - Аллеманда, часто первый танец инструментальной сюиты, был очень популярным танцем, возникшим в эпоху немецкого Возрождения, когда его чаще называли almain. [ требуется ссылка ] Аллеманда игралась в умеренном темпе и могла начинаться с любой доли такта.
  • Courante - Второй танец - это куранте, живой французский танец в тройном метре. Итальянский вариант называется корренте.
  • Сарабанда - Сарабанда, испанский танец, является третьим из четырех основных танцев и одним из самых медленных танцев в стиле барокко. Он также трехметровый и может начинаться с любой доли такта, хотя акцент делается на второй доле, создавая характерный «остановочный» или ямбический ритм сарабанды.
  • Gigue - Жига - это приподнятый и живой танец в стиле барокко в сложном метре, как правило, заключительная часть инструментальной сюиты и четвертый из ее основных танцевальных типов. Жигу можно начинать с любой доли такта, и ее легко узнать по ее ритмичности. Жига возникла на Британских островах. Его аналог в народной музыке - джиг.

Эти четыре типа танца (аллеманда, курант, сарабанда и жига) составляют большинство сюит 17-го века; более поздние сюиты включают один или несколько дополнительных танцев между сарабандой и жигой:

  • Gavotte - Гавот можно отличить по множеству признаков; это время 4/4 и всегда начинается с третьей доли такта, хотя в некоторых случаях это может звучать как первая доля, так как первая и третья доли являются сильными долями в четверной доле.На гавоте играют в умеренном темпе, хотя в некоторых случаях на нем можно играть и быстрее.
  • Bourrée - Бурре похоже на гавот, поскольку он находится в 2/2 времени, хотя он начинается во второй половине последней доли такта, создавая иное ощущение танца. Бурре обычно играет в умеренном темпе, хотя некоторые композиторы, такие как Гендель, могут играть в гораздо более быстром темпе.
  • Менуэт - Менуэт, пожалуй, самый известный из танцев в стиле барокко в тройном метре.Он может начинаться с любой доли такта. В некоторых сюитах могут последовательно исполняться менуэт I и II с повторением первого менуэта.
  • Passepied - Passepied - это быстрый танец в двоичной форме и тройном метре, который возник как придворный танец в Бретани. Примеры можно найти в более поздних наборах, таких как Баха и Генделя.
  • Ригодон - Ригодон - это живой французский танец в два метра, похожий на бурре, но ритмически более простой. Он возник как семейство тесно связанных южно-французских народных танцев, традиционно связанных с провинциями Ваваре, Лангедок, Дофине и Прованс.

Другие функции

  • Бассо континуо - вид непрерывного аккомпанемента с нотами новой системы нотной записи, фигурный бас, обычно для поддерживающего басового инструмента и клавишного инструмента.
  • Концерт и концерт Гроссо
  • Monody - продолжение песни
  • Гомофония - музыка с одним мелодичным голосом и ритмически подобным аккомпанементом (это и монодия контрастируют с типичной для эпохи Возрождения фактурой, полифонией)
  • Драматические музыкальные формы, такие как опера, драматических произведений за музыку
  • Комбинированные инструментально-вокальные формы, такие как оратория и кантата
  • Новые инструментальные техники, такие как тремоло и пиццикато
  • Ария да капо «наслаждалась уверенностью».
  • The ritornello aria - многократные короткие инструментальные перерывы вокальных пассажей.
  • Стиль Концертато - контраст звучания между группами инструментов.
  • Обширный орнамент

Жанры

Вокал

  • Опера
    • Сарсуэла
    • Opera серия
    • Комическая опера
    • Опера-балет
  • Маска
  • Оратория
  • Passion (музыка)
  • Кантата
  • Месса (музыка)
  • Гимн
  • Монодий
  • Хорал

Инструментальная

  • Хоральное произведение
  • Концерт Гроссо
  • Фуга
  • Люкс
    • Аллеманда
    • Courante
    • Сарабанда
    • Gigue
    • Гавот
    • Менуэт
  • Соната
    • Соната для камеры
    • Соната да кьеза
    • Трио-соната
  • Партита
  • Канцона
  • Sinfonia
  • Фантазия
  • Ricercar
  • Токката
  • Прелюдия
  • Чакона
  • Пассакалия
  • Хоральная прелюдия
  • Stylus фантастический

