Русские картины: картины в иностранных музеях — Шагала, Малевича, Рериха, Кандинского, Репина.

Содержание

картины в иностранных музеях — Шагала, Малевича, Рериха, Кандинского, Репина.

Меккой любителей отечественной живописи всегда были Третьяковская галерея и Русский музей, однако многие русские шедевры находятся в зарубежных коллекциях. «Культура.РФ» вспомнила известные полотна, на которые полюбоваться получится только в западных музеях.

«День рождения» Марка Шагала в Нью-Йоркском музее современного искусства

Марк Шагал. День рождения. 1915. Нью-Йоркский музей современного искусства, Нью-Йорк, США

В 1915 году, в год создания картины, Марк Шагал женился на своей возлюбленной Белле, поэтому считается, что на этом полотне художник изобразил именно их пару в виде летящих силуэтов. Как написала жена Шагала в книге «Горящие огни»: «Сегодня твой день рождения! Ты закружил меня в вихре красок. И вдруг оторвал от земли и сам оттолкнулся ногой, как будто тебе стало тесно в маленькой комнатушке… Вытянулся, поднялся и поплыл под потолком. И вот мы оба, в унисон, медленно воспаряем в разукрашенной комнате, взлетаем вверх. Нам хочется на волю, сквозь оконные стекла».

«Белое на белом» Казимира Малевича в Нью-Йоркском музее современного искусства

Казимир Малевич. Белое на белом. 1918. Нью-Йоркский музей современного искусства, Нью-Йорк, США

Одна из самых известных картин Малевича, супрематический квадрат «Белое на белом», находится в том же нью-йоркском МоМА. Сам художник считал, что «белый квадрат кроме чисто экономического движения формы всего нового белого миростроения является еще толчком к обоснованию миростроения как «чистого действия», как самопознания себя в чисто утилитарном совершенстве «всечеловека».

«Весна. Уборка сада» Наталии Гончаровой в галерее Тейт Модерн, Лондон

Наталия Гончарова. Весна. Уборка сада. 1908. Галерея Тейт Модерн, Лондон, Великобритания

Эту картину незадолго до своей смерти музею подарила сама художница. Гончарова не хотела продавать эту работу, так как она напоминала о счастливом времени: жизни в семейном поместье в Калужской области. В период написания картины Гончарова увлекалась народным искусством, поэтому она изобразила типичную сцену из крестьянской жизни.

«Льды Карского моря» Александра Борисова в музее Орсе, Париж

Александр Борисов. Льды Карского моря. 1906. Музей Орсе, Париж, Франция

Среди современников Александр Борисов был единственным, кто рисовал полярные и арктические пейзажи в самых далеких уголках Российской империи. За рубежом полотна Борисова выставлялись в Вене, Праге, Мюнхене, Лондоне и даже Вашингтоне. А в музее Орсе находится его картина «Льды Карского моря», которую купило французское правительство для украшения Люксембургского дворца. Это реалистичное, пронизывающее холодом полотно выделяется среди ярких картин импрессионистов, которыми славится музей.

«Крик» Филиппа Малявина в Национальной галерее Праги

Филипп Малявин. Крик. 1925. Национальная галерея в Праге, Чехия

После прихода к власти большевиков Филипп Малявин эмигрировал в Европу, где продолжил писать картины с тем же русским национальным колоритом, что прославил его на родине. Одной из таких работ стал «Крик» 1925 года. Федор Шаляпин вспоминал зарубежный период творчества Малявина: «Малюет он и сейчас неплохо, да только все его сарафаны полиняли, а бабы сделались какими-то тощими, с постными лицами… Видно, его сможет освежить только воздух родных полей, и больше ничто…»

Читайте также:

«Автопортрет за работой» Ильи Репина в Национальной галерее Праги

Илья Репин. Автопортрет за работой. 1915. Национальная галерея в Праге, Чехия

«И вот он стоит предо мною — небольшого роста, с улыбающимся, крепким, обветренным, стариковским лицом, с прищуренным правым глазом, в черной шинельке с накидкой, в самых обыкновенных вязаных деревенских перчатках, и даже не перчатках, а варежках, вокруг усов у него топорщатся рыжеватые волосы, совсем простой, даже как будто застенчивый, будто и не знает, что он — Репин» — так описывал Илью Репина Корней Чуковский, и именно так выглядел художник в середине 1910-х, когда и написал этот автопортрет по заказу тогдашнего директора Третьяковской галереи Игоря Грабаря. Но по неизвестным причинам московский музей так и не купил картину, и вскоре она оказалась в Чехии.

«Портрет Карагеоргия» Владимира Боровиковского в Национальной галерее Белграда

Владимир Боровиковский. Портрет Карагеоргия. 1816. Национальная галерея Белграда, Сербия

В Белграде, как в одном из главных центров русского эмигрантского движения, также есть достойная коллекция русской живописи. В Национальной галерее Белграда можно увидеть картину Владимира Боровиковского — портрет известного военачальника Георгия Петровича, также известного как Карагеоргий. Хотя эта картина оказалась в Белграде существенно раньше периода первой белой эмиграции — Георгий Петрович был сербом, боровшимся с османским владычеством, и это полотно принадлежало его семье. Написано оно было в 1816 году в Петербурге, куда Карагеоргий прибыл по приглашению Александра I. Император и попросил своего придворного художника Владимира Боровиковского написать портрет сербского вождя.

Цикл «Манон Леско» Константина Сомова в Музее декоративных искусств Буэнос-Айреса

Константин Сомов. Дама в вуали (Манон Леско). 1928. Национальный музей декоративного искусства, Буэнос-Айрес, Аргентина

В 1927 году во Франции была издана книга «История кавалера де Грие и Манон Леско», проиллюстрированная 14 акварелями Константина Сомова, которые он считал своими лучшими графическими работами. А позже цикл этих работ Музею декоративных искусств Буэнос-Айреса подарила графиня Росарио Джулия Шиффнер де Лареха Зубов, жена графа Сергея Зубова.

«Пестрая жизнь» Василия Кандинского в Мюнхенской вилле Ленбаха

Василий Кандинский. Пестрая жизнь. 1907. Городская галерея в доме Ленбаха, Мюнхен, Германия

«Пестрая жизнь» — одна из ранних работ художника, написанная под влиянием его интереса к русскому эпосу. Сам художник говорил об этой картине, выполненной в технике пуантилизма: «В «Пестрой жизни», где меня более всего увлекла задача создать смешение масс, пятен и линий, я воспользовался взглядом с птичьего полета, чтобы разместить фигуры одну позади другой. Для того чтобы устроить границы зон и распределить мазки, как мне хотелось, я в каждом случае вынужден был искать перспективный предлог либо оправдание». Эту работу Кандинский написал в Германии, поэтому она и находится в одном из главных музеев творчества экпрессионистов — галерее Ленбах в Мюнхене.

«Падма Самбхава» в Музее Рериха в Нью-Йорке

Николай Рерих. Падма Самбхава. 1924. Музей Рериха, Нью-Йорк, США

Творчеству Николая Рериха посвящен отдельный музей в Нью-Йорке. Его коллекция насчитывает около 150 работ живописца. Одна из них — «Падма Самбхава», написанная Рерихом в 1924 году. На картине изображен индийский гуру, беседующий с гигантским горным духом. «Падма Самбхава» является частью целой серии из 19 работ мастера — «Знамена Востока».

Автор: Лидия Утёмова

Русские художники-маринисты — PORUSSKI.me

Любовь к морю имеет огромную историю. Тысячи лет оно не раз становилось центром, началом и отправной точкой для создания самых знаменитых шедевров, которые и по сей день восхищают зрителя. Мы хотим рассказать вам о самых известных русских маринистах, чьи работы восхищают весь мир.

Примерно в 17 веке в Голландии зародился новый жанр живописи. В нем главным героем изображения был не человек, не ваза с цветами или фруктами, а нечто, что очень сложно передать словами, но что испокон веков влечет к себе людей – стихия. Россия окружена 15-ю морями, а наши реки – невероятно широки и полноводны, поэтому неудивительно, что именно русские маринисты стали известны на весь мир. Конечно, все знают Ивана Айвазовского, но он был не единственным нашим художником, предпочитавшим море всему остальному.

Фокусник с кисточками

Поражать людей маленький Иван начал с детства. Сначала тем, что научился самостоятельно играть на скрипке, а потом обнаружил недюжинные художественные способности. Талантливому, но небогатому мальчику начали помогать меценаты – дарили ему карандаши и краски, хлопотали, чтобы его зачислили на обучение за казенный счет. В шестнадцать лет он приехал в столицу, где поступил, как сейчас говорят, на бюджетное отделение Императорской Академии художеств Санкт-Петербурга.

В Академии у юного дарования тоже все складывалось отлично. Признание публики на выставках, серебряная медаль за два пейзажа, поступление в помощники к известному и модному художнику Филиппу Таннеру. И тут карьера Айвазовского, которая взмывала вверх, как чайки на его картинах, оказалась под угрозой.

Дело в том, что Филипп Таннер был человеком завистливым и не терпел покушений на свою славу. Мысль, что ученик может превзойти своего учителя, была ему невыносима. Поэтому он запретил своему одаренному подмастерью писать собственные картины и выставлять их где бы то ни было. Айвазовский смешивал краски и бегал на посылках у ревнивого француза. Таннер расслабился, и в этот момент Айвазовский представил на осенней выставке Академии художеств 1836 года целых пять своих работ, которые очень восторженно встретили и критики, и публика. Учитель не стерпел такой обиды и пожаловался царю, который распорядился за ослушание снять картины Айвазовского с выставки, а юному художнику запретил работать на полгода.

Эта история сыграла роль черного пиара для восходящей звезды русской живописи. Его картины и до этого восхищали публику, а слава запрещенного художника еще сильнее подогрела интерес. На него посыпались золотые медали, а потом Академия художеств приняла решение выпустить талантливого юношу из своих стен на два года раньше и отправить в Крым с заданием написать несколько пейзажей. С этим Айвазовский справился, как всегда, блестяще, поэтому за счет Академии его посылают уже в Европу.

Там он очень много пишет и знакомится с интересными людьми, общается с Гоголем, а его выставки проходят с неизменным успехом. Картину “Хаос” — одну из цикла его полотен, основанных на библейских сюжетах, даже покупает Папа Римский. Гоголь пишет по этому поводу Айвазовскому: “Твой «Хаос» поднял хаос в Ватикане”.

Все хотят заполучить картину от того же художника, чьи работы украшают стены Ватикана! Так Айвазовский становился все более и более популярным. Его картины продавались очень хорошо, несмотря на то, что некоторые критиковали его за композиционные и колористические штампы. Но художник находился в постоянном поиске. Он рисовал много и быстро. За всю жизнь он создал более шести тысяч картин, что кажется невероятным, если не присматриваться к ним внимательно.

Если вы придете, скажем, в Третьяковскую галерею и детально рассмотрите несколько работ мастера, то заметите, что все они имеют много общего. Каждую картину Айвазовский начинал рисовать с яркого зрительного центра. Это мог быть гребень волны, корабль или плот. Он прорисовывал его подробно и четко, а вот остальное — море, небо, объекты вдалеке — прописано очень легко и схематично, немного в импрессионистской манере. После того, как картина выглядела более или менее завершенной, художник добавлял к ней точные и яркие штрихи и детали. Пену на волнах и на поверхности воды, блики света, детали кораблей он прорабатывал скрупулезно и реалистично. Благодаря этим приемам мы воспринимаем картины Айвазовского так, как наш глаз видит действительность, — в общем, но отмечая мелкие интересные нам детали.

Рисуя в такой манере, невозможно создать, например, портрет, и, быть может, по этой причине Айвазовский не любил рисовать людей. Даже на знаменитом потрете его кисти «

Прощание Пушкина с морем» поэта написал Илья Репин.

Впрочем, потом Айвазовский не раз писал Пушкина самостоятельно, правда, тоже на берегу моря, потому что невероятно восхищался поэтом и часто вдохновлялся его стихами.

Несмотря на славу и богатство, художник всю жизнь продолжал работать упорно и с огромной самоотдачей. Он был уверен, что лучшая его картина — та, над которой он работает прямо сейчас. Именно поэтому его живопись настолько вдохновляет.

Всю вторую половину жизни Айвазовский занимался благотворительностью. Он поддерживал молодых художников материально, обучал их (если не вспоминать неприятную историю с Архипом Куинджи, которому Айвазовский пробовал запретить писать, как в свое время его учитель поступил с ним), открывал музеи и занимался благоустройством родного города.

В наше время работы Айвазовского по-прежнему любимы, как и при его жизни. Они успешно продаются на аукционах, и в 2012 году на торгах Sotheby’s картина «Вид Константинополя и Босфора» была продана за 3,2 млн фунтов стерлингов.

Художник будущего императора

За время путешествия Гриценко сделал больше 300 рисунков, выполняя работу, которой сейчас занимаются фотографы официальных лиц. Он изображал торжественные встречи, которые организовывали Цесаревичу в зарубежных портах, рисовал памятники, фиксировал детали костюмов и внешнего вида людей. Он настолько блестяще справился с этой задачей, что позже еще не раз его приглашали в свиту высочайших персон для такой работы.

Всю вторую половину жизни Гриценко прожил в Европе, работая художником-маринистом и участвуя в выставках. Его работы часто покупали военные в отставке, скучавшие по морской службе и кораблям. Перед смертью художнику был пожалован французский орден Почетного Легиона.

В его работах нет столько страсти и порыва, как .

Скорее в них видится любование спокойной стихией моря, гигантскими величественными кораблями и мощными пароходами. Он настолько был внимателен к деталям, что по его работам можно изучать все подробности внешнего вида морских кораблей того времени.

Моряк-художник

Как и Гриценко, Боголюбов с детства проявил художественный талант, но первое образование получил другое, хотя тоже связанное с морем. Он окончил Морской Кадетский корпус, после этого много путешествовал, что дало ему возможность наблюдать океаны и корабли во всей их красе. По протекции президента Академии Художеств, с которым талантливый офицер познакомился прямо у себя на корабле, он поступил учиться живописи. А закончив Академию, как и Гриценко, стал художником в Главном морском штабе, поехав в морское путешествие с будущим императором Александром III.

Всегда восхищавшийся Айвазовским, в начале своего творческого пути Боголюбов писал яркими и сочными красками, а композиции его были немножко театральными.

Но при этом он научился передавать глубину моря, свет, лежащий на волнах, а воздух на его картинах как будто слегка колышется.

Во время путешествий по Европе Боголюбов много писал и искал свой собственный стиль и манеру письма. Его виды Венеции — города, который изображал, пожалуй, каждый второй живописец — отличаются от традиционных. Каналы и палаццо он пишет эмоционально и выразительно.

Часто художник обращается к теме морских сражений. Он изображает их во всех подробностях, но при этом, в отличие от Айвазовского с его поэзией морского боя, картины Боголюбова рассказывают о баталиях сухо и документально, а композиции в них часто критикуют за излишнюю статичность и усложненность.

Однако эти работы имели большой успех на выставке, поэтому император поручил Боголюбову написать цикл картин, посвященных морским сражениям Петра I.

С каждым годом совершенствуясь в искусстве, Боголюбов начинает писать все более реалистично. Исчезают схематичность и сухость, за которые его порой критиковали. Теперь художник приобретает тонкость и лиризм. Его все больше начинают интересовать эмоциональное содержание работ, он пишет пейзажи настроения, интересуется природой в разное время суток. Композиции становятся более обдуманными и цельными, свет и тень — тонкими и естественными. Боголюбов становится зрелым автором, публика это ценит и признает. С 1871 года он активно участвует в выставках передвижников.

Но в отличие от Айвазовского, которого всегда больше всего притягивало море и стихия, Боголюбов во всех своих работах интересуется людьми. Он часто пишет рыбаков, семьи, прогуливающиеся по набережным, человека, созерцающего море. Для него человек и море – это части природы, поэтому они неотделимы друг от друга.

Как невозможно представить Россию без её морей и рек, так и наше искусство было бы неполным без потрясающих полотен русских маринистов. Лето – отличное время, чтобы насладиться морскими видами не только в отпуске, но и в стенах музеев и галерей.

РУССКИЕ ХУДОЖНИКИ XX ВЕКА | Русские художники.

Биография, картины, описание картин

Великая Октябрьская социалистическая революция 1917 года завершает классовую борьбу, царизм уступает место большевистским партиям.

Несмотря на напряжённую обстановку в стране русское искусство быстро развивается, мы узнаём имена всё новых талантливых русских художников. Особенно быстро развиваются пейзаж, натюрморт, в отличии от прошлого периода времени.

Интересно, что происшедшие события не однозначно повлияли на живопись, русские художники всё меньше обращаются к социальному сюжету, активной борьбе. Появляются различные художественные группировки модернистского течения наравне с реалистическим движением. Иногда два этих направления воспроизводились одним художником.

Согласно Уставу Академия была разделена на административное учреждение, которое контролировало художественное образование, берущие заказы и Высшее художественное училище. Теперь в соответствии с Уставом 1893 года при поступлении требовалась профессиональная подготовка, обучение начиналось сразу с натуры без гипсовых классов. В преподавательский состав входили передвижники. Были восстановлены мастерские, руководителями которых стали И. Е. Репин, В. Е. Маковский, И. И. Шишкин, А. И. Куинджи. В Академии теперь ученики сами выбирали темы выпускных работ.

В это время мы узнаём о В. А. Серове – портретист, реалист. В начале XX века взращены и новые представители передвижничества — А. Е. Архипов, К. А. Коровин, С. В. Иванов, Н. А. Касаткин. Художники нового времени — Марк Шагал, Казимир Малевич и Василий Кандинский.

Шедевры русской живописи

  • Картина Васнецова В.М. «Богатыри»

  • Картина Верещагина В.В. «Апофеоз войны»

  • Картина Поленова В.Д. «Бабушкин сад»

  • Картина Серова В.А. «Девочка с персиками»

  • Картина Репина И.Е. «Не ждали»

  • Картина Сурикова В.И. «Боярыня Морозова»

  • Картина Архипова А.Е. «Прачки»

  • Картина Коровина К. А. «Зимой»

  • Картина Иванова С.В. «Расстрел»

  • Картина Марка Шагала «Над городом»

  • Картина Малевича К.С. «Чёрный квадрат»
  • Картина Кандинского В.В. «Деталь для Композиции IV»

Иван Айвазовский, Виктор Васнецов, Иван Шишкин, Илья Репин, Исаак Левитан

За полотнами известных русских художников идет настоящая охота. Не зря в Лондоне традиционно устраивают «Русские недели». Именно так называются аукционы, на которых выставляются графика, живописные полотна, скульптуры, созданные нашими соотечественниками. Ценители искусства со всего мира специально приезжают в Москву и Санкт-Петербург, чтобы вживую полюбоваться шедеврами, выставленными в Третьяковке и Русском музее.

Иван Айвазовский

Настоящее имя художника Ивана Айвазовского — Ованнес Айвазян. Несмотря на армянское происхождение, его считают одним из самых известных русских живописцев.

Родился в Крыму, прекрасном небольшом городке Феодосия. Художественные способности у Ивана заметили в детстве. Благодаря покровительству феодосийского архитектора Якова Коха, Ивана на бесплатной основе приняли в Императорскую Академию художеств. Стал одним из лучших учеников в пейзажном классе Максима Воробьева.

Много занимался батальной живописью, но популярность пришла к художнику благодаря написанным морским пейзажам. Айвазовский — самый дорогостоящий маринист.

Наиболее известные его работы: «Наполеон на острове Святой Елены», «Девятый вал» (хранится в Русском музее), «Бриг «Меркурий»», «Неаполитанский залив», «Буря над Евпаторией».

На аукционе Christie’s в 2004 году одна из картин Айвазовского ушла с молотка за 1,125 млн фунтов стерлингов.

Виктор Васнецов

О таких, как Виктор Васнецов, говорят: «Художник из народа». Родился в небольшом селе в Вятской губернии в семье священнослужителя. Брал уроки живописи у Ивана Крамского, позже поступил в Академию художеств. За годы учебы получил три серебряных медали, был одним из самых талантливых учеников. Несколько раз принимал участие в выставках художников-передвижников. Был членом знаменитого Абрамцевского кружка, который опекал известный меценат Савва Мамонтов.

В разные периоды жизни увлекался многими видами живописи, в том числе станковой и монументальной. В ранних работах преобладали приземленные сюжеты в бытовом жанре. Но известность в мире искусства ему принесли былинно-исторические полотна: «Витязь на распутье», «Аленушка», «Богатыри».

На аукционе Christie’s в 2011 никогда прежде не выставлявшаяся картина «Богатырь», созданная Васнецовым в 1920 году, была реализована за 1,1 миллиона фунтов.

