Модный рисунок: D1 8d d1 81 d0 ba d0 b8 d0 b7 d0 bc d0 be d0 b4 d0 b0 картинки, стоковые фото D1 8d d1 81 d0 ba d0 b8 d0 b7 d0 bc d0 be d0 b4 d0 b0

На протяжении большей части первого десятилетия 20-го века мода в основном демонстрировала сезонные модификации, а не какие-либо фундаментальные изменения. Однако по мере развития века концепция «естественной фигуры» изгнала корсетную и преувеличенную S-образную фигуру, которая была модной в начале десятилетия.Эти нововведения, явившиеся значительным освобождением для женщин, сопровождались появлением ярких и ярких цветов.

«Оригинальность и роскошь»: Дом Paquin

В 1890 году Жанна Пакен (1869–1936) и ее муж Исидор Пакен открыли свой Maison de Couture Rue de la Paix в Париже, недалеко от знаменитого Дома Worth. Вскоре Paquin прославилась тем, что использовала цветную подкладку для печальных черных пальто и добавляла украшения из кружева или богатой вышивки к черным платьям.Новаторское, но в то же время тонкое использование меха стало одним из фирменных знаков дома. В эпоху, когда модная реклама только зарождалась, Жанна Пакен была первым кутюрье, отправившим манекены на модные гонки в Лоншан и Шантийи.

В 1900 году Жанна Пакен была избрана президентом секции моды Всемирной выставки, и на протяжении всей своей карьеры многие ее творения участвовали в этих международных ярмарках. Оригинальность и роскошь дизайнов Paquin вскоре укрепили международную репутацию модного дома.Одним из ее величайших достижений было открытие зарубежных филиалов в Буэнос-Айресе, Мадриде и Лондоне — она ​​была первым парижским кутюрье, сделавшим этот шаг, и многие последовали ее примеру. Она была первой женщиной в своей области, удостоенной Почетного легиона в 1913 году.

После смерти Жанны Пакен в 1936 году дом перешел в руки испанского модельера Антонио Кановаса дель Кастильо. Paquin купил House of Worth в 1953 году, но закрыл свои двери 1 июля 1956 года. V&A имеет великолепную коллекцию альбомов Paquin, выпущенных с 1897 по 1956 год.

1910-е

1910-е годы были периодом кардинальных перемен в моде. Хотя многие тенденции уходят корнями в моду предыдущего десятилетия, Первая мировая война закрепила движение к более практичной и менее строгой одежде. По мере того как женщин вызывали на фабрики и в офисы, модная одежда упрощалась и укорачивалась.

Флорри Вествуд

Флорри Вествуд (даты неизвестны) была лондонским дизайнером, работавшим в начале 20 века. О ней мало что известно, кроме ее рисунков, из которых мы видим, что она создавала элегантную элитную, хотя и консервативную моду.Многие сотни ныне анонимных портных и дизайнеров, подобных ей, существовали в городах по всей стране до середины 20-го века, когда в моде преобладала готовая массовая одежда.

1) Флорри Вествуд, дизайнер одежды, Лондон, 1918–199. Музей № E.1539-1977

1) Три «оригинальных дизайна» на снимке 1918-1919 годов очень типичны для конца 1910-х годов. Они отличаются высокой талией и женственными материалами и цветами. Они также предвосхищают андрогинный образ 1920-х годов с их линейными прямыми силуэтами.Рядом с платьями написано следующее описание дизайнеров:

‘Слева: платье из розовато-лиловой тафты и нинона со вставкой из кружева цвета слоновой кости. Кушак выполнен из розовато-лиловой ленты в тон платью.

В центре: Простое вечернее платье из синего атласа и розового тюля. Широкий кушак — это анютиная черная лента с яркими аппликациями оранжевых цветов.

Справа: платье из креп-жоржета цвета слоновой кости с двумя глубокими полосами из самоматериала персикового цвета. Прошивка — очень тонкое кружево.’

2) На этой модной иллюстрации изображены три дизайна вечерних платьев, нарисованные карандашом и разноцветными красками. Подписано и датировано художником. Подобная коллекция дизайнов, представленная вместе, демонстрирует растущую тенденцию женщин отказываться от ограничительных корсетов. В первые годы 1910-х дизайнеры начали продвигать использование более легких и мягких тканей, чтобы сделать свои творения более плавными. Этот новый подход, ориентированный на плавность, контрастировал с жесткими силуэтами S-Bend предыдущих десятилетий.

3) Эти четыре разных дизайна зимних пальто от Флори Вествуд датированы 15 января 1919 года. Они подчеркивают новую моду на модели с прямым силуэтом и длиной до щиколотки. Они также демонстрируют новую форму (более высокий охват шеи и более широкий охват плеч) меховых воротников и манжет.

3) Флорри Вествуд, модельер, Лондон, 1919. Номер музея. E.1538-1977

2) Флорри Вествуд, дизайнер одежды, Лондон, 1918. Номер музея. E.1536-1977

Мелани Вермонт

Рисунки Мелани Вермонт (1897–1972) из ​​коллекции Виктории и Альберта были переданы музею миссис М.Голдфлейм, племянница художника. В то время Мариано Фортуни (1871–1949), испанский дизайнер из Венеции, изобрел новый особый процесс складывания и новые методы окраски для своих платьев. Его новаторские проекты вдохновляли других дизайнеров, но также пользовались огромным успехом, поскольку давали женщинам свободу передвижения, которой они так жаждали.

4) Эти два дизайна вечерних платьев карандашом, выполненные Мелани Вермонт на изображении справа, являются хорошими примерами того, как в то время дизайнеры все чаще использовали струящийся материал, который позволял им создавать платья со сложными драпировками, тем самым отойдя от них. от ограничительных корсетов, модных в предыдущее десятилетие.В первые годы 1910-х дизайнеры начали продвигать использование более легких и мягких тканей, чтобы сделать свои творения более плавными. Этот новый подход, ориентированный на плавность, контрастировал с жесткими силуэтами S-Bend предыдущих десятилетий. Туника правого дизайна изготовлена ​​из плиссированного материала.

5) На этой иллюстрации показаны пять дизайнов костюмов для девочек, выполненные карандашом и цветной заливкой. В этом десятилетии акцент в детской одежде сместился с талии на бедра, а платья и юбки также стали короче (выше колена), как показано на этих рисунках.На центральной фигуре зеленое дневное платье с плиссированной юбкой и замысловатым поясом, который сочетается с ее маленьким воротником и манжетами на рукавах. Также показаны два дизайна пальто. Вторая фигура слева носит бело-красное короткое пальто в клетку с пуговицами Аламо, тогда как следующая фигура справа носит бело-синюю полосатую куртку с темно-синим воротником и соответствующими манжетами.

4) Мадлен Вермонт (1897-1972), модный дизайн, Лондон, 1913. Номер музея. E.957-1977

5) Мадлен Вермонт (1897-1972), модный дизайнер, Лондон, 1913.Музей № E.954-1977

1920-е годы

На развитие моды после войны во многом повлияло изменение отношения женщин. Более молодые женщины были воодушевлены своей независимостью во время войны и сознательно пренебрегали стилевыми предпочтениями поколения своих матерей в отношении оборок, оборок и кружева. Они подстригли волосы и носили юбки до колен с простыми линейными платьями, которые придавали им мальчишеский силуэт.