Дополнительная литература

  • Кристенсен, Томас-стрит и Питер Дежанс. К тональным аспектам теории музыки барокко . Лёвен: Издательство Левенского университета, 2007. ISBN 978-90-5867-587-3
  • Сир, Мэри. Очерки исполнения оперной и камерной музыки в стиле барокко во Франции и Англии . Серия исследований, собранных Variorum, 899. Олдершот, Хантс, Англия: Ashgate, 2008. ISBN 978-0-7546-5926-6
  • Бригадир, Эдвард. Метод бельканто, или «Как правильно петь итальянскую музыку барокко на основе первоисточников» .Шедевры двадцатого века по пению, v. 12. Миннеаполис, штат Миннесота: Pro Musica Press, 2006. ISBN 978-1-887117-18-0
  • Хебсон, Одри (2012). «Танец и его значение в сюитах Баха для виолончели соло», Музыкальные предложения: Vol. 1: № 2, статья 2. Доступно на http://digitalcommons.cedarville.edu/musicalofferings/vol1/iss2/2.
  • Хоффер, Брэнди (2012). «Духовная немецкая музыка в тридцатилетней войне», Музыкальные предложения: Vol. 3: № 1, статья 1. Доступно на http://digitalcommons.com.cedarville.edu/musicalofferings/vol3/iss1/1.
  • Шуберт, Питер и Кристоф Нейдхёфер. Барочный контрапункт . Река Аппер Сэдл, Нью-Джерси: Pearson Prentice Hall, 2006. ISBN 978-0-13-183442-2
  • Шуленберг, Дэвид. Музыка барокко . Нью-Йорк: Oxford UP, 2001. ISBN 978-0-19-512232-9
  • Штауфер, Джордж Б. Мир барочной музыки: новые перспективы . Блумингтон: Издательство Индианского университета, 2006. ISBN 978-0-253-34798-5
  • Странк, Оливер. Источники чтения по истории музыки. От античности до эпохи романтики . Лондон: Faber & Faber, 1952,
  • .

Внешние ссылки

Введение в эпоху барокко

Изучение музыки открывает совершенно новый мир самовыражения. Однако вы можете не осознавать, что многое из того, что мы думаем сегодня о «чувствах в музыке», восходит к музыке прошлого. Возможно - и более конкретно - «чувства в музыке» пришли из периода барокко.

Эпоха барокко - один из самых богатых и разнообразных периодов в истории музыки. Искусство и музыка этой эпохи были в значительной степени заказаны церковью и королевской семьей, чтобы приобщить мирян к художественному миру через эмоциональную насыщенность, богатую текстуру и богатую красоту.

Что такое «барокко» и когда было барокко?

Термин барокко происходит от португальского barroco , или «жемчужина странной формы», которая использовалась в архитектуре и произведениях искусства, создававшихся в то время.Музыка этого периода была известна своей богато украшенной и неумолимой, но в результате были созданы шедевры ряда композиторов, таких как Бах и Гендель. Эпоха барокко пришлась на период с 1600 по 1750 год. Однако это не период времени. Скорее, это стиль музыки.

Характеристики музыки барокко

Есть несколько вещей, которые отличают музыку эпохи барокко от других периодов. Вы можете прислушаться к каждому из них, пытаясь определить или оценить произведения в стиле барокко:

Контраст .Музыка периода барокко известна своими отчетливыми изменениями в динамике, сочетанием соло и ансамблей, а также различными звуками глубины и текстуры. Все эти концепции сыграли жизненно важную роль во многих композициях в стиле барокко.

Сложность . Музыка барокко была временем экспериментов и расширения. Композиторы использовали множество различных форм и сложных вариаций. Большинство произведений следуют формату быстро-медленно-быстро и, как известно, их сложно играть.

Бассо континуо .Также известный как фигурный бас или глубокий бас , это метод создания аккомпанемента из составленной басовой партии путем воспроизведения басовых нот и импровизации гармонии над ними.

Доктрина привязанностей . Композиторы эпохи барокко пытались передать в своей музыке не одну эмоцию, например счастье, а целый ряд человеческих эмоций.

Различные инструментальные звуки .В период барокко было несколько инструментов эпохи Возрождения, в том числе записывающие устройства, альты, флейты, лютни и целый ряд струнных инструментов. Тем не менее, самым большим и вездесущим инструментальным развитием, сделанным в эту эпоху, был клавесин.

Известные композиторы эпохи барокко

Первая часть эпохи барокко связана с жанрами итальянского происхождения, включая кантату, концерт, сонату, ораторию и оперу. Антонио Вивальди - известный композитор, особенно прославившийся своими концертами, такими как Four Seasons .

Самая влиятельная фигура в музыке барокко - Иоганн Себастьян Бах. Объем написанных им произведений огромен и включает в себя несколько шедевров. Одно из самых популярных его произведений - Токката и Фуга ре минор BWV 565 . Это величественное, но захватывающее произведение было признано величайшим произведением для органа из когда-либо созданных.

Несмотря на то, что Италия сыграла важную роль в развитии музыки барокко, другие страны Западной Европы внесли не менее важные дополнения, а их композиторы создали свои собственные уникальные стили.Это привело к различиям между народами в том, как составлялась музыка, и в правилах исполнения. Эти различия также сыграли роль в развитии музыки барокко, которую мы переживаем сегодня.

Среди других примечательных имен - Джордж Фридрих Гендель (известный по произведениям Water Music и Messiah ), Генри Перселл, Георг Филипп Телеманн и Алессандро Скарлатти.

Эпоха барокко, как никакая другая, способствовала развитию искусства, поскольку музыка становилась все более доступной для людей.Пьесы создавались не только для того, чтобы слушатели получали больше удовольствия от прослушивания, но и для эффективного общения с ними, умышленно вызывая сильные эмоции.

Хотя период барокко закончился более 250 лет назад, его дух и влияние можно услышать повсюду, и его музыка до сих пор затрагивает многих людей.

Хотите узнать больше о различных аспектах музыки? Присоединяйтесь к Musical U сегодня, чтобы получить доступ к мощным ресурсам и поддерживающему сообществу таких же музыкантов, как вы.