Иван Шишкин

Иван Шишкин — уроженец Елабуги. До революции город входил в состав Вятской губернии. Получал образование в Московском училище живописи, Императорской Академии художеств. За время обучения был награжден двумя золотыми и двумя серебряными медалями. За успешное окончание Академии был отправлен учиться в Мюнхен, там брал уроки у известных художников-анималистов. Позже перебрался в Дюссельдорф, оттачивал в местной школе мастерство в написании пейзажей.

Шишкина можно смело назвать самым известным русским пейзажистом. Удивительно правдоподобно передавал особенности флоры на холсте, реалистичность изображений завораживает. Писал с удовольствием, оставил после себя огромное количество художественных работ. Многими из них можно полюбоваться в залах Третьяковской галереи. Самые известные картины Ивана Шишкина: «На севере диком», «Утро в сосновом лесу», «Дубовая роща».

На русских торгах в Лондоне картина Шишкина «Вид на остров Валаам», написанная в 1860 году, была продана за 1,87 млн фунтов.

Илья Репин

Илья Репин родился в Чугуеве Харьковской губернии в казацкой семье. Искусствоведы относят его к ключевым фигурам русского реализма. Писал яркие социальные полотна, которые производили сильное впечатление на общественность, не оставался равнодушным к окружавшим его реалиям. Его художественному мастерству присуще разнообразие и пластичность, он с легкостью внедрял всевозможные стилистические направления. С одинаковым удовольствием воспроизводил манеру письма голландцев XVII века и импрессионистов.

Самые известные картины: «Не ждали», «Бурлаки на Волге», «Царевна Софья», «Иван Грозный и сын его Иван».

Исаак Левитан

Великий мастер пейзажной живописи родился в Литве, но всю жизнь прожил в России, которую боготворил. Уже первые работы были высоко оценены знаменитыми художниками Перовым и Саврасовым.

В конце XIX века Левитан написал огромное количество пейзажей средней полосы России, которые и принесли ему популярность.

Самые известные картины: «Над вечным покоем», «Березовая роща», «Осенний день в Сокольниках».

Русские художники пейзажисты 19 века. Русские художники – пейзажисты. Картины русских художников пейзажистов

М. К. Клодт. На пашне. 1871

Пейзажная живопись русских художников XIX века

В начале 1820-х годов проблемами освещения в живописи заинтересовался Венецианов. К решению этих вопросов художника подтолкнуло знакомство в 1820 году с картиной Ф. Гране «Внутренний вид капуцинского монастыря в Риме». Более месяца каждый день художник сидел перед ней в Эрмитаже, постигал, каким образом в картине достигнут эффект иллюзорности. Впоследствии Венецианов вспоминал, что всех тогда поразило ощущение материальности предметов.

В деревне Венецианов написал две удивительные картины — «Гумно» (1821 — 1823) и «Утро помещицы» (1823). Впервые в русской живописи образы и быт крестьян были переданы с впечатляющей достоверностью. Впервые художник попытался воссоздать атмосферу той среды, в которой действуют люди. Венецианов, пожалуй, одним из первых осознал картину как синтез жанров. В дальнейшем подобное соединение разных жанров в одно целое станет важнейшим завоеванием живописи XIX века.
В «Гумне», как и в «Утре помещицы», свет помогает не только выявить рельефность предметов — «одушевленных» и «вещественных», как говорил Венецианов, а, выступая в реальном взаимодействии с ними, служит средством воплощения образного содержания. В «Утре помещицы» художник ощутил сложность взаимосвязи света и цвета, но пока лишь ощутил. Отношение его к цвету все еще не выходит за рамки традиционных представлений, во всяком случае в теоретических рассуждениях. Подобных взглядов придерживался и Воробьев. Он разъяснял своим ученикам: «Чтобы лучше видеть превосходство идеалиста над натуралистом, надобно видеть гравюры с Пуссеня и Рюиздаля, когда тот и другой являются перед нами без красок».

Подобное отношение к цвету было традиционным и вело свое начало от мастеров Возрождения. В их представлении цвет занимал промежуточное место между светом и тенью. Леонардо да Винчи утверждал, что красота красок без теней приносит художникам славу лишь у невежественной черни. Суждения эти свидетельствуют вовсе не о том, что художники Возрождения были плохими колористами или ненаблюдательными людьми. На наличие рефлексов указывал Л.-Б. Альберти, Леонардо же принадлежит известная теорема о рефлексах. Но главным для них было выявление постоянных качеств реальности. Подобное отношение к миру соответствовало взглядам того времени.
В том же 1827 году А. В. Тыранов написал летний пейзаж «Вид на реке Тосно близ села Никольского». Картина создана словно в пару к «Русской зиме». Вид открывается с высокого берега и охватывает обширные дали. Так же, как и на картине Крылова, люди исполняют здесь не роль стаффажа, а образуют жанровую группу. Обе картины являются, что называется, чистыми пейзажами.
Судьба Тыранова во многом близка судьбе Крылова. Он также занимался живописью, помогая своему старшему брату-иконописцу. В 1824 году, благодаря хлопотам Венецианова, приехал в Петербург, а год спустя получил помощь от Общества поощрения художников. Картина «Вид на реке Тосно близ села Никольского» была создана девятнадцатилетним юношей, делавшим лишь первые шаги в овладении профессиональными приемами живописи. К сожалению, в творчестве обоих художников опыт обращения к пейзажной живописи не получил развития. Крылов умер четыре года спустя во время эпидемии холеры, а Тыранов отдал себя жанрам «в комнатах», перспективной живописи, успешно писал заказные портреты и завоевал на этом пути славу.
Во второй половине 1820-х годов талант Сильвестра Щедрина набирал силу. После цикла «Новый Рим» он написал полные жизни пейзажи, в которых сумел передать естественное бытие природы на террасах и верандах. В этих пейзажах Щедрин окончательно отказался от традиции стаффажного распределения фигур. Люди живут в неразрывном единстве с природой, придавая ей новый смысл. Смело развивая достижения своих предшественников, Щедрин опоэтизировал будничную жизнь итальянского народа.
Воплощение нового содержания искусства, новизна образных задач неизбежно вовлекают художника в область поиска соответствующих художественных средств. В первой половине 1820-х годов Щедрин преодолевает условность «музейного» колорита и отказывается от кулисного построения пространства. Он переходит к холодному колориту и строит пространство с постепенным развитием в глубину, отвергнув репуссуары и планы. При изображении больших пространств Щедрин предпочитает такие состояния атмосферы, когда дальние планы пишутся «с туманцем». Это было существенным шагом в приближении к проблемам пленэрной живописи, но до живописи на пленэре предстояло пройти значительный путь.
О живописи на пленэре много написано. Чаще всего пленэр связывают с изображением световоздушной среды, но это лишь один из его элементов. А. А. Федоров-Давыдов, анализируя цикл «Новый Рим», писал: «Щедрина интересует не изменчивость освещения, а открываемая им впервые проблема света и воздуха. Он передает не свои ощущения, а объективную реальность и ее ищет в верности освещения и передачи воздушной среды». Творчество Щедрина и Левитана сближает определенный демократизм взглядов, а разделяет полувековой период развития искусства. За это время произошло значительное расширение возможностей живописи. Помимо решения проблем световоздушной среды, утверждается цветовая пластическая ценность самих изображаемых предметов.
Исходя из этого, В. С. Турчин справедливо соотносит пейзажную живопись романтизма с пленэром: «Романтизм, приближаясь к пленэру, хотел найти и выразить живописную окраску воздуха, но это ведь только часть пленэра, если сам пленэр понимать как определенную систему, куда входит и проблема «оптической среды», где все отражается и проникает друг в друга».

Были наблюдения, но не было знания. Ф. Энгельс писал в «Диалектике природы»: «К нашему глазу присоединяются не только еще другие чувства, но и деятельность нашего мышления» . Ньютон опубликовал «Оптику» в 1704 году. Подводя итоги многолетним исследованиям, он пришел к выводу, что явление цветов возникает при расщеплении обычного белого (солнечного) света. Несколько раньше, в 1667 году, Роберт Бойль, известный физик, попытался применить оптическое учение о свете к теории красок, издав в Лондоне книгу «Опыты и рассуждения, касающиеся красок, первоначально написанные случайно среди других опытов другу, а затем выпущенные в свет в качестве начала экспериментальной истории красок».
Прежде всего пейзажисты обратили внимание на проблемы построения пространства. В 1820-1830-е годы изучением перспективы занимаются многие художники, среди них в первую очередь следует назвать Воробьева и Венецианова. Впечатление естественности при передаче пространства в их работах приобретает главенствующее значение. Перед отъездом Воробьева на Ближний Восток президент Академии художеств А. Н. Оленин вручил ему пространную «инструкцию», датированную 14 марта 1820 года. Среди прочих дельных наставлений там можно прочесть следующее: «Вы верно станете убегать всего, что посредственное дарование принуждено иногда выдумывать, чтобы дать более силы произведениям искусства. Я говорю это об репуссуарах, существующих токмо в воображении, а не в натуре, и употребляемых живописцами, не умеющими изображать природу, таковою как она есть, с той разительною истиною, которая, по моему мнению, делает очаровательными произведения искусства» . Оленин не раз утверждал мысль о сближении произведения искусства и натуры. В 1831 году, например, он писал: «Если выбор предмета в природе будет сделан со вкусом (чувство, которое так же трудно определить, как и самое изящное в художествах), тогда, говорю я, предмет будет в своем роде изящен по верному выражению самой натуры» . Вкус — категория романтическая, а находить изящное в самой натуре, не привнося его извне,- мысль, содержащая критику классицистической концепции подражания.

В 1820-1830-е годы в стенах Академии художеств отношение к работе с натуры было скорее положительным, чем отрицательным. Окончивший в 1824 году портретный класс Ф. Г. Солнцев вспоминал, что Спасителя на кресте обычно рисовали с натурщика: «Минут через 5 натурщик начинал бледнеть и затем снимали его уже изможденного» . После 1830 года руководитель пейзажного класса Воробьев был уравнен в правах с профессорами исторической живописи, а ученикам пейзажного класса было разрешено заменять классные занятия по рисунку работой на натуре.
Все это говорит об определенных процессах, происходивших в системе преподавания Академии художеств.
Например, В. И. Григорович писал в статье «Науки и искусства» (1823): «Отличительный признак изящных искусств состоит в изображении всего изящного и приятного». И далее: «Портрет человека, написанный с натуры, есть изображение, а историческая картина, расположенная и исполненная по правилам вкуса, есть подражание». Если считать, что пейзаж «должен быть портрет», то пейзаж также следует рассматривать как изображение, а не подражание. Это положение, сформулированное Григоровичем в отношении портрета, не расходится с размышлениями И. Ф. Урванова о пейзаже, изложенными в трактате «Краткое руководство к познанию рисования и живописи исторического рода, основанное на умозрении и опытах» (1793): «Ландшафтного рода искусство состоит в умении совокуплять в один вид несколько предметов какого-нибудь места и правильно начертовать их, чтобы доставить зрению удовольствие и чтобы смотрящие на таковый вид воображали, будто бы его в натуре они видят» . Таким образом, русская классицистическая теория в определенном смысле требовала от пейзажа и портрета сходства с натурой. Этим отчасти объясняется бесконфликтное соседство классицизма с романтическими поисками в пейзажном и портретном жанрах. В романтическом искусстве лишь более остро стоял вопрос о том, как достичь этого сходства. Чувство природы, окрашенное человеческим отношением, проявилось в творчестве зачинателя русского видового пейзажа Семена Щедрина. Хотя виды Гатчины, Павловска, Петергофа, написанные им, несут черты некой сочиненности, они проникнуты чувством вполне определенного отношения к природе.

В некрологе Семена Щедрина И. А. Акимов писал: «Первую подмалевку своих картин, особенно воздух и дальность, писывал он с большим мастерством и удачно, что желательно было дабы и при отделывании была сохраняема та же твердость и искусство» . Позже Сильвестр Щедрин в картинах мастера классицистического пейзажа Ф. М. Матвеева отмечал «главнейшее достоинство», которое «состоит в искусстве писать дальние планы».
В конце 1820-х годов Щедрин обратился к изображению пейзажей с луной. На первый взгляд это может показаться обращением к традиционным романтическим мотивам. Романтики любили «томительную ночи повесть».
К середине 1820-х годов многие романтические аксессуары в поэзии превратились в шаблон, в живописи же образно-эмоциональные качества пейзажа, и в частности поэтика ночи и туманов, еще только открывались.
Щедрин писал ночные пейзажи, не оставляя работы над иными итальянскими видами. В эти годы им были созданы замечательные картины: «Терраса на берегу моря» и «Набережная Мерджеллина в Неаполе» (1827), виды в Вико и Сорренто. Пейзажи при лунном свете появились одновременно со знаменитыми террасами не случайно. Они стали естественным продолжением поиска углубленного образа природы, ее многогранных связей с человеком. Эта связь ощущается не только благодаря людям, которых Щедрин часто и охотно включает в свои пейзажи, но и обогащена чувствами самого художника, которые одушевляют каждый холст.

Очень часто в ночных пейзажах Щедрин использует двойное освещение. Известная в нескольких вариантах картина «Неаполь в лунную ночь» (1829) также имеет два источника света — луну и костер. В этих случаях сам свет несет в себе разные колористические возможности — более холодный свет от луны и теплый от костра, при этом локальный цвет значительно ослабляется, поскольку дело происходит ночью. Изображение двух источников света привлекало многих художников. Этот мотив разрабатывают А. А. Иванов в акварели «Ave Maria» (1839), И. К. Айвазовский в картине «Лунная ночь» (1849), К. И. Рабус в картине «Спасские ворота в Москве» (1854). В решении живописных задач мотив двойного освещения ставил перед художником проблему непосредственной взаимосвязи света и предметного мира.
Однако для того чтобы в полной мере воплотить все богатство цветовой картины мира, его непосредственную красоту, пейзажисты должны были выйти из мастерских на пленэр. После Венецианова в русской живописи одним из первых такую попытку предпринял Крылов, работая над картиной «Зимний пейзаж» (Русская зима»). Однако едва ли молодой художник до конца осознавал стоящую перед ним задачу.
Важнейшими открытиями в жанре пейзажа ознаменовались 1830-е годы. Художники все чаще обращались к обыденным мотивам. Так, в 1832 году М. И. Лебедев и И. Д. Скориков получили от Академии художеств серебряные медали за картины Петровского острова, в следующем году Лебедев за картину «Вид в окрестностях Ладожского озера», а Скориков за работу «Вид в Парголове из Шуваловского парка» получили золотые медали. В 1834 году А. Я. Кухаревский за картину «Вид в Парголове» и Л. К. Плахов за картину «Вид в окрестностях Ораниенбаума» также получили золотые медали. В 1838 году К. В. Круговихин был удостоен серебряной медали за картину «Ночь». Ученики Воробьева пишут Парголово (где находилась дача Воробьева), окрестности Ораниенбаума и Ладожского озера, Петровский остров. Программы на сочинение уже не предлагаются конкурентам. Темы избираются ими самостоятельно. В число образцов для копирования были включены картины Сильвестра Щедрина.

Воробьев, ведший класс пейзажной живописи в Академии художеств, также продолжает работать над раскрытием эмоционального содержания и природы. Он выбирает сюжеты в духе романтической поэтики, связанные с определенным состоянием атмосферы или освещения, но остается чуждым тому, чтобы привносить в пейзаж черты философической медитации. Настроение пейзажа «Закат в окрестностях Петербурга» (1832) создается противопоставлением светоносного пространства северного неба и его отражения в воде. Ясный силуэт вытащенного на берег баркаса подчеркивает безграничную даль, в которой водная стихия незаметно смыкается с «воздухом». Пейзаж с изображением стоящей на берегу лодки несет в себе поэтическую интонацию — отделённая от водной стихии, лодка как бы становится элегической метафорой прерванного плавания, символом каких-то несбывшихся надежд и намерений. Этот мотив получил широкое распространение в живописи эпохи романтизма.
Пейзаж, ставящий целью изучение характера состояний атмосферы, всегда привлекал Воробьева. В течение многих лет он вел дневник метеорологических наблюдений. В середине 1830-х годов он создает значительный по своим художественным достоинствам цикл видов новой пристани перед Академией художеств, которую украсили сфинксы, привезенные из древних Фив. Воробьев изобразил ее в разное время дня и года.
В основу картины «Набережная Невы у Академии художеств» (1835) лег мотив раннего летнего утра. Белая ночь незаметно уходит, и свет невысокого солнца, как бы соприкасаясь с воздухом над Невой, сообщает пейзажу настроение легкости. На плотиках у пристани прачки полощут белье. Соседство древних сфинксов с этой прозаической сценой свидетельствует о свежести взгляда художника на явления жизни. Воробьев умышленно снимает репрезентативность в характере изображения, подчеркивая прелесть естественности бытия. Поэтому главное внимание сосредоточено на колористическом решении пейзажа, на выражении неповторимого, но вполне определенного настроения.

В середине 1830-х годов Воробьев находился в зените своей славы и тем не менее после цикла видов пристани со сфинксами он почти оставил работу над петербургскими пейзажами — писал в основном заказные работы, фиксирующие этапы строительства Исаакиевского собора, вид Константинополя и для себя вид на Неве в летнюю ночь. С 1838 по 1842 год, кроме официального заказа «Поднятие колонн на Исаакиевский собор», Воробьев писал исключительно виды Парголова. Это свидетельствует о том, что маститый художник почувствовал необходимость углубить свои знания работой на натуре. К сожалению, результаты этих наблюдений не нашли отражения в его творчестве. В 1842 году под впечатлением смерти жены Воробьев написал символическую картину «Дуб, разбитый молнией». Эта картина осталась единственным примером символического романтизма в его творчестве.
Среди выпускников пейзажной мастерской значительную роль в развитии русской живописи сыграли золотые медалисты М. И. Лебедев, И. К. Айвазовский, большие надежды подавал В. И. Штернберг, умерший двадцати семи лет — через шесть лет после окончания Академии художеств.
Лебедев, несомненно, должен был стать одним из выдающихся пейзажистов своего времени. Зачисленный в Академию художеств восемнадцати лет, он уже через полгода получил малую золотую медаль, а в следующем году и большую. Уже в этот период Лебедев внимательно наблюдает Природу и людей. Пейзаж «Васильково» (1833) содержит в себе определенное настроение природы, несет ощущение простора. Небольшой холст «В ветреную погоду» (1830-е гг.) наделен теми качествами, которые в дальнейшем станут основополагающими в творчестве художника. Лебедева интересует не изображение некоего вида, а передача ощущения непогоды, порыва ненастного ветра. Он изображает разрывы облаков, полет потревоженных птиц. Обобщенной массой даны деревья, сгибаемые ветром. Первый план написан пастоз- но, энергичными мазками.

В Италии Лебедев проявил себя как незаурядный колорист и внимательный исследователь природы. Из Италии он писал: «Сколько мог старался копировать натуру, обращая внимание на Ваши мне всегда деланные замечания: расстояние, свет неба, рельеф — сбросить приятные глупые манеры. Клод Лоррен, Рейсдаль, вечные останутся образцы.
Определенно Лебедев был сориентирован на работу с натуры не только на стадии этюдов, но и в процессе создания самих картин. В 1830-е годы пейзажная живопись расширяет круг своих сюжетов, у художников углубляется чувство природы. Не только события в мире природы: закат, восход, ветер, буря и тому подобное, но и будничные состояния все больше привлекают внимание пейзажистов.
В приведенном отрывке из письма ясно чувствуется присущий Лебедеву пристальный взгляд на природу, непосредственность в ее восприятии. Его пейзажи значительно приближены к зрителю и редко охватывают большие пространства. Свою творческую задачу художник видит в выяснении структуры пространства, состояния освещения, их связей с предметным объемом — «расстоянием, светом неба, рельефом». Это суждение Лебедева относится к осени 1835 года, когда им была написана «Аричча».
Как художник Лебедев развивался очень быстро, и трудно предположить, каких успехов он мог бы добиться, когда бы не его безвременная смерть. В своих картинах он шел по пути усложнения колористических задач, цветовой гармонии природы и не избегал писать сюжеты на «открытом солнце». Лебедев писал свободнее, смелее Воробьева, он уже принадлежал к новому поколению живописцев.