Норман Хартнелл

6) Норман Хартнелл (1901-79), дизайнер одежды, Лондон, 1920-е годы.Музей № E.29-1943

Уроженец Лондона Норман Хартнелл (1901 — 79) основал свой дом моды в 1923 году и вскоре прославился своими роскошными и романтическими вечерними нарядами и свадебными платьями. Хартнеллу приписывают введение длинных юбок, которые ознаменовали конец эры хлопушек, и его дизайн был востребован утонченной британской «элитой».

Хартнелл, очень «светский» портной, однако, возможно, наиболее известен своими давними связями с английской королевской семьей.Он разработал платье, которое королева Елизавета носила на свадьбе с принцем Филиппом, герцогом Эдинбургским в 1947 году, а также платье для коронации в 1953 году. В 1977 году Хартнелл был назначен KCVO, первым рыцарским званием, присвоенным за заслуги перед модой.

6) Хартнелл разработал это платье с учетом двух материалов: нижнее платье выполнено из твердого материала и покрыто шифоном от плеча до подола. У платья вырез «лодочка» с узкими рукавами до локтей с развеской окантовкой «гребешок».Это соответствует подолу платья. Хартнелл дополнила дизайн поясом из бисера с кисточками, сочетающимся с полоской из бисера на рукавах. Также в дизайне изображена большая повязка на голову со сверкающей вышивкой. Простота и изящество этого платья идеально подошли бы для модных коктейльных вечеринок той эпохи.

Хильда Стюард

О Хильде Стюард мало что известно, кроме ее рисунков, по которым мы можем видеть, что она создавала элегантную одежду высокого класса.Многие сотни ныне анонимных портных и дизайнеров, подобных ей, существовали в городах по всей стране до середины 20 века, когда в моде стала преобладать готовая одежда массового потребителя.

7) Это вечернее платье без рукавов, созданное Хильдой Стюард в 1920 году, похоже, выполнено из атласа с короткой кружевной трехслойной верхней юбкой, свисающей с пояса. Ремень немного выше талии спереди и поддерживает верхнюю юбку только сбоку назад, оставляя переднюю часть полностью свободной.

На фигуре браслет выше локтя и большая повязка на голове, типичная для 1920-х годов, для удержания новой короткой модной стрижки. Подпись дизайнера появляется в правом нижнем углу в виде двух ее инициалов, пересекающихся друг с другом, включая дату, идущую рядом с ней в вертикальной полосе.

8) Это дизайн оранжевого дневного платья с верхней юбкой, образованной двумя плиссированными вставками. Фигура держит меховую накидку, похожую на соболью; он сочетается с некоторыми меховыми деталями платья, в том числе на подоле.У черной шляпы с большими полями есть два страусиных пера.

На поясе должно быть золотое украшение. Подпись дизайнера появляется в правом нижнем углу в виде двух ее инициалов, пересекающихся друг с другом, включая дату, идущую рядом с ней в вертикальной полосе.

8) Хильда Стюард, дизайнер одежды, Лондон, 1923. Номер музея. E.1039-1988

7) Хильда Стюард, дизайнер одежды, Лондон, 1920. Номер музея. E.1045-1988

Виктор Штибель

Виктор Штибель (1907 — 73) родился в Южной Африке в 1907 году, но поселился в Англии в 1924 году.Проработав три года в Доме Reville, он открыл свой собственный дом моды в 1932 году. Член-основатель Объединенного общества лондонских модельеров, Штибель был назначен его председателем в 1946 году. Штибель был очень успешным, и его клиентура включала ведущих актрисы дня, но также члены королевской семьи и представители аристократии. Он создал прощальный наряд для принцессы Маргарет после ее свадьбы с лордом Сноудоном в 1960 году.

Дизайны Виктора Штибеля в коллекциях Виктории и Альберта охватывают период с 1927 по 1935 год.

9) Лицо модели на этом рисунке с сильно подчеркнутыми глазами следует традиции, установленной звездой немого кино Тедой Бара, которая популяризировала слово «вампир» (сокращение вампира, которое она сыграла в одном из фильмов). в ее фильмах) означало хищную самку, чьи глаза, обведенные холом, были ее самой запоминающейся особенностью.

Комбинация волос и ободка на шее делает акцент на глазах и кроваво-красных губах. Обнаженное левое плечо уравновешивается весом волос, находящихся также слева, в то время как обнаженное плечо и нога, одновременно обнаженные и скрытые тканевыми полосками, намекают на намерение и скрытые удовольствия.

10) Это дизайн Stiebel для вечернего платья в черном и серебряном цвете с аппликацией или вышивкой в ​​виде змеи, обернутой вокруг него от неровного подола до корсажа. Он поразителен и оригинален во всех деталях. Внутренняя часть платья на зеленой подкладке — это контрастирует с черным цветом снаружи.

Платье имеет квадратный вырез с широкими бретелями. На модели жемчужное чокер с соответствующими серьгами и браслетом. Короткая стрижка каре с челкой была типичной для этой эпохи.На оправе этой конструкции есть небольшой набросок платья.

9) Виктор Штибель (1907-76), модельер, Лондон, 1928. Номер музея. S.545-1983

10) Виктор Штибель (1907-73), модельер, Англия, около 1927 года. E.1077-1983

1930-е годы

После краха 1929 года и Великой депрессии новое, более приземленное отношение, навязанное миру, открыло огромные возможности для новой простоты, как это сформулировала Коко Шанель (1883–1971).В Великобритании мода стала более эклектичной, но в то же время более женственной и изящной, и к 1930 году «мальчишеский» образ исчез.

Виктор Штибель

11) Дизайн одежды Виктора Штибеля, Лондон, 1933. Номер музея. S.544-1983

С середины 19 века кутюрье одевали крупных театральных звезд. Виктор Штибель (1907–1976) создавал спектакли во время учебы в университете, а затем работал дизайнером одежды в Доме Reville. В 1932 году он открыл свой собственный дом моды и вскоре стал востребован для создания современных костюмов для ведущих актрис.Мэри Эллис, для которой был разработан этот костюм, была ведущей актрисой и певицей, и одеть ее в престижный мюзикл, написанный Джеромом Керном и Оскаром Хаммерстайном II и спродюсированный Си Би Кокраном, было бы отличной рекламой для молодого кутюрье. Он разработал все ее платья в постановке и платья для ее партнерши, Евы Листер, а также всю современную одежду в зоопарке и репетиционных сценах; Остальные костюмы были из гардероба Cochran и костюмерной фирмы Morris Angel & Son.

11) Платье было верхом шика, с огромными плиссированными плечами, жирным бантом, коротким жакетом и длинной юбкой. Перчатки-перчатки помогали уравновесить широкие плечи, а большой лук привлекал внимание к лицу. Хотя дизайн выполнен в бледно-оранжевом цвете, в примечаниях указано, что он должен быть выполнен из атласа зеленовато-зеленого цвета, контрастирующего с матовой тканью юбки и экзотическим мехом перчаток. Такой дизайн должен был льстить владельцу, а не подчиняться дизайнеру, и у ведущей леди было бы одобрение и, возможно, даже выбор от кутюрье.

12) Расклешенная нижняя юбка синего платья от Stiebel — образец нового кроя, представленного в этом десятилетии. Крой отличается своей простотой, и Stiebel представил воротник с бантом и высокие манжеты, украшенные разноцветной лентой, чтобы нарушить однообразие.

Эти детали подходят к тонкому оранжевому ремню. Надпись карандашом: «Прилагаю ленточки нужного мне типа для воротника и манжет».