Музыка барокко | Britannica

Bach, J.S .: Концерт № 1 ре мажор

Отрывок из первой части Allegro-Allegrissimo И.С. Концерт № 1 ре мажор Баха для клавишных соло, BWV 972; из записи 1938 года пианистки Ванды Ландовской.

© Cefidom / Encyclopædia Universalis Гендель, Джордж Фридрих: Музыка на воде

Отрывок из первой части Аллегро из Сюиты фа мажор из произведения Джорджа Фридриха Генделя Музыка на воде ; из записи 1954 года оркестра Бойда Нила под управлением Бойда Нила.

© Cefidom / Encyclopædia Universalis

Музыка барокко , музыкальный стиль, преобладавший в период с 1600 по 1750 год, известный своим грандиозным, драматическим и энергичным духом, а также стилистическим разнообразием.

Соната для фортепиано ре минор , K 64, Доменико Скарлатти, для фортепиано.

Вадим Хаимович / Musopen.org

Подробнее по этой теме

Духовой инструмент: эпоха барокко и классика

Драматические музыкальные события в Италии около 1600 года оказали глубокое влияние на музыку Европы эпохи барокко.Несколько групп литераторов ...

Один из самых драматических поворотных моментов в истории музыки произошел в начале 17 века, когда Италия лидировала. В то время как stile antico , универсальный полифонический стиль XVI века, продолжал свое существование, отныне он был зарезервирован для духовной музыки, в то время как stile moderno или nuove musiche - с его акцентом на сольном голосе, полярности мелодии. и басовая партия, и интерес к выразительной гармонии - разработан для светского использования.Расширенный словарный запас позволил провести более четкое различие между духовной и светской музыкой, а также между вокальными и инструментальными идиомами, а национальные различия стали более выраженными.

Клаудио Монтеверди: Мадригалы

«Chiome d'oro, bel tesoro» из Мадригалов Клаудио Монтеверди, книга 7; из записи 1937 года Ансамбля вокально-инструментальной музыки Нади Буланже под управлением Нади Буланже.

© Cefidom / Encyclopædia Universalis

Опера, оратория и кантата были наиболее важными новыми вокальными формами, а соната, концерт и увертюра были созданы для инструментальной музыки.Клаудио Монтеверди был первым великим композитором «новой музыки». За ним последовали в Италии Алессандро Скарлатти и Джованни Перголези. Инструментальная традиция в Италии нашла своих великих композиторов эпохи барокко в лице Арканджело Корелли, Антонио Вивальди и Джузеппе Тартини. Жан-Батист Люлли, крупный оперный композитор, и Жан Филипп Рамо были мастерами музыки барокко во Франции. В Англии за полным театральным опытом масок Стюартов последовали достижения в вокальной музыке уроженца Германии, получившего образование в Италии, Джорджа Фридриха Генделя, в то время как его соотечественник Иоганн Себастьян Бах разработал в Германии духовную музыку в стиле барокко.Среди других известных немецких композиторов эпохи барокко - Генрих Шютц, Дитрих Букстехуде и Георг Филипп Телеманн. Подробнее о музыке барокко, см. Западная музыка: эпоха барокко.

Искусство и архитектура барокко | Определение, характеристики, художники, история и факты

Искусство и архитектура барокко , изобразительное искусство, проектирование и строительство зданий, возникшие в эпоху истории западного искусства, которая примерно совпадает с 17 веком.Самые ранние проявления, которые произошли в Италии, относятся к последним десятилетиям 16-го века, в то время как в некоторых регионах, особенно в Германии и колониальной Южной Америке, некоторые кульминационные достижения барокко не произошли до 18-го века. Произведение, которое отличает период барокко, стилистически сложное, даже противоречивое. В целом, однако, в основе его проявлений лежит желание вызвать эмоциональные состояния, обращаясь к чувствам, часто драматическим образом. Некоторые из качеств, наиболее часто ассоциируемых с барокко, - это величие, чувственное богатство, драматизм, жизненная сила, движение, напряжение, эмоциональная яркость и тенденция к стиранию различий между различными искусствами.

Популярные вопросы

Откуда взялся термин

Барокко ?

Термин Baroque , вероятно, происходит от итальянского слова barocco , которое философы использовали в средние века для описания препятствия в схематической логике. Впоследствии это слово стало обозначать любую искаженную идею или инволютивный процесс мышления. Другой возможный источник - португальское слово barroco (исп. barrueco ), используемое для описания жемчужины несовершенной формы.В искусствоведении слово Барокко пришло для обозначения чего-либо необычного, причудливого или иным образом отклоняющегося от правил и пропорций, установленных в эпоху Возрождения. До конца 19 века этот термин всегда подразумевал странное, преувеличенное и чрезмерно украшенное. Только в новаторском исследовании Генриха Вельфлина, Renaissance und Barock (1888), этот термин использовался как стилистическое обозначение, а не как термин тонко завуалированного злоупотребления, и была достигнута систематическая формулировка характеристик стиля барокко.

Каковы особенности искусства и архитектуры барокко?