Другой известный ученик Воробьева Айвазовский также еще со времен ученичества стремился писать с натуры. Образцом для себя он считал Сильвестра Щедрина. Будучи учеником Академии он исполнил копию с картины Щедрина «Вид в Амальфи близ Неаполя», а приехав в Италию, дважды принимался писать с натуры в Сорренто и в Амальфи мотивы, известные ему по картинам Щедрина, но без особого успеха.
Свое отношение к натуре Айвазовский исходит из поэтики романтического пейзажа. Но следует оговориться, что Айвазовский обладал острой колористической памятью и постоянно пополнял ее запас наблюдениями натуры. Прославленный маринист, пожалуй, больше других учеников Воробьева был близок к своему учителю. Но менялись времена, и если произведения Воробьева во всех рецензиях заслуживали неизменные похвалы, то Айвазовский наряду с похвалами получал и упреки.
Допуская эффекты в живописи, Гоголь совершенно не приемлет их в литературе. Но и в живописи уже начался процесс движения от внешних эффектов к изображению повседневных состояний природы.
Одновременно с Лебедевым работал В. И. Штернберг. Он окончил пейзажный класс Академии художеств в 1838 году с большой золотой медалью за картину «Освещение пасок в малороссийской деревне», не сочиненную, а писанную с натуры. Хотя Штернберг написал ряд интересных пейзажей, в своем творчестве он ощущал сильную тягу к жанровой живописи. Уже в конкурсной работе он соединил пейзаж с жанровой живописью. Такой синкретизм сближает его и с венециановской традицией, и с проблемами, которые решались в отечественной живописи во второй половине XIX века.

Чрезвычайно привлекательна небольшая картина-этюд, принадлежащая кисти Штернберга «В «Качановке», имении Г. С. Тарновского». На ней изображены композитор М. И. Глинка, историк Н. А. Маркевич, владелец Качановки Г. С. Тарновский и сам художник за мольбертом. Эта жанровая композиция «в комнатах» написана свободно и живо, свет и цвета переданы остро и убедительно. За окном открывается огромное пространство. В законченных работах Штернберг более сдержан, в них только угадывается присущий художнику дар обобщенного видения и талант колориста.
В числе многих проблем, находившихся в центре внимания Александра Иванова, важное место занимали вопросы соотношения жанров, новые открытия колористических возможностей живописи, наконец, сам метод работы над картиной. Пейзажные этюды Александра Иванова стали для русской живописи открытием пленэра. Около 1840 года Иванов осознает зависимость цвета предметов и пространства от солнечного освещения. Пейзажные акварели этого времени и этюды маслом к «Явлению Мессии» свидетельствуют о пристальном внимании художника к цвету. Иванов очень много и старательно копировал старых мастеров и, надо полагать, при этом еще яснее ощутил разницу мировосприятия эпохи Ренессанса и XIX века. Естественным следствием такого вывода могло быть только тщательное штудирование натуры. В творчестве Александра Иванова получила практическое завершение та эволюция, которую прошла русская живопись от классицистической системы к пленэрным завоеваниям. Иванов исследовал диалектические отношения света и цвета в многочисленных этюдах, выполненных с натуры, каждый раз сосредоточиваясь на определенной задаче. В первой половине XIX века такая работа требовала от художника титанических усилий. Тем не менее Александр Иванов решил практически весь комплекс задач, связанных с живописью на пленэре в этюдах 1840-х годов. С такой последовательностью подобные задачи не решал ни один из его современников. Иванов исследовал цветовые соотношения земли, камней и воды, нагого тела на фоне земли, а в других этюдах — на фоне неба и пространства большой протяженности, соотношения зелени ближних и дальних планов и тому подобное. Время в пейзажных этюдах Иванова приобретает конкретное значение: это не время вообще, а определенное время, характеризующееся данным освещением.

Метод работы Иванова был понятен далеко не всем современникам. Даже в 1876 году Иордан, писавший свои воспоминания, вероятно, не до конца понимал, что Иванов был занят изучением нового метода воспроизведения реальности и что актуальнейшая проблема этого метода заключалась в работе на пленэре. Природа в глазах Иванова имела объективную эстетическую ценность, являющуюся источником более глубокой образности, чем побочные ассоциации и надуманные аллегории.
Романтические художники, как правило, не ставили своей целью воспроизвести природу во всем многообразии ее объективного бытия. Как мы видим на примере творчества Воробьева, натурный подготовительный материал ограничивался карандашными рисунками, черной акварелью или сепией, в которых давалась только тональная характеристика пейзажа. Иногда натурный этюд являл собой рисунок, слегка подцвеченный акварелью для определения теплохолодных отношений. Цветовая характеристика пейзажа в глазах романтиков, и это соответствовало классицистической традиции живописи, должна была определиться сама как следствие общих колористических поисков. Ограничивало романтиков в первую очередь то, что в центре их внимания оставались светотональные отношения. Так видел натуру Воробьев, так он учил видеть натуру и своих питомцев. Для первой половины девятнадцатого века подобный взгляд был вполне естествен, ибо был освящен традицией.
В середине 1850-х годов молодой А. К. Саврасов ориентируется в своих поисках на аналогичный метод работы. Он был близок к школе Воробьева благодаря своему учителю Рабусу, который учился у Воробьева. В 1848 году Саврасов копировал Айвазовского, интересовался работами Лебедева и Штернберга. Направление в пейзажной живописи, начатое Сильвестром Щедриным и продолженное Лебедевым, к середине XIX века получило широкое распространение. В это время теоретически всеобъемлющий, но практически ограниченный романтизм не мог уже сохранил роль ведущего направления в искусстве.

Фундамент, заложенный романтиками, был прочен, но отношение романтиков к природе требовало определенной эволюции. Одним из художников, который развивал идеи Венецианова о первенствующей роли натуры, был Г. В. Сорока. В зимнем пейзаже «Флигель в Островках» (первая половина 1840-х гг.) Сорока уверенно пишет цветные тени на снегу. Этого талантливого художника отличала любовь к белому цвету, он часто включал в пейзажи людей в белой одежде, видел способность ахроматического цвета окрашиваться в зависимости от освещения. О том, что Сорока сознательно ставил перед собой колористические задачи, внимательно наблюдал изменения цвета, свидетельствуют пейзажи, изображающие разное время дня. Например, картина «Вид озера Молдино» (не позднее 1847 г.) представляет состояние природы при утреннем освещении. Художник наблюдает цветные тени и сложную колористическую игру света на белых одеждах крестьян. В картине «Рыбаки» (вторая половина 1840-х гг.) Сорока очень верно передает двойное освещение — теплый свет от заходящего солнца и холодный свет от голубого неба.
Искренность художника, тонкое чувство красоты будничных проявлений природы придают произведениям Сороки обаяние и поэтичность.
Творчество Сильвестра Щедрина, М. И. Лебедева, Г. Б. Сороки свидетельствует о том, что обращение А. А. Иванова к работе на пленэре было не исключительным подвигом одиночки, а закономерным этапом развития отечественной живописи.
В Петербурге Иванов экспонировал картину вместе с подготовительными этюдами. Это было время, когда многолетний труд Иванова, создавший, как говорил сам художник, «школу», еще не все могли оценить в полной мере. Пример Иванова был труден особенно после «мрачного семилетия» , когда гонениям подвергалось все мало-мальски выходящее за грань общепринятой системы. Пейзажная живопись не составляла исключения. По мнению Б. Ф. Егорова, цензура вычеркнула этот отрывок, «боясь сложного теоретического осмысления природы и общества — мало ли, как могут истолковать подобную диалектику!».

В конце 1840-х и в 1850-х годах Академия художеств, находившаяся в ведении министерства императорского двора и имея президентами членов царской фамилии, вовсе превратилась в бюрократическую организацию. Академия обладала монопольным правом на присуждение художникам серебряных и золотых медалей за выполнение конкурсных программ. Попытки выхлопотать такое право для московского Училища живописи и ваяния твердо отклонялись. Традиции академического искусства ревностно охраняли исторический жанр, в котором сюжеты из истории конкурентам предлагались гораздо реже, чем сюжеты из мифологии или священного писания. Кроме того, картины предлагалось исполнять согласно определенным нормативам: сюжет воплощался по заранее обусловленным правилам композиции, мимика и жесты действующих лиц отличались нарочитой экспрессией, требовалось умение эффектно писать драпировки и ткани.
Между тем уже в середине 1840-х годов отчетливо заявила о себе «натуральная школа» в литературе, которая вела борьбу за честь и достоинство личности. В эти годы Белинский развивает взгляд на народность в искусстве и приближается к пониманию народности как явления, соединяющего в одно целое народное, национальное и общечеловеческое. Вызревают идеи, питающиеся убеждением о необходимости коренных социальных преобразований в России. Рубеж 1850-1860-х годов открыл новый, разночинский этап истории отечественной интеллигенции.
Под его влиянием выработалась определенная эстетическая программа русского искусства. Ее основы закладывал Белинский, дальнейшее развитие получила в работах Н. Г. Чернышевского и Н. А. Добролюбова. Борьба велась за идейное искусство, за такое эстетическое его содержание, которое было бы неотделимо от демократических «нравственно-политических» идеалов. Белинский видел главную задачу литературы в отображении жизни. Развивая воззрения Белинского, Чернышевский в своей известной диссертации определяет основные черты демократического искусства несколько шире: воспроизведение жизни, объяснение жизни, приговор над жизнью. «Приговор» требовал от автора не только определенной гражданской позиции, знания жизни, но и чувства исторической перспективы.
В судьбах русской пейзажной живописи второй половины века Саврасову принадлежит особая роль: он был не только талантливым художником, но и педагогом. С 1857 года Саврасов в течение двадцати пяти лет возглавлял класс пейзажной живописи в московском училище. Он настойчиво ориентировал своих учеников на работу с натуры, требовал от них писать этюды маслом, учил искать красоту в самом незатейливом мотиве.
Новое отношение к пейзажу воплощено в картине В. Г. Шварца «Вешний поезд царицы на богомолье при царе Алексее Михайловиче» (1868). Художник вписывает жанровую историческую сцену в обширный пейзаж. К подобному решению исторической картины пришел в 1848 году Айвазовский в полотне «Бриг Меркурий» после победы над двумя турецкими судами встречается с русской эскадрой». В основу сюжета картины легло не изображение боя, а последующие за ним действия, разворачивающиеся на втором плане. Пейзаж и изображенное событие выступают в нерасторжимом единстве, которого раньше историческая картина не знала.

Пейзаж в русской живописи постепенно приобретает все большее значение, и наиболее проницательные люди угадывали пути его дальнейшего развития.
К 1870 году активизировались внутренние процессы, происходившие в живописи. Одним из важнейших проявлений новых тенденций стало образование Товарищества передвижных художественных выставок.
Произведения, привезенные Репиным и Васильевым с Волги, произвели на него сильное впечатление, и Поленов пишет родным: «Надо больше писать этюдов с натуры, пейзажей».
Во время пенсионерской поездки в Италию Поленов особо отмечает: «Горы на картине и фотографии не так впечатлительны, как в настоящем воздухе». О живописи Гвидо Рени он пишет: «Живопись Гвидо Рени представляется нам лишь только сырым подбором красок, не имеющим никакого отношения ни к свету, ни к воздуху, ни к материи». Эти замечания еще не складываются в определенную программу, но в них чувствуется осознание новых путей живописи. Молодой художник видел их в углублении живописных возможностей, в искреннем диалоге с реальностью.
В начале 1874 года, вошедшего в историю искусства открытием первой выставки импрессионистов в ателье Надара на бульваре Капуцинок, многоопытный проницательный Крамской, размышляя о судьбах русской живописи, о ее ближайших задачах, пишет молодому Репину: «Как далеко нам еще до настоящего дела, когда должны по образному евангельскому выражению, «камни заговорить». Для Репина важна последняя фраза, ибо традиционно роль рисунка в русской живописи была всегда высока. И художник был убежден, что при движении к пленэру нельзя упускать из поля зрения рисунок.
Возвратившись из пенсионерской поездки, Поленов поселяется в Москве, где создает превосходные по живописи пленэрные этюды к неосуществленной картине «Пострижение негодной царевны» и картину «Московский дворик» (1878). К «Московскому дворику» по образному и живописному решению примыкает картина «Бабушкин сад» (1878). Ее, а также две другие работы, «Удильщики» и «Лето» (обе 1878 г.), Поленов экспонировал на VII выставке Товарищества передвижников в 1879 году.
В конце 1881 года Поленов совершает путешествие на Ближний Восток с тем, чтобы собрать материал для картины. Его восточные и средиземноморские этюды отличают колористическая смелость и мастерство.
С 1882 года Поленов заменил Саврасова на преподавательской работе в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Поленов во многом повлиял и на творчество своих современников, в первую очередь на пейзажистов И. И. Левитана, И. С. Остроухова, С. И. Светославского, других.

В начале 1870-х годов продолжает работать Шишкин. Овладевая живописным мастерством, он, не щадя себя, много пишет с натуры, по два-три этюда в день. Высоко ценил знание леса Шишкиным Крамской.
Изображение туманного утра, когда лучи солнца с трудом пробиваются сквозь листву деревьев, стало мотивом одной из самых знаменитых картин Шишкина «Утро в сосновом лесу» (1889). Лес занимает все пространство картины. Деревья написаны крупно, масштабно. Среди них на поваленной сосне расположились медведи. В подобном подходе к изображению пейзажа угадывается что-ТО романтическое, НО ЭТО Не ПОВТОреНИе Прошлых ypOKOB не искусственное подчеркивание
цветом необычных состояний природы, а обостренный взгляд на обычные явления природы. Все эти легенды свидетельствуют о том, насколько необычной была для своего времени живопись Куинджи.
Творчество Куинджи эволюционировало быстро. В определенной степени оно отразило в себе те этапы развития, которые прошла современная ему пейзажная живопись. Куинджи обладал острым колористическим видением: контрасты цветовых отношений и утонченное чувство градаций цветового тона придавали его картинам определенную выразительность. Картины художника наполнены чувством животворной силы природы, воздухом, светом. Не случайно Репин называл Куинджи художником света. Ничем не примечательные мотивы — бескрайняя пустынная степь, никому не известное украинское село, освещенное закатным солнцем или луной, вдруг становились под его кистью средоточием красоты.
Многие ученики Куинджи внесли значительный вклад в развитие отечественного искусства. К. Ф. Богаевский, А. А. Рылов, В. Ю. Пурвит, Н. К. Рерих и другие художники первые шаги в искусстве совершали под руководством мастера.
В то время, когда слава Куинджи достигла апогея, картиной «Осенний день. Сокольники» (1879) дебютировал И. И. Левитан. Она была приобретена П. М. Третьяковым для галереи. Левитан начинал писать свои первые пейзажные работы под руководством Саврасова в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Ему был присущ дар обобщения, который угадывается в небольшом этюде «Осенний день. Сокольники». Он привлекает прежде всего своим колористическим решением. Но не только осенние мотивы, которые давали возможность передать ощущение сырого воздуха, интересовали молодого художника. В последующие годы он пишет ряд солнечных пейзажей — «Дуб» (1880), «Мостик» (1884), «Последний снег» (1884). Левитан овладевает возможностями колорита, соответствующего состояниям природы в разное время года и в разное время дня. Внимание художника на решение пленэрных задач обратил Поленов, у которого Левитан учился почти два года. Вспоминая уроки Поленова в Московском училище, Коровин писал: «Он первый стал говорить о чистой живописи, как написано, говорил о разнообразии красок» . Без развитого чувства цвета невозможно было передать настроение и красоту пейзажного мотива.Без знания достижений пленэрной живописи, ее опыта в использовании возможностей цвета, трудно было передать непосредственное чувство природы.

В 1886 году Левитан совершил поездку в Крым. Иная природа, иное освещение позволили художнику яснее почувствовать особенность природы Подмосковья, где он часто писал с натуры, углубили его представления о возможностях света и цвета. Левитаном всегда двигало неподвластное ему желание передать свою любовь к огромному окружающему миру людям. В одном из писем он с горечью признавался в бессилии передать бесконечную красоту окружающего, сокровенную тайну природы.
Продолжал писать стихию моря и старик Айвазовский. В 1881 году он создал одно из лучших своих произведений «Черное море», которое поразило зрителей концентрированной мощью образа. Эта картина по первому замыслу должна была изображать начало шторма на Черном море, но в ходе работы Айвазовский изменил тематическое решение, создав «портрет» мятежного моря, на котором разыгрываются штормы сокрушающей силы.
Особое место занимают картины Айвазовского, написанные во время русско-турецкой войны 1877-1878 годов. Айвазовский становится летописцем современных событий, происходивших на морских просторах. Но если раньше он писал славные деяния парусных кораблей, то теперь на смену им пришли изображения пароходов.
В их основу легли определенные исторические события. И хотя эти произведения по существу не являются пейзажами, они могли быть написаны только художником, в совершенстве владеющим искусством марины. Поленов тоже в 1877-1878 годах был на театре военных действий, но батальных картин не писал, ограничиваясь натурными этюдами с изображением быта армии и главной квартиры. На выставке Товарищества передвижников, состоявшейся в 1878 году в Москве, Поленов экспонировал только пейзажные работы.
Сильные романтические тенденции сохранялись в творчестве пейзажиста Л. Ф. Лагорио. Как и Айвазовский, он писал море, но в произведениях его меньше страстности. Художник старшего поколения, Лагорио не мог отказаться от навыков и приемов, приобретенных в годы обучения в Академии художеств у М. Н. Воробьева и Б. П. Виллевальде. Его картины нередко грешат обилием подробностей, лишены художественной цельности. Колорит не столько связан с выявлением реальных цветовых отношений, сколько декоративен. Это были отголоски романтических эффектов первой половины XIX века. Картины Лагорио выполнены с мастерством. В картинах «Батум» (1881), «Алушта» (1889) он добросовестно изображает черноморские порты. К сожалению, художник не сумел развить те живописные качества, которые заметны в работах 1850-х годов. В 1891 году Лагорио пишет ряд картин о событиях русско-турецкой войны 1877-1878 годов, но эти произведения совершенно далеки от проблем современной пейзажной живописи.

Последнее десятилетие XIX века отмечено в живописи новыми тенденциями. Завоевывает признание вчерашняя молодежь. В конкурсах Общества любителей художеств В. А. Серов получил первую премию за портрет «Девочка с персиками» (1887), в следующем конкурсе за жанровый групповой портрет «За чайным столом» (1888) вторую «премию получил К. А. Коровин (первая премия не присуждалась), затем первую премию за пейзаж «Вечереет» получил И. И. Левитан, а вторую — вновь К. А. Коровин за пейзаж «Золотая осень». Поленову было свойственно обостренное чувство цвета, который он использовал не только как декоративный элемент, но прежде всего как средство эмоционального воздействия на зрителя.
В 1896 году в Нижнем Новгороде была организована Всероссийская художественно-промышленная выставка. Жюри выставки отвергло панно, заказанные Мамонтовым Врубелю. Расстроенный Врубель отказался продолжать работу над панно «Микула Селянинович» и «Принцесса Греза». Мамонтов, любивший доводить дела до конца, нашел выход из положения. Он решил построить специальный павильон и вывесить панно как экспонаты: в этом случае не требовалось разрешения художественного жюри. Но кто-то должен был дописать панно, и этим кем-то стал, по настойчивой просьбе Мамонтова, Поленов. «Они (панно. — В. П.) так талантливы и интересны, что я не мог устоять»,- писал Поленов. С согласия Врубеля работу над панно Поленов завершал вместе с Константином Коровиным. На этой же выставке Коровин и Серов экспонировали много прекрасных этюдов, написанных с завораживающей по красоте северной природы неведомого тогда Мурманского края, куда они ездили по просьбе Мамонтова. Из северных пейзажей Коровина выделяются «Ручей св. Трифона в Печенге» (1894), «Гаммерфест. Северное сияние» (1894 — 1895). Тема Севера не осталась эпизодом в творчестве Коровина. В Нижнем Новгороде им были выставлены декоративные панно, выполненные по впечатлениям поездки. Вновь к теме Севера Коровин вернулся в большом цикле декоративных панно, созданных для Всемирной выставки 1900 года в Париже. За эти панно, включавшие и среднеазиатские мотивы, Коровин был награжден серебряной медалью. Пейзаж в творчестве Коровина играл значительную роль. Мажорное восприятие цвета, оптимизм мировидения были характерны для художника. Коровин всегда искал новые темы, любил писать их так, как еще никто не писал. В 1894 году он создает два пейзажа: «Зима в Лапландии» и русский зимний пейзаж «Зима». В первом пейзаже мы ощущаем суровость природы заполярного края, безбрежные снега, скованные холодом. Во втором — изображена лошадка, впряженная в сани. Седок куда-то отлучился, и этим Коровин подчеркивает непродолжительность события, его краткость. После зимних пейзажей художник обращается к летним мотивам.
В юные годы Коровин и Серов, диаметрально разные по характерам, были неразлучны, за что в абрамцевском художественном кружке их называли «Коров и Серовин». Когда*Серов написал «Девочку с персиками», ему было двадцать два года, но он уже прошел уроки живописи у Репина, занимался в Академии художеств в мастерской Чистякова. Как тонкий колорист Серов не мог не испытывать особого интереса к жанру пейзажа, который так или иначе присутствовал во многих его работах. Репин, вспоминая занятия с девятилетним Тоней (как звали близкие Серова) в Париже, писал: «Я любовался зарождающимся Геркулесом & искусстве. Да, это была натура!».
По этим работам видно, что девяностые годы были временем поиска новых путей в развитии живописи. Не случайно приблизительно в одно и то же время создавали свои лучшие пейзажи Левитан и Шишкин, заявили о себе в искусстве и талантливые молодые художники.