13) В 1930-е годы стало модным носить «домашние пижамы» — брюки с широким низом из мягкого материала.Этот дизайн Виктора Штибеля показывает, как эту концепцию можно трансформировать для более официальных мероприятий — от домашних коктейлей до круизных вечеринок.

Подобные рисунки были созданы дизайнером-сюрреалистом Эльзой Скиапарелли. Вырез на шее у Stiebel, верх без рукавов прекрасно контрастируют с широким низом брюк. В дизайн входят ярко-оранжевые перчатки, шляпа с полями и подходящая обувь.

12) Виктор Штибель (1907-76), дизайнер одежды, Лондон, 1934-5. Музей № E.1075-1983

13) Виктор Штибель (1907-76), дизайнер одежды, Лондон, 1934-5.Музей № E.1074-1983

Норман Хартнелл: создание королевской семьи

14) Дизайн одежды, Норман Хартнелл, Лондон, 1936–199. Музей № E.37-1943

В 1935 году Норман Хартнелл получил свой первый королевский заказ, и с этого момента вплоть до своей смерти в 1979 году он продолжал создавать оригинальные дизайны для королевской семьи, важных членов британского общества, а также международных деятелей. Коллекции V&A содержат множество примеров довоенного дизайна Хартнелла, отражающих его очень изысканное, элегантное и непревзойденное использование материала и вышивки.Эти два платья After Six были созданы для Ее Королевского Высочества принцессы Елизаветы; оба очень женственные и нежные.

14) Это вечернее платье было разработано для H.M. Королева Елизавета. Карандашная надпись «Гала» внизу страницы говорит о том, что она была создана для важного события. Платье полностью покрыто множеством цветных последовательностей и, несомненно, ослепило бы других гостей. Горловина-лодочка также отделана пайетками; рукава три четверти длины, расшиты до кончика плеча.

На спине — длинный отдельный шлейф, также полностью расшитый по краю с голубыми и розовыми пайетками в форме пирамид. Королева изображена в бриллиантовой тиаре. Этот ансамбль дополнен замысловатым жемчужным ожерельем и подходящими серьгами. На левом плече Королева также изображена с королевским поясом, поддерживаемым драгоценными камнями с рубинами и бриллиантами. Это платье демонстрирует мастерство Хартнелла в создании платьев со сложной вышивкой.

15) Этот дизайн представляет собой ярусное платье с пышной юбкой, с тонкой талией и многоярусной кокеткой, образующей объемные короткие рукава.Юбка перешита голубой лентой, которая подчеркивает разные слои. Платье можно носить с соответствующими украшениями и перчатками.

Вторая модель из розовой сетки с заостренной талией, которая удерживает пышную юбку из сетки, перевязанную бледно-голубой лентой. Боди украшено декольте в форме сердца, обшитым такой же голубой лентой, а рукава преувеличенно короткими и объемными. Вдобавок на шее слева есть украшение из цветов.

16) Этот дизайн формального вечернего платья был специально создан для H.М. Королева Мэри. Платье ниспадает прямой линией с небольшим шлейфом на спине. Удлиненная линия v-образного выреза отделана кружевом.

Поверх платья он создал свободный жакет с рукавами, отороченными мехом норки и отороченными кружевом. Завершает этот роскошный ансамбль великолепный ряд драгоценных камней на шее и сверкающая диадема.

16) Норман Хартнелл (1901-79), дизайнер одежды, Лондон, 1930-е годы. Музей № E.19-1943

15) Норман Хартнелл (1901-79), дизайнер одежды, Лондон, 1930-е годы.Музей № E.15-1943

1940-е годы

Вторая мировая война оказала глубокое влияние на моду, и она стала регулироваться и оформляться правительственными постановлениями. Однако, несмотря на эти строгие правила и жестокие потрясения, вызванные войной, дизайн от кутюр, возглавляемый группой талантливых портных, процветал.

The New Look

«Я разработала одежду для женщин, похожих на цветы, с округлыми плечами, полными женскими бюстами и широкой талией над огромными раскидистыми юбками.’

Этими словами Кристиан Диор (1905–57) описал влияние своей первой коллекции на весну 1947 года. В то время еще действовало нормирование и использовались строгие военные стили. Dior представил силуэты песочных часов и роскошные ткани, смягчив ранее квадратные подплечники и подтянув талию, создав ярко выраженный женственный образ. Его первая коллекция была настолько популярна, что пресса окрестила ее «New Look» и сразу же подражала дизайнерам со всего мира.

17) Дизайн одежды Марджори Филд для Field Rhoades, Лондон, 1940-е годы. Музей № E.426-2005

17) Этот рисунок Марджори Филд изображает женщину в сшитом на заказ костюме с принтами и большой шляпе, украшенной перьями с обеих сторон. По линии талии жакета нашиты двухрядные пуговицы, создающие впечатление узкой талии. В правой руке она держит зонтик, сделанный из того же материала, что и костюм. Марджори Филд была высококлассным лондонским дизайнером, которая быстро применила модный силуэт Dior New Look в своих нарядах.

18) Рене Грюо, родившийся в Италии (1909–2004), переехал в Париж в 1924 году и начал свою карьеру в качестве иллюстратора моды в самых престижных журналах, включая L’Officiel и Marie Claire. Его сотрудничество с Christian Dior началось в 1947 году, и Грюау, который прекрасно передал суть New Look, вскоре стал признанной фигурой в мире высокой моды. Этот рисунок был заказан для журнала мод «Femina» примерно в 1949 году.

19) Это дизайн Бернарда Блоссака (1917–2001).Блоссак был иллюстратором моды, который регулярно рисовал для Vogue, L’Officiel и Harper’s Bazaar. На этом рисунке изображено черное болеро с цветочным узором в стиле «New Look».

18) Рене Грюау (1909–2004), модная иллюстрация, Париж, 1949. Номер музея. E.397-1986

19) Бернар Блоссак (1917-2001), модная иллюстрация, Париж или Лондон, конец 1940-х. Музей № E.167-1987

Марджори Филд

Марджори Филд (Филд Роудс), дизайнер одежды, Лондон, 1940-е.Музей № E.430-2005

В V&A есть значительная коллекция высококачественных дизайнов, выполненных Марджори Филд для модной фирмы Field Rhoades. Происхождение этих дизайнов можно проследить до Гвен Мандли, художницы и друга дизайнера. Field Rhoades был зарегистрирован в лондонских уличных каталогах по адресу 77, South Audley Street, London W1 в течение 1948–49 годов; это соответствует дате дизайнов, найденных в этой коллекции. Марджори Филд также разработала дизайн под названием или для фирмы «Матита».Matita была компанией готовой одежды высокого класса, которая регулярно рекламировалась в Vogue в 1940-х годах.

20) Дизайн одежды, Урсула Штернберг-Герц, Лондон, около 1947 года. E.844-1989

Урсула Штернберг-Герц

Урсула Штернберг-Герц была уважаемой художницей, которая много выставлялась в Европе и США. В 1940-х годах она подала заявку на участие в конкурсе в текстильную фирму Ascher в Лондоне, которая была известна своей работой с художниками по созданию узоров и дизайнов для шелковых шарфов и мебельной ткани.Она выиграла 3-е место, но проработала в Ascher Studio год и много лет внештатным дизайнером.

20) Этот нарисованный эскиз модно одетой женской фигуры украшает переднюю панель папки с рисунками для тканей и одежды Урсулы Штернберг Герц, первоначально представленной Ашеру в рамках конкурса. Эта смелая и красочная доска демонстрирует важность, которую дизайнер придавал общей презентации. Надписи выполнены акварелью и гласят: «Sender Ursula Sternberg-Hertz London 30 Ch.Де Бойсфорт Брюссель и Асер Вигмор-стрит в Лондоне ». Папка скреплена зеленой бархатной лентой.