Произведение, выделяющее период барокко, стилистически сложное и даже противоречивое. Например, течения натурализма и классицизма сосуществовали и смешивались с типичным стилем барокко. В целом, однако, в основе его проявлений лежит желание вызвать эмоциональные состояния, обращаясь к чувствам, часто драматическим образом. Некоторые из качеств, наиболее часто ассоциируемых с барокко, - это величие, чувственное богатство, драматизм, динамизм, движение, напряжение, эмоциональная яркость и тенденция к стиранию различий между различными искусствами.

Как возникли искусство и архитектура барокко?

Три широких течения оказали влияние на искусство барокко, первой из которых была Контрреформация. Борясь с распространением протестантской Реформации, Римско-католическая церковь после Тридентского собора (1545–1563 гг.) Приняла пропагандистскую программу, в которой искусство должно было служить средством стимулирования общественной веры в церковь. Возникший стиль барокко был одновременно чувственным и духовным. В то время как натуралистическая обработка сделала религиозный образ более доступным для среднего прихожанина, драматические и иллюзорные эффекты использовались, чтобы стимулировать преданность и передать великолепие божественного.Вторая тенденция заключалась в консолидации абсолютных монархий: дворцы в стиле барокко были построены в монументальном масштабе, чтобы продемонстрировать мощь централизованного государства, явление, которое лучше всего было продемонстрировано в Версале. Третья тенденция заключалась в расширении интеллектуальных горизонтов человека, вызванном развитием науки и исследованиями земного шара. Это породило новое ощущение ничтожности человека (особенно чему способствовало коперниковское смещение Земли из центра вселенной) и бесконечности природного мира.Пейзажные картины, на которых люди изображены в виде крошечных фигур на обширном пространстве, свидетельствовали об этом меняющемся осознании условий жизни человека.

Какие художники ассоциируются со стилем барокко?

Аннибале Карраччи и Караваджо были двумя итальянскими художниками, которые помогли открыть барокко и чьи стили представляют, соответственно, классицизм и реалистичность. Художница Артемизия Джентилески была признана в 20 веке за свое техническое мастерство и амбициозные исторические картины.Джан Лоренцо Бернини, чьи достижения включали проект колоннады перед базиликой Святого Петра в Риме, был величайшим из скульпторов-архитекторов эпохи барокко. Упорядоченные картины Николя Пуссена и сдержанная архитектура Жюля Ардуэна-Мансара показывают, что импульс барокко во Франции был более сдержанным и классическим. В Испании художник Диего Веласкес использовал мрачный, но мощный натуралистический подход, который имел лишь некоторое отношение к мейнстриму живописи в стиле барокко.Тем временем этот стиль в ограниченных масштабах проник в северную Европу, особенно на территорию нынешней Бельгии. Величайшим мастером этого испанского в основном римско-католического региона был художник Питер Пауль Рубенс, чьи бурные диагональные композиции и полнокровные фигуры являются воплощением живописи в стиле барокко. Однако искусство в Нидерландах более сложное. Обусловленные реалистическими вкусами покровителей из среднего класса, такие выдающиеся мастера, как Рембрандт, Франс Хальс и Иоганнес Вермеер, оставались в значительной степени независимыми от барокко в важных отношениях, но многие художественные тексты, тем не менее, приравнивают их к стилю.Однако барокко оказало заметное влияние на Англию, особенно на архитектуру сэра Кристофера Рена.

Чем стиль рококо отличался от барокко?

Стиль рококо зародился в Париже около 1700 года и вскоре был принят во Франции, а затем и в других странах, в основном в Германии и Австрии. Как и стиль барокко, рококо использовалось в декоративном искусстве, дизайне интерьера, живописи, архитектуре и скульптуре. Его часто называют завершающей фазой барокко, но стиль отличается от своего предшественника интимным масштабом, асимметрией, легкостью, элегантностью и обильным использованием изогнутых естественных форм в орнаменте.Живопись в стиле рококо во Франции, например, началась с изящных, мягко-меланхоличных картин Антуана Ватто, завершилась игривыми и чувственными обнаженными фигурами Франсуа Буше и закончилась свободно написанными жанровыми сценами Жана-Оноре Фрагонара. Живопись французского рококо в целом характеризовалась беззаботным, беззаботным обращением с мифологическими темами и темами ухаживания, представлением семьи как предмета, богатой и тонкой манерой письма, относительно легкой тональной тональностью и чувственной окраской.

Происхождение термина

Термин барокко, вероятно, в конечном итоге произошел от итальянского слова barocco , которое философы использовали в средние века для описания препятствия в схематической логике. Впоследствии это слово стало обозначать любую искаженную идею или инволютивный процесс мышления. Другой возможный источник - португальское слово barroco (исп. barrueco ), используемое для описания жемчужины неправильной или несовершенной формы, и это употребление до сих пор сохранилось в названии ювелира барочная жемчужина .

В искусствоведении слово «барокко» стало использоваться для описания чего-либо неправильного, причудливого или иным образом отклоняющегося от установленных правил и пропорций. Этот предвзятый взгляд на стили искусства 17-го века с небольшими изменениями поддерживался критиками, от Иоганна Винкельмана до Джона Раскина и Якоба Буркхардта, и до конца 19-го века этот термин всегда подразумевал странный, гротескный, преувеличенный и чрезмерно украшенный. Только с пионерским исследованием Генриха Вельфлина Renaissance und Barock (1888) термин барокко использовался как стилистическое обозначение, а не как термин тонко завуалированного злоупотребления, и была достигнута систематическая формулировка характеристик стиля барокко.