В ноябре 1891 года в залах Академии художеств открылись две персональные выставки произведений Репина и Шишкина. Пейзажист Шишкин включил в экспозицию помимо картин около шестисот рисунков, представляющих его творчество за сорок лет. Также наряду с картинами экспонировал этюды и рисунки Репин. Выставки словно предлагали зрителю заглянуть в мастерскую художников, понять и прочувствовать обычно скрытую от зрителя работу творческой мысли художника. Осенью 1892 года Шишкин выставил летние этюды. Это еще раз подтвердило особую художественную роль этюдов. Был период, когда этюд и картина сближались — этюд переходил в картину, а картина порой писалась как этюд на пленэре. Тщательное штудирование натуры, выход на пленэр для передачи непосредственного ощущения преходящего мгновения из жизни природы были важным этапом в развитии живописи.
Решение этой проблемы оказалось не всем под силу. В начале 1892 года в Москве проходила выставка Ю. Ю. Клевера — художника заметного в свое время, незабытого и сейчас. Помещение выставки было оформлено срубами деревьев, чучелами птиц. Создавалось впечатление, что весь лес не уместился в картинах и продолжается наяву. Можно ли представить себе пейзажи Левитана, Куинджи, Поленова или Шишкина в окружении этого лесного паноптикума? Названные художники задавались целью передать невизуальные свойства предметов. Они воспринимали пейзаж во взаимодействии чувственных ощущений и обобщенных размышлений о природе. Б. Астафьев назвал это «умным зрением».
Иной образ, иные отношения человека и природы представлены в картине «Владимирка» (1892). Скорбный путь в Сибирь художник писал не только под впечатлением Владимирской дороги. Он вспоминал песни о тяжелой жизни на каторге, слышанные в этих местах. Колорит картины строг и грустен. Подчиняясь творческой воле художника, он не просто печален, а вызывает ощущение внутренней силы, которая скрыта в широко раскинувшейся земле. Пейзаж «Владимирка» всем своим художественным строем побуждает зрителя к размышлениям о судьбе народа, о его будущем, становится пейзажем, заключающим в себе историческое обобщение.
«Над вечным покоем» не просто философская пейзаж-картина. В ней Левитан хотел выразить все свое внутреннее содержание, тревожный мир художника. Эта намеренность замысла сказалась и в композиции картины, и в колористическом решении — все очень сдержанно и лаконично. Широкая пейзажная панорама придает картине звучание высокой драмы. Не случайно замысел картины связывался у Левитана с Героической симфонией Бетховена. Надвигающаяся гроза пройдет и очистит далекие горизонты. Эта идея прочитывается в композиционном построении картины. Сопоставление эскиза и окончательного варианта картины позволяет в какой-то мере представить ход мыслей художника. Место часовни и погоста было найдено сразу в левом нижнем углу холста — начальном пункте композиции. Далее, подчиняясь прихотливому движению береговой линии, которая в эскизе замыкает пространство озера в пределах холста, взгляд наш направляется к далекому горизонту. Еще одна особенность отличает эскиз: деревья около часовни своими вершинами проецируются на противоположный берег, и это придает определенное значение всей композиции — возникает равноценное сопоставление заброшенного кладбища и замкнутой берегом части озера. Но Левитан не захотел, видимо, этого равноценного сопоставления. В окончательном варианте он отделяет часовню и погост от общей панорамы пейзажа, помещая их на мысе, вдающемся в озеро: теперь мотив кладбища становится только отправной точкой композиции, началом размышлений, далее наше внимание переключается на созерцание разлива озера, далекого берега и бурного движения облаков над ними.
В целом композиция не является натурным изображением. Она рождена вымыслом художника. Но это не отвлеченное построение красивого вида, а поиск наиболее точного художественного образа. В этой работе Левитан использовал свое глубокое знание пейзажа, этюды, исполненные непосредственно с натуры. Художник создал синтетический пейзаж подобно тому, как это было принято в классицистической живописи. Но это не возврат: Левитан ставил перед собой совершенно иные задачи, решая их на иных живописных принципах. Известный советский искусствовед А. А. Федоров-Давыдов писал об этом пейзаже: «Тем самым его синтетическая всеобщность представляется как естественное бытие природы, и «философское» содержание не исходит от пейзажиста, как бы дается зрителю самой природой. Здесь, как и во «Владимирке», Левитан счастливо избег какого-либо предшествования идеи образному восприятию, то есть какой бы то ни было «иллюстративности». Философское размышление выступает в чисто эмоциональном виде, как естественная жизнь, как «состояние» природы, как «пейзаж настроения» . Однажды Левитан, с 1898 года преподававший в московском Училище живописи, ваяния и зодчества, предложил одному из учеников убрать из этюда ярко-зеленый куст. На вопрос: «Значит можно исправлять природу?»,- Левитан ответил, что природу надо не исправлять, а обдумывать.
Сопоставление большого пространства неба и большого пространства воды дало художнику возможность использовать широкий спектр цветовых и тональных отношений. Он часто и с удовлетворением изображал водную поверхность.
Большую роль в эпической образной тональности этих пейзажей сыграла работа художника над декорациями к опере М. П. Мусоргского «Хованщина» для театра С. И. Мамонтова. «Старая Москва. Улица в Китай-городе начала XVII века», «На рассвете у Воскресенских ворот» (обе 1900 г.) и многие другие работы отличаются правдивым изображением пейзажа, что не удивительно, ибо их автор — пейзажист. Много лет Васнецов преподавал пейзажную живопись в московском Училище живописи, ваяния и зодчества.

На страницах нашей онлайн-галереи свои портфолио разместили современные художники-пейзажисты. Их картины маслом, информацию о творческом пути, материалы работы и другие сведения вы сможете найти на персональных страницах авторов. Мы работаем, чтобы живописцам и покупателям произведений искусства было проще найти друг друга. На портале есть работы русских, американских, голландских, итальянских, испанских, польских, немецких и французских авторов. Покупатели онлайн-галереи могут рассчитывать на безопасность финансовых операций с крупными суммами.

Важно: вы можете заказать сразу несколько полотен у разных авторов. Это сэкономит время и позволит получить работы различных жанров и стилей в свою коллекцию.

Обращаем внимание: доставкой полотен занимаются курьерские службы, поэтому администрация сайта не несёт ответственности за возможные недочёты их деятельности. В большинстве случаев картины передаются в доставку без рамы, однако некоторые художники продают полотна, оформленные в багет. Напоминаем, что стоимость доставки зависит от расстояния, которое предстоит преодолеть посылке. Если вы хотите сэкономить средства на услугах курьерской службы, обратите внимание на полотна живописцев из вашего города.

Помимо живописных полотен в галерее представлены и другие произведения искусства: скульптуры, резьба, батик, керамика, ювелирные изделия.

Защита финансовых операций

Вы рассчитываете совершить покупку на крупную сумму или заказать сразу несколько пейзажей у одного художника? При оформлении заказа у живописца доступна опция «безопасная сделка».

Объединяем художников и покупателей

С нашим сайтом сотрудничает более 1500 живописцев, многие из которых принимают заказы от покупателей. Другие авторы готовы предложить авторские полотна или готовые репродукции картин. Среди арт-объектов вы сможете найти пейзаж, скульптуру или керамическое изделие, которое станет ценным дополнением коллекции.

Рассказать друзьям о портале и его возможностях!

Величественная и многообразная русская живопись всегда радует зрителей своим непостоянством и совершенством художественных форм. В этом особенность произведений знаменитых мастеров искусства. Они всегда удивляли своим необыкновенным подходом к работе, трепетному отношению к чувствам и ощущением каждого человека. Возможно, поэтому русские художники так часто изображали портретные композиции, на которых ярко сочетались эмоциональные образы и эпически спокойные мотивы. Недаром Максим Горький когда-то сказал, что художник – это сердце своей страны, голос всей эпохи. Действительно, величественные и элегантные картины русских художников ярко передают вдохновение своего времени. Подобно устремлениям знаменитого автора Антона Чехова, многие стремились внести в русские картины неповторимый колорит своего народа, а также неугасимую мечту о прекрасном. Сложно недооценить необыкновенные полотна этих мастеров величественного искусства, ведь под их кистью рождались поистине необыкновенные работы разнообразных жанров. Академическая живопись, портрет, историческая картина, пейзаж, работы романтизма, модерна или символизма – все они до сих пор несут радость и вдохновение своим зрителям. Каждый находит в них что-то более чем колоритные цвета, изящные линии и неподражаемые жанры мирового искусства. Возможно, такое обилие форм и образов, которыми удивляет русская живопись, связана с огромным потенциалом окружающего мира художников. Еще Левитан говорил, что в каждой нотке пышной природы заложена величественная и необыкновенная палитра красок. С таким началом появляется великолепное раздолье для кисти художника. Поэтому все русские картины отличаются своей изысканной суровостью и притягательной красотой, от которой так нелегко оторваться.

Русскую живопись по праву выделяют из мирового художественного искусства. Дело в том, что до семнадцатого столетия, отечественная живопись была связана исключительно с религиозной темой. Ситуация изменилась с приходом к власти царя-реформатора — Петра Первого. Благодаря его реформам, русские мастера стали заниматься и светской живописью, произошло отделение иконописи как отдельного направления. Семнадцатое столетие – время таких художников, как Симон Ушаков и Иосиф Владимиров. Тогда, в российском художественном мире зародился и быстро стал популярным портрет. В восемнадцатом веке появляются первые художники, перешедшие от портретной живописи к пейзажной. Заметна ярко выраженная симпатия мастеров к зимним панорамам. Восемнадцатое столетие запомнилось также зарождением бытовой живописи. В девятнадцатом веке в России популярность получили целых три течения: романтизм, реализм и классицизм. Как и прежде русские художники продолжали обращаться к портретному жанру. Именно тогда появились известные во всём мире портреты и автопортреты О. Кипренского и В. Тропинина. Во второй половине девятнадцатого столетия, художники всё чаще и чаще изображают простой русский народ в его угнетённом состоянии. Реализм становится центральным течением живописи этого периода. Именно тогда появились художники-передвижники, изображающие только настоящую, реальную жизнь. Ну, а двадцатое столетие – это, конечно же, авангард. Художники того времени значительно повлияли как на своих последователей в России, так и во всём мире. Их картины стали предшественниками абстракционизма. Русская живопись – это огромный удивительный мир талантливых художников, прославивших своими творениями Россию

Родился в Йошкар-Оле в 1964 году. Окончил Казанский авиационный институт, во время учёбы в котором продолжал увлекаться живописью — любимым с детства занятием.

Не имея официальных дипломов о художественном образовании, Сергей шлифовал своё мастерство самостоятельно. Сейчас работы Басова — желанные гости в известной столичной Галерее Валентина Рябова, и непременные участники Международных артсалонов в Центральном Доме Художника и Арт Манеже. Художник продолжает традицию русской классической пейзажной живописи XIX века. Искусствоведы называют Сергея Басова одним из лучших представителей современного российского реализма, отмечая его безупречный вкус, удивительное поэтическое восприятие мира и совершенную живописную технику. Он член Международного Художественного Фонда и Профессионального Союза Художников.

В его работах нет импрессионистской мимолетности и авангардных изысков. Есть лишь одна чарующая простота, понятная и ценная во все времена.Критики считают Басова одним из лучших представителей современного российского реализма.

Его пейзажи называют «живописными элегиями».В самых обыденных и бесхитростных сюжетах — затерянном в лесах озере, безымянной речушке, роще на краю поля — он способен открыть зрителю целый мир, богатый на эмоции и чувственные ощущения. Сергей Басов вместе с тем давно состоялся как зрелый живописец, обладающий индивидуальной, оригинальной манерой письма и внимательным, заинтересованным взглядом на мир, наблюдениями за которым он щедро делится с окружающими.

«…Один из лучших представителей современного российского реализма, Сергей Басов активно работает с начала 90-х годов прошлого века. В совершенстве владея живописной техникой, обладая безупречным вкусом и чувством стиля, он создает удивительно поэтичные произведения, неизменно находящие прочувствованный отклик в сердцах благодарных зрителей,- людей самых разных вкусов и взглядов, весьма отличных друг от друга по своему мироощущению и складу характера. Изобразительный мир, который создает художник и в котором он живет это, прежде всего окружающая нас природа. Бесхитростные и даже обыденные мотивы, избираемые художником, как-то лесные озерца и речушки, овраги, лесные тропинки и проселки, преображаются в очень тонкие, трепетные произведения, своеобразные живописные элегии. На многочисленных художественных выставках в столичных и провинциальных городах можно увидеть прекрасные работы в реалистической, академической манере. И, конечно, есть глубокая внутренняя взаимосвязь между положительными явлениями в современном российском искусстве и возрождением страны. Художник Сергей Басов вносит в это благородное дело свою достойную лепту. Пейзажи мастера являются ценными экспонатами многих частных и корпоративных коллекций в России и за рубежом…» Многие наши соотечественники, надолго уезжая за границу, увозят в подарок зарубежным друзьям или просто себе на память частичку России, запечатленную в пейзажах Басова. Неизъяснимую прелесть уголков русской природы средней полосы художник передает на своих полотнах в тонкой, лиричной манере, с удивительной теплотой и любовью.

С самых незапамятных времен люди всегда восхищались природой. Они выражали свою любовь, изображая ее на всевозможных мозаиках, барельефах и картинах. Многие великие художники посвятили свое творчество рисованию пейзажей. Картины, на которых изображены леса, море, горы, реки, поля, поистине завораживают. И нужно уважать великих мастеров, которые так детально, красочно и эмоционально передали в своих работах всю красоту и могущество окружающего нас мира. Именно художники-пейзажисты и их биографии будут рассмотрены в данной статье. Сегодня мы поговорим о творчестве великих живописцев разных времен.

Известные художники-пейзажисты XVII века

В XVII веке жило немало талантливых людей, которые предпочитали изображать красоты природы. Одними из самых известных являются Клод Лоррен и Якоб Исаак ван Рейсдал. С них мы и начнем наше повествование.

Клод Лоррен

Французского художника считают основоположником пейзажа периода классицизма. Его полотна отличаются невероятной гармоничностью и идеальной композицией. Отличительной чертой техники К. Лоррена было умение безупречно передавать солнечный свет, его лучи, отражение в воде и т. д.

Несмотря на то, что маэстро родился во Франции, большую часть своей жизни он провел в Италии, куда уехал, когда ему было всего 13 лет. На родину он возвращался всего один раз, и то на два года.

Самыми известными произведениями К. Лоррена являются картины «Вид Римского Форума» и «Вид порта с Капитолием». В наше время их можно увидеть в Лувре.

Якоб Исаак ван Рейсдал

Якоб ван Рейсдал — представитель реализма — родился в Голландии. Во время своих путешествий по Нидерландам и Германии художник написал немало примечательных работ, для которых характерны резкий контраст тонов, драматичная цветовая гамма и холодность. Одним из ярких примеров таких картин можно считать «Европейское кладбище».

Однако творчество художника не ограничивалось мрачными полотнами — он изображал и сельские пейзажи. Самыми известными работами принято считать «Вид деревни Эгмонд» и «Пейзаж с водяной мельницей».

XVIII век

Для живописи XVIII века характерно много интересных особенностей, в этот период было положено начало новым направлениям в упомянутом виде искусства. Венецианские художники-пейзажисты, к примеру, работали в таких направлениях, как видовой пейзаж (другое название — ведутный) и архитектурный (или городской). А ведутный пейзаж, в свою очередь, подразделялся на точный и фантастический. Ярким представителем фантастической ведуты является Франческо Гварди. Его фантазии и технике исполнения могут позавидовать даже современные художники-пейзажисты.

Франческо Гварди

Все без исключения его работы отличаются безупречно точной перспективой, замечательной передачей цветов. Пейзажи обладают некой магической притягательностью, от них просто невозможно оторвать взгляда.

Самыми восхитительными его работами можно назвать полотна «Праздничный корабль Дожа «Бучинторо», «Гондола в лагуне», «Венецианский дворик» и «Рио деи Мендиканти». Все его картины изображают виды Венеции.

Уильям Тернер

Этот художник является представителем романтизма.

Отличительной особенностью его полотен является использование множества оттенков желтого. Именно желтая палитра и стала основной в его работах. Мастер объяснял это тем, что такие оттенки ассоциировались у него с солнцем и чистотой, которую он хотел видеть в своих картинах.

Самой красивой и завораживающей работой Тернера является «Гесперидский сад» — фантастический пейзаж.

Иван Айвазовский и Иван Шишкин

Эти два человека — поистине самые великие и самые известные художники-пейзажисты России. Первый — Иван Константинович Айвазовский — изображал на своих картинах величественное море. Буйство стихии, вздымающиеся волны, брызги пены, разбивающейся о борт накренившегося судна, или тихая, безмятежная гладь, озаренная заходящим солнцем — морские пейзажи восхищают и поражают своей натуральностью и красотой. Кстати, такие художники-пейзажисты называются маринистами. Второй — Иван Иванович Шишкин — любил изображать лес.

И Шишкин, и Айвазовский — художники-пейзажисты 19 века. Остановимся на жизнеописании этих личностей подробнее.

В 1817 году появился на свет один из самых известных маринистов мира Иван Айвазовский.

Родился он в состоятельной семье, его отцом был армянский предприниматель. Нет ничего удивительного в том, что будущий маэстро питал слабость к морской стихии. Ведь родиной этого художника стала Феодосия — красивейший портовый город.

В 1839 году Иван окончил в которой он учился на протяжении шести лет. На стиль художника большое влияние оказало творчество французских маринистов К. Верне и К. Лоррена, которые писали свои полотна по канонам барокко-классицизма. Самой известной работой И. К. Айвазовского считается картина «Девятый вал», выполненная в 1850 году.

Кроме морских пейзажей, великий художник работал над изображением батальных сцен (яркий пример — картина «Чесменский бой», 1848 г.), а также посвящал многие свои полотна темам армянской истории («Посещение Дж. Г. Байроном монастыря мхитаристов близ Венеции», 1880 г.).

Айвазовскому повезло добиться невероятной славы при жизни. Многие художники-пейзажисты, которые стали знаменитыми в будущем, восхищались его работами и брали с него пример. Ушел из жизни великий творец в 1990 году.

Шишкин Иван Иванович родился в январе 1832 года в городе Елабуг. Семья, в которой воспитывался Ваня, была не слишком зажиточной (его отец был небогатым купцом). В 1852 году Шишкин начинает свою учебу в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, выпускником которого он станет через четыре года, в 1856-м. Даже самые ранние работы Ивана Ивановича отличаются необычайной красотой и непревзойденной техникой. Поэтому неудивительно, что в 1865 году за полотно «Вид в окрестностях Дюссельдорфа» И. И. Шишкину дали звание академика. А уже через восемь лет он получает звание профессора.

Как и многие другие рисовал с натуры, проводя долгое время на природе, в тех местах, где его никто не мог потревожить.

Наиболее известными полотнами великого живописца являются «Лесная глушь» и «Утро в сосновом бору», написанные в 1872 году, и более ранняя картина «Полдень. В окрестностях Москвы» (1869 г.)

Жизнь талантливого человека прервалась весной 1898 года.

Многие русские художники-пейзажисты при написании своих полотен пользуются большим количеством деталей и колоритной цветопередачей. То же самое можно сказать и об этих двух представителях русской живописи.

Алексей Саврасов

Алексей Кондратьевич Саврасов — художник-пейзажист с мировым именем. Именно его считают основоположником русского лирического пейзажа.

Родился этот выдающийся человек в Москве в 1830 году. С 1844 года Алексей начал свое обучение в Московском училище живописи и ваяния. Уже с юности он отличался особым талантом и способностями к изображению пейзажей. Однако, несмотря на это, по семейным обстоятельствам юноша был вынужден прервать свое обучение и возобновить его только спустя четыре года.

Самой известной и всеми любимой работой Саврасова является, конечно же, полотно «Грачи прилетели». Оно было представлено на Передвижной выставке в 1971 году. Не менее интересными являются картины И. К. Саврасова «Рожь», «Оттепель», «Зима», «Проселок», «Радуга», «Лосиный остров». Однако, по мнению критиков, ни одна из работ художника не сравнилась с его шедевром «Грачи прилетели».

Невзирая на то что Саврасов написал множество прекрасных полотен и уже был известен как автор замечательных картин, вскоре о нем надолго забывают. А в 1897 году он умер в нищете, доведенный до отчаяния семейными неурядицами, гибелью детей и алкогольной зависимостью.

Но великие художники-пейзажистыне могут быть забыты. Они живут в своих картинах, от прелести которых захватывает дух, и которыми мы и по сей день можем восхищаться.