1950-е годы

Пятидесятые годы, часто ассоциируемые с подъемом молодежной моды готовой одежды, тем не менее, были плодотворным и успешным десятилетием для модного «истеблишмента», воплощенного в модных домах и традиционных портнихах. Фэшн-иллюстрация продолжала процветать во множестве издававшихся в то время журналов.

Сигрид Хант

Сигрид Хант (позже Розен) была иллюстратором и редактором моды.Она приехала в Англию из Берлина в начале 1930-х годов и работала в престижных изданиях, включая Vogue, Tatler и The Sketch. С конца 1950-х по 1971 год она работала в Германии в компаниях Sudkurrier Welt der Frau и Die Mode.

Различные подготовительные этапы, показанные для обложки журнала Tatler от 5 мая 1954 г., являются хорошим примером процесса и различных этапов журнальной иллюстрации.

Сигрид Хант, карандашный рисунок, Великобритания, 1954 год. E.687-1986

Передняя обложка Tatler, оформленная Сигрид Хант, 5 мая 1954 г.Музей № E.684-1986

Сигрид Хант, цветной дизайн, Великобритания, 1954. Номер музея. E.685-1986

Жан Демарчи

Жан Демарчи (даты неизвестны) был иллюстратором моды 1950-х годов, который работал в мягкой пастели для создания романтических, абстрактных образов высокой моды. Возможно, такие иллюстрации больше соответствовали роскошному и женственному идеалу моды, чем фотография. Эти иллюстрации, особенно из коллекции Stiebel 1953 года, демонстрируют часть этой общей эстетики в том, как они передают мягкий, тактильный характер тканей.

Однако привилегированный статус модного рисунка быстро исчез в 1950-х годах, и фотография вскоре стала более заметной в послевоенных журналах, которым требовались более резкие изображения.

21) Это изображение было нарисовано для Harper’s Bazaar примерно в 1955 году. На нем изображено гламурное вечернее платье от Christian Dior (1905–1957) с пышной юбкой и тщательно продуманным бантом.

22) На этой иллюстрации изображено вечернее платье лондонского модельера Виктора Штибеля (1907–1976), нарисованное для Harper’s Bazaar в 1953 году.Штибель любил использовать смелые контрастные полоски в своем дизайне, а также обычно ссылался на исторические платья с объемными корзинами и сумками.

21) Жан Демарши, модная иллюстрация, Париж или Лондон, около 1955 года. E.685-1997

22) Жан Демарши, модная иллюстрация, Лондон, 1953. Номер музея. E.686-1997

1960-е

До конца 1950-х и 1960-х годов подростки должны были одеваться и вести себя так же, как их родители. Однако в «Swinging Sixties» возник новый молодежный рынок, поскольку подростки восстали против эстетики и ценностей поколения своих родителей и установили свои собственные тенденции в моде и музыке.

Среди прочего была представлена ​​мини-юбка, и мода считалась очень старомодной. Лондон, а не Париж, теперь был ведущим в моде, чему способствовали школы моды и колледжи города, которые создавали творческую среду для молодых и талантливых дизайнеров.

Мэри Куант

23) Мэри Куант (род. 1934), дизайнер одежды, Лондон, середина 1960-х. Музей № E.520-1975

Дочь учителей валлийских школ Мэри Квант (род. 1934) получила диплом по художественному образованию в Голдсмит-колледже в Лондоне.Там она познакомилась с Александром Планкетом Грином, который впоследствии стал ее деловым партнером и мужем. Поступив в ученичество к модистке, Квант начала шить себе одежду. На них повлияли битники из «Челси», которых она знала, и танцевальные костюмы, которые она помнила с детских уроков.

В 1955 году, когда «мода не была предназначена для молодежи», Куант открыл Bazaar, бутик на Кингс-роуд. Она изобрела привлекательные витрины, чтобы привлечь клиентов. Ее одежда была простой формы в сочетании с яркими цветами, такими как алый, чернослив и зеленый.Цены были низкими по сравнению с ценами от кутюр.

Прославившись популяризацией мини-юбок, в 1966 году Quant была удостоена награды OBE. В начале 1960-х годов ее изделия были куплены сетью магазинов J.C. Penney для массового производства для американского рынка. Лейбл Quant начал появляться во всем мире на аксессуарах и косметике.

23) Эта модель имеет лиф-либ, длинные узкие рукава и вертикальную молнию спереди. Юбка очень короткая, оторочена по краю желтым цветом.Носятся колготки такого же цвета. Есть маленький детский воротник и очень узкий пояс с пряжкой спереди. Мини-юбки и платья были очень модной новой тенденцией в конце 1960-х и продолжались довольно долго после этого.

24) Этот смелый дизайн мини-платья цвета баклажана из замазки сделан с небольшим лифом liberty с прикрепленной к нему полной мини-юбкой. Верх платья изнутри имеет коровий вырез из желтого материала, а снаружи — бежевый с желтым.

Имеется соответствующий головной платок, пояс и манжеты.Мини-юбки и платья были очень модной новой тенденцией в конце 1960-х и продолжались довольно долго после этого.

25) В этом дизайне Мэри Куант решила не обращать внимания на талию и добавила очень короткую юбку с оборками, прикрепленную к телу платья, создав эффект «мини». Рукава очень короткие и окаймлены красной кожей Glace kid. Основное платье выполнено из трикотажной шерсти розового цвета.

Воротник и передняя прорезь окаймлены такой же гладкой кожей, что и рукава. Кожа имеет латунные проушины, позволяющие продеть шнурок для обуви.Мини-юбки и платья были очень модной новой тенденцией в конце 1960-х и продолжались довольно долго после этого.

24) Мэри Куант (род. 1934), дизайнер одежды, Лондон, середина 1960-х. Музей № E.525-1975

25) Мэри Куант (род. 1934), дизайнер одежды, Лондон, середина 1960-х. Музей № E.523-1975

1970-е

1970-е были десятилетием пионеров, когда мода превратилась в провозглашение индивидуальности. Одним из следствий этих изменений в одежде было то, что мода все в большей степени становилась предметом заботы как мужчин, так и женщин.

Модель «Manly Sweater», Патрик Колфилд для Ritva, Лондон, 1972 год. E.413-2005

Ритва и Патрик Колфилд

Трикотажная фирма Ritva была основана Майком и Ритвой Росс в 1966 году, производя революционную женскую одежду машинного трикотажа ярких цветов и облегающих форм. Они продавались в некоторых из самых модных универмагов и бутиков на Кингс-роуд, а с 1972 года — в собственном магазине Росс.

Новое направление в мужской трикотажной одежде появилось в 1969 году, когда Майк Росс разработал линию свитеров с аппликациями Ritva Man’s, вдохновленную бейсбольными рубашками (коллекция V&A включает прототип, Museum no.Т.14-2000). Каждый свитер был уникальным, со своей расцветкой.

Это привело к созданию Коллекций художников 1971 и 1972 годов, когда Росс пригласил друзей художников, включая Дэвида Хокни и Элизабет Фринк, для создания «носимых произведений искусства».

«Мужской свитер» художника Патрика Колфилда (1936–2005) с аппликациями из кожи и трубкой «trompe l’oeil» — это ироническая версия традиционной мужественности 1950-х годов. V&A также приобрело оригинальные рисунки Колфилда для свитера, и вместе они представляют собой необычный документ сотрудничества искусства и моды.