Три основных тенденции эпохи

Три более широких культурных и интеллектуальных тенденции оказали глубокое влияние на искусство барокко, а также музыку барокко. Первым из них было появление Контрреформации и расширение ее владений как в территориальном, так и в интеллектуальном плане. К последним десятилетиям XVI века изысканный придворный стиль, известный как маньеризм, перестал быть эффективным средством выражения, и его непригодность для религиозного искусства все больше ощущалась в художественных кругах.Чтобы противостоять набегам Реформации, Римско-католическая церковь после Тридентского собора (1545–1563 гг.) Заняла пропагандистскую позицию, в которой искусство должно было служить средством расширения и стимулирования веры общественности в церковь. С этой целью церковь приняла сознательную художественную программу, произведения искусства которой будут вызывать у верующих откровенно эмоциональный и чувственный призыв. Стиль барокко, возникший из этой программы, парадоксальным образом был одновременно чувственным и духовным; в то время как натуралистическая обработка сделала религиозный образ более доступным для среднего прихожанина, драматические и иллюзорные эффекты использовались, чтобы стимулировать благочестие и преданность и передать впечатление великолепия божественного.Таким образом, церковные потолки в стиле барокко растворялись в живописных сценах, которые представляли для наблюдателя яркие виды бесконечного и направляли чувства к небесным заботам.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишись сейчас

Вторая тенденция заключалась в консолидации абсолютных монархий, сопровождающейся одновременной кристаллизацией выдающегося и могущественного среднего класса, который теперь стал играть роль в покровительстве искусству. Дворцы в стиле барокко были построены в расширенном и монументальном масштабе, чтобы продемонстрировать мощь и величие централизованного государства, явление, которое лучше всего демонстрируется в королевском дворце и садах Версаля.В то же время развитие рынка картин для среднего класса и его стремление к реализму можно увидеть в работах братьев Ленена и Жоржа де Ла Тур во Франции и в различных школах голландской живописи 17-го века. (Подробное обсуждение этого явления см. Рембрандта ван Рейна.)

Третья тенденция заключалась в новом интересе к природе и общем расширении интеллектуальных горизонтов человека, чему способствовали достижения в науке и исследования земного шара.Это одновременно породило новое ощущение как человеческой незначительности (особенно чему способствовало смещение Земли по Копернику из центра вселенной), так и неожиданной сложности и бесконечности природного мира. Развитие пейзажной живописи 17-го века, в которой люди часто изображаются в виде крошечных фигур в огромном естественном окружении, свидетельствует об этом меняющемся осознании условий жизни человека.

Искусство и музыка в период барокко

От музыки до костюмов и сценических элементов: фильм Quantum The Winter’s Tale удачно изображает период барокко с добавлением современной интерпретации.Но, войдя в театр, вы, возможно, задаетесь вопросом… Что определяет искусство барокко? Какие обычаи были у людей в то время? Каково было бы посетить спектакль 17 века?

Произведенный от португальского barroco , или «жемчужина необычной формы», термин «барокко» широко использовался для описания периода в западноевропейском искусстве и музыке с 1600 по 1750 год. Сравнение с деформированной жемчужиной было сделано критиками, которые описал музыку эпохи Баха и Генделя как чрезмерно разукрашенную и преувеличенную.«Барокко» теперь представляет собой удобную ловушку для одного из самых богатых и разнообразных периодов в истории, когда была принята теория Коперника XVI века о том, что планеты не вращаются вокруг Земли, работы Галилея, знакомящей людей с космосом, достижения в области технологий, такие как изобретение телескопа, и великие мастера, такие как Рубенс, Рембрандт и Шекспир, которые предлагали уникальные перспективы через свое искусство. Европейские страны были вовлечены во внешнюю торговлю и колонизацию, и рост нового среднего класса вдохнул жизнь в художественную культуру, которая долгое время зависела от прихотей церкви и двора.

Жизнь в период барокко была основана на классе. На вершине стояла знать, жившая роскошно. Ниже их были дворяне. Джентльмены были не совсем богатыми, но, безусловно, зажиточными. Ниже их были йомены, фермеры, владевшие собственной землей, которые жили в комфортных условиях, но часто работали вместе со своими людьми. Ниже них шла масса населения, ремесленников, арендаторов и рабочих. Композиторы зарабатывали на жизнь написанием музыки только в том случае, если им посчастливилось получать зарплату в политическом или религиозном учреждении.Музыкальные потребности этого учреждения, таким образом, продиктовали музыку, которую создавал композитор, открыв нам захватывающее окно в историю.

МУЗЫКА

Считалось, что музыка является мощным средством коммуникации и может вызвать у слушателей любые эмоции. Аспекты, определяющие музыку барокко, - это различие между громким и мягким, соло и ансамблевым (как в концерте), разными инструментами и тембрами. Многие из известных композиторов первой половины периода барокко родом из Италии, в том числе Монтеверди, Корелли и Вивальди.К середине восемнадцатого века акцент смещается на немецких композиторов Баха и Генделя.