Вторая половина ХІХ века

Этот период характеризуется распространенностью в русской живописи такого направления, как бытовой пейзаж. В этом русле работали многие русские художники-пейзажисты, в том числе и Маковский Владимир Егорович. Не менее известными мастерами тех времен являются Арсений Мещерский, а также описанные ранее Айвазовский и Шишкин, творчество которых пришлось на середину-вторую половину ХІХ века.

Арсений Мещерский

Родился этот известный художник в 1834 году в Тверской губернии. Образование он получал в Императорской Академии искусств, где проучился на протяжении трех лет. Основными темами полотен автора стали лесные и Художник очень любил изображать в своих картинах великолепные виды Крыма и Кавказа с их величественными горами. В 1876 году он получил звание профессора пейзажной живописи.

Самыми удачными и известными его полотнами можно считать картины «Зима. Ледокол», «Вид Женевы», «Буря в Альпах», «У лесного озера», «Южный пейзаж», «Вид в Крыму».

Кроме Мещерский также передавал красоты Швейцарии. В этой стране он некоторое время набирался опыта у мастера пейзажной живописи Калама.

А еще мастер увлекался сепией и гравюрой. В этих техниках он также создал немало замечательных работ.

Множество картин рассматриваемого художника демонстрировалось на выставках как на территории России, так и в других странах мира. Поэтому многие люди успели оценить талант и самобытность этого творческого человека. Картины Арсения Мещерского продолжают радовать многих людей, увлекающихся искусством, и по сей день.

Маковский Владимир Егорович

Маковский В. Е. родился в Москве в 1846 году. Его отцом был известный художник. Владимир решил пойти по стопам отца и получил художественное образование в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, после чего уехал в Петербург.

Наиболее удачными его картинами стали «Ожидание. У острога», «Крах банка», «Объяснение», «Ночлежный дом» и «Весенняя вакханалия». Произведения в основном изображают простых людей и бытовые сцены.

Кроме бытовых пейзажей, мастером которых он был, Маковский также писал портреты и различные иллюстрации.

Коллекции Русского музея — Русский музей

Среди живописных работ, переданных в Русский музей в момент его основания, заметную и значимую в художественном отношении часть составили произведения ведущих мастеров второй половины XIX в. (И.К.Айвазовский, В.М.Васнецов, К.Е.Маковский, И.Е.Репин, В.Д.Поленов, В.И.Суриков). Несмотря на то, что отбор картин для музея в первые два десятилетия его существования был несколько ограничен консервативными вкусами Совета Академии художеств, диапазон представленной в коллекции живописи постоянно расширялся. В этом огромная заслуга сотрудников музея, таких как Альберт Бенуа и Александр Бенуа, И.Э.Грабаръ, П.И.Нерадовский и др. Важные шаги были предприняты для комплектования собрания картин современных художников. Отдельные полотна и целые группы произведений поступали с выставок И.И.Левитана (в 1901 г. — посмертная), В.В.Верещагина (в 1905 г. — посмертная), Я.Ф.Ционглинского (в 1914 г. — посмертная), Товарищества передвижных художественных выставок (С.Ю.Жуковского, Н.А.Касаткина, И.И.Левитана, В.Е.Маковского), Нового общества художников (Б.М.Кустодиева, Н.М.Фокина), от авторов (А.Я.Головин, В.А.Серов, М.В.Нестеров), от случайных владельцев («Трапеза» В.Г.Перова, «Портрет О.К.Орловой» В.А.Серова и др.).

Заметным вкладом в собрание живописи стали переданные музею в 1918 г. эскизы М.А.Врубеля и картины К.А.Сомова из обширной коллекции В.Н.Аргутинского-Долгорукова. Вскоре на хранение в музей поступили собрание Н.И. и Е.М.Терещенко, состоявшее главным образом из произведений художников конца XIX — начала XX в. (в том числе «Богатырь» и «Шестикрылый серафим» М.А.Врубеля), собрание А.А.Коровина, где были полотна кисти В.А.Серова, Ф.А.Малявина, М.В.Нестерова, К.А.Коровина, а также представителей художественных объединений «Мир искусства», «Голубая роза» и «Бубновый валет».

Пополнение коллекции живописи второй половины XIX — начала XX вв. не прекращалось и в 1930-е гг. В это время из Музея революции среди других работ было передано «Торжественное заседание Государственного совета» кисти И.Е.Репина. Из Государственной Третьяковской галереи в Русский музей поступили полотна мастеров, слабо представленных в собрании последнего («Гитарист-бобыль» и «Портрет Ивана Сергеевича Тургенева» В.Г.Перова, «Автопортрет» Н.В.Неврева, «Курсистка» Н.А.Ярошенко, «Летящий демон» М.А.Врубеля и «Бабы» Ф.А.Малявина).

За последние двадцать лет в музей поступило около двухсот произведений живописи второй половины XIX — начала XX в. Большая часть их этих работ была подарена в 1998 г. братьями И.А. и Я.А.Ржевскими. Обширное собрание картин русских художников, включающее полотна И.К.Айвазовского, И.И.Шишкина, Н.Н.Дубовского, Б.Н.Кустодиева, К.Я.Крыжицкого м многих других мастеров, сейчас представляет постоянную экспозицию музея в здании Мраморного дворца. Также необходимо отметить несколько этюдов и картин отечественных художников конца XIX — XX в. (С.Ю.Жуковский, Е.И.Столица, А.Б.Лаховский и др.), переданных в дар в 2009 г. от Н.П.Ивашкевич. Заметным приобретением последних лет стала картина И.Е.Репина «Портрет военного», ранее принадлежащая одной из североамериканских компаний.

В 1926 г. в дополнение к Художественному отделу Русского музея было создано Отделение новейших течений. Его фонды начали целенаправленно пополняться произведениями авангардных художественных направлений и творческих объединений первой четверти ХХ в., в том числе работами Н.С.Гончаровой, В.В.Кандинского, П.П.Кончаловского, П.В.Кузнецова, М.Ф.Ларионова, А.В.Лентулова, К.С.Малевича, Л.С.Поповой, В.Е.Татлина, Р.Р.Фалька, П.Н.Филонова, М.З.Шагала и многих других.

К 1927 г. в экспозиции Русского музея были последовательно представлены многочисленные новейшие течения от постимпрессионизма до беспредметничества. Отделение новейших течений просуществовало всего три года, однако оно, по существу, положило начало Отделу советской живописи ГРМ (1932-1991гг.), который на данный момент (в составе Отдела живописи 2-й половины XIX-XXI вв.) обладает постоянно пополняющимися фондами. Эти фонды, превышающие 6000 единиц хранения, охватывают практически все направления, школы, тенденции, основные виды и жанры развития русского искусства ХХ — начала XXI вв.

Русский музей располагает одной из крупнейших коллекций произведений раннего русского авангарда и его ведущих мастеров. В живописном собрании представлены основные новаторские течения середины 1910-х гг.: абстракционизм (В.В.Кандинский) и его сугубо русская ветвь — лучизм (М.Ф.Ларионов, Н.С.Гончарова), неопримитивизм (М.Ф.Ларионов, Н.С.Гончарова, А.В.Шевченко, К.С.Малевич), кубофутуризм (Д.Д.Бурлюк, К.С.Малевич, И.А.Пуни, Л.С.Попова, Н.А.Удальцова, А.А.Экстер и др.), супрематизм (К.С.Малевич, И.А.Пуни, О.В.Розанова, И.В.Клюн), конструктивизм (В.Е.Татлин, А.М.Родченко, А.А.Экстер, Л.В.Попова), аналитическое искусство (П.Н.Филонов). Уникальны по своей полноте коллекции произведений мастеров, создавших новаторские художественные системы (К.С.Малевич, П.Н.Филонов, К.С.Петров-Водкин), а также отдельных крупных живописцев, в том числе тех, чей творческий путь начинался уже в советское время (С.В.Герасимов, П.П.Кончаловский, П.В.Кузнецов, Б.М.Кустодиев, В.В.Лебедев, А.А.Рылов, А.В.Шевченко, Н.М.Ромадин). Также в коллекции музея представлены работы художников — представителей значительных школ, существовавших в советское время (например, ленинградская школа пейзажной живописи 1930-х —1950-х гг.).

Искусство социалистического реализма, демонстрирующее высокие художественные достоинства, сюжетную ясность, программную склонность к «большому стилю», отражено в полотнах А.А.Дейнеки, А.Н.Самохвалова, А.А.Пластова, Ю.И.Пименова и многих других советских художников, продолжавших работать в годы Великой Отечественной войны, и во второй половине ХХ в. В золотой фонд советского искусства вошли также находящиеся в собрании Русского музея произведения представителей «сурового стиля» и соприкасавшихся с ним направлений поисков советских живописи 1960-х-1970-х гг. В собрании музея находятся работы таких мастеров послевоенного искусства, как Н.И.Андронов, В.В.Ватенин, Д.Д.Жилинский, В.И.Иванов, Г.М.Коржев, Е.Е.Моисеенко, П.Ф.Никонов, П.П.Оссовский, В.Е.Попков, В.М.Сидоров, В.Ф.Стожаров, братья А.П. и С.П.Ткачевы, Б.С.Угаров, П.Т.Фомин и другие, созданные в широком жанровом диапазоне — от исторической картины до натюрморта.

Имевшая место в 1970–1980-е гг. актуализация отвергавшегося ранее художественного опыта породила в недрах официального искусства плеяду мастеров, работавших в русле «картины идей», связанной с метафорическим, многоплановым осмыслением окружающего мира и человеческой жизни (О.В.Булгакова, Т.Г.Назаренко, Н.И.Нестерова, И.В.Правдин, А.А.Сундуков и др.). В период «перестройки» (1985-1991гг.) собрание Русского музея пополнил ряд имен художников, работавших в рамках андеграунда. Ныне коллекция современной живописи — весьма мобильная и быстрорастущая часть фондов ХХ — начала ХХI вв., но продолжается и всестороннее формирование всего живописного собрания.

Смотреть экспонаты коллекции на портале «Виртуальный Русский музей»

Екатерина Мечетина Русские картины : Московская государственная академическая филармония

Екатерина Мечетина родилась в Москве в семье музыкантов. Начала заниматься музыкой с четырехлетнего возраста. Обучалась в Центральной музыкальной школе при Московской консерватории (класс Татьяны Колосс) и Московской государственной консерватории имени П. И. Чайковского (класс Владимира Овчинникова), затем продолжила образование в ассистентуре-стажировке МГК (класс профессора Сергея Доренского). В годы учебы была стипендиатом фондов Владимира Спивакова и Мстислава Ростроповича, по приглашению последнего в 2004 году проходила стажировку в Париже.

Лауреат семи международных конкурсов пианистов, среди которых конкурс имени Ферруччо Бузони в Больцано (Италия) и Всемирный конкурс пианистов в Цинциннати (США, I премия и Золотая медаль). 

Выступления пианистки проходят на всемирно известных сценах, среди которых зал Консертгебау (Амстердам), Ямаха-холл и Казальс-холл (Токио), Театр Елисейских Полей и Зал Гаво (Париж), Большой зал Миланской консерватории и Аудиториум (Милан), Зал Сесилии Мейрелес (Рио-де-Жанейро), Зал Элис Талли (Нью-Йорк) и другие. Пианистка также активно концертирует в Москве и городах России. 

В обширном репертуаре Екатерины Мечетиной более пятидесяти концертов для фортепиано с оркестром и множество сольных программ. Среди дирижеров, с которыми она сотрудничала, – Мстислав Ростропович, Владимир Спиваков, Владимир Федосеев, Саулюс Сондецкис, Юрий Симонов, Павел Коган, Владимир Понькин, Дмитрий Лисс, Максим Венгеров, Константин Орбелян, Дмитрий Ситковецкий, Александр Сладковский, Гинтарас Ринкявичюс, Александр Скульский, Федор Глущенко, Лоуренс Фостер, Кристиан Бадеа, Барри Дуглас, Фабио Мастранджело, Мария Эклунд. 

В камерном ансамбле выступала с Родионом Щедриным, Владимиром Спиваковым, Дмитрием Ситковецким, Алексеем Уткиным, Александром Князевым, Александром Гиндиным, Борисом Андриановым, Даниилом Коганом, Графом Муржой и другими известными исполнителями. В 2007 году Екатерина Мечетина с Никитой Борисоглебским и Сергеем Антоновым создали трио, которое активно выступает и имеет обширный репертуар. 

Артистка принимала участие в крупных международных фестивалях, среди которых «Декабрьские вечера Святослава Рихтера», «Московская осень», Crescendo, фестиваль музыки Родиона Щедрина, «Русская зима» и Benois de la danse в Москве, «Звезды на Байкале» в Иркутске, фестиваль в Дубровнике (Хорватия), фестиваль Consonances и фестиваль в Лилле (Франция), Europalia в Бельгии. 

Активно сотрудничает с современными композиторами – Родионом Щедриным (доверившим ей мировую премьеру Шестого фортепианного концерта), Алексеем Рыбниковым, Толибхоном Шахиди, Кузьмой Бодровым и многими другими. 

С 2009 года преподает в Московской консерватории (с 2020 – доцент), с 2016 года – в Центральной музыкальной школе при МГК. Ежегодно проводит мастер-классы в Летней творческой школе ЮНЕСКО «Новые имена» в Суздале. Член жюри российских и международных конкурсов (в том числе телевизионного конкурса юных музыкантов «Щелкунчик», Международных Дельфийских игр, конкурсов в Астане и Сеуле). Автор передач «Дневник пианистки» и «Музыкальная азбука с Екатериной Мечетиной» на радио «Орфей». 

Записи пианистки выпущены фирмами Fuga Libera (сольный диск с произведениями Рахманинова, 2005), «Империя музыки» (диск из произведений Щедрина и Толибхона Шахиди, 2008), «Мелодия» (сольный диск с сочинениями Чайковского, Мусоргского и Рахманинова, 2013). В 2019 году записала и выпустила в Московской консерватории альбом пьес Чайковского «Авторская сюита». 

Екатерина Мечетина удостоена молодежной премии «Триумф», независимой премии «Парабола» Фонда имени Андрея Вознесенского, ордена Екатерины Великой III степени от Национального комитета общественных наград, Премии Министерства иностранных дел РФ и фонда «Российские музы – миру», Премии Президента России для молодых деятелей культуры. В 2011 году вошла в состав Совета по культуре и искусству при Президенте России. 

С 2013 года – президент Международного молодежного фестиваля искусств «Зеленый шум» (Сургут). Награждена почетным знаком Республики Саха (Якутия) «За укрепление мира и дружбы» (2015). В ноябре 2017 года стала лауреатом международного культурного фестиваля «Русский Рим» в номинации «За продвижение культуры в мире в области музыки». В 2016 году удостоена почетного звания «Заслуженный деятель музыкального искусства», в 2018 году – «Заслуженная артистка России».

10 самых известных картин русских художников

В 10 веке Россия обратилась в христианство , и ее художники вскоре стали мастерами формы, известной как икона . Икона — это религиозная картина с изображением Христа или другой святой фигуры . Самая известная русская икона Троица от Андрея Рублева . Религиозное искусство доминировало в России на протяжении многих веков, и только в 19 веке русские художники нарушили эту традицию. Реализм — это направление в искусстве, в котором художники решили с бескомпромиссной правдой и точностью изобразить людей и ситуации настоящего. Доминировал в русском искусстве XIX века. . Одними из самых известных картин русских реалистов являются Утро в сосновом лесу, Золотая осень и Бурлаки на Волге . Русский авангард — это термин, используемый для определения большой волны модернистского искусства, которая процветала в России примерно с 1890 по 1930 год .Среди самых известных современных русских картин — Композиция VII, I и Деревня и Черный квадрат . Узнайте больше о русском искусстве через 10 самых известных картин русских художников.


# 10 Утро в сосновом лесу

Автор: Иван Шишкин

Год: 18 89

Утро в сосновом лесу (1889) — Иван Шишкин

Один из самых известных русских пейзажистов, Иван Шишкин, использовал живопись как способ изучения природы.На протяжении своей долгой, успешной и выдающейся карьеры он сосредоточился на русском ландшафте , особенно на его родных лесах . Утро в сосновом бору самое известное произведение Шишкина . Другой известный русский художник по имени Константин Савицкий нарисовал медведей на картине. Однако коллекционер Павел Третьяков стер свою подпись, и теперь картина принадлежит исключительно Шишкину. «Утро в сосновом лесу» стало очень популярным и воспроизводилось на различных предметах, в том числе на шоколадных конфетах «Неуклюжий медведь».Согласно одному из опросов, это вторая по популярности картина в России.


№9 Бурлаки на Волге

Автор: Илья Репин

Год: 187 3

Бурлаки на Волге (1873 г.) — Илья Репин

На этой картине изображены 11 рабочих, тащащих баржу по реке Волга . Он вдохновлен сценами, свидетелями которых был Илья Репин во время отпуска на Волге в 1870 году.Изображенные персонажи основаны на реальных людях , с которыми художник познакомился во время подготовки работы. Бурлаки завоевали международную похвалу за реалистичное изображение невзгод, переживаемых людьми рабочего класса. Это положило начало карьере Ильи Репина и сделало его мастером документирования социального неравенства. Картина была куплена Великим князем Владимиром Александровичем и широко выставлялась по всей Европе как памятник русской реалистической живописи . Бурлаки — это самый известный шедевр самого известного русского художника 19 века .


# 8 Золотая осень

Автор: Исаак Левитан

Год: 1 895

Золотая осень (1895) — Исаак Левитан

Исаак Левитан сегодня считается одним из самых влиятельных пейзажистов России . Его выбор темы был продиктован настроением , центральной категорией в его личной эстетике.Таким образом, ему приписывают как основателя так называемого «ландшафта настроения» . Соавтор-художник Михаил Нестеров определил подход Левитана к природе так: «Левитан открыл огромную красоту, скрытую в каждом русском пейзаже, его душу и прелесть». Мотив русской осени часто встречается в творчестве Левитана, а Золотая осень характерен для его работ в целом. Это, пожалуй, самая известная картина самого известного русского пейзажиста.



№7 Я и село

Автор: Марк Шагал

Год: 1911

Я и деревня (1911) — Марк Шагал

Созданный на лучшем этапе его карьеры, это одна из самых известных работ Марка Шагала , одного из самых влиятельных современных художников . В картине преобладает изображение смотрящего друг на друга зеленолицого человека и козы; и пылающее дерево в руке.Это дополняется несколькими сценами, такими как доение козы и коллекцией домов, некоторые из которых перевернуты. Картина состоит из сказочных образов русского пейзажа и символов из народных сказок . Судя по названию, « I и деревня » созданы под влиянием воспоминаний Шагала о своей родине и его отношении к ней. Использование четко определенных элементов со специфическим смыслом, таких как Древо жизни и смелого причудливого стиля картины, в то время считалось новаторским.


# 6 Farbstudie Quadrate

Английский Название: Исследование цвета: квадраты с концентрическими кругами

Автор: Василий Кандинский

Год: 1913

Farbstudie Quadrate (1913) — Василий Кандинский

Василий Кандинский многие считают «отцом абстрактного искусства» . Он был вдохновлен цветом и считал, что может передать эмоции через него без использования фигур.Он исследовал эмоциональные и экспрессионистские качества цветов во многих картинах. Также известная как Concentric Circles , эта картина является одним из его самых известных цветовых этюдов и, возможно, его самым узнаваемым произведением . Он отображает цветовые комбинации в концентрических круговых узорах, расположенных по всей сетке. Farbstudie Quadrate можно рассматривать как , организованное исследование перцептивных эффектов взаимодействия цветов и эмоционального эффекта, производимого контрастирующими цветами .Это одна из самых известных картин, пожалуй, самого известного русского художника.


# 5 Девятая волна

Автор: Айвазовский Иван

Год: 1 8 50

Девятая волна (1850 г.) — Иван Айвазовский

Иван Айвазовский был одним из ведущих русских художников своего времени, который также был главным художником Российского флота . Он также считается одним из величайших художников-маринистов всех времен .Его самая известная картина, Девятая волна , изображает море после ночного шторма и людей, которым грозит смерть, которые пытаются спастись, цепляясь за обломки потерпевшего крушение корабля. Обломки в форме креста кажутся христианской метафорой спасения от земного греха . «Девятая волна» — старое выражение, используемое моряками. Это означает «одна морская волна превосходит все остальные» . Некоторые моряки считают, что ничто не может противостоять мощи девятой волны.


# 4 La Mariée

Английский Название: The Bride

Автор: Марк Шагал

Год: 1950

La Mariee (1950) — Марк Шагал

Марк Шагал, пожалуй, самый известный русский художник после Василия Кандинского . Поразительным качеством его работ было его умение привлекать внимание зрителя и захватывать его воображение с помощью цветов . Его мастерство было таково, что он создавал поразительные образы, даже используя всего два или три цвета; и это очевидно в этом известном произведении искусства.Невеста одета в яркое красное платье по сравнению с мягким сине-серым фоном, что создает впечатление, что женщина вот-вот спрыгнет с холста, и ее представляют зрителю, и именно он Жених. «Мариа» — самая известная картина одного из самых влиятельных современных художников ХХ века.