Этот рисунок на бумаге цветным карандашом содержит элемент коллажа. Один меньший лист бумаги с одним рисунком крепится к большему листу с другими рисунками. На рисунках изображены различные варианты трубки и нагрудного кармана. На одном из рисунков нагрудного кармана также изображено изображение птицы. Несколько примечаний на черном карандаше, включая имя художника и титул «P C Manly sweater».

Патрик Колфилд (1936–2005) для Ritva, дизайн одежды «Manly Sweater», Лондон, 1972 год.Музей № E.414-2005

Патрик Колфилд (1936-2005) для Ритвы, «Manly Sweater», Лондон, 1972 год. T.18-2000

John Bates

Плодовитый и изобретательный дизайнер, Джон Бейтс (род. 1938) часто использовал металлические, пластиковые и прозрачные ткани в своих творениях. Его, пожалуй, больше всего помнят как дизайнера гардероба Дайаны Ригг для телесериала «Мстители» в 1965 году.

26) Это шелковое платье 1978 года интересного дизайна с квадратными плечами, блузонным телом и пышной юбкой сложного кроя.На талии завязан пояс, а рукава имеют расклешенные манжеты, похожие на высокий воротник.

27) Этот дизайн 1974 года предназначен для длинного набивного кафтана с волнистым низом. Боковые стороны отделаны кисточками. Принт особенно красив и индивидуален, можно увидеть детализацию стилизованных цветов и птиц. Это дополняется отстрочкой по краю кафтана. Экзотический элемент этого дизайна делает его особенно ярким.

26) Джон Бейтс (род. 1938), дизайнер одежды, Лондон, 1978.Музей № E.570-1975

27) Джон Бейтс (р. 1938), дизайнер одежды, Лондон, 1974. Номер музея. E.569-1975

Зандра Роудс

Выпускница Королевского художественного колледжа Зандра Роудс (род. 1940) прославилась своими принтами на шифоне и использованием ярких ярких цветов. Британские производители сочли ее дизайн слишком экстравагантным, и в 1969 году она открыла собственный магазин на Фулхэм-роуд в Лондоне. Экстравагантный внешний вид и стиль Родса часто привлекали широкую огласку.Ей приписывают то, что она представила моду в стиле панк индустрии моды с ее коллекцией 1977 года под названием Punk Chic.

Зандра Роудс (род. 1940), дизайн шубы, Лондон, 1970-е. Музей № C.282-1974

Зандра Роудс (р. 1940), дизайн шубы, Лондон, 1970-е. Музей № C.286–1974.

Билл Гибб

28) Билл Гибб (1943-88), дизайнер одежды, Лондон, 1970. Номер музея. E.123-1978

Билл Гибб (1943–88) был модельером, чьи творения определили образ 1970-х годов.Он открыл свой бутик Alice Paul в Кенсингтоне в 1967 году. Он был спроектирован специально для молодежного рынка с чистыми линиями, несущими отпечаток современных тенденций. В 1970-х его стиль развивался в эклектичных и романтических направлениях, вдохновленных сценой хиппи, средневековой живописью и живописью прерафаэлитов.

28) Это модный дизайн для длинной юбки со складками, блузки с длинными рукавами, кружевной куртки и шляпы-клош с двумя прикрепленными образцами ткани. Этот дизайн был показан в Vogue в 1970 году и в Sunday Times среди других журналов.Этот дизайн показывает, как используются разные шерстяные ткани с контрастным цветом и рисунком.

29) Жакет дизайн с беретом.

30) Это дизайн куртки с принтом из кожи и замши с капюшоном. Кажется, что на Узоры повлияли этнические узоры. В других дизайнах в конце 70-х годов начали использовать смесь разных тканей и цветов, например, кожа с шифоном). Этот дизайн является хорошим примером того, как в этот период кожа обрабатывалась более модным и красочным способом.

29) Билл Гибб (1943-88), модный дизайн, Лондон, 1976. E.127-1978

30) Билл Гибб (1943-88), дизайнер одежды, Лондон, 1976. E.128-1978.

1980-е годы

Возрастающее значение женщин на рабочем месте потребовало новой эстетики моды, и это десятилетие стало свидетелем появления «Power Dressing». Широкие плечи с мягкой подкладкой стали модными, а женская одежда была вдохновлена ​​мужской модой и традициями пошива одежды. В этот период также была представлена ​​роскошная вечерняя одежда, примером которой являются роскошные платья Oscar de la Renta.

Олег Кассини

Олег Кассини (1913–2006) был известным американским модельером, который одевал Джеки Кеннеди во время ее пребывания в Белом доме. У Кассини также был прибыльный бизнес по продаже готовой одежды и лицензирования широкого ассортимента фирменных аксессуаров и косметики.

Дизайн одежды, Олег Кассини, США, 1988. Номер музея. E.25-2000

Дизайн одежды, Олег Кассини, США, 1988. Номер музея. E.24-2000

Билл Гибб

Билл Гибб (1943–88) был модельером, чьи творения определили образ 1970-х годов.Он открыл свой бутик Alice Paul в Кенсингтоне в 1967 году. Он был спроектирован специально для молодежного рынка с чистыми линиями, несущими отпечаток современных тенденций. В 1970-х его стиль развивался в эклектичных и романтических направлениях, вдохновленных сценой хиппи, средневековой живописью и живописью прерафаэлитов. Его романтическая эстетика была менее успешной в течение 1980-х, и он представил свою последнюю полную коллекцию в 1985 году.

На рисунке внизу справа показан дизайн для поп-звезды Линси де Поль для ее выступления на Королевском варьете в 1986 году.Выполнена в цвете, черной туши и фломастером. К этому времени бизнес Гибба разваливался, и этот проект может стать одним из его последних.

Дизайн одежды Билла Гибба, Лондон, 1986. Номер музея. E.522-1993

Эскиз костюма Билла Гибба, Лондон, 1986. Номер музея. E.523-1993

Антони и Элисон

Лондонский дизайнерский дуэт Антони и Элисон — это Антони Бураковски и Элисон Робертс. Они познакомились в 1982 году, когда изучали моду в колледже Святого Мартина.Они известны своим эклектичным и игривым дизайном, в том числе множеством лозунгов и футболок в вакуумной упаковке.

Антони и Элисон, дизайнер одежды, Лондон, конец 1980-х. Музей № E.679.2-1997

Антони и Элисон, дизайнер одежды, Лондон, конец 1980-х. Музей № E.680.2-1997

Антони и Элисон, дизайнер одежды, Лондон, конец 1980-х. Музей № E.679.2-1997

Маноло Бланик

Маноло Бланик (р. 1942) — один из самых известных и успешных дизайнеров обуви своего времени.Его творения были увековечены в эпизодах сериала «Секс в большом городе», а его имя теперь стало синонимом роскошной обуви с изысканным дизайном. За заслуги перед британской индустрией моды он был удостоен почетного звания командующего Британской империей в списке наград королевы 2007 года по случаю дня рождения.

Эти дизайны предназначены для женской обуви, возможно производство Zapata Shoes Ltd, Лондон, 1980.

Маноло Бланик (род. 1942), дизайн обуви, Великобритания, 1980. Номер музея.E.1334-1979

Маноло Бланик (р. 1942), дизайн обуви, Великобритания, 1980. Номер музея. E.1331-1979

Маноло Бланик (род. 1942), дизайн обуви, Великобритания, 1980. Номер музея. E.1332-1979

Fashion Sketching 101: How to Draw Fashion Figures

Этот пост может содержать партнерские ссылки, что означает, что мы можем получать комиссию, если вы совершаете покупки по нашим ссылкам. Пожалуйста, прочтите наше полное раскрытие здесь.

Один из краеугольных камней школы моды — это научить рисовать модные фигурки .Однако, как учатся ученики школ моды, есть большая разница между правильными пропорциями тела в искусстве и в моде.

В искусстве пропорции тела в головах . В среднем это около 7-7 1/2 голов, включая настоящую голову высокого роста.

Однако в моде , пропорции тела удлинены для лучшего представления моделей выше среднего роста. Из-за этого цифры 8-10 голов высотой .Хотя основные пропорции модной фигуры примерно одинаковы — плюс-минус 1 / 4–1 / 2 головы — каждый иллюстратор добавляет в формулу свой стиль.

Если вы хотите охватить своего внутреннего модельера или просто хотите больше узнать о школе моды, читайте дальше!

Сегодня я научу вас , как нарисовать пропорциональную модную женскую фигуру и как преобразовать размеры в позу при ходьбе. Прокрутите вниз, чтобы узнать больше:

Вам понадобятся материалы:

• Карандаш
• Ластик
• Линейка (если вы хотите быть предельно точной)
• Блокнот (да!)

Модные эскизы 101: Как нарисовать женскую модную фигуру

Шаг № 1

Проведите линию.Это линия баланса , или линия, которая определяет центр тяжести тела. Линия баланса всегда проходит от основания шеи (там, где она встречается с плечами) прямо до земли.

Шаг №2

Нарисуйте голову с серединой на линии. Чтобы нарисовать голову, нарисуйте большой круг сверху и круг поменьше под ним. Соедините эти два по бокам слегка закругленными диагональными линиями, как показано на рисунке ниже.

Шаг № 3

Измерьте голову карандашом или линейкой.Используя это измерение, нарисуйте девять маленьких черточек на равном расстоянии друг от друга, затем пронумеруйте их от нижней части подбородка (# 1) до нижней части ступней (# 10).

Шаг № 4

Для верхней половины туловища нарисуйте линии, идущие от 1 1/2 головы, 2 1/4, 3, 3 1/2 и 4 1/4 головы, как показано ниже. На этих отметках расположены плечи , бюст, талия, высокие бедра и промежность соответственно. Отводы также расположены поясом на отметке 3 головки.

Шаг № 5

Нарисуйте черты, используя прямые линии: плечи на модной женской фигуре имеют ширину 1 1/2 головы , талия соответствует ширине головы , а бедра должны быть примерно 1 Ширина 1/4 головы . Поэтому модная женская фигура должна иметь силуэт песочных часов.

Шаг № 6

Для нижней части тела отметьте 6 1/2 головы, а также 9 для коленей и лодыжек соответственно.

Шаг № 7

Нарисуйте ноги, нарисовав изогнутые и узкие линии от высокого бедра к колену для бедер. Для икр сделайте цилиндрическую форму меньшего размера, изогнув линии от колен, а затем сузив их на лодыжках, которые слегка выступают на внутренней половине каждой ноги.

Бедра (от высокого бедра до колена) и икры (от колена до щиколотки) должны быть одинаковой длины .

Шаг № 8

Последняя голова предназначена для ступней, которые начинаются от щиколотки и расширяются диагональными линиями на 3/4 длины головы, прежде чем они встретятся в одной точке.

Шаг № 9

Аналогично нарисуйте руки. Они начинаются с запястья в промежности. Пальцы должны заканчиваться немного выше отметки 5 голов.

Эскизы моды 102: Как нарисовать движение фигуры

Как только вы уменьшите пропорции, самое время придать фигуре движение! Модель состоит из трех важнейших компонентов, которые требуются всем модным фигурам: — балансир , — высокое плечо , и — противоположное высокое бедро .

Начните с наброска новой фигуры. Однако на этот раз (после проведения линии баланса и нанесения 10 отметок головы) наклоняет линию плеча так, чтобы одна сторона была выше. Наклоните и высокое бедро, но так, чтобы противоположная сторона была выше.

Например, ниже, я сделал правое плечо выше, чтобы левое бедро было выше, чтобы фигура оставалась сбалансированной. Попробуйте сами: что случится с бедрами, если вы наклоните плечи?

Кроме того, если наклонить часть тела, остальная часть тела последует этому примеру.Все, что выше высокого бедра, будет следовать за наклоном плеч, а все, что ниже, будет следовать за наклоном бедер, однако все эти наклоны не будут такими серьезными, как плечи и бедра.

Есть еще одно правило , которому должны следовать модные фигуры : нога, идущая от высокого бедра, не может сгибаться, и эта ступня должна касаться линии равновесия. Это сохраняет фигуру уравновешенной. Опять же, вы можете попробовать это, перенеся вес на одну ногу. В этом случае ногу, на которую опирается весь вес, невозможно согнуть.

Пример позы при ходьбе:

Обратите внимание на наклоны, включая небольшие различия между двумя коленями.

Теперь вы можете повеселиться и попробовать нарисовать свои собственные модные фигурки!

Для начала найдите позы для имитации, просматривая журналы. Чтобы скопировать позу, просто не забудьте обозначить линию баланса, высокое плечо, высокое бедро и опорную ногу (ту, которая касается линии баланса).

Как вы думаете?

Знаете ли вы о модных пропорциях? Вы слышали об измерении тела с помощью головы? Вы нашли этот учебник полезным? Хотите узнать, как рисовать некоторые простые позы? Скажите мне, что вы думаете, оставив комментарий!

• Facebook
• Twitter
• Pinterest

Модная иллюстрация с XVI века до наших дней

Рис.1. René Gruau , дань уважения первой модной коллекции Christian Dior в 1947, 1987

Большинство модных иллюстраций были созданы для того, чтобы их можно было увидеть на странице с близкого расстояния, что позволяет получить личный опыт, связанный с книгами и письмами. Следовательно, модные иллюстрации обладают уникальным чувством интимности, когда изображение находится в руке зрителя, а также срочностью, необходимостью остановить нас, прежде чем мы перевернем страницу.

Модная иллюстрация требует уникальной способности использовать перо или кисть таким образом, чтобы она не только улавливала нюансы посредством жестов, но также могла преобразовывать графическое изображение одежды, аксессуаров или косметики в объект желания.Работа модного художника — «рассказать историю платья».

Рис. 2. Чарльз Дана Гибсон , Книга Гибсона, Том II , 1907

НАЧАЛО МОДНОЙ ИЛЛЮСТРАЦИИ

Модная иллюстрация началась в шестнадцатом веке, когда глобальные исследования и открытия привели к увлечению одеждой и костюмом людей во многих странах мира. Были напечатаны книги, иллюстрирующие соответствующую одежду различных социальных классов и культур, чтобы помочь устранить страх перемен и социальные волнения, вызванные этими открытиями.

Между 1520 и 1610 годами было опубликовано более двухсот коллекций таких гравюр, офортов или гравюр на дереве, содержащих пластины с изображениями фигур в одежде, соответствующей их национальности или положению. Это были первые тематические иллюстрации платья и прототип современной модной иллюстрации. Иллюстрации, вероятно, попали к портным, портным и их клиентам, вдохновив их на создание новых дизайнов.

Рис. 3. Abraham Bosse , Un homme se dirigeant à droite monte un degré , 1629

Художники семнадцатого века Жак Калло (1592–1635) и Абрахам Боссе (1602–1676) оба использовали современные техники гравировки для создания реалистичных деталей одежды и костюмов своего времени.

Журналы, которые начали публиковаться во Франции и Англии с 1670-х годов, считаются первыми модными журналами, среди них Le Mecure Gallant , The Lady’s Magazine , La Gallerie des Modes , Le Cabinet des Режимы и Le Journal des Dames et des Modes . Увеличение количества периодических изданий и журналов, выпущенных за это время, было ответом на все более информированную женскую аудиторию, жаждущую последних новостей моды.К концу восемнадцатого и началу девятнадцатого веков иллюстрации современных мужских стилей стали столь же важными, как и женские.

Рис. 4. Jacques Callot , гравюра из La Noblesse , ок. 1620

МОДНАЯ ТАБЛИЧКА В ДЕВЯТНАДЦАТОМ ВЕКЕ

Модная тарелка стала популярной в конце восемнадцатого века, процветая в Париже благодаря таким публикациям, как « Incroyables et Merveilleuses » Горация Венет.Эта серия акварельных модных рисунков при Наполеоне I была выгравирована Жоржем-Жаком Гатином (1773-1824) как серия модных табличек. Положение Франции как арбитра моды обеспечило постоянный спрос на модную иллюстрацию дома и за рубежом. Этот интерес к модной одежде и растущий доступ к ней привели к появлению более ста пятидесяти модных периодических изданий в девятнадцатом веке, все из которых включали модные номера. Эти подробные модные иллюстрации отражают актуальную информацию и дают общие инструкции по шитью.Эти иллюстрации были созданы такими талантливыми художниками, как сестры Colin и Florensa de Closménil .

Рис. 5. Georges-Jacques Gatine , Le Goût du Jour, No. 21: Les Modernes Incroyables , из Caricatures Parisiennes , ок. 1815

Мода от кутюр возникла в 1860-х годах. Модные дома наняли иллюстраторов, которые работали бы напрямую с кутюрье, чтобы набросать новый дизайн, пока маэстро наклеивал ткань на живую модель.Они также нарисовали иллюстрации к каждому дизайну из готовой коллекции, которые затем можно было отправить клиентам. К концу девятнадцатого века ручная печать была заменена полноцветной печатью. На модных пластинах стали изображать две фигуры, одна из которых видна сзади или сбоку, так что костюм можно было увидеть под большим углом, что облегчало копирование. В центре внимания иллюстраторов девятнадцатого века были точность и детали. Они придерживались статичных, иконографических условностей, чтобы предоставлять информацию и инструкции своим зрителям.

Рис. 6. Florensa de Closménil , La Mode, 25 сентября 1846 г .: Chapeaux de Mme Penet , 1846

Модная иллюстрация на рубеже двадцатого века стала очень графической и больше основывалась на индивидуальном стиле художника. Например, колючие изображения современной американской женщины Чарльз Дана Гибсон (1867-1944) с взъерошенными волосами и рубашечной талией определили типаж, а также предоставили юмористический, иногда сатирический комментарий к современной американской жизни.

ЖУРНАЛЫ И ИЛЛЮСТРАЦИЯ МОДЫ ХХ ВЕКА

Первые десятилетия двадцатого века стали свидетелями первого расцвета модной иллюстрации в ее современном понимании. Рисование стало призванием, поскольку распространение новейших стилей становилось все более прибыльным делом. Мода, ранее создававшаяся отдельными художниками, превратилась в индустрию, производящую новые товары в беспрецедентных количествах для заполнения универмагов.Эти магазины изобретали культуру покупок, новое национальное времяпрепровождение.

В Париже кутюрье Поль Пуаре заказывал ограниченным тиражом альбомы таких художников, как Поль Ирибе (1883-1935). В 1908 году Ирибе представила фигуры, напечатанные с использованием метода pochoir , основанного на японских методах, которые включали создание трафарета для каждого слоя цвета, который затем наносился вручную. Известный своей украшенной драгоценными камнями палитрой и чистой графической линией, Пуаро теперь сочетал свои новые некорсированные и экзотические силуэты с элитным и эксклюзивным миром искусства.

Рис. 7. Paul Iribe , Les Robes de Paul Poiret Racontée , 1908

Издававшийся с 1912 по 1925 год роскошный французский журнал Gazette du bon ton собрал группу молодых художников, которым была предоставлена ​​беспрецедентная свобода в их интерпретации моды. Каждое издание содержало до десяти цветных тарелок pochoir и несколько эскизов дизайна кроксов. Ирибе был одним из нескольких модных иллюстраторов, которые внесли свой вклад в знаменитую публикацию, в которую также вошли работы таких великих людей, как Чарльз Мартин (1848-1934), Эдуардо Гарсия Бенито (1892-1953) Джордж Барбье (1882-1932) Жорж Лепапе (1887–1971) и Умберто Брунеллески (1879–1949).Таблички, которые они изготовили для Gazette , демонстрируют влияние японских гравюр на деревянных блоках, а также новую гладкую геометрию стиля ар-деко.

Рис. 8. Джордж Барбье , Artémis — Manteau, de Worth , таблица 29 из Gazette du Bon Ton, № 4 , 1924-1925

В Соединенных Штатах журналы мод для массового рынка Vogue и Harper’s Bazaar освещали социальную жизнь, а также современные тенденции в одежде и красоту. Harper’s Bazaar подписала эксклюзивный контракт с Erte на период с 1915 по 1938 год — один из самых длительных контрактов в истории издательского дела. С 1910 года до начала Второй мировой войны на обложке Vogue всегда была иллюстрация. На ранних обложках Vogue были представлены иллюстрации, созданные американскими иллюстраторами Хелен Драйден (1882-1972), George Wolf Plank (1883-1965), Georges Lepape (1887-1971) и F.X. Лейендекер (1876-1924).После Первой мировой войны к ним присоединились европейские художники, в том числе Эдуардо Бенито (1891-1981), Шарль Мартен (1884-1934), Пьер Бриссо (1884-1964) и Андре Марти (1882). -1974).

Рис. 9. F.X. Leyendecker , Обложка Vogue , 1 марта 1911 г.

ЗОЛОТОЙ ВЕК МОДЫ ИЛЛЮСТРАЦИЯ

1920-е и 30-е годы — это «золотой век» модной иллюстрации.Каждый коммерческий художник считался художником моды — все были прекрасными рисовальщиками. Многие смогли убедительно и убедительно передать текстуру, блеск и даже вес ткани.

Новые технологические разработки в фотографии и печати стали позволять воспроизводить фотографии и размещать их непосредственно на страницах журналов, а это означает, что модная пластина больше не является отражением современной жизни. К началу 1930-х годов фотографии начали отдавать предпочтение в журналах: в 1936 году журнал Vogue сообщил, что обложки с фотографиями продаются лучше.Иллюстрации стали отодвигаться на внутренние страницы.

Рис. 10. Rene Bouché , Красный костюм , 1950

После экономического спада, последовавшего за крахом фондового рынка в 1929 году, модная индустрия Соединенных Штатов стала меньше зависеть от моды Парижа. В межвоенные годы американское производство одежды добилось больших успехов, улучшив методы крупномасштабного производства и стандартизировав размеры. Женщины из среднего класса полагались на опытных портных, чтобы интерпретировать последние модели от кутюр по более доступным ценам, в то время как выкройки, опубликованные такими журналами, как Vogue и Women’s Journal , были неоценимы для домашней портнихи.С началом Второй мировой войны эти навыки приобрели новое значение, поскольку женщины изо всех сил пытались сохранить некоторый уровень модности перед лицом острой нехватки поставок и ограничений.

Основная цель Vogue заключалась в том, чтобы показать читателю моду с максимально информативной детализацией. Фотография освободила иллюстраторов от необходимости делать точные записи одежды в пользу более интерпретируемых интерпретаций модных платьев. Издатели журналов жаловались, что «художников в основном интересовали забавные рисунки и декоративные эффекты…. им до смерти надоело что-то похожее на обязанность честно рассказывать о духе современной моды ». Vogue и Harper’s Bazaar поддержали искусство модной иллюстрации, представив работы таких модных иллюстраторов, как Christian Berard (1902-1949), Eric [Carl Erickson] (1891-1958), Erté [Romain де Тиртофф] (1892–1990), Марсель Вертес (1895–1961), Рене Буше (1906–1963) и Рене Грюау (1908–2004).

«New Look» от Dior в конце 1940-х годов послужил источником вдохновения для возрождения моды после войны. Во многих смыслах это был ретроградный стиль, возвращающийся к прошлому, а не предвосхищающий будущее, но он также символизировал возвращение к более веселым и оптимистичным временам.

Рис. 11. Erté , Symphony in Black , 1983

РАЗРУШЕНИЕ И ВОЗРОЖДЕНИЕ МОДНОЙ ИЛЛЮСТРАЦИИ

К 1950-м годам модные редакторы вкладывали больше средств в редакционные выпуски фотографий.Последующее продвижение модного фотографа к знаменитости означало, что иллюстраторам приходилось довольствоваться работой над статьями для нижнего белья и аксессуаров или рекламными кампаниями.

В 1960-е годы мода на иллюстрацию в журналах продолжала исчезать, что было представлено в новой категории молодежных журналов для подростков, ряд из которых был запущен в 1960-е годы и все они использовали иллюстрацию как более дешевую альтернативу фотографии. Их роль заключалась в том, чтобы вдохновлять и предлагать, а не диктовать.Иногда появлялись иллюстрированные обложки, а редакционные иллюстрации включали такие художники, как Рене Буше, Альфредо Буре (1928-2018), Тод Драз (1943-1987) и Том Кио (1922-1980).

Рис. 12. Альфредо Буре , Иллюстрация для Vogue Paris , 1960

Антонио Лопес (1943–1987) был единственным художником, регулярно появлявшимся на страницах Vogue за это время, начав свою карьеру в Women’s Wear Daily.

Во второй половине двадцатого века модная иллюстрация изо всех сил пыталась выжить, пока в 1980-х годах она не пережила ренессанс. Новое поколение художников получило выход в таких журналах, как La Mode en peinture (1982), Conde Nast Vanity (1981) и Visionaire (1991). Этому возрождению способствуют рекламные кампании, в частности рекламная кампания Барни в Нью-Йорке 1993-1996 годов с остроумными иллюстрациями Jean-Philippe Delhomme (р.1959).

Рис. 13. Жан-Филипп Деломм , Реклама для Barneys New York, 1993–1996

ИЛЛЮСТРАЦИЯ МОДЫ СЕГОДНЯ

Падение между изобразительным и коммерческим искусством, иллюстрация моды только недавно была переоценена как самостоятельный жанр. Поскольку красота и изящество сейчас устарели как в моде, так и в искусстве, модный рисунок временами кажется возвратом к более ранней эпохе. Поскольку фотография стала намного более искусной в документировании деталей одежды, иллюстраторы больше не уделяли внимания точному воспроизведению одежды, а интерпретировали одежду и человека, который мог бы ее носить.В конце двадцатого и начале двадцать первого веков это привело к развитию широкого спектра уникальных художественных стилей, подкрепленных цифровыми инструментами и платформами социальных сетей. В 1990-е годы популярность компьютерного рисования появилась благодаря таким пионерам, как Эд Цуваки (род. 1966), Грэм Рунтуэйт (род. 1970), Джейсон Брукс (род. 1969) и Кристиан Рассел .

Рис. 14. Джейсон Брукс , Иллюстрация для Revlon, 2013

Этот период, когда появились программы для компьютерного дизайна Adobe Photoshop и Illustrator, также стал свидетелем возрождения традиционных форм модной иллюстрации, основанных на искусстве.Школа дизайна Парсонса в Нью-Йорке и FIT начали предлагать иллюстрации в качестве отдельного элемента своей учебной программы по моде. «Традиционная» ручная работа продолжает возрождаться, и иллюстраторы моды часто обращаются к мастерам прошлого в поисках стилистического вдохновения. Модная иллюстрация, основанная на классических методах, сумела выжить вместе с иллюстрацией, созданной более современными технологиями.

Совсем недавно иллюстрация вошла в моду благодаря сотрудничеству дизайнеров одежды и иллюстраторов.С помощью социальных сетей иллюстраторы моды начинают выходить в центр внимания. Модные иллюстрации, наполненные яркими цветами, замысловатыми узорами и бесконечной индивидуальностью, не перестают впечатлять.

Fashion Sketch Illustration (Кэрол Гомиде). Онлайн-курс

Женская мода — это совместное предприятие, объединяющее профессионалов из всех секторов и объединяющее лучшее из искусства и истории в своих эксклюзивных коллекциях. Фэшн-иллюстратор Кэрол Гомиде передает свою страсть к этой творческой индустрии через свой бренд Depois das Quatro, который специализируется на иллюстрации нарядов от известных дизайнеров.

В этом курсе вы научитесь иллюстрировать собственную коллекцию женской одежды, сочетая ручные и цифровые методы дизайна. Присоединяйтесь к Кэрол и создавайте уникальные эскизы с вашим собственным стилем и индивидуальностью.

Начните со знакомства с Кэрол Гомиде. Прежде чем перейти к содержанию курса и заключительному проекту, она расскажет вам о своем профессиональном опыте и о том, что оказало наибольшее влияние на мир искусства и моды.

Во втором разделе просмотрите некоторые основные концепции иллюстрации и ознакомьтесь с различными материалами, необходимыми для создания коллекции эскизов.Шаг за шагом научитесь изображать человеческую фигуру и ее пропорции, узнайте, где найти ссылки для вашего проекта, и создайте цветовую палитру для своих набросков.

А теперь пора приступить к рисованию. Сначала нарисуйте одежду для своей коллекции. Затем перейдите к волосам, коже и цвету в своих рисунках, следуя цветовой палитре, которую вы создали в предыдущем разделе. Наконец, добавьте к иллюстрациям свет и тени для большей глубины и внесите последние штрихи в свою коллекцию.

Когда вы закончите свой дизайн, Кэрол даст вам несколько советов о том, как сфотографировать свою работу и поделиться ею в социальных сетях. Она также показывает вам некоторые альтернативные варианты использования ваших пользовательских эскизов, в том числе как создать портфолио или превратить их в распечатки для других продуктов.

Создайте модную коллекцию из трех иллюстрированных эскизов.

Этот курс предназначен для всех, кто интересуется модной иллюстрацией, а также для дизайнеров, стилистов, студентов и профессионалов индустрии моды.

Никаких предварительных знаний не требуется, но если вы решите создать свои иллюстрации в цифровом виде, Кэрол рекомендует вам иметь практические знания о программе, которую вы планируете использовать.

Материалы, которые вам понадобятся для этого курса: карандаш, бумага, линейка и ластик. Кэрол также использует iPad с Procreate, но вы можете работать с той программой, которая вам больше нравится.