Считалось, что музыка является мощным средством коммуникации и может вызвать у слушателей любые эмоции. Обладая этой потенциальной силой, композиторы начали расширять сложность музыкального исполнения, вводя такие элементы, как кантата, концерт, соната, оратория и опера. Большая часть музыки барокко предназначалась для церквей и домов богатых покровителей. Тем не менее, в течение периода барокко публичные выступления стали более распространенными, особенно для оперы, а к концу периода барокко средний класс стал активными участниками музыкального мира.

«Давид с головой Голиафа», Караваджо

АРТ.

Искусство эпохи барокко процветало и процветало. Популярность стиля барокко поощрялась и спонсировалась католической церковью для изображения религиозных тем через прямое эмоциональное вовлечение. Период барокко был наполнен детализированными картинами и скульптурами, возглавляемыми такими художниками, как Караваджо, Бернини и Вермеер.

АРХИТЕКТУРА

Берлинский собор

Архитектура барокко началась как выражение триумфа католической церкви и была построена, чтобы выразить ее богатство и мощь.Барокко характеризуется новыми исследованиями формы, света и тени и драматической интенсивности. Многие компоненты архитектуры барокко были намеренно оставлены незавершенными, но включали резкое использование цвета и орнамента. Многие сооружения включают большие купола, интерьеры которых покрыты картинами и скульптурами.

ТЕАТР

Барочный театр в Крумлове

В период барокко поход в театр был волнующим событием для людей.Войдя в театр, они были окружены изысканной архитектурой и статуями в стиле барокко и познакомились с революционно новой музыкой Вивальди или Баха. Великие достижения в области сценического оборудования и дизайна открыли совершенно новый жанр спецэффектов, воссоздающих мифологические чудеса, чудеса и космологические путешествия перед очарованной публикой. Физическая энергия, тепло тела и даже пот и слюна прославленных артистов были ощутимо близки зрителям, особенно тем, кому повезло (и достаточно богатым), чтобы сидеть на стульях на сцене рядом с актерами.Театр также стал местом, где публика в стиле барокко могла узнавать и размышлять о текущих проблемах и событиях. Вся эта творческая деятельность и теоретизирование превратили театр в интеллектуальную и образную модель для понимания мира во всех его аспектах.

Перейдите по этой ссылке, чтобы узнать больше о подходе Quantum к барокко!

- Исследования и вклад Кейт Берджесс

ПЕРИОД БАРОККИ (1600-1750)

ПЕРИОД БАРОККИ (1600-1750)

От Hylton, J.Б. (1995) Комплексное образование в области хоровой музыки, Энглвуд Клиффс, Нью-Джерси: Prentice-Hall, Inc., 171-176.

ПЕРИОД БАРОККИ (1600-1750)

Переход от ренессанса к музыкальному стилю барокко начался в конце шестнадцатого века. Полихоральные мотеты венецианской школы с двумя или более независимыми хорами, сопоставленными друг с другом, чтобы использовать полученный цветовой контраст, послужили почвой для барочного представления о конфликте. Композиторы венецианской школы также использовали в своей музыке большие исполнители, в том числе хоры инструменталистов.Это привело к развитию стиля концертато, в котором игра солиста или небольшой группы игроков контрастировала с игрой всего ансамбля. Этот стиль композиции привел к развитию концерта. Концерт, конечно же, является инструментальной формой, и в эпоху барокко инструментальная музыка приобрела гораздо большее значение, чем раньше.

Изучение мадригалов Монтеверди, написанных за пятидесятилетний период, выявляет многие стилистические изменения, которые ознаменовали переход от Возрождения к барокко.Ранние мадригалы Монтеверди (написанные в 1587–1603 гг.) Были составлены в стиле высокого Возрождения. Сходные по характеру с работами Маренцио в использовании хроматизма, они, тем не менее, начинают отход от идеала равенства голосов и движутся в сторону барочного представления о полярности сопрано-баса. Напротив, его последние четыре книги мадригалов (написанные в 1605–1638 годах) включают независимые инструментальные секции, контрастирующие с хоровыми интермедиями (стиль концертато) и все более широкое использование фигурного баса.

Несколько пар контрастирующих терминов были применены к «старому стилю» музыки эпохи Возрождения и «новому стилю» барокко. Stile Antico и Stile Moderno - одна из таких пар. Другой, использованный Монтеверди, был prima prattica и seconda prattica. В первой половине семнадцатого века эти два стиля сосуществовали, причем более ранний стиль чаще всего использовался в духовной музыке, в то время как новый стиль был очевиден в светской музыке, особенно в операх раннего барокко.

Текст имел огромное значение для композиторов эпохи Возрождения и барокко.Однако подходы к нему заметно различались. Идеалом эпохи Возрождения было несколько независимых вокальных линий, каждая со своими интонациями и акцентом. В период с начала до середины семнадцатого века тенденция отклонялась от этого полифонического идеала, в сторону сопрано-басовой полярности, в которой пела единственная мелодия и играла фигурная басовая партия на аккомпанирующем инструменте или инструментах. К эпохе позднего барокко, в первой половине восемнадцатого века, популярность полифонии вернулась.Многоголосие позднего барокко отличалось от полифонии Возрождения: оно было основано на тональной гармонии и характеризовалось энергичным, метрически продуманным, движущим ритмом.