# 3 Тринити

Автор: Андрей Рублев

Год: 1 42 5

Троица (1425) — Андрей Рублев

Андрей Рублев считается одним из величайших средневековых русских художников и это его самая известная работа . Троица основана на истории из Книги генезиса , также называемой Гостеприимство Авраама . По сюжету Авраама посещают трое мужчин , которые позже обнаруживают себя ангелами с. Существуют различные интерпретации концепции Троицы, но в то время обычно считалось, что три ангела представляют христианскую Троицу : «одного Бога в трех лицах» — Отца; Сын Иисус Христос; и Святой Дух .Картина Андрея Рублева создана в соответствии с этой концепцией. Икона — это религиозная картина, обычно выполняемая на дереве и церемониально используемая в Византийской и других восточных церквях. Троица Андрея Рублева — самых известных русских икон и считается одним из высших достижений русского искусства .


# 2 Композиция VII

Автор: Василий Кандинский

Год: 1913

Композиция VII (1913 г.) — Кандинский Василий

Василий Кандинский написал некоторые из самых ранних абстрактных работ, в том числе так называемую Первую абстрактную акварель .1910–1914 годы считаются пиком карьеры Кандинского, и эта картина считается вершиной его художественных достижений в период . Для этой композиции он сделал больше этюдов, чем для любой другой, хотя окончательную версию написал всего за три дня. Композиция VII , как полагают, отсылает к апокалиптическим темам Потопа, Страшного суда, Воскресения и Рая. Вихревой ураган цветов и форм, Кандинский считал самым сложным произведением, которое он когда-либо писал , и одним из самых известных произведений абстрактного искусства, когда-либо созданных .


# 1 Черный квадрат

Автор: Казимир Малевич

Год: 1915

Черный квадрат (1915 г.) — Казимир Малевич

Казимир Малевич был основателем художественного движения, известного как Супрематизм , которое сосредоточилось на основных геометрических формах, таких как круги, квадраты, линии и прямоугольники, а также на ограниченном использовании палитра цветов . Таким образом, он является пионером геометрического абстрактного искусства . Черный квадрат именуется «нулевой точкой живописи» , имея в виду историческое значение картины. Работа монументальна не за то, что Малевич вложил в живописное пространство, а за то, что он извлек: телесные переживания, фундаментальная тема западного искусства со времен Возрождения . Черный квадрат считается культовым произведением абстрактного искусства и является самой известной русской живописью всех времен.

LP Cline Галерея | Подлинное русское искусство на продажу

«Лучшие художники идут впереди в колонне человечества, идущего к прогрессу. Лучшие произведения изобразительного искусства — форпосты светлого будущего. С давних времен настоящее искусство стремится познакомить человека с человеком. лучший мир, чтобы способствовать его совершенствованию, пробудить его высокие чувства ». —СЕРГЕЙ ГЕРАСИМОВ

Мы с гордостью предлагаем вам самое лучшее с точки зрения качества, обслуживания и цены!

После 30 лет бездорожья, Gallerist LP и Дайан Клайн подняли свою галерею изобразительного русского искусства на оптимальную высоту для вас, публики.Интернет-магазины предоставляют время, чтобы испытать радость «Охоты».

Найдите то, что вам нравится и вы хотите физически просмотреть, затем просто позвоните и договоритесь о встрече, чтобы посетить наш частный выставочный зал (свяжитесь с нами для получения более подробной информации). Это новое изменение приносит финансовые выгоды как галерее, так и вам, клиенту. Мы с нетерпением ждем этого расширенного путешествия вместе с вами в области искусств.


Посмотреть всю нашу коллекцию на Flickr (более 300 картин)

Посмотреть нашу галерею русских художников

«Ленинградское художественное училище.Очерки истории ».
Ленинградская школа живописи. Очерки истории — это очень ограниченное роскошное издание 2019 года, которое теперь доступно по заказу. В этом богато иллюстрированном сборнике анализируются известные российские и американские искусствоведы, коллекционеры и художники. этот феномен, который сейчас многие считают главной реалистической школой живописи ХХ века. Эта книга высокой эстетической ценности предназначена для искусствоведов, ценителей искусства и коллекционеров. Представленные произведения искусства принадлежат важным российским и американским художественным музеям и частным коллекциям.Лимитированная, 448 страниц, 288 цветных табличек с многочисленными черно-белыми фотографиями. Твердая обложка, 12,7 x 10 дюймов … Более «Памяти Владимира Сизова»
Владимир Сизов, 1946-2020 С большой грустью узнал о кончине нашего друга Владимира Сизова 4 февраля 2020 года. Сегодня Владимир был одним из самых выставляемых художников в России. Его экспонаты разошлись по музеям России, Украины, Германии, Польши, Сингапура, а также в частных коллекциях Франции, США, Израиля, Австрии и Китая.Он стал членом Союза художников в 1976 году и жил в Тамбове с женой и семьей. У нас много теплых воспоминаний о Владимире и его жене Валентине, их гостеприимство и щедрость останутся с нами навсегда, а также чудесные блюда, для которых она приготовила нас. «Какое наследие он оставляет после себя. Не только одаренный и успешный художник, создавший великую красоту, но и гораздо больший успех человека в Глазах Создателя» … Еще «Солдаты Революции»
Гражданская война в России, 7 ноября 1917 — 25 октября 1922, была многосторонней гражданской войной в бывшей Российской империи сразу после двух русских революций 1917 года, когда многие фракции соперничали за право определять Россию. политическое будущее.Двумя крупнейшими воюющими группировками были Красная армия, сражавшаяся за большевистскую форму социализма во главе с Владимиром Лениным, и слабо союзнические силы, известные как Белая армия, которая включала различные интересы, благоприятствующие политическому монархизму, экономическому капитализму и альтернативным формам социализма. , с демократическим и антидемократическим вариантами. Кроме того, соперничающие воинствующие социалисты и неидеологические зеленые армии боролись как против большевиков, так и против белых. Восемь иностранных государств вмешались против Красной Армии, особенно бывшие союзные вооруженные силы времен мировой войны и прогерманские армии.В конечном итоге Красная Армия нанесла поражение Белым вооруженным силам юга России на Украине и армии адмирала Александра Колчака на востоке в Сибири в 1919 году. Останки белых войск под командованием Петра Врангеля были избиты в Крыму и эвакуированы в конце 1920 года. Более мелкие сражения войны продолжались на периферии еще два года, а мелкие стычки с остатками белых войск на Дальнем Востоке продолжались и в 1923 году … Екатерина Григорьева
Заслуженная артистка России.Екатерина родилась в 1940 году в Москве, училась в Художественном училище, рисовала в мастерской художника Е. Н. Дробицкого. Екатерина высоко ценит требовательного и резкого педагога, открывшего ее талант и творческую манеру. С 1985 года живописец Екатерина Григорьева является председателем Академии художеств, участницей всероссийских и международных выставок. Действительный член Петровской академии искусств и наук; Союз Художеств России; Международная федерация художников … Более «Натюрморт у окна»
Ксения Н.Успенская Ксения Николаевна Успенская родилась в Воронеже, Россия, в 1922 году. С 1939 года до начала Великой Отечественной войны в 1941 году училась у одного из самых известных художников и педагогов Воронежской области А.А. Бучкури. В 1942 году Бучкури и его жена были смертельно ранены, спасаясь от немецкого вторжения. По окончании войны Ксения переехала в Москву и до 1949 года училась в Московском художественно-ремесленном институте, который окончила с отличием. Искусство обрамления Л.P. Cline
Я не могу не подчеркнуть, насколько важна правильная рамка для вашей коллекции произведений искусства. Создаете ли вы произведения искусства или любимые семейные фотографии, правильный стиль и отделка не позволят вам разрушить индивидуальность произведения. Позолоченная рама хотя бы на одной картине в вашем доме придает теплоту комнате. Музеи по всей стране начинают идентифицировать рамы на своих выставках, чтобы подчеркнуть их важность для законченного вида. В процессе золочения я использую лучшие материалы.Я также ношу с собой полную линейку тонкой лепки для любого образа. Я также могу предложить вам обрамление European Close Corner. КТО ЗА ХОЛСТОМ?
Я хочу представить тех из вас, кто не знаком с нашими двадцатилетним опытом создания русского искусства в США на нашем веб-сайте, и лично поговорить с вами о нашей страсти к искусству и художникам, которая движет моим мужем, LP и мной. , Дайан, Клайн каждый день продолжают искать и учиться, чтобы лучше понять путь на всю жизнь этих художников, которые отказались от всего, чтобы использовать свой Богом данный талант для обогащения всей нашей жизни.До того, как искусство вошло в нашу жизнь, я никогда особо не задумывался о мужчине или женщине за холстом. Теперь, когда я смотрю на любую картину или другое средство искусства, мой разум сразу же задается вопросом: «Кто на самом деле стоит за этим?» — Неважно, какой или насколько хороший художник Я стал. Важно, что я всегда помнил, что право быть артистом предполагает абсолютную эффективность и ответственность. Я никогда не отказывался от этого правила ». Цитата Юрия Внодченко, заслуженного артиста России, Воронеж, Россия.Эта цитата, как и многие другие, есть в нашей книге «Желтый фургон», которая представляет собой журнал о нашей охоте за красивым искусством. «Блудный сын» Юрия Калюты
Юрий Калюта — Родился в 1957 году в Кривом Роге, Россия. Окончил Одесское государственное художественное училище имени М.Б. Грекова в 1977 году. Окончил Физико-технический институт им. Государственный академический институт искусств, скульптуры и архитектуры им. Репина в 1989 году. С 1989 по 1991 год учился в аспирантуре Творческой мастерской живописи Российской Академии художеств под руководством профессора А… Более «Желтый фургон» М. Дайанн Клайн
ÐœÐ¾Ñ ÐºÐ²Ð ° в Ð’Ð¾Ñ € онеж (Москва — Воронеж) Пролог. . . Выглянув в окно, я увидел, как снег сильно падает на борт поезда, прежде чем удариться о землю. Была полночь, и все, что я мог слышать, — это тормозной скрежет и лязг вперед-назад, когда поезд снова тронулся. После нескольких часов одного и того же звука и движения я почувствовал, что нахожусь в трансе. Умиротворяющий эффект от мягкого падения снега помог мне забыть о физическом голоде, который я испытывал… Более

—ИЛИ—

Поиск по стилю окраски

А-Я Заказать | в случайном порядке

Что делает нас уникальными? Мы являемся прямым импортером русского импрессионизма и современного русского искусства, и мы объединяем мощные коллекции картин русских художников, которые никогда не мечтали, что мир увидит их таланты. Мы обслуживаем сообщество Чаттануга, штат Теннесси, с тех пор, как наши двери впервые открылись в 1981 году, и наш бизнес вырос до 49 штатов и значительного числа международных направлений.Несмотря на такой рост бизнеса, наша миссия осталась ясной и простой: «Привнести красоту в жизнь тех, кому мы служим». Наша приверженность этой миссии каждые восемь-двенадцать недель переносит нас в глубь России, где мы тщательно отбираем картины непосредственно у художников или из семей художников, которые представляют лучшее в эпоху советского импрессионизма и в искусстве постсоветской эпохи.

Наши специальные услуги: За каждой картиной русского искусства стоит реальная история! И, как прямой импортер, мы имеем уникальную возможность связать покупателя с художником, предоставив подробные биографии и как можно больше личной информации о художнике и произведениях искусства. Мы поощряем запросы от дилеров и приглашаем специальные запросы на работы конкретного художника, которые будут приобретены, когда они будут доступны. Кроме того, наше долгосрочное и глубокое понимание уникальности и тонкостей рынка русского импрессионизма дало нам возможность разработать и предложить БЕСПЛАТНУЮ программу под названием «Новички в коллекционировании». Пожалуйста, свяжитесь с нами для получения дополнительной информации об этой высокоинформативной программе, ориентированной на потребности начинающих покупателей русского искусства.

Просмотр: Мы надеемся, что вам понравится просматривать наши галереи «Искусство русского импрессионизма», «Современное русское искусство» и «Русские лаковые коробки». В нашей Главной галерее представлена ​​полная коллекция русской живописи. Или, если хотите, вы можете выполнить поиск по исполнителю. И мы приглашаем вас посетить нашу страницу избранных художников. Что бы вы ни решили, мы будем рады вам помочь.


С уважением,

Линн Клайн
Галерея Л.П. Клайн
Прямые импортеры оригинального русского искусства

Телефон: (423) 653-3905

LP Cline Gallery — прямой импортер оригинального русского искусства.Наша Галерея русского искусства находится в красивом городе Чаттануга, штат Теннесси. Вы также можете увидеть всю нашу коллекцию русского искусства в нашей галерее русского искусства на сайте www.lpcline-russian-art.com. Мы работаем с коллекционерами изобразительного искусства повсюду, на национальном и международном уровнях, в том числе: Аль-Алабама, AK-Аляска, AZ-Аризона, AR-Арканзас, Сан-Франциско, Калифорния, Калифорния, CO-Колорадо, Коннектикут, DE-Делавэр, DC- Вашингтон, округ Колумбия, Флорида, Джорджия, Гавайи, штат Айдахо, Айдахо, Иллинойс, Индиана, Айова, Айова, Канзас, Канзас, Кентукки, Лос-Анджелес, Луизиана, Мэн, штат Мэриленд, Мэриленд , Массачусетс, Массачусетс, Мичиган, Миннеаполис, Миннесота, Массачусетс, Миссисипи, Миссури, Монтана, Северо-Восточная Небраска, Невада, Нью-Гэмпшир, Нью-Джерси, Нью-Джерси, Санта-Фе, Нью-Мексико , Нью-Йорк, Нью-Йорк, Нью-Йорк, Нью-Йорк, Нью-Йорк, Северная Каролина, Северная Каролина, Северная Дакота, Северная Дакота, Огайо, Оклахома, Оклахома, Орегон, штат Пенсильвания, Пенсильвания, Род-Айленд, Южная Каролина, Южная Каролина, SD-Южная Дакота, Чаттануга, Теннесси, Даллас и Сан-Антонио, Техас, Техас, Юта-Юта, Вермонт, Вирджиния, Вашингтон, Западная Вирджиния, Западная Вирджиния, Висконсин и Вайоминг.Наши международные клиенты варьируются от Канады, Мексики, Южной Америки, Великобритании и Европы до Африки, Ближнего Востока, Китая, Японии, других стран Дальнего Востока и России. Художественные галереи Чаттануги, Художественные галереи Далласа, Художественные галереи Миннеаполиса, Художественные галереи Нью-Йорка, Художественные галереи Сан-Антонио, Художественные галереи Сан-Франциско, Художественные галереи Санта-Фе, Русское искусство Чаттануги, Русское искусство Далласа, Русское искусство Миннеаполиса, Русское искусство Нью-Йорка , Русское искусство Сан-Антонио, Русское искусство Сан-Франциско, Русское искусство Санта-Фе, Русские Картины Чаттануги, Русские Картины Далласа, Русские Картины Миннеаполиса, Русские Картины Нью-Йорка, Русские Картины Сан-Антонио, Русские Картины Сан-Франциско, Русские Картины Санта-Фе, Чаттануга Искусство русского импрессионизма, Искусство русского импрессионизма в Далласе, Искусство русского импрессионизма в Миннеаполисе, Искусство русского импрессионизма в Нью-Йорке, Искусство русского импрессионизма в Сан-Антонио, Искусство русского импрессионизма в Сан-Франциско, Искусство русского импрессионизма в Санта-Фе, Картины русского импрессионизма в Чаттануге, Картины русского импрессионизма в Далласе, Миннеаполис Картины русского импрессионизма, Нью-Йорк Русские впечатления ism Paintings, Картины русского импрессионизма Сан-Антонио, Картины русского импрессионизма Сан-Франциско, Картины русского импрессионизма Санта-Фе, Современное русское искусство Чаттануги, Современное русское искусство Далласа, Современное русское искусство Миннеаполиса, Современное русское искусство Нью-Йорка, Современное русское искусство Сан-Антонио, Сан Современное русское искусство Франциско, Современное русское искусство Санта-Фе

10 русских художников, которых вы должны знать

Василий Кандинский, The Lyrical, 1911

Простой поиск русских художников даст сотни результатов в Интернете.И хотя все эти художники заслуживают особого признания за свои работы, некоторых можно выделить как новаторов и лидеров новых течений в искусстве.

Брюллов родился в семье художников и, как и его братья, учился в Академии художеств, где его отец был учителем. По окончании учебы молодой художник получил стипендию для поездки в Европу. Он особенно любил Италию, где он завершил один из своих шедевров, Последний день Помпеи. Картина принесла ему признание, и он вернулся в Россию героем. Его личная жизнь складывалась не так счастливо. У него был короткий брак, который закончился разводом всего через два месяца. Брюллов стал изгоем высшего общества и поэтому вернулся в Италию, где провел остаток своих дней.

Последний день Помпеи | © Wikimedia Commons

Путь Айвазовского в искусство был сочетанием таланта и удачи. Он родился в бедной семье, которая не смогла бы получить образование в области искусства.Его взяли в семью Феодосии, что позволило ему посещать приличную школу, а затем учиться в Санкт-Петербурге. Море стало главным объектом его искусства. Он ездил в Крым, где два года прожил прямо на берегу Черного моря. Среди его многочисленных морских шедевров — Девятая волна, самая известная работа художника.

Девятая волна | © Wikimedia Commons

Верещагин начал свою карьеру в армии, но вскоре его страсть к искусству взяла верх, и он начал учиться в Академии художеств.Получив образование, Верещагин отправился на Ближний Восток в разгар сражений. Он посвящает много своей работы теме войны, завершив The Apotheosis of War , его единственное вымышленное произведение, с сильным антивоенным посланием. Из-за сильного послания картины Верещагин не был хорошо принят в России. Он покинул страну, живя в Тибете и Индии. Погиб в бою во время русско-японской войны.

Апофеоз войны | © Wikimedia Commons

Репин родился в бедной крестьянской семье, но его мать заметила в мальчике талант.Он научился основам живописи у местного иконописца, а затем заработал ровно столько, чтобы поехать в Санкт-Петербург. После окончания Академии художеств его творчество уже получало много хвалебных отзывов. Затем он завершил свою первую крупную работу «« Воскрешение дочери Иаира ». Репин при жизни выполнил ряд работ, в том числе множество портретов современников. Он также получил заказ от правительства на завершение одной из своих самых больших картин, Торжественное заседание Государственного совета 7 мая 1901 года , которая состояла из более чем 80 портретов.Это была его последняя крупная работа.

Бурлаки на Волге | © Wikimedia Commons

Несмотря на то, что Врубель закончил учебу, чтобы стать юристом, юристом никогда в жизни не работал. Затем он начал учиться в Академии художеств, где один из его профессоров рекомендовал его как художника для помощи в реставрации фресок в украинском монастыре. Вернувшись в Россию, Врубель столкнулся с финансовыми проблемами. Вскоре после этого умер его отец, а сын родился с дефектом здоровья. Проблемы писателя отражены в его серии картин, посвященных демонам, например, Demon Seated .Ближе к концу жизни у него случился нервный срыв, и он был госпитализирован. Его последняя картина, Пророк , была вдохновлена ​​стихотворением Александра Пушкина. Он завершил это, поскольку его одолевала психическая болезнь и он приближался к полной слепоте.

Сидящий демон | © Wikimedia Commons | © Wikimedia commons

Левитан родился в семье раввина, который зарабатывал на жизнь преподаванием языков. Их семья зарабатывала ровно столько, чтобы выжить, но, несмотря на бедность, Исаака и его брата отправили в художественную школу.Его школьный путь был нелегким, и он не получил диплома с полным дипломом. Основным объектом картин Левитана были пейзажи. В его манере их рисования есть особый термин «пейзажи настроения». Многие из его знаменитых работ выполнены на берегу Волги, по которой художник путешествовал.

Март | © Wikimedia Commons

Серов родился в семье композитора, отца и матери, пианистки. С юных лет он проявлял интерес к живописи и учился за границей в Германии и Франции.Затем он переехал в Москву, чтобы завершить образование в Академии художеств. В юном возрасте он завершил одну из своих главных работ Девушка с персиками . Основная часть картин Серова — портреты. Он нарисовал много известных фигур того времени, в том числе членов королевской семьи. В конце жизни он подал в отставку с должности в Санкт-Петербургской Академии художеств в знак протеста против русской революции. Его более поздние работы исследуют новые темы, в основном взятые из классической мифологии.

Девушка с персиками | © Wikimedia Commons

Путь Кандинского в искусство отличался от других — он обратился к живописи только в конце 30-летнего возраста. Его вдохновило посещение выставки импрессионистической живописи, которая находилась на гастролях в Москве. Затем он переехал в Германию, где изучал искусство и создал художественный кружок под названием Фаланга, где начал преподавать. Кандинский был частью движения экспрессионизма и абстрактного искусства, которое упрощает формы и формы, делая объект независимым от визуальных ссылок.Примером таких работ являются « Композиции » Кандинского, над которыми он работал за 30 лет.

Композиция № 4 | © Wikimedia Commons

Кустодиев вырос в русской деревне со своей овдовевшей матерью и тремя братьями и сестрами. Еще мальчиком он знал, что хочет стать художником, поэтому Кустодиев поступил в Академию художеств, где учился у Ильи Репина. Он получил грант на поездку в Европу со своей молодой семьей, а затем поселился на берегу Волги, основав мастерскую под названием «Терем».Его спокойная семейная жизнь длилась недолго. Кустодиев болел туберкулезом и лечился за границей. Болезнь прогрессировала, и художника парализовало ниже пояса. Затем он был прикован к своей кровати, но написал одни из самых радостных и ярких картин в своей карьере: Красавица и Жена купца . Болезнь унесла его жизнь в возрасте 49 лет.

Красавица | © Wikimedia Commons

Петров-Водкин родился в семье сапожников и сам им стал.Он не собирался становиться художником, но знакомство с писательством вызвало у молодого человека интерес. Он поехал в Санкт-Петербург, чтобы начать свое обучение. Многие его работы не приветствовались критикой; они были названы кощунственными и слишком эротичными. Именно после окончания учебы он завершил одну из своих знаковых работ, Купание красного коня , которую рассматривали как предзнаменование грядущих изменений в обществе. Ближе к концу жизни Петров-Водкин заболел и обратился к литературе, а не к живописи.Его работы по-прежнему пользовались спросом в Советской России, и он был избран первым президентом Ленинградского Союза художников.

Купание красного коня | © Wikimedia Commons

Русская живопись — история и великие русские художники

Храмовая роспись

Византийская живописная традиция проникла в Россию вместе с христианством и храмовой архитектурой: церкви украшали мозаикой и росписью. Храмовая роспись отличалась духовностью и строгой каноничностью.Выразительные образы были необходимы, чтобы выразить идею духовности над плотью. Еще одним нововведением стали иконы (греч. Eikon — изображение), изображающие Иисуса Христа, Богородицу и святых. Иконы заменили деревянных идолов, символизирующих языческих богов.

Расцвет русской живописи пришелся на 14-15 вв. Это был период иконописи, связанный с именами величайших мастеров: Феофана Грека, Андрея Рублева и Дионисия.

Западная художественная школа

После того, как Петр I открыл двери в Европу, Россия испытала влияние западных художественных школ.Русские живописцы освоили технические достижения мастеров вестерна: использовали и новые материалы (холст, масляные краски, мрамор). Искусство живописи получило невиданное разнообразие образов и сюжетов. Видимо, наиболее интересным направлением декоративно-прикладного искусства была портретная живопись. Пейзаж должен был последовать позже. В начале ХХ века это были не просто изображения природы, а живопись, передающая тончайшие движения человеческой души посредством образов природы. Крупнейшими пейзажистами России были А.Саврасов и И. Шишкин. Реалистическую живопись 19 века представляли Илья Репин и Василий Суриков.

Русский модернизм

Начало ХХ века — время становления русского модернизма с его огромным разнообразием направлений и стилей: фовизм, футуризм, кубизм, супрематизм и др. Модернизм характеризовался отрицанием традиционных искусств. Новое направление считало себя авангардом в авангарде.Наиболее яркими представителями авангарда были отец абстрактного искусства Василий Кандинский, Марк Шагал, основоположник супрематизма — художественного направления, которое довело идею беспредметной абстрактной живописи до логического завершения, Казимир Малевич. Самое известное произведение Малевича — «Черный квадрат» (1913) было идеологическим манифестом супрематизма.

Достижения русских художественных школ признаны повсеместно. Картины русских художников прошлого века и наших современников, произведения скульпторов, великолепные образцы русского прикладного искусства отмечены всеми крупнейшими музеями мира.

Топ-10 картин Русского музея Санкт-Петербург

Всего десять лет назад, в докризисные времена, русское искусство было синонимом «больших денег», когда покупатели охотились за Айвазовским или Репиным и были готовы заплатить за них целое состояние, поскольку знали, что продадут их по двойной цене. . Времена изменились, и очередная ставка русского искусства не заставит аукциониста потеть. Но искусство не изменилось, оно такое же, и оно здесь, в Государственном Русском музее, специально построенном для хранения картин Малевича, Шагала и т. Д.дом. Вот 10 самых известных из них.

1. Черный квадрат — Казимир Малевич

Черный квадрат — самая популярная картина Казимира Малевича и, возможно, самая известная и противоречивая картина в мире. Что может быть неожиданным для вас, так это то, что существует четыре версии этого шедевра. Первая из них была написана в 1915 году. Что касается последней, искусствоведы полагают, что она написана в период между 1920-ми и 1930-ми годами.

«Черный квадрат», несомненно, одна из самых загадочных картин ХХ века.Художники говорят, что нет одного цвета, как вы могли подумать (и как мы). В эту роспись вошли практически все известные основные цвета, кроме… черного. На самом деле нарисованная фигура не является квадратом, потому что в ней нет параллельных линий. Есть предположение, что квадрат сначала не был черным. Малевич попытался создать картину в стиле кубизма, но затем решил нарисовать только черный квадрат поверх предыдущей картины.

2. Девятая волна — Иван Айвазовский

Девятая волна — великая картина XIX века, написанная Иваном Айвазовским.Картина написана в 1850 году.
В XIX веке моряки считали 9-ю волну действительно плохим знаком, потому что она была самой большой и разрушительной. На фото шестеро моряков встречают эту волну. Их корабль был разбит, поэтому они могли умереть. По правде говоря, все нарисованные волны не такие уж и большие, и все герои могли выжить. Теплые тона картины также показывают, что у них явно был шанс. Айвазовский — русский гениальный маринист, один из самых выдающихся маринистов мира.Его Девятая волна одновременно показывает красоту природы и ее разрушительную сторону.

3. Последний день Помпеи — Карл Брюллов

Последний день Помпеи был написан в 1833 году известным русским художником Карлом Брюлловым.
Картина сначала была представлена ​​в Риме, но затем ее увезли в Лувр. Только в 1934 году «Последний день Помпеи» появился в Санкт-Петербурге, где Александр Демидов подарил его Николаю I. Сюжет картины был создан Брюлловым во время путешествия у Везувия.Ученые предполагают, что здесь был город под названием Помпеи, разрушенный Везувием. Все люди на фотографии находятся на грани смерти, некоторые из них пытались молиться — они верят, что это может их спасти. Многие искусствоведы считают, что здесь два главных героя — мертвая женщина и ее маленький ребенок.

4. Ответ запорожских казаков султану — Илья Репин

Запорожские казаки готовят манифест, известный также как «Ответ запорожских казаков султану Османской империи Мехмеду IV», — картина Ильи Репина.Картина написана на огромном холсте, поэтому на ее создание ушло почти десять лет, с 1880 по 1891 год.

Картина была куплена Александром III в России и затем передана в Государственный Русский музей. Первый черновой рисунок картины был сделан в Запорожье, где Репин был в 1880 году со своим другом, молодым русским художником Валентином Серовым. У всех нарисованных людей были свои настоящие прототипы. Некоторые критики заявляют, что картина не имеет исторической достоверности. После первой версии автор начал писать вторую (она должна была быть более правдивой), но не успел ее закончить.

5. Прогулка — Марк Шагал

Прогулка Марка Шагала (сделана в 1917 году) показывает нам только две простые фигуры — мужчину и женщину. У них есть свои настоящие прототипы — мужчина — автор этой картины, а женщина — его жена Белла. Он очень любил ее и рисовал только ее даже после ее смерти (хотя пытался найти возлюбленную).

Автор попытался показать, что для двух любящих людей нет ничего невозможного. Шагал показывает летящую жену. Они держат друг друга за руки.Это символ их любви. Некоторые полагают, что автор подумал об одной русской пословице — «лучше птичку в руке, чем вольную большую птицу в небе». Прогулка показывает нам, что иногда делать выбор не нужно: Главный герой одновременно держит в руках птичку и «летящую птицу».

6. Масленица — Борис Кустодиев

Масленица, написанная Борисом Кустодиевым в 1916 году, — не единственная картина об этом празднике, созданная этим художником (есть также версии 1917 и 1921 годов. ).

На этом снимке показаны последние дни зимы. Все веселятся и готовятся сжечь символ фестиваля, чтобы положить конец зиме. Небо имеет теплый голубой цвет, что означает приход весны. Кустодиев использует только яркие красивые цвета, чтобы показать радость и счастье людей. Все города, нарисованные этим автором, безлики. Подобные фестивали проводились практически в каждом городе России. А иногда Масленица была вееееееерой — смотрите видео из русского фильма в нашем посте, посвященном празднованию Масленицы в Питере.Санкт-Петербург в 2017 году.

7. Витязь на распутье — Виктор Васнецов

Виктор Васнецов написал «Витязь на распутье» в 1882 году. Некоторые предыдущие карандашные рисунки этой картины были сделаны в 1870-х годах.
Один из самых известных русских былин Илья Муромец и разбойники оказали большое влияние на сюжет «Витязя на распутье». На картине каменное письмо настоящее — оно равнозначно словам из эпоса. На первом грубом рисунке конь был полностью впереди.Также там была дорога. В финальной версии Васнецов убрал ее, чтобы картина стала драматичнее, а фигуру рыцаря — крупнее и монументальнее. В Государственном Русском музее хранится вторая версия этой картины.

8. Христос и грешник — Василий Поленов

«Христос и грешник, также известный как Безгрешный» (1888), — картина Василия Поленова.
Сюжет картины основан на повести из Евангелия от Иоанна о Христе и грешнике.От появления предыдущих рисунков карандашом до завершения масляной живописи прошло 15 лет. Картина была куплена Александром III в России, а затем в 1897 году помещена в собрание Государственного Русского музея. На картине изображено несколько человек. Некоторые из них привели ко Христу (который учил своих учеников) женщину, которую обвинили в неверности, и спросили, что им делать (собирались бить ее камнями). Согласно Евангелию, Христос предложил сделать это тому, у кого вообще нет грехов.Не было людей без грехов, поэтому они ее отпустили.

9. Бурлаки, или Бурлаки на Волге — Илья Репин

Бурлаки, или Бурлаки на Волге, на картине Репина в 1873 году.
Автор впервые увидел бурлаки у Невы. время. Он был поражен ими: они так отличались от других счастливых людей. Они устали и волновались. До того, как была написана основная версия картины, Репин нарисовал множество карандашных набросков и акварельных шизиков.Окончательный вариант «Бурлаков на Волге» показывает нам, насколько трудна работа этих людей. Они устали и недовольны. На заднем плане буксир — символ технического прогресса, которым бурлаки не могут пользоваться.

10. Гости из-за границы — Николай Рерих

Картина «Иностранные гости Рериха» написана в 1901 году в Париже.
Картина входит в цикл картин «Русское начало. Славяне’. Картина была куплена Николаем II в России и затем помещена в Государственную Третьяковскую галерею, чуть позже — в Русский музей.Стиль Гостей включает в себя некоторые элементы стиля древнерусских иконописцев в сочетании с современными тенденциями. По мнению некоторых искусствоведов, корабль идет к славянскому поселению, чтобы положить конец войне и заключить мир. Славяне не боятся его внешнего вида. Море спокойное и хорошая погода — это символ спокойного визита.

Читайте также наш пост о 10 самых известных картинах Эрмитажа.

30 романтических русских картин кораблей в море Ивана Айвазовского — 5-минутная история

Этот веб-сайт не передает личную информацию третьим лицам, и мы не храним никакой информации о вашем посещении этого блога, кроме как для анализа и оптимизации вашего контента и чтения с помощью файлов cookie.

Вы можете в любой момент отключить использование файлов cookie, изменив настройки своего браузера.

Мы не несем ответственности за повторную публикацию содержимого этого блога в других блогах или на веб-сайтах без нашего разрешения.

Этот веб-сайт использует файлы cookie, чтобы мы могли предоставить вам наилучшие возможности для пользователей. Информация о файлах cookie хранится в вашем браузере и выполняет такие функции, как распознавание вас, когда вы возвращаетесь на наш веб-сайт, и помогает нам понять, какие разделы веб-сайта вы находите наиболее интересными и полезными.

Файлы cookie

— это небольшие текстовые файлы, которые размещаются на вашем компьютере, телефоне или других устройствах при посещении веб-сайтов и используются для записи информации о вашей деятельности, включая просматриваемые страницы, контент, который вы слушаете, рекламу, на которую вы нажимаете, ваши настройки и т. Д. и другие действия, которые вы совершаете на Платформе.

Файлы cookie могут быть «постоянными» или «сеансовыми». Постоянные файлы cookie остаются на вашем устройстве в течение определенного периода времени или до тех пор, пока вы их не удалите, а файлы cookie сеанса удаляются после закрытия веб-браузера.

Файл cookie сеанса под названием PHPSESSID # используется PHP для идентификации сеанса текущего пользователя. Его активность истекает по окончании сеанса. См. Политику конфиденциальности службы PHP.

Google, как сторонний поставщик, использует файлы cookie для показа рекламы на этом веб-сайте. Использование Google файлов cookie DoubleClick позволяет ему и его партнерам показывать рекламу нашим пользователям на основе их посещения нашего веб-сайта или других веб-сайтов в Интернете.
Вы можете отказаться от использования файлов cookie DoubleClick для рекламы на основе интересов, посетив веб-страницу настроек Google Рекламы: http: // www.google.com/ads/preferences/

Этот веб-сайт является участником программы Amazon Services LLC Associates, партнерской рекламной программы, разработанной для предоставления сайтам возможности зарабатывать рекламные сборы за счет рекламы и ссылок на amazon.com. Этот веб-сайт может получать небольшую комиссию за его одобрение, рекомендацию, отзыв и / или ссылку на любые продукты или услуги с этого веб-сайта.

Когда вы переходите по ссылке Amazon на этом веб-сайте, в вашем веб-браузере создается файл cookie партнерского отслеживания.

Большинство современных веб-браузеров поддерживают файлы cookie, и в большинстве из них есть настройки, которые можно настроить таким образом, чтобы отклонять некоторые файлы cookie, а также возможность пользователя удалять файлы cookie по своему желанию.

Для получения дополнительной информации о файлах cookie см. Http://www.allaboutcookies.org

Социальные сети

Этот веб-сайт предоставляет способы публикации статей в социальных сетях, таких как Facebook и Twitter. Если вы решите поделиться контентом с этого сайта с помощью любой из кнопок социальных сетей на этом сайте, имейте в виду, что эти сайты могут собирать информацию о ваших действиях в Интернете.Этот веб-сайт не контролирует размещение этих файлов cookie и их работу. Чтобы узнать больше, вы можете ознакомиться с политикой конфиденциальности социальных сетей, перейдя по следующим ссылкам: Политика конфиденциальности Facebook, Политика конфиденциальности Twitter, Политика конфиденциальности Google

.

На этом веб-сайте используется аудиоконтент, управляемый SoundCloud Limited. Если вы посетите страницу на этом веб-сайте со встроенным аудиоконтентом SoundCloud, SoundCloud.com разместит файл cookie (sc_anonymous_id), чтобы включить проигрыватель SoundCloud. Это также может разместить другие.Пожалуйста, ознакомьтесь с политикой конфиденциальности SoundCloud и политикой файлов cookie для получения дополнительной информации.

Социалистический реализм — концепции и стили

Начало социалистического реализма

По иронии судьбы культурной истории является то, что одно из самых жестких движений в искусстве двадцатого века возникло из одной из самых подрывных и динамичных художественных культур, которые можно найти где-либо в мире. мир несколькими годами ранее. На рубеже веков русское искусство ворвалось на международную арену.Авангардный эксперимент сопровождался атмосферой политической агитации, достигшей пика в годы до и после русской революции 1917 года, когда зародились такие движения, как лучизм и кубофутуризм, неопримитивизм, русский футуризм, супрематизм и конструктивизм. Художники, дизайнеры, архитекторы и скульпторы, такие как Эль Лисицкий, Каземир Малевич и Александр Родченко, пересмотрели тысячелетия художественных традиций, создав одни из самых формально подрывных произведений раннего современного искусства в мире.В литературной сфере такие поэты, как Владимир Маяковский, делали аналогичный рывок вперед. Эта волна активности часто имела ярко выраженный националистический настрой: в 1912 году русский художник-примитивист Наталья Гончарова заявила, что «современное русское искусство достигло таких высот, что в настоящее время оно играет важную роль в мировом искусстве. Западные идеи больше не могут быть нам полезны ».

Какое-то время новое коммунистическое правительство терпимо относилось к авангарду и даже поощряло его: русский художник Наум Габо, эмигрировавший в Германию в 1922 году, вспоминал, что «вначале мы все работали на правительство.«В какой-то степени эта свобода отражала недостаточное внимание, которое Центральный Комитет — новый правящий орган СССР — уделял вопросам культуры в период гражданской войны 1917-1922 годов в России. война закончилась, и Иосиф Сталин начал укреплять свой контроль над СССР — государство уже начало ограничивать свободу творческого самовыражения; когда Сталин пришел к полной власти после смерти Ленина в 1924 году, последовал более радикальный сдвиг в культуре. .В отличие от большинства движений в истории искусства, которые имели тенденцию органически вырастать из социально-исторического момента, социалистический реализм был навязан сверху через неформальное давление с начала 1920-х годов и в качестве государственной политики с 1934 года.

Ленин уже запустил колеса. в движение к этой перемене, когда после революции 1917 года он изложил новую социально вовлеченную повестку дня для искусства: «[a] rt принадлежит народу. Оно должно оставить свои самые глубокие корни в самой гуще трудящихся масс.Это должно быть понято массами и любимо ими. Он должен объединять чувства, мысли и волю масс и поднимать их. Оно должно пробуждать в них художников и развивать их ». Это заявление олицетворяет склонность к реализму, которая, тем не менее, была достаточно свободной для таких художников, как Габо и Антуан Певзнер, например, чтобы определить принципы русского конструктивизма — формы геометрической абстракции, далекой от реальности. любое традиционное понятие реализма — в заявлении, озаглавленном «Реалистический манифест» (1920).А сам реализм в творчестве передвижных художников и авторов, таких как Чехов и Толстой, имел свою собственную историю культурного радикализма в России.

Но у Сталина были гораздо более конкретные и содержательные идеи о том, как искусство должно служить новому Советскому государству. В иронической манипуляции с теорией конструктивизма он утверждал, что искусство должно служить функциональной цели: однако для Сталина это просто означало, что оно должно предлагать однозначно положительные образы жизни в коммунистической России в «реалистичном» визуальном стиле. что могло быть легко оценено массами.Сталин называл художников «инженерами души», заявляя, что искусство должно быть «национальным по форме, социалистическим по содержанию». Проще говоря, искусство должно было использоваться как пропаганда.

Социалистический реализм должен был резко отличаться от произведений европейского авангарда, которые до самой смерти Ленина оставались в основном в русле модных идей в русской художественной культуре. Сталин презирал авангард как элитарный и недоступный, и многие из его главных сторонников бежали в Европу; если бы они остались, то были бы изолированы, изгнаны, заключены в тюрьмы или даже казнены, как позже они были бы в нацистской Германии.Стремясь дистанцировать свою культурную политику от той, которая в той или иной форме сохранилась при Ленине, Сталин списал художественные школы, в которых преподавали авангардные теории, а огромные государственные и частные коллекции импрессионистской и постимпрессионистской живописи в России были сняты со стен, свернуты в рулон. и перевезли как политзаключенных в Сибирь.

Ассоциация художников революционной России (АХРР)

Одним из важнейших органов социалистического реализма было Ассоциация художников революционной России (АХРР).Основанная в 1922 году, группа имела филиалы в Москве и Ленинграде и в какой-то мере выступила в роли Общества передвижных художественных выставок, существовавшего с 1870 года для популяризации работы передвижников. Передвижники («Передвижники») были развивающейся группой русских художников-реалистов, которые с 1860-х годов стремились изобразить реалии жизни поздней имперской России и передать красоту русского пейзажа. Примечательно, что первым лидером АХРР был Павел Радимов, который также был последним председателем группы «Передвижники», распавшейся в 1923 году.Художники, основавшие АХРР вместе с Радимовым, такие как Сергей Малютин, были признанными и талантливыми художниками в реалистической традиции, и вскоре к ним присоединились другие художники, связанные с эпохой поздних передвижников, такие как Абрам Архипов, а также более молодые художники, в первую очередь Исаак Бродский.

АХРР создавал картины, изображающие повседневную жизнь трудящихся послереволюционной России; так же, как русские и европейские художники школ-натуралистов и реалистов писали жанровые картины, изображающие жизнь трудящихся бедняков, начиная с середины XIX века.Группа была вдохновлена ​​жизнью Красной Армии, городских рабочих, сельских крестьян, революционных активистов и героев труда: хороших советских образцов для подражания, к которым массы могли относиться. Напряженность в подходе группы, однако, возникла из-за того, что теперь они номинально жили в той обещанной эре равенства, на которую более ранние движения направляли свою критическую энергию, и они попали под растущее давление со стороны политических сил, чтобы сохранить фасад. что такое равенство было достигнуто.Таким образом, традиционное предназначение натурализма и реализма — рисовать с непоколебимой правдивостью — было неизбежно скомпрометировано. Тем не менее, группа содержала неоспоримые таланты, такие как Бродский, и была влиятельной и в некоторой степени творчески плодотворной за свое недолгое существование. В 1932 году он был упразднен, как и все негосударственные коллективы художников.

Общество станковых художников (ОСТ)

Общество станковых художников (ОСТ) было основано в Москве в 1925 году художниками, в том числе Юрием Пименовым и Александром Дейнекой.Она возникла в результате бурных споров, бушевавших в то время в городе по поводу назначения и ценности искусства; в его манифесте говорилось: «В эпоху [строительства] социализма активные художественные силы должны быть частью этого здания и одним из факторов культурной революции в областях реформирования и создания новой жизни, и создание новой, социалистической культуры ». Организация работала по ряду правил, в том числе о том, что художник должен стремиться к завершению картины и отбрасывать «схематичность».OST также отказался от того, что называлось « псевдосезаннизмом » — отсылка к французскому художнику-протокубисту Полю Сезанну, который считался первым художником, разбившим раму картины на серию плоскостей — как разрушителя гармоничной формы. , линия и цвет. Группа осудила необъективизм — форму чистой абстракции, ассоциируемую с художником-супрематистом Каземиром Малевичем — как проявление художественной безответственности, неопределенности и странствования.

Возвращение ОСТа к станковой живописи отчасти было способом противопоставить его духу конструктивизма, который считал, что изобразительное искусство должно быть объединено с функциональными ремеслами, такими как инженерия и архитектура, чтобы реализовать свой революционный потенциал.Возвращаясь к более традиционному взгляду на роль художника, OST заложил некоторые философские основы социалистического реализма. Однако, как и АХРР, она оставалась независимой группой и, как и все независимые движения, подвергалась фракционным разногласиям. В 1928 году группа разделилась на две части, когда ряд художников, больше интересовавшихся формальной абстракцией, отделились от группы Пименова и Дейнеки. Затем, в 1932 году ОСТ был расформирован.

Доктрина Максима Горького

Социалистический реализм возник не только из реалистической живописи таких художников, как Илья Репин, но и из литературного реализма, процветавшего в дореволюционной России, воплощенного в творчестве таких авторов, как Лев Толстой, Антон Чехов, а позже Максим Горький.Все три автора создали подрывные литературные произведения, изображающие беззакония феодальной жизни с захватывающими дух эмоциональными, визуальными и чувственными переживаниями. Социалистический реализм многое взял из стилистики литературного реализма с той оговоркой, что он должен был избегать передачи целого ряда истин об обществе, которое он изображал.

Литературная основа социалистического реализма очевидна из речи, произнесенной в 1934 году Максимом Горьким, сочувствующим большевикам писателем-реалистом, изгнанным из СССР Лениным в 1921 году за критику нового режима.Вернувшись в 1930-е годы по личному приглашению Сталина, незадолго до его смерти, некоторые считают, что Горький отказался от своих реалистических принципов в пропагандистских работах, которые он создавал для государства в последние годы своей жизни. Выступая на съезде советских писателей в 1934 году, Горький громко призвал к социалистическому реализму, заявив, что искусство традиционно было сферой буржуазных пристрастий, основанных на экономическом угнетении пролетариата. «Когда история культуры будет написана марксистами, — заявил он, — мы увидим, что роль буржуазии в процессе культурного созидания была сильно преувеличена, особенно в литературе, и тем более в живописи, где буржуазия всегда была работодателем и, следовательно, законодателем.«Искусство социалистического реализма должно следовать четырем правилам, — продолжал Горький: оно должно быть пролетарским, т. Е. Актуальным и связным для рабочих; оно должно быть типичным, поскольку оно должно отражать повседневную жизнь русского народа; оно должно быть стилистическим. Реалист; и он должен быть партийным: он должен активно поддерживать цели Российского государства и Коммунистической партии.

Союз художников СССР (1932) и Конгресс советских писателей (1934)

До 1932 года независимый группам художников по-прежнему было формально разрешено существовать в СССР, и не существовало единой политики по насаждению социалистического реализма, хотя художники и писатели, отклоняющиеся от одобренных стилей, безусловно, подвергались преследованиям.В начале 1932 года Центральный комитет объявил, что все существующие литературные и художественные группы будут распущены и заменены санкционированными государством Союзами, представляющими различные формы искусства. Это привело к созданию Союза художников СССР, что фактически положило конец эре независимого современного искусства в России, которое было жизненно активным с 1860-х годов. Эра санкционированного государством социалистического реализма фактически началась с этого момента, хотя он был явно одобрен как сталинская политика только два года спустя на Конгрессе советских писателей (1934 г.).Андрей Жданов присутствовал на нем как культурный представитель Сталина и выступил с речью, строго одобряющей принципы социалистического реализма. С этого момента его принципы активно применялись во всех искусствах.

В то же время Сталин все более критически относился к пионерам авангарда предыдущих трех десятилетий; художников, которые остались в России, такие как Малевич, высмеивали как «буржуа», и они оказывались все более изолированными. Их работы были удалены из музеев и стен галерей, и они были в лучшем случае отправлены в безвестность или изгнание; в то же время все более почитались художники-реалисты и писатели дореволюционной эпохи, такие как Репин (ирония судьбы, учитывая враждебность Репина к авторитарной политике своей эпохи.Сталинские чистки 1930-х годов заставили замолчать большинство оставшихся противников соцреализма, в том числе искусствоведа Николая Пунина (бывшего защитника Малевича, которого в 1949 году обвинили в «антисоветском предательстве» и отправили в Воркутский ГУЛАГ, неподалеку за Полярным кругом, где он умер в 1953 году.)

Социалистический реализм в общественной сфере: скульптура, графика и кино

Социалистический реализм, став одобренной государством эстетикой, неумолимо продвигался в публичное пространство.Многие дореволюционные скульптуры и статуи, которые, как считалось, были «воздвигнуты в честь королей и их слуг и не представляли интереса ни с исторической, ни с художественной стороны», были удалены при Ленине, так что городские пространства превратились в чистые холсты, на которых монументальная пропаганда сражения могли вестись. Статуи, изображающие новые категории советских граждан — от рабочих и ученых до школьников, — возникли по всей России. Социалистический реализм в скульптуре, несмотря на ограничения, наложенные на его формальные и тематические рамки, был воспринят рядом талантливых художников, как и живопись социалистического реализма.Среди них была Вера Мухина, чья Рабочий и Колхозница (1937) была разработана для Всемирной выставки 1937 года в Париже, а затем была перемещена на видное место за пределами выставочного центра в Москве. Скульптура представляет собой оптимистичный образ колхозной колхозной системы, реализованной во время первой сталинской пятилетки (1928-32 гг.), Которая фактически вызвала массовый голод (не говоря уже о падении продуктивности).

В то же время были выпущены пачки плакатов, часто неизвестных художников, с изображением рабочего пролетариата, занятого в промышленности, которые были расклеены на городских площадях по всей республике.Фотография соцреализма также стала активным движением в контексте таких публичных пропагандистских кампаний. На нем часто изображались сияющие лица освобожденных рабочих, запечатленные снизу или крупным планом, их черты были увеличены, чтобы подчеркнуть индивидуальные усилия, толкающие Советский Союз вперед.

Ожидалось, что кинотеатр последует этому примеру, и вскоре в этом относительно молодом виде искусства доминировали продукты социалистического реализма. Новая Советская республика изначально способствовала развитию динамичной культуры кинопроизводства на грандиозные социальные темы, примером которой являются работы Сергея Эйзенштейна, чей «Броненосец Потемкин » (1925), инсценировка мятежа моряков в 1905 году, является образцовой работой.Однако параметры санкционированного кинематографического стиля постепенно сужались; Вторая часть неполной трилогии Эйзенштейна «Иван Грозный », например, выпущенная в 1958 году, имела неприятные отношения с цензорами из-за ее двусмысленно наводящих на размышления изображений тоталитарной власти. Утвержденные произведения этой более поздней эпохи, такие как Михаила Чиаурели «Падение Берлина » (1950), часто изображали Сталина как великого и доброжелательного лидера, в данном случае ведущего страну через опасности Второй мировой войны.

Социалистический реализм: концепции, стили и тенденции

Художественная модель социалистического реализма была бескомпромиссной и была разработана государством. Социалистический реализм должен быть оптимистичным по духу, реалистичным по стилю и явно поддерживать советское дело. Часто ожидалось, что произведения будут посвящены отдельному герою новой республики, будь то государственный номинальный руководитель или, что чаще бывает, член рабочего класса, доведенный до уровня знаменитости, такой как Алексей Стаханов, рекордсмен. шахтер, на котором был основан персонаж Джорджа Оруэлла Лошадь Боксер (из Animal Farm ).Однако в рамках узких стилистических и тематических параметров сталинской эстетики талантливые и изобретательные художники продолжали находить минимальные способы самовыражения.

Оптимизм

Социалистический реализм был необходим для создания очень оптимистичного образа жизни в Советском государстве. Это было решающим различием между социалистическим реализмом и социальным реализмом, более широким движением, которое повлияло на него и в какой-то степени включило его: социальный реализм во многих случаях резко критиковал условия, которые он изображал, как и потрясающая картина Ильи Репина Бурлаки на Волге (1870-73).Напротив, трудности, вызванные сталинским режимом — и, действительно, гражданской войной 1917-1922 годов — не были приемлемым предметом для критики: художники были обязаны придерживаться линии в своем выборе и изображении сюжета.

В 1928 году, например, Сталин приступил к осуществлению первого из своих пятилетних планов, направленных на то, чтобы поставить все экономическое производство под контроль государства. Это включало массовую коллективизацию сельского хозяйства по схеме колхоза, что привело к повсеместному голоду и падению производительности сельского хозяйства.В то время как соцреалист в духе художников-передвижников, скорее всего, сообщил бы об этом, от социалистического реалиста требовалось превозносить достоинства и успешное осуществление коллективизации. Принудительная реквизиция земли, скота и сельскохозяйственных культур; голод и психологическая травма: все эти реальности были сметены со сцены. На их место мы находим яркие цветные палитры и бдительных, сытых крестьян, которые с трудом и апломбом приспосабливаются к поставленной задаче, как в книге Григория Ряжского «Колхозный бригадир » (1932).При тщательном анализе эти образы были вдохновляющими, представляя жизнь в современной России не такой, какой она была, а такой, какой она могла бы быть; в равной степени можно сказать, что эти работы сохранили стилистический вид реализма, отказавшись от реальности как предмета.

Реализм

Когда Каземир Малевич написал свой знаменитый Черный квадрат в 1913 году, он воплотил дух радикальной абстракции, охвативший тогда Россию и Запад. В первые дни Советской республики этот дух все еще находил свое выражение, отчасти потому, что троцкистские фракции в правительстве продолжали превозносить достоинства абстракции, утверждая, что коммунистическое искусство должно усвоить уроки буржуазного эксперимента, чтобы выйти за рамки условностей рабочего класса. , и таким образом становятся «бесклассовыми».Однако, когда к власти пришел Сталин, любой подобный нюанс в культурных дебатах был оставлен в пользу кровавого прагматизма: художники, скульпторы, фотографы и кинематографисты предлагали идеализированные изображения политических и культурных лидеров и повседневной жизни в новой России, в наиболее условно «реалистичным» способом. Социалистический реалист должен был научиться рисовать и рисовать с натуры очень линейно и точно. Некоторая живопись была настолько реалистичной, что стала сродни цветной фотографии; в каком-то смысле вообще отказались от соображений формы и стиля.

Борис Иогансон, ведущий официальный художник сталинского периода, суммировал дух эпохи, заявив, что центр творчества в соцреализме лежит не в технике композиции, а в «постановке картины». Утверждение является разумным и проясняющим, но противоречие, лежащее в основе этой версии реализма, ясно видно в его использовании слова «постановка»; и это очевидно в таких работах Александра Дейнеки, как « стахановцев » (1936), изображающих идеальное сообщество русских рабочих.Слово «стахановец» — это отсылка к Алексею Стаханову, который указывает на неутомимого труженика советского дела — больше в виде призрачной аллегории, чем произведения реализма. Процессия высоких, счастливых, здоровых рабочих в белых одеждах появляется перед Дворцом Советов, зданием, строительство которого еще не началось, когда была написана картина; он начался в следующем году, но был прекращен немецким вторжением в Россию в 1941 году.

Герой

Ведущие стахановцев Александра Дейнеки — это сам Алексей Стаханов, который в 1935 году установил поразительные рекорды в области добычи угля. 102 тонны угля за одну смену (впоследствии было предложено, чтобы он делал это с группой помощников в рамках инсценированной пропаганды).Стаханов стал национальной знаменитостью, номинальным лицом культа продуктивности; он даже появился на обложке журнала Time в декабре 1935 года. Стаханов был почитаем как образцовый «новый советский человек», фигура, на плечах которой будет строиться будущее СССР: здоровая, мускулистая, самоотверженная и полная энтузиазма. с безупречной трудовой этикой. Пролетарские герои, такие как Стаханов, встречаются на всех картинах социалистического реализма, от заводских рабочих и ученых до инженеров-строителей и сельскохозяйственных рабочих, все они воплощают один и тот же дух индивидуальной воли, направленный на коллективистские идеалы.Это, конечно, был еще один парадокс, лежащий в основе социалистического реализма: создание коллективистского общества требовало квазирелигиозного почитания личности.

Та же ирония чувствуется в изображении лидеров нового государства. По образцу, повторяемому в тоталитарных культурах на протяжении двадцатого века, эти фигуры фактически заняли место религиозных икон в общественном сознании, появляясь на монументальных портретах и ​​плакатах как полубожественные существа, ведущие нацию вперед силой своей воли и проницательности. .Большая часть этих работ была написана талантливыми художниками, такими как Исаак Бродский, который в конце 1920-х и 1930-х годах написал несколько картин Ленина во время ключевых фаз русской революции, таких как Владимир Ленин 1 мая 1920 года (1927). Сейчас это одни из самых стильных памятников культу личности, который зародился вокруг Ленина и Сталина в эпоху социалистического реализма.

Поддержка государства

К 1930-м годам галереи Советского Союза были украшены политическими портретами, в том числе двух великих лидеров государства, Ленина и Сталина.Если государственнический посыл, стоящий за такой работой, был явным, то более тонкая пропаганда социалистического реализма проводилась под видом жанровых картин и натюрмортов, которые не имели явной связи с политическими темами. Такие произведения, как « Советских хлебов » Ильи Машкова (1936), изображают изобилие повседневной жизни в коммунистическом государстве; Машков изображает буханки всех форм, узоров и размеров, борясь за внимание под традиционным кукурузным орнаментом, окружающим орнаментальный буханку, изрезанную серпом и молотом.

Различные подтексты образа Машкова суммируют некоторые парадоксы эстетики социалистического реализма и указывают на зародыш творчества, существовавший в нем. Уступка русскому народному искусству в сознательно наивной композиции Машкова отражает его связь с радикальными живописцами дореволюционного периода, такими как Михаил Ларионов, один из художников, с которыми Машков основал в 1910 году в Москве группу «Бубновый валет». Эта группа отвечала за определение многих принципов, связанных с неопримитивизмом; То, что Машков выжил как художник в России вплоть до своей смерти в 1944 году, предполагает, таким образом, удивительный диапазон стилистических влияний, которые иногда допускал социалистический реализм, при условии, что они были направлены в правильном направлении.В то же время нельзя игнорировать невольную иронию, скрывающуюся за датой написания этой картины: завершением коллективизации, принесшей голод огромным слоям сельской бедноты России.

Социалистический реализм за пределами Советского Союза

По мере того, как международная политика Сталина становилась все более империалистической в ​​годы после Второй мировой войны, социалистический реализм был экспортирован в государства-сателлиты Восточного блока, новые советские республики, которые возникли по всей Восточной Европе в годы после капитуляции сил Оси в 1945 году.В Польской Народной Республике, основанной в 1947 году, социалистический реализм проводился в жизнь в качестве государственной политики с 1949 года; аналогичная временная шкала применима к Социалистической Республике Румыния, также основанной в 1947 году. Поскольку эти страны находились в политической и культурной рабстве СССР, неудивительно, что произведенные там произведения социалистического реализма мало отличаются от произведений, написанных в стиле социалистического реализма. Однако в предыдущие десятилетия в России выжили люди с талантом и творчеством, такие как Александру Чукуренку в Румынии (который, по общему признанию, был хорошо зарекомендовал себя как художник-постимпрессионист до 1947 года).Работы, написанные в честь модернизации сельского хозяйства при советской власти, такие как картина польского художника Юлиуша Краевского «Спасибо трактористу » (1950), напоминают работы, написанные двумя десятилетиями ранее во время коллективизации в Советском Союзе.

Советская концепция социалистического реализма также вдохновила культурное развитие за пределами Европы, в том числе в Корейской Народно-Демократической Республике (основана в 1948 году) и Китайской Народной Республике (основана в 1949 году).Прокламации председателя Мао о роли художника в новом китайском государстве перекликаются с заявлениями Сталина: «Вся наша литература и искусство предназначены для народных масс и в первую очередь для рабочих, крестьян и солдат». В рамках политики, называемой «национализацией масляной живописи», китайские художники будут изучать европейские техники живописи, чтобы продвигать вариант сталинского культурного национализма Мао.

Позднее развитие — после социалистического реализма

Прием на Западе

В 1939 году в своей знаменитой статье «Авангард и Китч» североамериканский критик Клемент Гринберг исключил социалистический реализм из канона современного западного искусства, определив его это как наивысший пример «китча», искусства, изображающего уравновешенные и знакомые темы в стилистически ортодоксальной манере для малообразованной публики.Какими бы ни были предрассудки в позиции Гринберга — он также высмеивал ранее художников-соцреалистов, таких как Репин как «китч», — она ​​подытожила общую позицию социалистического реализма за пределами России на следующие полвека. Действительно, глобальная история современного искусства с 1932 по 1953 год по-прежнему в значительной степени исключает Россию.

Через четыре года после смерти Сталина его преемник Никита Хрущев назвал культурную политику своего предшественника «жестокой и бессмысленной»: «Вы не можете регулировать развитие литературы, искусства и культуры палкой или приказами». .Вы не можете проложить борозду, а затем задействовать всех своих художников, чтобы убедиться, что они не отклоняются от прямого и узкого. Если вы попытаетесь слишком жестко контролировать своих художников, не будет столкновения мнений, следовательно, не будет критики и, как следствие, истины. Будет просто мрачный стереотип, скучный и бесполезный ». Затем последовал период, называемый« оттепелью », когда художникам и писателям была предоставлена ​​большая свобода в отношении формы и содержания своих работ, и они все чаще устанавливали контакты за пределами России, в то время как иностранная литература, искусство и музыка все более терпимо относились к СССР.По иронии судьбы этот период совпал с разгаром холодной войны, но относительное ослабление культурной политики Хрущева было воплощено в публикации Александра Солженицына «Один день из жизни Ивана Денисовича » в 1962 году. Непоколебимый рассказ о жизни сталинистов. В трудовом лагере он никогда бы не пережил цензуру до 1953 года.

В изобразительном искусстве самые яркие работы этого периода были созданы так называемыми художниками-нонконформистами, такими как Олег Васильев, которые соединили стиль соцреализма с влияниями художников-нонконформистов. первая волна русского авангарда начала ХХ века.В литературе возникли группы, такие как Красные кошки, формально изобретательные поэты, несколько похожие на битов, один из которых, Андрей Вознесенский, появился вместе с Алленом Гинзбергом на знаменитом Международном воплощении поэзии в Лондоне в 1965 году. Фактически был отстранен от власти, и на его место поднялся Леонид Брежнев, более верный наследник репрессивной культурной политики Сталина. Именно при Брежневе советские танки ворвались в Чехословакию в 1968 году, чтобы свергнуть программу демократизации, которая возникла в государстве-сателлите во время так называемой «Пражской весны».Но к 1980-м годам, и особенно ко времени прихода к власти последнего советского премьера Михаила Горбачева, ортодоксальный социалистический реализм давно распался, и все более широкий спектр работ был допущен к публикации и показу: одной из таких работ были Виталий Комар и Александр Меламид открыто высмеивает Происхождение социалистического реализма (1982), в котором изображен сидящий Сталин, которого держит обнаженная муза.

Похожие записи

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.