Традиция полного участия исполнителя в решениях, касающихся темпа, артикуляции, орнамента и других вопросов, продолжалась с эпохи Возрождения до эпохи барокко. Ожидалось, что клавишники, представленные фигурной басовой партией, «осознают» это, заполняя аккорды, добавляя орнаменты и иным образом украшая свою игру.Ожидалось, что певцы, особенно солисты, импровизируют украшение и проработку мелодии, найденной в партитуре.

Хотя все стилистические изменения, упомянутые здесь, произошли в течение десятилетий, 1600 год широко принят как удобная, хотя и в некоторой степени условная дата, чтобы отметить конец Возрождения и начало барокко. Также следует отметить, что многие, если не все эти изменения взаимосвязаны. Например, переход от полифонической текстуры к сопровождаемой мелодии был тесно связан с переходом от модальности к системе тональности мажор-минор и использованию фигурного баса.Возрастающее значение новых инструментальных форм росло за счет использования зависимых инструментальных партий, в отличие от хоровых. Суммарное влияние всех этих изменений, вместе взятых, продвинуло музыку вперед в новую эру.

Важные формы

В период барокко некоторые важные хоровые формы, такие как осел и мотет представляют собой продолжение развития идей эпохи Возрождения. Другие, такие как кантата и оратория, были созданы заново или приобрели новую форму. важность с точки зрения стилистического развития.Некоторые формы пересекли границы священного и светского. Кантаты Баха, например, включали обе классификации. Для целей данного обсуждения опера не считается. Краткое определение каждого из важных хоровых произведений в стиле барокко. формы представлены здесь.

Гимн.

Традиция исполнения гимна, начатая в елизаветинской Англии Гиббонсом, Берд, Таллис и другие продолжили барокко, достигнув его высшей точки в гимны Перселла и Генделя. Гимн барокко был сложнее, чем эпохи Возрождения, использующей речитативы, инструментальные аккомпанементы с континуо, независимые инструментальные части и интерлюдии, а также сложное соло проходы.

Кантата.

Произведено от итальянского слова cantare, означающего «чтобы петь ", кантата возникла в семнадцатом веке как расширенная пьеса сопровождал светскую музыку речитативами и ариями. В Германии лютеранская хорал послужил основой для расширенной обработки в "хоральной кантате", священное произведение, написанное для солистов, хора и оркестра, и доведенное до его высшая разработка J.S. Бах.

Мадригал.

В эпоху барокко мадригал продолжал оставаться популярным и стал воплощением «нового стиля» в форме мадригала континуо, разработанного Монтеверди, использующий фигурный бас и включающий секции для соло, дуэта или трио с континуо и контрастными секциями для инструментов с секциями для хор.

Magnificat.

Музыкальное оформление песнопения Девы Марии из первой главы Евангелия от Луки. Полифонические настройки были написаны еще в четырнадцатом веке. Магнификат является частью католической службы вечерни и англиканской службы вечерни. Монтеверди, Хасслер, Перселл и, что наиболее важно, Бах написали важные настройки этого текста.

Массачусетс

В период раннего барокко месса имела тенденцию быть консервативной музыкальной формой, похожей по стилю на франко-фламандскую мессу шестнадцатого века.По мере развития семнадцатого века массы начали использовать стиль концертато и инструментальное сопровождение. Эти разработки привели к тому, что пять масс И.С. Баха, чья месса си минор является одним из выдающихся памятников западной музыки. В отличие от других его мессов, месса си минор длится два часа и делит обычное на двадцать пять отдельных частей, характеризующихся широким спектром выразительных и музыкальных приемов.

Motet.

Мотеты венецианской школы были написаны в стиле концертато с использованием цветов контрастирующих хоровых и инструментальных сил.Шютц, Монтеверди и Люлли написали песнопения, в которых использовались самые разные силы, текстуры и эмоции. Это привело к появлению многочастичного мотива позднего барокко, примером которого являются произведения Баха и Букстехуде.

Оратория.

Обстановка священного или героического текста для хора, солистов и оркестра. Детали рассказа переданы через речитатив. Подобно опере по характеру, оратория не ставится, а певцы не одеваются в костюмы. Первым крупным композитором оратории был Кариссими.Наивысшего расцвета барочная оратория достигла в творчестве Генделя.

Страсть.

«Страсть» - это музыкальное оформление событий конца жизни Христа, от Тайной вечери до Распятия. Рассказ ведется речитативами в исполнении евангелиста. Другие солисты исполняют речитативы и арии, а роль хора варьируется от пения хоралов, более сложных созерцательных хоровых секций и секций турбы, в которых хор принимает на себя идентичность толпы.

Te Deum.

Первые слова этого текста, «Te deum laudamus», означают «Мы славим Тебя, Бог». Его поют в католическом офисе утрени, на англиканской утренней молитве и в других праздничных священных и светских случаях. Перселл и Гендель написали значимые музыкальные настройки Te Deum.

Вечерня.

Вечернее богослужение по римско-католическому обряду. Вечерня включает в себя серию псалмов, гимн и магнификат. Вечерня Монтеверди 1610 года с участием хора и инструменталистов была написана в стиле концертато.Это самый важный образец формы в стиле барокко.

Композиторы

В первой половине периода барокко преобладали два композитора. В их музыке воплощены многие элементы перехода от стиля ренессанс к стилю барокко. Этими двумя композиторами были Клаудио Монтеверди (1567–1643) и Генрих Шютц (1585–1672).

Родившийся в Кремоне, Италия, Монтеверди написал восемь книг мадригалов, три мессы, вечерни, магнификаты и мотели. Он написал не менее двенадцати опер, три из которых сохранились.Как упоминалось ранее, музыка Монтеверди иллюстрирует переход от prima prattica к seconda prattica, от полифонии эпохи Возрождения к гомофонии барокко.

Шютц был величайшим немецким композитором семнадцатого века. Родился в Саксонии, учился у Габриэли в Венеции. Музыка Шютца разнообразна, что отражает его долгую жизнь и разнообразные условия, в которых он работал. Его первыми опубликованными сочинениями были итальянские мадригалы. Он был лютеранином, и его священные сочинения были написаны для лютеранской церкви.Шютц написал несколько очень разнообразных сборников песнопений, а также ораторий и страстей.

Другими важными композиторами раннего барокко являются Жан-Батист Люлли (1632–1687), Ян Питерсоон Свелинк (1591–1652), Иоганн Герман Шейн (1586–1630) и Чакомо Кариссими (1605–1674). Особое значение имеют пятнадцать ораторий Кариссими. Они содержат речитативы, арии, хоровые части и инструментальные интермедии с использованием разнообразных текстур.

В период позднего барокко преобладали произведения Баха и Генделя, которые составляют важную часть хорового репертуара, исполняемого сегодня.Среди других крупных композиторов этого периода - Дитрих Букстехуде (1637-1701), Марк-Антуан Шарпантье (1634-1704), Генри Перселл (1659-1695), Георг Филипп Телеман (1681-1767) и Антонио Вивальди (1675-1741). .

Музыка Иоганна Себастьяна Баха (1685-1750) представляет собой кульминацию двух веков музыкального развития, предшествовавших ей. Хоровая, оркестровая и клавишная музыка Баха демонстрирует удивительное разнообразие выразительности, техники и организации. Его хоровое произведение включает шесть мотетов, магнификат, пять месс, триста кантат и две полные страсти.

В то время как все хоровые произведения Баха составляют важную часть репертуара, два произведения являются хоровыми памятниками: месса си минор и страсти по Матфею. Кроме того, сотни кантат Баха включают в себя широкий спектр уровней сложности, и некоторые из них могут исполняться хорами с ограниченным опытом и ресурсами. Относительно скромные ресурсы, необходимые для исполнения многих кантат Баха, вполне объяснимы, поскольку он написал большинство из них для исполнения своим церковным хором в Лейпциге и был ограничен доступными финансами и персоналом.Хотя его певцы регулярно находились под его руководством, инструменталисты, составлявшие оркестр, набирались на разовой основе и фактически, вероятно, читали музыку во время выступления.

Георг Фридрих Гендель (1685-1759) родился в Галле, Германия. Гендель был космополитом, путешествовал в Италию на три года в 1707 году и жил в Лондоне с 1711 года до своей смерти. Его хоровое выступление включало двадцать одну ораторию, три Te Deums, четырнадцать гимнов и две страсти.Его оратории были предназначены для концертных выступлений, а не для использования в церкви. Это были музыкальные повествования о жизни героев из Библии и мифологии. Самая известная оратория Генделя «Мессия» нетипична остальным, поскольку представляет собой серию размышлений о жизни Христа и ее значении, а не драматическое повествование о последовательности событий.

Стиль барокко

Исполнение хоровой музыки в стиле барокко требует жизни и энергии.Это музыка, полная эмоций. В музыке барокко существует тенденция к единству эмоций в рамках данного раздела композиции. Это проистекает из идеи барокко о том, что человек находится под контролем одного аффекта или эмоции в любой момент времени. Но это не значит, что музыка должна быть безэмоциональной. В хоровом произведении в стиле барокко может быть выражено больше явных эмоций, чем в музыке эпохи Возрождения. Контраст эмоций должен достигаться по мере того, как одна часть заканчивается, а другая начинается в новом темпе и с новой динамикой.

Террасная динамика, при которой динамические изменения происходят между частями музыки (в отличие от длинных крещендо и декрещендо внутри частей), является типичной музыкальной характеристикой барокко. Точно так же темп барочной композиции должен быть постоянным в каждой части произведения. Между секциями возникают резкие контрасты темпа.

Тон, который будет использоваться в мессе в стиле барокко, более крупный и драматичный, чем тот, который был бы уместен для настройки того же текста шестнадцатого века.Более свободный подход к вибрато наряду с более широким динамическим диапазоном помогает различать два стиля.

Использование оркестра для сопровождения хоровой музыки в стиле барокко добавляет разнообразия имеющейся цветовой гаммы и подчеркивает потребность хоровых исполнителей в пении с теплотой и проекцией.

Похожие записи

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *