Старые картины женщин: 10 женщин со знаменитых картин, о чьих судьбах мы не знали

10 женщин со знаменитых картин, о чьих судьбах мы не знали

О картине мы прежде всего знаем две вещи: ее автора и, возможно, историю полотна. А вот о судьбах тех, кто смотрит на нас с холстов, нам известно не так уж и много.

AdMe.ru решил рассказать о женщинах, чьи лица нам хорошо знакомы, а их истории — нет.

Жанна Самари

Огюст Ренуар, «Портрет актрисы Жанны Самари», 1877 г.

Актриса Жанна Самари хоть и не смогла стать звездой сцены (играла она преимущественно служанок), но повезло ей кое в чем другом: некоторое время она жила недалеко от мастерской Ренуара, который в 1877-1878 годах написал четыре ее портрета, тем самым прославив куда больше, чем это могла бы сделать ее актерская карьера. Жанна играла в спектаклях с 18 лет, в 25 она вышла замуж и родила троих детей, затем даже написала детскую книжку. Но прожила эта обаятельная дама, к сожалению, не долго: в 33 года заболела брюшным тифом и скончалась.

Чечилия Галлерани

Леонардо да Винчи, «Дама с горностаем»,
1489-1490 гг.

Чечилия Галлерани была девушкой из благородной итальянской семьи, которая в возрасте 10 (!) лет уже была помолвлена. Однако когда девочке было 14, помолвка по неизвестным причинам была расторгнута, а Чечилия отправлена в монастырь, где и познакомилась (или же все это было подстроено) с герцогом миланским Людовико Сфорца. Завязался роман, Чечилия забеременела и герцог поселил девушку в своем замке, но тут пришло время вступить в династический брак с другой женщиной, которой, конечно же, присутствие любовницы в их доме не понравилось. Тогда после родов Галлерани герцог забрал себе сына, а ее выдал замуж за обедневшего графа.

В этом браке Чечилия родила четверых детей, держала чуть ли не самый первый в Европе литературный салон, бывала у герцога в гостях и с удовольствием играла с его ребенком от новой любовницы. Спустя время супруг Чечилии погиб, наступила война, она потеряла свое благосостояние и нашла приют в доме сестры той самой жены герцога − вот в таких замечательных отношениях она умудрялась быть с людьми. После войны Галлерани вернула свое имение, где и жила вплоть до своей смерти в возрасте 63 лет.

Зинаида Юсупова

В.А. Серов, “Портрет княгини Зинаиды Юсуповой”, 1902 г.

Богатейшая российская наследница, последняя из рода Юсуповых, княжна Зинаида была невероятно хороша собой, и, несмотря на то что ее расположения добивались в числе прочих августейшие особы, замуж она хотела выйти по любви. Желание свое она осуществила: замужество было счастливым и принесло двоих сыновей. Юсупова много времени и сил тратила на благотворительную деятельность, причем после революции продолжила ее и в эмиграции. Любимый старший сын погиб на дуэли, когда княгине было 47 лет, и она с трудом перенесла эту утрату. С началом волнений Юсуповы покинули Петербург и поселились в Риме, а после смерти супруга княгиня переехала к сыну в Париж, где и провела остаток своих дней. 

Мария Лопухина

В.Л. Боровиковский, «Портрет М.И. Лопухиной», 1797 г.

Боровиковский написал множество портретов русских дворянок, но этот — самый чарующий. Мария Лопухина, представительница графского рода Толстых, изображена здесь в нежном возрасте 18 лет. Портрет был заказан ее супругом Степаном Авраамовичем Лопухиным вскоре после свадьбы. Непринужденность и чуть надменный взгляд кажутся то ли обычной позой для подобного портрета эпохи сентиментализма, то ли признаками меланхолического и поэтического нрава. Судьба этой загадочной девушки оказалась печальной: спустя всего 6 лет после написания картины Мария умерла от чахотки.

Джованина и Амацилия Пачини

Карл Брюллов, «Всадница», 1832 г.

«Всадница» Брюллова — блистательный парадный портрет, в котором роскошно все: и яркость красок, и пышность драпировок, и красота моделей. На нем изображены две девочки, носившие фамилию Пачини: старшая Джованина сидит на лошади, младшая Амацилия смотрит на нее с крыльца. Картину Карлу Брюллову — своему многолетнему возлюбленному — заказала их приемная мать, графиня Юлия Павловна Самойлова, одна из красивейших женщин России и наследница колоссального состояния. Повзрослевшим дочерям графиня гарантировала большое приданое. Но получилось так, что к старости она практически разорилась, и тогда приемные дочери Джованина и Амацилия через суд взыскивали у графини обещанные деньги и имущество.

Симонетта Веспуччи

Сандро Боттичелли, «Рождение Венеры»,
1482–1486 гг.

На знаменитой картине Боттичелли изображена Симонетта Веспуччи — первая красавица флорентийского Ренессанса. Симонетта родилась в богатой семье, в 16 лет вышла замуж за Марко Веспуччи (родственника Америго Веспуччи, «открывшего» Америку и давшего континенту свое имя). После свадьбы молодожены обосновались во Флоренции, были приняты при дворе Лоренцо Медичи, в те годы славившемся пышными пирами и приемами.

Красивая, при этом очень скромная и доброжелательная Симонетта быстро влюбила в себя флорентийских мужчин. Ухаживать за ней пытался и сам правитель Флоренции Лоренцо, но активнее всех ее добивался его брат Джулиано. Красота Симонетты вдохновляла многих художников того времени, среди которых был Сандро Боттичелли. Считается, что с момента их встречи моделью всех Мадонн и Венер кисти Боттичелли была именно Симонетта. В возрасте 23 лет Симонетта умерла от чахотки, несмотря на старания лучших придворных врачей. После этого художник изображал свою музу только по памяти, а в старости завещал, чтобы его похоронили рядом с ней, что и было выполнено.

Вера Мамонтова

В.А. Серов, «Девочка с персиками», 1887 г.

Самая знаменитая картина мастера портрета Валентина Серова была написана в усадьбе богатого промышленника Саввы Ивановича Мамонтова. Ежедневно на протяжении двух месяцев художнику позировала его дочь, 12-летняя Вера. Девочка выросла и превратилась в очаровательную девушку, вышла замуж по взаимной любви за Александра Самарина, принадлежащего к известной дворянской фамилии. После свадебного путешествия по Италии семья поселилась в городе Богородске, где один за другим родилось трое детей. Но неожиданно в декабре 1907 года, спустя всего 5 лет после свадьбы, Вера Саввишна умерла от воспаления легких. Ей было всего 32 года, а ее муж больше так и не женился.

Александра Петровна Струйская

Ф.С. Рокотов, “Портрет Струйской”, 1772 г.

Этот портрет кисти Рокотова словно воздушный полунамек. Александре Струйской было 18, когда ее выдали замуж за очень богатого вдовца. Есть легенда, что на свадьбу муж подарил ей ни больше ни меньше как новую церковь. И всю жизнь писал ей стихи. Был ли этот брак счастливым, доподлинно не известно, но все, кто бывал в их доме, обращали внимание на то, как несхожи между собой супруги. За 24 года брака Александра родила мужу 18 детей, 10 из которых умерли во младенчестве. После смерти мужа она прожила еще 40 лет, твердо управляла поместьем и оставила детям приличное состояние.

Галина Владимировна Адеркас

Б.М. Кустодиев «Купчиха за чаем», 1918 г.

«Купчиха за чаем» Кустодиева — настоящая иллюстрация той яркой и сытой России, где ярмарки, карусели и «хруст французской булки». Написана картина была в послереволюционном голодном 1918 году, когда о таком изобилии можно было только мечтать.

Для купчихи в этом портрете-картине позировала Галина Владимировна Адеркас — натуральная баронесса из рода, ведущего свою историю аж от одного ливонского рыцаря XVIII века. В Астрахани Галя Адеркас была соседкой Кустодиевых по дому, с шестого этажа; в студию девушку привела жена художника, приметив колоритную модель. В этот период Адеркас была совсем молода — студентка-первокурсница медицинского факультета — и на набросках ее фигура выглядит гораздо тоньше. Окончив университет и проработав какое-то время хирургом, она бросила профессию и в советские годы пела в составе русского хора, участвовала в озвучивании фильмов, вышла замуж и стала выступать в цирке. 

Лиза дель Джокондо

Леонардо да Винчи, «Мона Лиза»,1503–1519 гг.

Пожалуй, один из самых известных и загадочных портретов всех времен и народов — это знаменитая Мона Лиза кисти великого Леонардо. Среди множества версий о том, кому принадлежит легендарная улыбка, официально в 2005 году подтвердилась следующая: на полотне изображена Лиза дель Джокондо, супруга торговца шелком из Флоренции Франческо дель Джокондо. Портрет мог быть заказан художнику, чтобы отметить рождение сына и покупку дома.

Вместе с мужем Лиза вырастила пятерых детей и, вероятнее всего, ее брак был основан на любви. Когда супруг умер от чумы и Лизу также поразила эта тяжелая болезнь, одна из дочерей не побоялась взять маму к себе и выходила ее. Мона Лиза вылечилась и прожила еще некоторое время вместе со своими дочерьми, скончавшись в возрасте 63 лет.

Образ прекрасных женщин в картинах великих художников

Женщина — с нами, когда мы рождаемся,
Женщина — с нами в последний наш час.
Женщина — знамя, когда мы сражаемся,
Женщина — радость раскрывшихся глаз.
Первая наша влюбленность и счастие,
В лучшем стремлении — первый привет.
В битве за право — огонь соучастия,
Женщина — музыка. Женщина — свет.

Константин Бальмонт.
Накануне самого красивого и нежного праздника в году, 8 Марта, предлагаю полюбоваться небольшой подборкой картин великих художников с изображением прекрасных женщин. Приятного просмотра!

«Весна» Генриетта Эмма Ратклифф Рае

«Молодая женщина, читающая у окна» Дельфин Анжольра.

«Утреннее солнце» Паулин Палмер.

«Восточная женщина с сигаретой» Дельфин Анжольра.

«В ожидании его возвращения» Даниель Ф. Герхартц.

«Итальянский полдень» Брюллов Карл.

«Полуденное солнце» Джозеф Милнер Кайт.

«Её письменный стол» Дельфин Анжольра.

«Чтение в будуаре» Дельфин Анжольра.

«Зимнее солнце» Даниель Ф. Герхартц.

«Сирень» Даниель Ф. Герхартц.

«Портрет девочки» Фешин Николай Иванович.

«Весна в степи» (портрет А.Н. Фешиной) Фешин Николай Иванович.

«Бабушкины сказки» Максимов Виталий.

«Девушка с горшком роз» Тропинин Василий Андреевич.

«Девушка со свечой» Тропинин Василий Андреевич.

«Золотошвейка» Тропинин Василий Андреевич.

«Кружевница» Тропинин Василий Андреевич.

«Женщина в окне (казначейша)» Тропинин Василий Андреевич.

«Алёнушка» Виктор Васнецов.

«Светлана» Новосельцев Александр.

«Девичник» Алексей Корзухин.

«Девушка в платке» Венецианов Алексей.

«Крестьянка с васильками» Венецианов Алексей.

«Молодая чаровница» Богданов-Бельский Николай Петрович.

«Луговые цветы» Куликов Иван Семёнович.

«Боярышня» Маковский Константин Егорович.

«Боярышня у окна» Маковский Константин Егорович.

«Девушка в костюме Флоры» Маковский Константин Егорович.

«Девушка в боярской одежде» Маковский Константин Егорович.

«Девушка в национальном костюме» Маковский Константин Егорович.

«За чаем» Маковский Константин Егорович.

«За прялкой» Маковский Константин Егорович.

«Русская красавица» Маковский Константин Егорович.

«Русская красавица в кокошнике» Маковский Константин Егорович.

«Русская красавица» Харламов Алексей Алексеевич.

«Девушка, пускающая мыльные пузыри» Харламов Алексей Алексеевич.

«Сёстры» Харламов Алексей Алексеевич.

«Прелесть» Харламов Алексей Алексеевич.

«Портрет девушки» Харламов Алексей Алексеевич.

«Портрет девушки на жёлтом фоне» Харламов Алексей Алексеевич.

«Мать и дочь» Харламов Алексей Алексеевич.

«Маленькие цветочницы» Харламов Алексей Алексеевич.

«Компановка» Харламов Алексей Алексеевич.

«Занятие чтением молодой дамы» Харламов Алексей Алексеевич.

«Цыганская девушка с цветами» Харламов Алексей Алексеевич.

«Купальщицы» Тихов Виталий Гаврилович.

«Купальщицы» Тихов Виталий Гаврилович.

«Портрет обнажённой» Тихов Виталий Гаврилович.

Любимые женские портреты — Андрей Савин — LiveJournal

Дорогие читательницы моего ЖЖ!
Завтра вы будете принимать поздравления от своих близких, а я поздравлю вас сегодня. Праздничный выпуск рубрики «Любимые художники». Топ-20 самых красивых женщин в мировой живописи. По моему скромному, но вполне себе авторитетному, мнению.

0. Леонардо Да Винчи. «Дама с горностаем» (1496, Музей Чарторыйских, Краков)

Начнём с великого Леонардо. Уж не знаю, особенности это тогдашних вкусов или личные пристрастия художника, но самыми красивыми и женственными у него получались… библейские мужчины. В самом деле, пресловутая Джоконда смотрится мужиковатой на фоне его Иоанна Крестителя, например, или нашумевшего недавно «Спасителя Мира». Кажется на этой особенности Леонардо, даже был основан один из сюжетных ходов «Кода Да Винчи» Дэна Брауна.  А из нарисованных Леонардо женщин самой прекрасной, на мой взгляд, получилась Чечилия Галлерани, которую художник изобразил с горностаем на руках.

Леонардо у нас выступал вне конкурса, а следующие два портрета у меня, пожалуй, самые любимые. Я их уже показывал. Это замечательная девушка в синем тюрбане Вермеера и автопортрет Зинаиды Серебряковой, занятой утренним туалетом.

1. Ян Вермеер. «Девушка с жемчужной серёжкой» (1665, Королевская галерея Маурицхёйс, Гаага)

2. Зинаида Серебрякова. «За туалетом. Автопортрет» (1909, Третьяковская галерея, Москва)

3. Владимир Боровиковский. «Портрет Марии Ивановны Лопухиной» (1797, Третьяковская галерея, Москва)

Владимир Боровиковский — мастер портрета. Писал он и коронованных особ, и просто знатных. Но, пожалуй, самой живой и красивой у него вышла именно Лопухина.

4. Наталья Гончарова. «Автопортрет с желтыми лилиями» (1907, Третьяковская галерея, Москва)

Королева русского авангарда Наталья Гончарова себя нарисовала как-то скромно и трогательно.

5. Пьер Огюст Ренуар. «Портрет Жанны Самари» (1877, Музей изобразительных искусств им. Пушкина, Москва)

Жанна Самари — молодая актриса, парижская знаменитость. Подобно тому, как нынешние звёзды мелькают на обложках глянцевых журналов, Жанна неоднократно появлялась на картинах Ренуара (да и не только его). Но наверное, глубже всех в историю вошёл этот замечательный и нежный портрет.

6. Абрам Архипов. «Девушка с кувшином» (1927, Третьяковская галерея, Москва)

Кровь с молоком. Характерные для Архипова росплески красок тут очень в тему. И, пожалуй, это самая жизнерадостная участница моего топа.

7. Пабло Пикассо. «Портрет Ольги» (1923, частная коллекция)

Ольга Хохлова, русская балерина, возлюбленная и первая жена Пабло. Пикассо рисовал Ольгу много, и этот портрет, наверное, не самый известный и не самый интересный из всех. Но мне он нравится — грустная и отстранённая…

8. Пабло Пикассо. «Жаклин с цветами» (1954, частная коллекция)

Жаклин Рок — возлюбленная и вторая жена Пабло. Пикассо рисовал Жаклин много (более 400 раз), но это, кажется, первый её портрет. Ну и, конечно, тут более нам привычный Пикассо.

9. Василий Тропинин. «Кружевница» (1823, Третьяковская галерея. Москва)

Классика жанра. Девушка за рукоделием. Пожалуй, лучшая вещь русского портретиста Тропинина.

10. Амедео Модильяни. «Портрет Жанны Эбюртен» (1918, частная коллекция)

Ещё один портрет возлюбленной художника. На этот раз Модильяни — его вытянутые лица ни с кем не спутать.

11. Алексей Веницианов. «Девушка в платке» (Русский музей, Санкт-Петербург)

Платок как-то странно на голове держится, но какие глаза!

12. Жан Оноре Фрагонар. «Читающая девушка» (1770-е, Национальная галерея искусств, Вашингтон)

Фрагонар был большой любитель фривольных сцен, но эту юную особу изобразил за весьма достойным занятием. А какая подушка!

13. Борис Кустодиев. «Купчиха за чаем» (1918, Русский музей, Санкт-Петербург)

Русская провинциальная идиллия. Фирменная кустодиевская купчиха с непременным чаем, арбузом, котом и церквами.

14. Кес Ван Доген. «Женщина в черной шляпе» (1908, Эрмитаж, Санкт-Петербург)

Стильная, но немного холодная.

15. Доменико Гирландайо. «Портрет девушки» (1490, Лондонская национальная галерея)

Юная девушка из кватроченто. В ярких красных бусиках.

16. Питер Пауль Рубенс. «Потрет камеристки инфанты Изабеллы» (1625, Эрмитаж, Санкт-Петербург)

Мне она почему-то Миледи из фильма про Д’Артаньяна напоминает. Не нашёл с ходу в сети, но я видел карандашный набросок этой картины (ну или не карандашный — чем там Рубенс набрасывал?) — мне кажется, там девушка получилась живее, симпатичнее и не такой надменной, как в окончательной живописной версии.

17. Кузьма Петров-Водкин. «Девушка в сарафане» (1928, Русский музей, Санкт-Петербург)

На мой дилетантский взгляд, Кузьма Сергеич умудрялся органично совмещать в своих картинах стилистику ренессанса, русской иконы и тенденции тогдашнего авангарда. Что ни женщина у него — то Мадонна. И непременно в красном.

18. Роберт Фальк. «Лиза на солнце» (1907, Музей изобразительных искусств, Казань)

А эту нетрудно принять за Моне или Ван Гога. Но нет — это наш соотечественник Роберт Фальк. Очень интересный художник (на самом деле, он совсем не похож ни на Моне, ни на Ван Гога). Признаюсь, открыл его для себя я совсем недавно — много Фалька висит в новой Третьяковке, куда я ходил во время последней поездки в Москву прошлой осенью. Ну а на картине — жена художника.

19. Джон Эверетт Милле. «Самые милые глаза, которые когда-либо видел» (1881, Национальная галерея Шотландии, Эдинбург)

Громкое заявление в названии. Оставим его на совести художника. Впрочем, девушка действительно весьма мила. И картина хороша (хоть я и не большой поклонинк Милле и прочих прерафаэлитов).

Ну и, как говорится, last but not least.

20. Энди Уорхол. «Бирюзовая Мэрелин» (1964, частаня коллекция)

Собственно, бирюзовую Мэрелин можно заменить на любую другую — у Энди Уорхола есть Мэрелин на любой вкус и цвет 🙂

За сим откланиваюсь. И ещё раз с праздником!

10 лучших картин о любви

1 | Рембрандт 

Еврейская невеста (1665)

Об этом шедевре Рембрандта мы очень мало знаем — кто эта пара, была ли девушка невестой, были ли эти люди на самом деле евреями, но в любом случае этот образ выходит за рамки портретов. Их лица сияют любовью. Их позы прекрасны: его рука мягко покоится на ее груди. Женщина, прикасаясь к руке мужчины, поддерживает этот жест. Интимность их отношений выражена именно этим прикосновением, которое составляет ядро картины. После микеланджеловского «Сотворения Адама» это, пожалуй, самый цитируемый жест в истории живописи. А сама картина — полна вдохновения для терпения, смирения и любви.  

 

2 | Рубенс

Автопортрет с Изабеллой Брант (1609)

Эта картина создана Рубенсом вскоре после женитьбы и изображает супругов на фоне куста жимолости. Спокойствие и безмятежность исходят от картины, на которой фигуры изображены одинаково большими и рядом друг с другом — выражение самостоятельности и равноправного положения супругов. Рубенс расположился на скамье, а Изабелла — на коленях возле него на брошенном на землю голубом плаще. Все в саду процветает и эти двое оберегают друг друга своей любовью. Поза художника исполнена крайней непринужденности и свободы, он сидит, закинув ногу на ногу. История мирового портрета еще не знала подобной раскованности движения позирующей для портрета модели.

3 | Ватто

Сюрприз (1718)

Когда солнце исчезает, и вечер полон обещаний, музыкант сидит рядом с молодой парой, соединенной в страстном поцелуе. Они настолько поглощены своими объятиями, что едва ли помнят об этом неудобно близком зрителе. Возможно, музыка — пища для их любви, а, может, они вовсе ее не слышат. Как бы там ни было, но мы видим одного из полутрагических наблюдателей Ватто. Есть мнение, что во всех своих произведениях художник изображает чувство тоски по недостижимому миру мечты. 

 

4 | Ренуар

Танец в деревне (1883)

Любовники Ренуара в смятении от музыки, танцев, летней жары… и друг от друга. Их пикник был оставлен ​​в беспорядке; шляпа (его?) упала на землю; и девушке только остается поддаться поклоннику, который крепко держит ее за запястье и талию. Кажется, что вся картина колеблется. Центром мягкой и знойной композиции является улыбка на прекрасном лице девушки. Направленный прямо к зрителю, этот образ — фиксация момента истинного счастья. 

5 | Климт 

Поцелуй (1908)

Обернутые друг в друга, влюбленные погружены в вечный поцелуй. Нет ощущения телесности под роскошными одеждами. Голые ноги, цветы в волосах: неудивительно, что хиппи любили шедевр Климта, и он остается самым известным поцелуем в живописи. Идеальный квадрат холста, идеальные пропорции, полная гармония, и мир растворяется в мерцании вокруг. 

 

6 | Шагал 

День рождения (1915) 

Муза и жена Шагала, Белла, вспоминала, как в день рождения мужа она собрала у себя дома яркие платки, нарвала в соседнем саду синие цветы и украсила его мастерскую: «Я все еще держала цветы. Сначала порывалась поставить их в воду. Завянут же. Но очень скоро про них забыла. Ты так и набросился на холст; он, бедный, задрожал у тебя под рукой. Кисточки окунулись в краски. Разлетались красные, синие, белые, черные брызги. Ты закружил меня в вихре красок. И вдруг оторвал от земли и сам оттолкнулся ногой. Как будто тебе стало тесно в маленькой комнатушке. Вытянулся, поднялся и поплыл под потолком». Потолок раздвинулся — и влюбленные устремились в синеву витебского неба. Кто-то называет эту картину «метафорой обретенного счастья», а Марк Захарович был проще в определении: «Только открыть окно — и она здесь, а с ней лазурь, любовь, цветы. С тех давних пор и по сей день она, одетая в белое или в черное, парит в моих картинах, озаряет мой путь в искусстве». 

 

7 | Магритт 

Влюбленные (1928)

Пара пытается поцеловаться, но их губы и глаза никогда не встречаются. А, может, эти двое вообще не знают друг друга. И это свидание вслепую? Или слепота любви… Художнику нравилось, когда тайну изображаемых им образов пытались раскрыть при помощи различных интерпретаций. Однако сам он не соглашался ни с одной из них. Магритт писал: «Мои картины – изображения, которые ничего не скрывают…они вызывают тайну и, действительно, когда человек видит одну из моих работ, задается этот простой вопрос: «Что это значит?» Это ничего не значит, потому что тайна ничего не значит, она непознаваема».

8 | Фрида Кало 

Автопортрет в образе техуаны (1943)

Этот двойной портрет был начат в конце лета 1940 года после того, как художники Фрида Кало и Диего Ривера развелись. Традиционно, Кало делает метафоры буквальными. Она не может перестать думать о Диего, одержима мыслями о муже. Фрида носит традиционный мексиканский костюм, который он любил, и корону из листьев, которая, кажется, распространяется как паутина. Художница и ее любовь будто попали в ловушку. Но это не конец. К тому времени, когда картина была окончена, в 1943 году художники вновь были вместе.

 

9 | Стэнли Спенсер 

Воскресение: Reunion (1945)

Что есть любовь? В представлении Стэнли Спенсера, любовь является не каким-то поэтическим понятием, а призывом к всеобщим объятиям. Мы будем встречаться снова и снова, даже после смерти, наша любовь никогда не умрет. Может быть это именно то, на что мы все надеемся…

10 | Роберт Индиана 

Love (1965)

Поп-художник Роберт Индиана создал чистую и концентрированную современную пиктограмму в известной картине, противопоставляя красный цвет любви голубому и зеленому фону. Изображение было продано за миллион, это валентинка нашего поколения. Любовь — что еще имеет значение?

Женщины-классики: 17 художниц, которых вы не знали

Вопрос, почему в истории искусств не было великих художниц, до сих пор не теряет актуальности, хотя арт-критик Линда Нохлин ответила на него еще в 1971 году в одноименном эссе. Наша редакция, со своей стороны, решила вспомнить художниц прошлого, которые занимались живописью, скульптурой, работой по ткани — словом, искусством, несмотря на недоступность образования, отсутствие прав и пренебрежение современников.

---

Плаутилла Нелли (1524–1588)

Италия

Плаутилла Нелли. «Святая Екатерина с цветком». Courtesy of The Uffizi Gallery

Первая известная флорентийская художница эпохи Возрождения была монахиней флорентийского монастыря Святой Екатерины Сиенской, а впоследствии стала его настоятельницей. В отличие от большинства монастырских художниц, ее творчество не ограничивалось иллюстрацией манускриптов — она писала многофигурные полотна большого формата на религиозные сюжеты, причем живописи она училась самостоятельно, копируя работы других мастеров. Художница, надолго забытая историей искусств во многом из-за небольшого количества сохранившихся произведений, была тем не менее довольно популярна в свое время. Например, Джорджо Вазари отмечал ее работы в «Жизнеописаниях наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих». Причем он, вполне в духе феминистской критики искусства, писал, что Плаутилла Нелли «могла бы создать чудесные вещи, если бы она, подобно мужчинам, имела возможность учиться и заниматься рисунком и воспроизводить живую натуру». Работы художницы можно увидеть в Галерее Уффици, где в рамках долгосрочной выставочной программы по исправлению исторической несправедливости к женщинам открылась выставка «Плаутилла Нелли. Монастырское искусство и благочестие по следам Савонаролы» (до 4 июня).

---

Катерина ван Хемессен (1528 — после 1587)

Нидерланды

Катерина ван Хемессен. «Портрет женщины». Courtesy of Rijksmuseum, Amsterdam

Фламандская художница была дочерью довольно известного мастера Яна ван Хемессена, который и обучил ее живописи. В основном писала портреты, но сохранились и ее картины на религиозные сюжеты (писать их было более престижно, чем жанровые вещи). Ей принадлежит один из самых ранних в Северной Европе автопортретов за работой (подчеркивать общественное положение художника было не принято, как и демонстрировать рабочие инструменты). Художница была достаточно успешна в свое время: она входила в гильдию святого Луки и даже имела трех учеников. Позднее, примерно в 1540-х годах, Катерина ван Хемессен стала придворной художницей Марии Австрийской. Высокое покровительство обеспечивало ей свободу от контроля гильдии и приличное содержание, а после смерти Марии Австрийской в 1558 году Катерина ван Хемессен получала пенсию, обеспечивавшую ей комфортное существование.

---

Софонисба Ангвиссола (около 1532 — 1625)

Италия

Софонисба Ангвиссола. Courtesy of The Kunsthistorisches Museum, Vienna, Austria

Софонисбу Ангвиссолу от многих профессиональных художниц отличает происхождение: она родилась в аристократической семье, в то время как большинство ее коллег были дочерями художников, которые и обучали их ремеслу. Как и все пять ее сестер, она получила разностороннее образование, включавшее живопись, по одной из версий, из-за того, что в семье долго не рождался наследник, а обеспечить шестерых дочерей приданым было сложно. Преуспеть в профессиональном занятии живописью, впрочем, удалось только Софонисбе, в немалой степени благодаря активному содействию отца, просившего о поддержке молодой художницы авторитетных мастеров, в том числе Микеланджело. В качестве придворной художницы она почти 15 лет служила при испанском дворе, где имела высокий статус, судя по тому, что перед ее возвращением в Италию король Филипп II выбрал ей в мужья состоятельного сицилийского аристократа и обеспечил приданым. Художница специализировалась на портрете, поскольку не могла состязаться с мужчинами в изображении многофигурных композиций: женщинам было запрещено изучать обнаженную натуру. В своих работах она совмещала традиции итальянского и испанского портрета, из-за чего многие картины Ангвиссолы в XIX веке, когда интерес к ее творчеству практически пропал, ошибочно приписывались Алонсо Санчесу Коэльо, работавшему при испанском дворе приблизительно в тот же период, Джованни Морони и даже Тициану. Первая большая персональная выставка художницы состоялась только в 1994 году, примерно на это же время пришлась реабилитация ее имени в истории искусств.

---

Мариетта Робусти (около 1560 — 1590)

Италия

Мариэтта Робусти. «Автопортрет». Courtesy of The Uffizi Gallery

Старшая дочь Якопо Робусти, больше известного как Тинторетто. Художник сам обучал ее, и впоследствии она работала в его мастерской. Биограф Тинторетто Карло Ридольфи писал, что Мариетта в детстве переодевалась в мальчика, чтобы везде сопровождать отца. О ее жизни известно немного, как и о творчестве. Сохранилась всего одна точно атрибутированная работа Мариетты Робусти — «Портрет пожилого мужчины с мальчиком» (около 1585), долго считавшаяся полотном Тинторетто, пока в 1920 году на нем не обнаружили монограмму художницы. Идентификацию ее произведений затрудняет схожесть манеры с отцовской и отсутствие достоверных описаний того, в создании каких именно работ художника она принимала участие. Об успешности Мариетты можно судить по тому, что дважды ее приглашали стать придворной художницей — Филипп II и Максимилиан II, и оба раза отец не отпустил дочь, а уехать по своей воле она не имела права. Вместо службы при дворе Тинторетто выдал ее замуж за венецианского ювелира Якопо Аугуста. Небольшое количество сохранившихся работ объясняется и непродолжительностью жизни художницы: она умерла в возрасте примерно 30 лет, предположительно при родах.

---

Юдит Лейстер (1609–1660)

Нидерланды

Юдит Лейстер. «Автопортрет». Courtesy of National Gallery of Art, Washington DC

Почему Юдит Лейстер стала художницей и у кого она училась живописи (ее отец был пивоваром), неизвестно. Однако в 1633 году она вступила в харлемскую гильдию святого Луки и стала в ней единственной женщиной, у которой была собственная художественная мастерская и ученики мужского пола. В 1636 году художница вышла замуж за своего коллегу Яна Минсе Молинара и практически перестала заниматься живописью, по крайней мере самостоятельно. Творческое наследие Юдит Лейстер, писавшей в основном жанровые сцены, как это часто случалось с художниками-женщинами, после ее смерти практически растворилось: многие работы были утеряны, еще часть приписывалась другим авторам. Например, «Веселая пара» (1630) до 1893 года считалась одной из лучших работ Франса Халса, и именно под его именем картину купил Лувр. А амстердамский Рейксмузеум приобрел в качестве одной из самых известных работ того же Халса ее «Веселого хозяина» (1629).

---

Мэри Бил (1633–1699)

Великобритания

Мэри Бил. «Портрет неизвестной». Courtesy of Moyse’s Hall Museum

Мэри Бил считается первой профессиональной художницей Англии, и, что особенно примечательно, именно ее труд приносил основной доход семье. Муж художницы помогал ей в мастерской и занимался административной частью работы. В свое время она считалась одной из лучших портретисток Англии, ее картины высоко оценивал популярный тогда придворный художник Питер Лели, с которым она дружила и чье художественное влияние испытала.

---

Мэри Мозер (1744–1819)

Великобритания

Мэри Мозер. «Натюрморт». Courtesy of British Royal collection

Менее известная современница Ангелики Кауфман была второй женщиной-основательницей Королевской академии художеств. На знаменитом групповом портрете академиков (1771–1772) Иоганна Цоффани она представлена портретом рядом с изображением Кауфман — женщины-академики, очевидно, не могли участвовать в сцене с обнаженными моделями-мужчинами, поэтому художник обозначил их присутствие портретами. Как и Кауфман, Мэри Мозер имела швейцарское происхождение, правда, в отличие от первой, родилась в Лондоне, в семье художника по эмали Джорджа Майкла Мозера, чьи связи в немалой степени помогли карьере его дочери. Первую медаль Королевского общества искусств она получила в 14 лет за рисунки цветов. На изображении цветочных натюрмортов она сосредоточилась и в дальнейшем, став одной из всего лишь двух художников с такой специализацией в академии.

---

Мари-Дениз Вильер (1774–1821)

Франция

Мари-Дениз Вильер. «Рисующая молодая женщина». Courtesy of Metropolitan Museum of Art

Как это часто бывало с художницами, работы Мари-Дениз Вильер практически не сохранились, а биография известна отрывочно. Ее сестры также занимались живописью, сама она обучалась у Анн-Луи Жироде-Триозона и, возможно, у Жака Луи Давида, который не только брал в ученицы женщин, но и поощрял их интерес к историческим сюжетам. Он подталкивал художниц к участию в салонах, куда после Великой Французской революции им был открыт широкий доступ. Мари-Дениз Вильер в салонах участвовала неоднократно, однажды удостоившись премии в 1,5 тыс. франков. Копию ее представленной на одном из салонов картины «Ребенок в колыбели, уносимый наводнением месяца нивоз X года» заказывал князь Николай Юсупов для Архангельского. Cамая известная картина Вильер «Рисующая молодая женщина» (1801) из Метрополитен-музея долгое время считалась работой Давида и прошла целую серию переатрибуций — от Франсуа Жерара до другой ученицы Давида, Констанс Карпентье.

---

Роза Бонер (1822–1899)

Франция

Роза Бонёр. «Пахота в Невере». Courtesy of Musée d’Orsay

Была, пожалуй, самой успешной художницей XIX века и одним из наиболее известных художников-анималистов. Ее отец — учитель рисования — принадлежал к школе сенсимонистов, провозглашавших идеалы женского равенства. «Почему я не могу гордиться тем, что я женщина? Мой отец, ярый приверженец гуманизма, много раз говорил мне, что роль женщины — возвысить род человеческий, что женщина есть Мессия грядущих веков. От него, из его учения я узнала о великом, благородном предназначении пола, принадлежностью к которому я горжусь и независимость которого буду отстаивать до последнего дня моей жизни…» — говорила Роза Бонер. Вся ее жизнь шла вразрез с традиционными представлениями о женственности: она не вышла замуж, объясняя отказ от брака нежеланием терять независимость, носила брючный костюм (оправдывала спецификой работы с животными) и жила с женщинами, хотя лесбиянкой себя никогда не называла. Международный успех пришел к ней после показа на Салоне в 1853 году полотна «Ярмарка лошадей». Позднее королева Виктория организовала приватный показ этой картины в Букингемском дворце, и вообще в Великобритании работы Бонер пользовались даже большей популярностью, чем в ее родной Франции. Впрочем, на родине она стала первой художницей, получившей орден Почетного легиона, а среди других ее наград были испанский орден Изабеллы Католической и орден Леопольда Бельгийского, что подтверждает ее международную известность.

---

Марианна Норт (1830–1890)

Великобритания

Марианна Норт. Nepenthes northiana. Phillips, A., A. Lamb & C.C. Lee Publishing 2008

Путешественница и ботанический иллюстратор, Марианна Норт не была художницей в строгом смысле слова: она не получила профессионального образования. В детстве и юности Марианна часто посещала Королевские ботанические сады Кью, директор которых был другом ее отца, где изучала тропическую флору. После смерти родителя Марианна Норт, которой на тот момент было почти 40 лет, получила солидное наследство, оно позволило ей не выходить замуж и путешествовать почти всю оставшуюся жизнь. К браку она питала глубокое отвращение, считая, что он превращает женщину в «кого-то наподобие старшей прислуги». Почти четверть века, с 1871 по 1885 год, она посвятила путешествиям по всему миру и изображению растений. Свои находки Норт писала маслом, хотя жанр ботанической иллюстрации подразумевал графику, и изображала растения в их естественной среде, а не на белом фоне, как было принято тогда. В отсутствие цветной фотографии ее работы с тщательно прорисованными деталями были полезны в научных целях. Своими ботаническими находками Марианна Норт делилась с Чарльзом Дарвином, а работы передала Королевским ботаническим садам Кью, где на ее же средства специально для них была построена галерея.

---

Харриет Пауэрс (1837–1911)

США

Харриет Пауэрс. «Библейское полотно». Courtesy of Museum of Fine Arts, Boston

Харриет Пауэрс родилась в рабстве на территории штата Джорджия. Она совмещала традиционную американскую технику квилта с аппликацией, имеющей восточноафриканские корни, и создавала уникальные лоскутные полотна. Сохранились всего две ее работы, в которых она обращалась к библейским сюжетам, местным легендам и, по не до конца понятным причинам, астрономическим явлениям. Первое ее произведение — «Библейское полотно» (1885–1886) — купила художница Дженни Смит, заметив его на выставке хлопка в Атенсе в 1886 году. Тогда Пауэрс отказалась расставаться с работой, однако четырьмя годами позже из-за финансовых трудностей была вынуждена продать ее, пояснив смысл изображенных сюжетов: все они были взяты из Библии. Сюжеты второй из известных работ Харриет Пауэрс позаимствованы не только из Библии, но и из легенд, в ней она также изобразила стихийные бедствия и даже некоторые события американской истории. После отмены рабства у Пауэрс и ее мужа была небольшая ферма и примерно полтора гектара земли, но в 1890-х благосостояние семьи стало ухудшаться, муж начал продавать землю, а потом и вовсе бросил жену с детьми. Больше она замуж не выходила и до конца жизни, скорее всего, жила на доходы от шитья.

---

Мэри Кассатт (1844–1926)

США, Франция

Мэри Кэссет. «Чаепитие». Courtesy of Museum of Fine Arts, Boston

Большую части жизни проведя во Франции, Мэри Кассатт была одной из первых женщин (и единственной американкой), примкнувших к находившимся на тот момент в оппозиции к официальному искусству импрессионистам. Несмотря на вполне академическое художественное образование (она училась у салонного художника Жана Леона Жерома и сама неоднократно выставлялась на Салоне), Кассатт приняла приглашение Эдгара Дега присоединиться к независимой группе художников. Под влиянием Дега изменила технику письма и тематику своих работ, начав писать в основном матерей с детьми, которые и стали главным мотивом ее творчества. Помимо непосредственно живописи, Кассатт выступала в роли арт-консультанта коллекционеров. Благодаря ее советам собрание Генри Осборна Хэвемайера и его жены Луизины, большая часть которого сейчас хранится в Метрополитен-музее, пополнилось работами Дега, Эдуарда Мане, Камиля Писсарро и Клода Моне.

---

Эмилия Шанкс (1857–1936)

Россия, Великобритания

Эмилия Шанкс. «Новенькая в школе». Государственная Третьяковская галерея

Первая из двух женщин, принятых в Товарищество передвижных художественных выставок (второй была Антонина Ржевская), родилась в семье успешного английского предпринимателя Джеймса Шанкса, владельца ювелирной мастерской и магазина в Москве. Посещала Московское училище живописи, ваяния и зодчества в качестве вольнослушательницы, ее учителями были Владимир Маковский, Илларион Прянишников и Василий Поленов, с которым она продолжала дружить и после окончания училища в 1890 году. Параллельно живописи Эмилия Шанкс увлекалась фотографией, снимая в основном сельский быт и природу. С 1891 года выставлялась вместе с передвижниками, и уже в 1892 году ее работу «Новенькая в школе» высоко оценил Илья Репин, а Павел Третьяков приобрел ее в свою коллекцию. В 1894 году Эмилию Шанкс 15 голосами (больше, чем за Валентина Серова) избрали членом Товарищества передвижных художественных выставок. Накануне Первой мировой войны она вместе с семьей вернулась в Лондон, где продолжила выставляться в Королевской академии художеств.

---

Мария Башкирцева (1858–1884)

Россия, Франция

Мария Башкирцева. «Зонтик». Courtesy of The Russian Museum

Известна в основном благодаря своему дневнику, особенно популярному в начале XX века: поклонницей Башкирцевой была Марина Цветаева, его высоко оценивали Валерий Брюсов и Сергей Андреевский. Большую часть жизни Башкирцева, родившаяся в Полтавской губернии, прожила во Франции, куда ее в детстве увезла мать после расставания с отцом художницы. Юная Мария хотела стать балериной, затем певицей и даже начала делать шаги в этом направлении, но в 16 узнала, что больна туберкулезом, а лет с 18-ти из-за болезни стала терять сначала голос, а потом и слух. Примерно тогда же Мария, больше всего мечтавшая о славе, решила заняться живописью и поступила в частную Академию Жюлиана (Национальная высшая школа изящных искусств была по-прежнему недоступна для женщин). Свое художественное образование она оценивала невысоко. «Я обречена на одиночество или на посредственность женской мастерской, — пишет она в дневнике. — Здесь вас не толкают вперед, не поощряют, и вы гниете на месте. Ах, почему я только женщина?» Она активно выступала против закрытости для женщин системы академического художественного образования и даже написала об этом статью в журнал «Гражданка» под псевдонимом Полин Орель. Тем не менее художница выставлялась на Салоне, а ее работы приобрел Лувр. Скончалась Мария Башкирцева в 25 лет от чахотки, успев создать около 150 картин, 200 графических работ и немного скульптуры, из которых сохранилась небольшая часть, многое погибло во время Второй мировой войны.

---

Мария Якунчикова (1870–1902)

Россия, Франция

Мария Якунчикова. Выполненное по эскизу художницы настенное лоскутное панно. Courtesy of Christie’s

Мария Якунчикова родилась в семье предпринимателя Василия Якунчикова и Зинаиды Мамонтовой. Савва Мамонтов приходился ее матери двоюродным братом, а родная сестра Зинаиды Вера была замужем за Павлом Третьяковым, так что шансов остаться в стороне от искусства у будущей художницы практически не было. Живописью она увлеклась уже в детстве — для обучения детей Якунчиковых был нанят художник Николай Мартынов. В 15 лет пошла вольнослушательницей в Московское училище живописи, ваяния и зодчества и вскоре сблизилась с семьей Поленовых (ее старшая сестра Наталья в 1882 году вышла замуж за Василия Поленова), регулярно участвуя в их рисовальных вечерах. Особенно дружна Якунчикова была с младшей сестрой художника Еленой Поленовой, которая увлекалась народным искусством сама и увлекла Якунчикову. Когда Марии было 18 лет, у нее обнаружили туберкулез. Врачи рекомендовали сменить климат, и Якунчикова переехала в Европу, бывая с тех пор в России только наездами. В Париже она поступила в Академию Жюлиана, а приезжая на родину, жила и работала у Поленовых в Бехове и у Мамонтовых в Абрамцеве, где немало внимания уделяла декоративно-прикладному искусству, особенно керамике и выжиганию по дереву. В 1896 году вышла замуж за врача Леона Вебер-Баулера, через два года у них родился первый сын. В это же время Сергей Дягилев пригласил Марию Якунчикову принять участие в «Выставке русских и финляндских художников» и заказал ей обложку для журнала «Мир искусства». В 1900 году она участвовала в оформлении кустарного отдела русского павильона Всемирной выставки в Париже, где ее работа получила серебряную медаль. Но вскоре у сына Якунчиковой обнаружили туберкулез, а рождение в 1901 году второго ребенка подорвало ее здоровье окончательно — в 1902 году художница умерла. «Она была характерно-русской женщиной с типично-русским дарованием… Лишь только она начала развиваться как художница, она вышла замуж, затем — дети, затем — серьезная болезнь сына и, наконец, смерть. Якунчикова мало успела, особенно по сравнению с тем, что могла. Но во всем, что она, впопыхах, между детскими пеленками и шумом Парижа имела время сделать — она выказывала глубину чудесного дарования, чутья и любви к далеким от нее русскими лесам, этим „елочкам и осинкам“, к которым она относилась с каким-то благоговением и к которым стремилась всю жизнь», — писал о Якунчиковой Сергей Дягилев.

---

Эльза фон Фрейтаг-Лорингхофен (1874–1927)

США

Эльза фон Фрейтаг-Лорингхофен. Courtesy of Library of Congress

Эльза Плёц родилась в Германии в семье строителя и политика, который вел разгульную жизнь и бил ее мать. Заразившись сифилисом, последняя пыталась покончить с собой и позже умерла в психиатрической больнице. Как говорила Эльза, мать «оставила мне в наследство… борьбу». Она была трижды замужем и все три раза неудачно. Последний супруг Эльзы — Леопольд Карл Фридрих барон фон Фрейтаг-Лорингхофен, за которого она вышла уже в Америке, сбежал, прихватив ее ничтожные сбережения и оставив ей свой титул и возможность войти в аристократические круги Нью-Йорка. Всю свою жизнь Эльза превратила в дадаистское произведение искусства: она писала стихи, устраивала перформансы, создавала скульптуры и коллажи из найденных на помойке предметов. Художник Джордж Бидл в 1917 году описывал ее комнату в Нью-Йорке как забитую «какими-то разрозненными железками, автомобильными шинами… урнами для мусора, наводившими ужас и отвращение, которые для ее истерзанного, но чрезвычайно чувствительного восприятия стали объектами прекрасного…» «Для меня ее комната была так же органична, как, например, студия Бранкузи в Париже», — говорил он. Существует теория, что легендарный «Фонтан» принадлежал именно руке Эльзы, а Марсель Дюшан всего лишь присвоил себе авторство — подробнее об этом можно прочитать в нашем материале.

---

Елена Киселева (1878–1974)

Россия, Югославия

Елена Киселева. «Девушки на выданье». Courtesy of MRI

Елена Киселева, чьи работы стали известны широкой публике благодаря выставке в Музее русского импрессионизма (до 12 марта), имела все шансы войти в историю отечественного искусства: выпускница Императорской академии художеств, обучалась в мастерской Ильи Репина, стала первой женщиной, в 1907 году получившей заграничное пенсионерство, а в 1910 году принятой в Общество архитекторов-художников. Писала в основном портреты. «Композиция или пейзаж мне были мало интересны. Я всегда была портретисткой и страстно любила изображать красивых, интересных женщин», — признавалась Киселева. Забвению художницы немало способствовала эмиграция в Королевство сербов, хорватов и словенцев (будущую Югославию), куда она переехала с мужем в 1920 году. Об этом времени она писала: «Жизнь давно забрала меня всю целиком, и художницей я была как-то сбоку, в стороне. А главное, была очень сложная, трудная жизнь. А тут революция, война, беженство. В это трудное время у меня создалась новая семья, родился сын, — где уж тут было думать о художестве». После смерти сына в 1944 году она и вовсе перестала заниматься живописью. Наследием Елены Киселевой в конце 1960-х годов заинтересовалась воронежский искусствовед Марина Лунева, которая переписывалась с художницей и активно способствовала возвращению части ее работ на родину.

15 знаменитых и завораживающих улыбок в мировой живописи

Улыбка Запишись на консультацию

Если ты когда-нибудь интересовался живописью, то наверняка слышал, что улыбающихся людей на картинах можно увидеть довольно редко. Представь себе, каково это позировать по пять, шесть часов с улыбкой на губах? Писать такие портреты даже для профессионала очень сложно. Но в истории есть художники, чьи произведения искусства поражают своими завораживающими улыбками.

1. Портрет неизвестного, Антонелло да Мессина

Антонелло да Мессина, чьи картины маслом в Италии получили широкое признание, создал прекрасный портрет, на котором джентльмен смотрит на зрителя блестящими глазами сквозь спектр и слегка улыбается. Многие считают, что человек, который позировал для художника, был пиратом с острова Сицилия. (1) Сам же Антонелло славился портретами мужчин — и “Портрет неизвестного” считается одним из выдающихся.

2. “Смеющийся кавалер”, Франс Халс

“Смеющийся кавалер” — это работа нидерландского художника Франса Халса. Картина считается одним из ярчайших портретов периода Барокко. В 1870 году, когда картина была доставлена в музей Великобритании, она сразу же стала самым известным произведением искусства. Можно подумать, что неизвестный кавалер вовсе не улыбается, но в его мимике безусловно есть загадка. Интересный факт заключается в том, что этот портрет в качестве своего лого использует пивная компания McEwan’s. Картина немного изменена — на бутылке можно видеть улыбающегося кавалера с бокалом пива в руке. Теперь ты знаешь, как родилась идея!

3. “Девушка, читающая книгу”, Пьер Огюст Ренуар

Полностью погруженная в свою книгу. Глаза читающей девушки полузакрыты, а на губах — загадочная улыбка. Работа художника отличается максимальной точностью цветопередачи и ярким образом. (2)

4. Портрет актрисы Жанны Самари, Пьер Огюст Ренуар

Жанна Самари (1857-1890) была французской актрисой и моделью. Она получила музыкальное и театральное образование. Ее отец был виолончелистом, а тетя и бабушка — актрисами. В 1877 году художник Пьер Огюст Ренуар создал прекрасный портрет этой женщины. Веселая и в то же время очень глубокая работа, демонстрирующая лучшие черты актрисы в одной картине, в том числе и ее сияющую улыбку. (3)

5. Портрет М. И. Лопухиной, Владимир Лукич Боровиковский

Живопись Владимира Лукича Боровиковского раскрывает поразительную связь человека и природы. Природа кажется частью души женщины, а женщина — частью природы. Размытые цветы могут быть интерпретированы как женская красота, а также символизировать короткую жизнь. В случае с Лопухиной этот символ был очевиден. Именно с этой работы Владимира Лукича Боровиковского началась новая эра портретной живописи в России. По одному из старых поверий, если молодая девушка смотрит на картину слишком близко, то вскоре ее настигнет смерть. По мнению многих людей, это изображение привело к смерти около десяти молодых девушек. Но все это только слухи. (4)

6. Портрет Доры Маар. 1937, Пабло Пикассо

Генриетта Маркович появилась в жизни художника в 1936 году. Ее портрет, написанный в 1937 году, изображает величественное отношение и легкую кокетливую улыбку. Для многих эта деструкция искусства напрямую связана с Пикассо, автором этой картины. Однако, несмотря на художественные искажения, Пикассо получил удивительное признание. (5)

7. “Майкл Джексон”, Энди Уорхол

Ни для кого не секрет, что Майклу Джексону принадлежит одна из знаковых улыбок в истории поп-музыки. Этот портрет был создан в 1984 году по заказу певца для альбома «Thrilller». На аукционе произведение искусства было продано более чем за миллион долларов, а улыбка Майкла стала одной из самых дорогих в искусстве. (6)

8. Портрет женщины в белом, Густав Климт

Объектами произведений искусства Густава Климта всегда были женские тела, нежная, но сдержанная сексуальность и эротика. Говорят, что дама в белом была музой художника, потому что в его хранилище есть несколько портретов, изображающих женщину в белом. 

9. “Иоанн Креститель”, Леонардо да Винчи

На полотне изображен Святой Иоанн Креститель. Благодаря специальной технике, образ появляется на темном фоне. Работу часто цитировали, а ее элементы в ее искусстве использовались другими художниками, особенно учениками. Его жест рукой исторически увеличил присутствие и значение религии в искусстве. (7)

10. “Цыганка”, Франс Халс

В 1628 году голландский художник Франс Халс написал портрет темноволосой девушки. Улыбающаяся цыганка отвернулась от художника, открыв ему свою мягкую и приятную мимику. Её одеяние не было особенно популярным в те времена, но художник решил запечатлеть ее именно в этом наряде. (8)

11. “Турецкая невольница”, Пармиджанино

Название картины происходит от неверной интерпретации головного убора девушки. Это типичный головной убор, который носили девушки Северной Италии (Венеции) в 30-х года XVI века. Называется он «бальцо» и очень напоминает мавританский тюрбан. Персонаж портрета — молодая женщина с каштановыми волосами и глазами, розовыми щеками и застенчивой улыбкой. Тем не менее, изысканная одежда, элегантные руки и кокетство демонстрируют ее интеллект и соблазнительное очарование.

12. Портрет Сюзанны Фоурмент, Питер Пауль Рубенс

Женщина, которая позирует художнику, является женой его сестры. Во многих музейных описаниях упоминается, что за прекрасными лицом и застенчивыми глазами прячется желание снять с себя массивное одеяние. Однако, несмотря на это, она несколько часов позировала художнику. Многие пытаются разгадать загадку — действительно ли она была единственной сестрой жены художника? Вполне вероятно, что ответ кроется в растерянной улыбке.

13. Портрет графини д’Оссонвиль, Жан Огюст Доминик Энгр

На протяжении только двух лет художник создавал эскиз картины, все время изменяя и улучшая его, так как история всегда казалась ему скучно. В тайне от всех портрет хранился на протяжении 80-ти лет в частном семейном архиве, и только потом его стали выставлять на особенных и частных выставках для ценителей живописи. Улыбка главной героини очень спокойная, но в то же время уверенная.

14. “Менины”, Диего Веласкес

У этой картины особая композиция — в ее центре находится находится принцесса Маргарита со своими фрейлинами (менины), а за принцессой и ее спутницами виден художник. Конечно, основное внимание уделяется принцессе, которая, будучи очень молодой, выделяется убедительной и даже зрелой улыбкой. Картина была закончена в 1656 году и высоко оценена даже испанской королевской семьей.

15. «Портре́т госпожи́ Ли́зы дель Джоко́ндо», Леонардо да Винчи

Мона Лиза — всемирно известного работа художника и скульптора Леонардо да Винчи. Это произведение искусства обладает не только самой большой в мире славой, но и самой популярной улыбкой в искусстве. Мона Лиза была написана во Флоренции, где в то время жил сам Винчи. Теперь картинку можно увидеть в Париже, в Лувре. Таинственная улыбка Моны Лизы  — одна из самых знаменитых загадок картины. (9)

Запишись на консультацию

Старинные женщин чистый цвет личи картины плечо сумка

Мешок идеально в изготовлении. Элегантный дизайн может показать ваш прекрасный темперамент.

Более гуманизированные дизайн для вас. Это очень подходит для свадьбы, партии, мяч, ежедневно носить случайный, путешествия, управление случая.

Большой подарок для вашего друга, вашей семьи или себя.

Описание/контроль:

Пол: Женщины/девушки

Материал: искусственная кожа

Тип стиля: Через плечо сумка, сумка

Закрытый путь:Застежка-молния

Стиль: Винтаж

Дизайн рисунка протектора: Чистый цвет, личи картина

Применимые сцены: досуг, банкет, путешествия

Размер: 23 см(L)* 7 см(W)* 20 см(H)/ 9.05(L)* 2.75W)* 7.87(H)»

Содержание пакета:1шт наплечная сумка

Существует немного запах от новый мешок, как правило, это будете рассеяны по воздуху.

Примечание:1.Все размеры определяются вручную, может быть 2-3 см отклонения; 2.Из-за разницы между различными мониторами изображение может не отражать фактический цвет элемента. Спасибо!

Старинные женщин чистый цвет личи шаблон кожа Crossbody мешок сумка сумка является идеальным в изготовлении. Элегантный дизайн может показать ваш прекрасный темперамент.

Более гуманизированные дизайн для вас. Это очень подходит для свадьбы, партии, мяч, ежедневно носить случайный, путешествия, управление случая.

Большой подарок для вашего друга, вашей семьи или себя.

Описание/контроль:

Пол: Женщины/девушки

Материал: искусственная кожа

Тип стиля: Через плечо сумка, сумка

Закрытый путь:Застежка-молния

Стиль: Винтаж

Дизайн рисунка протектора: Чистый цвет, личи картина

Применимые сцены: досуг, банкет, путешествия

Размер: 23 см(L)* 7 см(W)* 20 см(H)/ 9.05(L)* 2.75W)* 7.87(H)»

Содержание пакета:1шт наплечная сумка

Существует немного запах от новый мешок, как правило, это будете рассеяны по воздуху.

Примечание:1.Все размеры определяются вручную, может быть 2-3 см отклонения; 2.Из-за разницы между различными мониторами изображение может не отражать фактический цвет элемента. Спасибо!

Тип товара: Сумки через плечо

12 известных женщин-художников, о которых вам нужно знать, если вы любитель истории искусства

История искусства усеяна именами великих людей — Леонардо да Винчи, Винсент Ван Гог, Пабло Пикассо и т. Д. Но как насчет женщин? Кто помог сформировать мировую визуальную историю? Как и во многих других областях, женщинам исторически не хотелось делать карьеру в искусстве, но есть много невероятных женщин, которые проявили настойчивость. У этих знаменитых артисток больше общего, чем их пол и карьера — все они сами по себе первопроходцы, преодолевая препятствия в личной и общественной жизни.

Конечно, эти женщины, скорее всего, были бы недовольны включением в список женщин-художников, предпочитая, чтобы их ценили как художников, не принадлежащих к их полу. К сожалению, поскольку женщины продолжают бороться за равенство во всех областях, этих выдающихся артистов все еще часто упоминают по признаку пола. К счастью, больше, чем когда-либо, этих выдающихся женщин противопоставляют своим сверстникам-мужчинам и признают за их вклад в историю искусства. Такие организации, как Advancing Women Artists, работают над тем, чтобы женский талант прошлого не остался вне учебников истории.

Взгляд на некоторых великих художников-женщин прошлого также является графиком истории искусства. Женщины были ведущими фигурами в каждом художественном движении от итальянского Возрождения до американского модернизма и за его пределами. Пройдя свой путь через историю искусства — от придворного художника 16-го века короля Филиппа II до иконы 20-го века, Фриды Кало, — давайте посмотрим на силу, характер и талант этих исключительных женщин.

Если вы любитель искусства, вот 12 известных женщин-художников, которых вам нужно знать.

Софонисба Ангиссола (1532–1625)

Софонисба Ангиссола «Трое детей с собакой». около 1570-1590 гг. (Фото: Викимедиа, общественное достояние)

Художник Софонисба Ангиссола была первопроходцем итальянского Возрождения. Родившись в относительно бедной дворянской семье, ее отец позаботился о том, чтобы она и ее сестры получили всестороннее образование, включающее изобразительное искусство. Это включало ученичество у уважаемых местных художников.Это стало прецедентом для будущих художников-женщин, которые до этого момента обычно обучались только в том случае, если у члена семьи была мастерская. Талант Ангиссолы привлек внимание Микеланджело, с которым она продолжала неформальное наставничество, обмениваясь рисунками.

Хотя, как художнице, ей не разрешали изучать анатомию или практиковаться в рисовании моделей из-за кажущейся вульгарности, ей все же удалось сделать успешную карьеру. Во многом ее успех был обязан ее роли художника при дворе короля Испании Филиппа II.В течение 14 лет она развивала свои навыки как для официальных придворных портретов, так и для более интимных портретов знати. Ее картины известны тем, что передают дух и яркость ее натурщиков, и теперь их можно найти в коллекциях по всему миру.

Артемизия Джентилески (1593–1653)

«Автопортрет как аллегория живописи» Артемизии Джентилески. 1638–39. (Фото: Википедия, общественное достояние)

Как дочь опытного художника, Артемизия Джентилески получила доступ к миру искусства в юном возрасте.Вначале она была в мастерской своего отца, смешивая краски, и он поддержал ее карьеру, когда отметил, что она исключительно одарена. Как известная художница периода итальянского барокко, Артемизия Джентилески не позволяла своему полу удерживать ее от ее предмета. Она рисовала масштабные библейские и мифологические картины, как и ее коллеги-мужчины, и была первой женщиной, принятой в престижную Академию изящных искусств во Флоренции.

Ее наследие иногда затмевается ее биографией: ее кровавые изображения Юдифь и Олоферна часто интерпретируются через призму ее изнасилования руками другого художника.Тем не менее, ее талант неоспорим, и ее по-прежнему признают за ее реалистичное изображение женской формы, глубину ее красок и поразительное использование света и тени.

Джудит Лейстер (1609–1660)

«Счастливая пара» Джудит Лейстер. 1630 г. (Фото: Википедия, общественное достояние)

Родилась в Харлеме, Джудит Лейстер была ведущей художницей Золотого века Голландии. Типичный для голландских художников того периода, Лейстер специализировался на жанровых картинах, натюрмортах и ​​портретах.Детали ее художественного образования неясны, но она была одной из первых женщин, принятых в гильдию художников в Харлеме. Позже она провела успешный семинар с несколькими учениками-мужчинами и была известна непринужденным, неформальным характером своих портретов.

Хотя при жизни она добилась больших успехов, ее репутация пострадала после ее смерти из-за неудачных обстоятельств. Все ее творчество выдавалось за работу ее современником Франсом Хальсом или ее мужем.Во многих случаях ее подпись была покрыта коллекционерами, стремящимися получить прибыль из-за высокой рыночной стоимости работ Франса Хальса. Только в конце 19 века были обнаружены эти ошибки, и ученые начали заново оценивать мастерство Лейстера как художника.

Элизабет Виже Ле Брен (1755–1842)

«Автопортрет в соломенной шляпе» Элизабет Виже Лебрен. 1782 г. (Фото: Википедия, общественное достояние)

Французский портретист Элизабет Виже Ле Брун создала впечатляющий объем работ, насчитывающий около 1000 портретов и пейзажей.Как дочь художника, она получила раннее обучение от своего отца и профессионально рисовала портреты к тому времени, когда была подростком. Большой прорыв в ее карьере наступил, когда ее назвали портретистом Марии-Антуанетты, а позже ей было разрешено поступить в многочисленные художественные академии.

Ее картины ликвидируют разрыв между театральным рококо и более сдержанным неоклассицизмом. Она пользовалась неизменным успехом в своей карьере, даже находясь в изгнании после Французской революции, поскольку она была любимым художником аристократии по всей Европе.Ситтерс наслаждалась ее способностью успокаивать их, что привело к портретным картинам, которые были живыми и лишенными жесткости. Естественная, непринужденная манера ее портретов считалась революционной в то время, когда портретная живопись часто требовала формального изображения высших слоев общества.

Роза Бонер (1822–1899)

«Конная ярмарка» Розы Бонёр. 1852–55. (Фото: Википедия, общественное достояние)

Как и многие художницы, отец Розы Бонер был художником.Французская художница-реалист считается одной из самых известных женщин-художников XIX века, известной своими широкоформатными картинами с изображением животных. Она регулярно выставлялась в знаменитом парижском салоне и добилась успеха за границей, как в Соединенных Штатах, так и в Великобритании. Бонер провела много времени, делая зарисовки живых животных в движении, учитывая ее замечательную способность запечатлеть их изображения на холсте.

Bonheur также известен тем, что ломает гендерные стереотипы. С середины 1850-х годов она носила мужскую одежду, даже получив на это разрешение полиции.Хотя ее часто критиковали за ношение брюк и свободных блузок, она продолжала носить их на протяжении всей своей жизни, ссылаясь на их практичность при работе с животными. Она также была открытой лесбиянкой, сначала более 40 лет жила с партнершей Натали Микас, а затем, после смерти Микаса, наладила отношения с американской художницей Анной Элизабет Клумпке. Живя открыто в эпоху, когда правительство осуждало лесбиянство, Бонер заявила о себе как о новаторской личности как в своей карьере, так и в личной жизни.

Берта Моризо (1841–1895)

«Дама за туалетом» Берты Моризо. 1875 г. (Фото: Википедия, общественное достояние)

Считается одной из великих женщин-импрессионисток, Берта Моризо жила от искусства. Она родилась в аристократической французской семье и была внучатой ​​племянницей знаменитого художника в стиле рококо Жана-Оноре Фрагонара. Сначала она выставляла свои работы в уважаемом Парижском салоне, а затем присоединилась к первой выставке импрессионистов с Моне, Сезанном, Ренуаром и Дега.У Моризо особенно близкие отношения с Эдуардом Мане, который написал несколько ее портретов, и в конце концов она вышла замуж за его брата.

Ее искусство часто было сосредоточено на домашних сценах, и она предпочитала работать пастелью, акварелью и углем. Работая в основном в небольших масштабах, ее легкие и воздушные работы часто критиковались как слишком «женственные». Моризо написала в своем дневнике о том, как ее изо всех сил пытались воспринимать всерьез как женщину-художника, заявив: «Я не думаю, что когда-либо был мужчина, который относился бы к женщине как к равному, и это все, о чем я бы попросил, потому что я знаю, что Я стою столько же, сколько они.”

Мэри Кассат (1844–1926)

«Детская ванна» Мэри Кассат. 1893 г. (Фото: Википедия, общественное достояние)

Американская художница Мэри Кассат всю свою сознательную жизнь провела во Франции, где стала неотъемлемой частью группы импрессионистов. Кассат родилась в богатой семье, которая сначала протестовала против своего желания стать художником. В конце концов, она бросила художественную школу после того, как ее расстроило отдельное отношение к студенткам — они не могли использовать живые модели и им пришлось рисовать по слепкам.

Переехав в Париж в возрасте 22 лет, Кассат пошла на частное ученичество и проводила свободное время, копируя картины старых мастеров в Лувре. Карьера Кассат уже начала развиваться, когда она присоединилась к импрессионистам и на всю жизнь подружилась с Дега. В то же время она откровенно выражала свое недовольство формальной системой искусства, которая, по ее мнению, требовала от художников-женщин флирта или дружбы с покровителями-мужчинами, чтобы двигаться вперед. Она создала свой собственный карьерный путь с импрессионистами, осваивая пастель для создания мягких, легких работ, в которых часто подчеркиваются женщины, выполняющие обязанности смотрителей.На протяжении всей своей жизни Кассат продолжала поддерживать равенство женщин, даже участвуя в выставке в поддержку избирательного права женщин.

Джорджия О’Киф (1887–1986)

Как художница, находящаяся в авангарде американского модернизма, Джорджия О’Киф — одна из самых знаменитых женщин-художников в истории. Ее ранние рисунки и картины привели к смелым экспериментам с абстракцией, когда она сосредоточилась на живописи, чтобы выразить свои чувства, открывая эру «искусства ради искусства».«При жизни ее карьера была связана с ее мужем Альфредом Штиглицем. В то время как известный фотограф поддерживал идеи о том, что американское искусство может быть равным европейскому и что художницы могут создавать искусство столь же мощное, как и мужчины, он также препятствовал интерпретации ее работ.

Штиглиц рассматривал творчество как выражение сексуальности, и эти мысли, вкупе с его интимными портретами О’Киф, выдвинули идею о том, что ее картины цветов крупным планом были метафорами женских гениталий.Художница всегда отрицала эту концепцию, хотя ее работы, несомненно, чувственны. О’Киф провела большую часть своей карьеры, борясь с интерпретацией своего искусства исключительно как отражения ее пола. На протяжении всей своей жизни она отказывалась участвовать в женских художественных выставках, желая, чтобы ее считали просто художницей, свободной от пола.

Тамара де Лемпицка (1898–1980)

Польская художница Тамара де Лемпицка известна своими стилизованными портретами и обнаженной натурой, олицетворяющими эпоху ар-деко.Де Лемпицка провела большую часть своей карьеры во Франции и Соединенных Штатах, где ее работы были любимы аристократами. Одна из ее самых известных картин, «Автопортрет в зеленом Bugatti », иллюстрирует холодный и отстраненный характер фигур Де Лемпицки. В работе, созданной для обложки немецкого журнала мод, Де Лемпицка источает независимость и недоступную красоту.

Ее картины часто содержали рассказы о желании, соблазнении и современной чувственности, что делало их революционными для своего времени.Де Лемпицка пользовалась успехом до начала Второй мировой войны, но интерес к ее работам возродился, поскольку в 1960-х годах ар-деко снова стал популярным. Ее сразу узнаваемый стиль делает ее особенным фаворитом среди поклонников художников в стиле ар-деко, и сегодня ее работы популярны как никогда, а Мадонна является известным коллекционером своих картин.

Фрида Кало (1907–1954)

В настоящее время нет другой художницы 20-го века с таким узнаваемым именем в Фрида Кало .Хотя драма ее трагического происшествия в молодости и ее бурные отношения с мужем Диего Риверой иногда затмевали ее художественные способности, нельзя отрицать силу ее живописи. Она особенно известна своими автопортретами, посвященными темам личности, страдания и человеческого тела.

Хотя при жизни о ней иногда писали исключительно как о «жене Диего Риверы», ее работы только набрали обороты после ее смерти. Самые известные картины Фриды Кало принадлежат важным художественным музеям по всему миру, а она получила статус защитницы феминисток, чикано и ЛГБТ-сообщества.

Хелен Франкенталер (1928–2011)

Выросшая в Манхэттене, Хелен Франкенталер изучала живопись в школе Далтона и колледже Беннингтона. Она начала свою обширную выставочную карьеру в 1952 году с показа своей картины « Горы и море ». Обучившись у художника Ганса Хоффмана, в молодости она стала важной фигурой в художественном движении абстрактного экспрессионизма. В ее картинах были красочные органические формы.В первые годы ее карьеры эти композиции были сосредоточены на холсте. К 1960-м годам работы Франкенталера часто охватывали все полотно. Ее работы, насчитывающие шесть десятилетий, демонстрируют постоянную эволюцию стиля.

Сегодня Франкенталера помнят как пионера живописи цветового поля — стиля, в котором большие полосы цвета являются «предметом» картины. Чтобы добиться эффекта блестящей краски, Франкенталер разбавила краски скипидаром перед тем, как нанести их на незагрунтованный холст.Результатом этого метода «замачивания» стал почти акварельный вид с органическими слоями цвета. Ее и аналогичные работы были включены в знаменитую выставку 1964 года под куратором художественного критика Клемента Гринберга под названием Post-Painterly Abstraction . Сегодня ее работы можно найти в большинстве крупных американских художественных музеев.

Июньский лист (1929 – настоящее время)

Родилась и выросла в Чикаго, June Leaf короткое время стажировалась в Институте дизайна IIT, прежде чем в нежном возрасте 18 лет отправиться на самостоятельное обучение в Париж.В 1954 году она вернулась в Иллинойс, чтобы получить степень бакалавра и магистра в области художественного образования. Однако в 1958 году она вернулась в Париж с финансированием своих работ от Фулбрайта. С годами она разработала аллегорический стиль в нескольких средах. Рисунки пером и тушью, картины на холсте и кинетическая скульптура воплощают в себе абстрактное и необычное. В ее работах часто изображено человеческое тело — часто в работу включены ее собственные воображаемые руки.

Лиф и ее муж — режиссер и фотограф Роберт Франк — делят время между квартирой на Бликер-стрит в Нью-Йорке и рыбацким коттеджем в Новой Шотландии.В 2016 году Музей американского искусства Уитни провел ретроспективу ее работы под названием June Leaf: Thought Is Infinite . Хотя Фрэнк скончался в 2019 году, Leaf по-прежнему творит. В интервью 2016 года изданию Women’s Wear Daily она описала свою работу как поиск. Она сказала: «Может быть, я не хочу общественного признания. Я хочу выжить с той честностью, которая так дорога мне. Тот факт, что я смог сделать этот рисунок [показывает на мольберт], заставил меня подумать: «О, хорошо, вы все еще ученый, который может изобрести что-то, что подходит вашей жизни.’”

Эта статья была отредактирована и обновлена.

Статьи по теме:

Онлайн-база данных с упущенными из виду художницами 15-19 веков

В книге по искусству «Расширение возможностей» рассказывается о художниках-женщинах, посещаемых музеями

9 смелых и влиятельных женщин, которые сформировали мир искусства

8 знаковых художников и их любимые предметы вдохновения

5 художников-женщин, чья страсть к старости вдохновит вас так же сильно, как и их работы | Сара Олсон | Ayuda Care

Старость не должна означать отказ от своих увлечений .Люди часто чувствуют себя бесполезными в более поздние годы; они на пенсии и чувствуют, что им больше нечего делать обществу. Можно потратить бесцельные дни, упиваясь этим чувством бессилия . Стороннему наблюдателю, наблюдающему за их страданиями, может быть трудно понять, что делать. Но как смотритель, у вас есть шанс показать любимому человеку, что они ценят и что они могут и действительно имеют значение , даже если только в жизни нескольких людей. Это может потребовать медленных, маленьких шагов, но для вашего любимого человека все еще есть способы следовать своей мечте в старости .

Вдохновение предшествует действию . Чтобы изменить точку зрения любимого человека, вы должны встряхнуть его, и зажечь огонь в его сердце. То, что всегда вдохновляет меня на творчество и позволяет моему внутреннему «я» процветать, — это открытие и обработка прекрасных произведений искусства. Это может быть замечательным занятием, чтобы поделиться с любимым человеком на диване в тихий день. Листая книги на журнальном столике с красивыми изображениями, вы можете создать умиротворяющую, но бодрящую атмосферу.Я всегда трепещу перед огромным талантом, который существует в нашем мире. Art также предлагает вход для обсуждения . Если трудно разговаривать с любимым человеком, попробуйте показать ему картину, и спросите об их реакции . По сути, искусство предназначено для того, чтобы вы почувствовали что-то . Обсудив ответы любимого человека, вы сможете лучше понять его душевное состояние.

Ниже вы найдете пять художников, работы которых я настоятельно рекомендую.Они вдохновляют во многих смыслах, но особенно в том, что их непрекращающаяся самоотдача и творчество в преклонном возрасте . В сфере, где преобладают мужчины, эти женщины заявили о своем видении и действительно оставили свой след в мире. Если возможно, я бы посоветовал взять книгу в библиотеке или купить журнальный столик с изображением одного из этих художников. Книжки для журнальных столиков показывают картины в полном цвете, и нюансы гораздо легче оценить. Если это слишком сложно, вы и ваш любимый всегда можете сидеть бок о бок за компьютером и изучить работы этих художников в Интернете .И, конечно же, в идеальном мире вы и ваш любимый человек могли бы лично увидеть некоторые из их работ в вашем местном художественном музее . Каким бы путем вы ни пошли, я уверен, что к тому времени, когда вы прочитаете об этих пяти невероятных артистах, вы захотите узнать больше и поделиться историями их феноменальной жизни со своим любимым человеком.

Искусство Агнес Мартин часто называют минималистским, хотя она больше ориентируется на абстрактный экспрессионизм. В 1992 году Мартин проработала художником по жизни и переехала в пенсионный поселок у подножия горы Таос, где она продолжала рисовать каждое утро с 8:30 до 11:30.В 1995 году она уменьшила размер своих типичных шестидесятидюймовых квадратных полотен, чтобы удовлетворить свои физические потребности. Только незадолго до смерти, когда она поняла, что больше не может заниматься независимой студийной практикой, она решила бросить рисовать. Мартин вела по-настоящему свою собственную жизнь, вдали от мира искусства Нью-Йорка, часто жила в изоляции, где ее нельзя было найти. В более старшем возрасте ее картины и письма постоянно искали чувство покоя. Картины, которые она оставила после себя, не являются репрезентативными, но в то же время глубоко глубокими источниками неподвижности и бесформенности.

Несмотря на свой жизненный опыт с шизофренией и психотическими эпизодами, она привнесла спокойствие в свою работу , которая, по ее словам, не имела ничего общего с ее болезнью. Ее культовые холсты размером шесть на шесть футов часто наполнены сериями нюансированных линий и сеток, некоторые из которых переходят друг в друга, а некоторые бросаются в глаза, казалось, предлагая что-то недосягаемое. Вдохновленный дзен-буддизмом, даосизмом и идеями американского трансцендентализма, Мартин нарисовал «мир без объектов, без прерывания… или препятствий.Это значит принять необходимость […] войти в поле зрения, как если бы вы пересекли пустой пляж, чтобы посмотреть на океан ».

Это видение находит отклик у пожилых людей, жизнь которых замедлилась и будущее которых может показаться необъятным и пустым. Как говорится в статье об Агнес Мартин в Guardian, «научиться противостоять пустоте было ее собственной специальностью». Это то, что мы все должны попробовать. Последней картиной Мартина был крошечный рисунок растения, чуть более трех дюймов в высоту; материальное представление, которое показало, что она никогда не прекращала меняться и пытаться даже в свои последние дни.Дополнительную информацию о ее увлекательной жизни можно найти в книге ее друга и дилера Арне Глимчера: Агнес Мартин: Картины, сочинения, воспоминания.

Вероятно, большинство из вас знакомы с яркими крупными планами цветов O’Keeffe, которые стали современной иконой. При жизни она добилась огромного успеха благодаря изображениям цветов, небоскребов, черепов животных и юго-восточных пейзажей. Она переехала в Нью-Мексико в 1949 году и в течение нескольких десятилетий она путешествовала по миру , чтобы вдохнуть вдохновение в фантастических достопримечательностях, которые ее окружали.После смерти мужа О’Кифф продолжала управлять и контролировать все аспекты своей карьеры, умудряясь продавать работы, при этом оставляя себе почти половину своих картин, многие из которых были ее лучшими работами.

В старшие годы из-за дегенерации желтого пятна О’Киф начала терять зрение. Но, несмотря на инвалидность, она отказалась бросить работу. Она наняла помощников, которые помогли ей создать свое искусство, и с помощью своего друга, скульптора Хуана Гамильтона, она написала бестселлер Georgia O’Keeffe. Гамильтон научил ее работать с глиной, и с его помощью она создавала скульптуры и акварельные картины, продолжая самостоятельно создавать рисунки углем, пастелью и карандашом. В 90 лет она сказала: «Я вижу, что я должна была рисовать. То, что вызывает у вас желание творить, все еще существует ».

Картины О’Киф — одни из самых красивых из существующих, но они станут еще более возвышенными, если вы поймете неутолимую живость ее духа. Старость ее не пугала; это было просто направлено в ее творения. Ее яростная независимость — образец для людей в их более поздние годы. Даже когда ее тело отказывало ей, она боролась, чтобы продолжать творить, хотя она не была слишком горда, чтобы принимать помощь от других. Этот баланс и ее постоянная способность создавать работы, которые были полностью ее собственными, являются источником вдохновения для всех в более поздние годы.

Вуд был современным художником, мастером и писателем, чьи работы воплощали дух времени от чувств Дада до традиций народного искусства.Ее карьера выдающейся художницы началась самым невероятным образом: после создания абстракции, чтобы подразнить Марселя Дюшана, что любой может создавать современное искусство, Дюшан был настолько впечатлен, что договорился о публикации этого произведения в журнале и пригласил ее поработать в своей студии. . Там она вошла в самое сердце движения Дада и выработала спонтанный и активный стиль рисования и рисования , который она практиковала и исследовала на протяжении всей своей жизни.

В среднем возрасте она начала изучать гончарное дело, хотя призналась, что «не была прирожденным мастером. Несколько лет спустя она начала продавать свои работы, чтобы прокормить себя, и вскоре нашла несколько наставников, которые научили ее навыкам торговли. Ее свободные, нетрадиционные формы глиняной посуды были совершенно новыми, особенно ее яркая блестящая глазурь и ее примитивные человеческие изображения. Вуду было под восемьдесят, когда была опубликована ее первая книга, и она никогда не переставала находить новые методы и средства творчества.

Вуд прожил жизнь, полную юмора, романтики, позитива и преданности делу. Она продолжала работать в своей студии до 104 лет, и после ее смерти ее дом был подарен Фонду Happy Valley, чтобы они могли поделиться ее искусством со всем миром. Ее наследие продолжается, поскольку посетители приходят восхищаться ее энергичной и усердной работой. Дерево оказало влияние на людей во всех областях, даже послужило источником вдохновения для персонажа «Роза» в фильме « Титаник». Она была энергичной и оптимистичной женщиной , чья мудрость может быть оценена как вами, так и вашим любимым человеком.

На своих лекциях по гончарному искусству она передала своим студентам послание, которое следует принять близко к сердцу: «Будьте верны себе, плохо ли это, не имеет значения. […] Но когда вы окажетесь наедине с собой, делайте то, что исходит изнутри ». Вуд написала своей 103-летней подруге: «Выбрав жизнь в вечности, я сейчас нахожусь в самом легком и счастливом времени в моей жизни». Какой невероятный образ жизни и какое замечательное состояние нужно стремиться. Если вам интересно узнать о ее жизни ее собственными словами, посмотрите копию книги Я шокирую себя: автобиография Беатрис Вуд .

Бабушка Моисей провела большую часть своей жизни в деревне, вместе с мужем управляя фермой и воспитывая пятерых детей. Чудом, но только когда ей исполнилось семьдесят, она решила посвятить себя рисованию, когда артрит заставил ее отказаться от вышивания. Полностью самоучка, как только Моисей установил устойчивую практику, она стала плодовитым творцом, позволяя сценам из своей жизни катиться на масонитовых досках в упрощенной форме реализма, которая взрывается цветом.

Затем, в 1938 году, коллекционер произведений искусства заметил, что ее работа висит в окне местной аптеки в маленьком городке Хусик-Фолс. Он купил каждую картину за и вскоре начал свою карьеру в Нью-Йорке. В следующем году у нее была первая выставка одной женщины, и ее картины были выставлены в известных музеях и магазинах по всему городу. Ее изображения ностальгических сцен из детства содержат мощный посыл о старшем возрасте и накопленных воспоминаниях: «Я получу вдохновение и начну рисовать; тогда я забуду все, все, кроме того, как все было раньше и как это рисовать, чтобы люди знали, как мы жили.

Моисей продолжал рисовать, пока она не скончалась в возрасте 101 года. За 30 лет, которые она посвятила живописи, она создала более 1500 произведений искусства, 25 из которых были созданы после ее 100-летия. Джон Ф. Кеннеди сказал о ее работе : «Прямолинейность и яркость ее картин вернули примитивную свежесть нашему восприятию американской сцены». Бабушка Моисей доказала, что никогда не поздно начать новую страсть или осуществить старую мечту. В конце концов, когда она начала продавать свои работы в конце семидесятых, она брала 3-5 долларов за штуку.В 2008 году ее картина « Sugaring Off » была продана за 1,2 миллиона долларов. Но важнее, чем цена, которую продолжает требовать ее работа, — это след, который она оставляет после себя.

Немецкий фанат объяснил: «От ее картин исходит беззаботный оптимизм; мир, который она нам показывает, прекрасен и хорош. Вы чувствуете себя как дома на всех этих картинках и знаете их значение. Беспокойство и невротическая незащищенность сегодняшнего дня заставляют нас наслаждаться простым и позитивным взглядом бабушки Моисей.

Сама Моисей комментирует свои картины и свою жизнь так, что просто необходимо поделиться с любимым человеком, поскольку ее точка зрения — прекрасный способ увидеть старость: «Я оглядываюсь на свою жизнь, как на работу хорошего дня. , это было сделано, и я чувствую себя довольным, я ничего не знал лучше и сделал все возможное из того, что предлагала жизнь. И жизнь — это то, что мы делаем, всегда была и всегда будет ».

Одежда Вивьен Вествуд — полная противоположность сценам мирной загородной жизни бабушки Мозес. Известный как один из самых влиятельных британских модельеров двадцатого века, Вествуд зажег панк-движение 1970-х и музыку Новой волны, и ее влияние до сих пор процветает в культуре. Когда Вествуд было за 30, она управляла бутиком, который продавал ее анти-истеблишмент, эротически заряженный дизайн. Ее бутик стал сердцем молодежной культуры. Вскоре она была катапультирована к славе, когда заработала эксклюзивную роль для Sex Pistol, созданную на пике их славы.

Дизайн Вествуд повлиял на массы поклонников шоу Sex Pistols, и по сей день ее часто называют создательницей панка, по крайней мере, в его визуальной форме. Несмотря на растущее состояние, Вествуд продолжала жить скромно, снимая квартиру за 400 долларов в месяц и ехала на велосипеде в свою студию. Даже когда панк-движение угасло, Вествуд продолжала стремиться к новым инновациям.

Она всегда не боялась скандалить; В 63 года она отправляла мужчин по подиуму с искусственной грудью, вдохновленная парнями в свитерах из пятидесятых.В 70 лет она отправилась в Африку, где наняла тысячи местных женщин, чтобы они помогали ей шить сумки для своей коллекции и получать достойную заработную плату. Английский дизайнер Джаспер Конран однажды сказал: : «Вивьен оказывает на других дизайнеров скорее слабительное действие. Вивьен делает, и другие следуют. По сей день, в свои 77 лет, Вествуд продолжает создавать новые стили и вести крупный бизнес с розничными торговыми точками по всему миру. Ее энергия вдохновляет пожилых людей, а ее активность и радикальный дух могут напомнить вашему любимому человеку, что независимо от вашего возраста, ваш голос по-прежнему важен, как и любой другой.

Их жизнь была захватывающей, но невозможно получить полное представление об этих пяти чудесных женщинах, не углубляясь в их работу, поэтому идите исследовать их искусство вместе со своим любимым человеком. Наслаждайтесь обсуждением мыслей и чувств, которые возникают, когда вы реагируете на их работу.

15 крутых героинь из мира искусства старше 70 лет

Они пришли. Они создали. Они победили.

Следующие 15 женщин превзошли все шансы, вписав свои имена в историю искусства и навсегда изменив ее курс.И что еще более безумно, так это то, что они продолжали делать это снова и снова, вероятно, дольше, чем вы были живы. Вот героини мира искусства, которые вдохновляют нас больше, чем мы можем точно выразить. Кроме того, все они работают и выставляются в возрасте более 70 лет. Потому что, как метко объяснила нам Джуди Чикаго, «артисты не уходят на пенсию».

1. Джоан Джонас «Видео предоставило мне способ представить слои мысли, сопоставить одно восприятие с другим».

Джоан Йонас, ДОКУМЕНТА 13, фото предоставлено Марией Рулинг

Средний: Видео и перформанс
Стиль: Сказочный концептуализм
День рождения: 1936
Суперсила: Йонас была одним из первых пионеров видеоарта 1960-х и 1970-х годов, ее работа согласовывала ритм и ритуал, идентичность а также маскировка, природа и технологии для создания интуитивных визуальных впечатлений, которые остаются как воспоминания.

2. Луиза Фишман «Действия в прямоугольнике очень похожи на действия на спортивной площадке. Это был атлетизм в красках, пересечение очень большого корта.

Материал: Живопись
Стиль: Атлетический абстрактный экспрессионизм
День рождения: 1939
Суперсила: Фишман — одна из немногих женщин-художников, связанных с клубом мальчиков абстрактного экспрессионизма.Ее мускулистые рисунки превращают цвет в средство передвижения, обеспечивающее скорость и мощность, средство, которое отказывается замедляться любой ценой.

3. Алиса Маклер «Сейчас я чувствую себя более комфортно в своей работе, и я знаю, что делаю лучшую работу в 2104 году. Продолжайте работать и говорите себе, что вы лучший художник, чем кто-либо другой».

Элис Маклер, без названия 2014 г., глазурованная керамика, 12 x 7 x 6 дюймов

Материал: Живопись, рисунок, скульптура, коллаж
Стиль: Игривая феминистская абстракция
День рождения: 1931
Суперсила: Хотя она занималась искусством большую часть своей жизни, у Маклер не было своего первого соло показать до 2013 года.Критики назвали ее «почти идеальной», ее игривые женские куски тонко переосмыслили то, как мы видим женскую форму.

4. Дороти Ианноне «Когда я была маленькой, я стремилась к полной близости со своим партнером, но по мере развития я поняла, что это был окончательный союз с возлюбленным, которого я искал, и позже я назвал это экстатическим единством. . »

Дороти Янноне, Следующий великий момент в истории — наш, 1970, любезно предоставлено Die Künstlerin, Air de Paris, Paris, und Peres Projects, Берлин, Фото: Иоахим Литткеманн

Материал: Живопись
Стиль: Эротический спиритизм
День рождения: 1933
Суперсила: На протяжении более 50 лет Янноне воплощала женскую сексуальность и свободную любовь в дикие цвета, взрывные формы и возвышенные жесты.Хотя в 60-е годы ее работа была подвергнута цензуре и считается порнографическим, она с тех пор выросла до категории „жрицы, матриархат, богиня секса“, где она принадлежит.

5. Кэрол Шнееманн «Каждая женщина-художник, использующая свое тело, делает это по-разному, с разными мотивами и разными аспектами физического интеллекта. Поэтому общее осуждение наших действий как нарциссических бессмысленно, абсолютно бессмысленно».

Meat Joy, 1964

Средний: Видео и перформанс
Стиль: Феминистский удар лица
День рождения: 1939
Суперсила: С 1960-х годов Шнеманн использовал различные средства визуального выражения, чтобы бросить вызов табу и прославлять плоть во всех ее формах.Ее персональная выставка в 2013 году была посвящена более историческим и политическим темам, таким как ужасы времен войны во Вьетнаме и нападения на Всемирный торговый центр.

6. Бетье Саар «Я из тех, кто перерабатывает материалы, но я также перерабатываю эмоции и чувства».

Средний: Сборка
Стиль: Переработанное волшебство
День рождения: 1926
Сверхдержава: Саар, который не стал художником до 46 лет, создает гипнотические сборки, которые включают в себя «черные предметы коллекционирования» и прочее. нашел материалы, относящиеся к духовному и технологическому, служащие силой созидательного сопротивления для женщин и афроамериканцев и дань уважения текстурированному наследию Саара (африканцы, коренные американцы, ирландцы и креолы.)

7. Джуди Чикаго «Моя работа« противостоит »мейнстриму в своих основных ценностях. Это не о политике; это о другом взгляде на реальность».

Материал: Живопись, скульптура, инсталляция
Стиль: Психоделический, феминистский урок истории
День рождения: 1939
Сверхдержава: Чикаго, придумавшая термин «феминистское искусство» и запустившая первую программу феминистского искусства в Соединенные Штаты работали со СМИ, начиная от стереотипно женских (рукоделие и текстиль) до стереотипно мужских (сварка и пиротехника), стирая различия на своем пути.

8. Марисоль Эскобар «Я никогда не принимал решения. Я очень естественно знал, что хочу [творить]».

Материал: Скульптура, сборка
Стиль: «Не поп, не оп, это марисоль!»
День рождения: 1930
Суперсила: Скульптуры Марисоль, вдохновленные найденными объектами, воспоминаниями и религиозными убеждениями, перемещаются между такими движениями, как поп-арт, новый реализм и абстрактный экспрессионизм.Ее игривые, но болезненные деревянные куклы украшены яркими раскрашенными узорами и — часто — интерпретациями собственного лица Марисоль.

9. Idelle Weber «Мой выбор предмета основан на нескольких вещах, в том числе, в первую очередь, на моей убежденности в том, что я могу представить предмет в новом и действенном виде. Иногда мой выбор зависит от деятельности в окружающем мире. (бизнесмены), иногда частично из-за визуальной сложности, плотности и, казалось бы, непривлекательных качеств (мусор и мусор), иногда из-за естественной красоты (цветы, ракушки), а иногда частично из-за воображаемых вещей (неспецифические пейзажи).»

Средний: Живопись, скульптура, коллаж
Стиль: Pop smash
День рождения: 1932
Суперсила: Особый бренд Weber DayGlo pop представляет анонимные фигуры, занятые повседневной деятельностью, в двух- или трехмерном масштабе .

10. Марта Рослер «Феминизм — центральный аспект всей моей работы; он не заменяет и не вытесняет другие соображения. Феминизм — это мировоззрение или важный фактор в такой перспективе.Это точка зрения, которая требует переосмысления вопросов власти в обществе и, таким образом, имеет неоспоримую силу «.

Среда: Видео, инсталляция, перформанс
Стиль: Повседневная жизнь через калейдоскопический микроскоп
День рождения: 1943
Суперсила: Феминистские работы Рослер анализируют аспекты повседневной жизни, особенно с точки зрения женщины, из кулинарных шоу системам подземного транспорта и изображениям войны.

11. Глэдис Нильссон «Я обычный человек. Я думаю о том, чтобы просто пережить день на личном уровне, а не о решении мировых проблем. Я просто не могу этого сделать. Другие люди могут это сделать. Это в больших масштабах. Для меня, поскольку я знаю, как много люди работают, празднование маленьких побед так же важно, как подписание мирного договора ».

Глэдис Нильссон, Mt. Фондер Воман во время туретрэша, 1967. © Художник. Коллекция Майкла Дж.Робертсон и Кристофер А. Слапак.

Материал: Живопись, коллаж
Стиль: Мультики, похожие на воздушные шары, быстро распространяются
День рождения: 1940
Сверхдержава: Один из основных участников чикагского шоу «Волосатый Кто?» В 1960-х годах Нильссон продолжала выпускать свой фирменный бренд женского хаоса, изображая фантастических дам в домашних сценах, которых просто невозможно сдержать.

12. Яёи Кусама «С детства я всегда делал работы в горошек.Земля, Луна, Солнце и люди — все представляют собой точки; единственная частица среди миллиардов. Это одна из моих важных философий, которую принимают многие люди ».

Материал: Живопись, скульптура, инсталляция
Стиль: Лихорадка в горошек
День рождения: 1929
Суперсила: Кусаму уже давно называют Королевой в горошек, превращая игривый узор в сосуд для себя уничтожение и взаимодействие с бесконечным.С 1975 года Кусама живет в психиатрической больнице, хотя по-прежнему каждый день создает работу и продолжает собирать толпы, заполняющие улицы Нью-Йорка своими выставками.

13. Паула Рего «Когда вы что-то рисуете, это очень часто превращается во что-то еще, и вы можете с этим справиться. Это развивается совершенно по-другому, это органично, и это делается руками».

Материал: Живопись, пастель, эстамп
Стиль: Народные сказки пошли наперекосяк
Суперсила: Рего переплетает феминистские темы с народными сказками из ее родной Португалии, создавая зазубренные изображения, которые могут соперничать с вашими самыми красивыми кошмарами.Многие работы изображают женщин как неженственные, даже животные, чтобы бороться с идеализированным, бесчеловечным образом, которым женщины часто визуализируются в основной культуре.

14. Линда Бенглис «Моя работа — это выражение пространства. Что такое переживание движения? Это изображение? Это объект? Это ощущение? Все исходит от моего тела. Я — глина; Я был в некотором смысле вытеснен. Как связать это вместе? Мне не нужно завязывать узел. Формы узлов в моих более ранних работах отражали эту идею.Я форма «.

Материал: Скульптура, восковая живопись
Стиль: Материал в движении
Сверхспособность: В 1974 году Бенглис позировала обнаженной для рекламы Artforum с гигантским дилдо и солнцезащитными очками, бросив вызов женоненавистническим традициям девушек с обложек. С тех пор Бенглис расширила концепции живописи и скульптуры, нарушив традиции своими керамическими и полиуретановыми абстракциями.

15. Йоко Оно «Шепните свое имя ветру.Попроси ветер отнести его на край света ».

Картина, чтобы видеть в темноте (версия 1). 1961. Вид инсталляции с художником, «Картины и рисунки» Йоко Оно, AG Gallery, Нью-Йорк, 17–30 июля 1961 г. Фотография Джорджа Мачюнаса.

Средний: Перформанс, инсталляция, музыкант, активист
Стиль: Тихий рев
День рождения: 1933
Суперсила: Будь то абсурдно-поэтические твиты, несанкционированные музейные выставки или магия улыбки, Оно проникло концептуальным искусство с ее особым видом магии с начала 1960-х годов.Мы не можем дождаться ее ретроспективы MoMA в следующем году.

Исправление: в более раннем выпуске этой статьи утверждалось, что Линда Бенглис появилась на обложке ArtForum. Мы сожалеем об ошибке.

Вызов всех фанатов HuffPost!

Подпишитесь на членство, чтобы стать одним из основателей и помочь сформировать следующую главу HuffPost

Из собраний Гарвардского художественного музея. Портрет пожилой женщины

.

Эдгар Питерс Боурон, Европейских картин до 1900 года в Художественном музее Фогга: сводный каталог, включающий картины в музее Буш-Райзингера , Художественные музеи Гарвардского университета (Кембридж, Массачусетс, 1990)

Медь как холст: два века шедевров живописи на меди 1575-1775 , exh.cat., Oxford University Press (Нью-Йорк) и Oxford University Press (Великобритания) (Оксфорд, Англия, 1999), стр. 284–286

Немецкая живопись 1760-1960: Новая инсталляция , Музей Буш-Райзингера, Кембридж, 20.12.1983 — 19.02.1984

Шедевры европейского искусства , Музей Буш-Райзингера, Кембридж, 22.06.1985 — 15.09.1985

Портрет , Художественные музеи Гарвардского университета, Художественный музей Фогга, Кембридж, 15.10.2004 — 01.09.2005

Обзорный курс HAA 10: Западные традиции, искусство с эпохи Возрождения , Художественные музеи Гарвардского университета, Художественный музей Фогга, Кембридж, 02.09.2008 — 03.02.2008

Обзорный курс HAA 10 (S421): Западная традиция: искусство с эпохи Возрождения (осень 08, поворот 1) , Гарвардские художественные музеи, Кембридж, 13.09.2008 — 19.10.2008

Обзорный курс HAA 10 (S421): Западная традиция: искусство с эпохи Возрождения (осень 09, поворот 1) , Гарвардские художественные музеи / Артур М.Музей Саклера, Кембридж, 02.09.2009 — 12.10.2009

Обзорный курс HAA 10 (S421): Западные традиции: искусство с эпохи Возрождения (осень 10, поворот 1) , Гарвардские художественные музеи / Музей Артура М. Саклера, Кембридж, 10.09.2010 — 10.09.2010

Обзорный курс HAA 10 (S421): Западная традиция: искусство с эпохи Возрождения (осень 11, поворот 1) , Гарвардские художественные музеи / Артур М.Музей Саклера, 06.09.2011 — 01.10.2011

Quinten Massys | Старуха («Уродливая герцогиня») | NG5769

Это должно быть одно из самых ярких этюдов уродства в западной живописи. Пожилая женщина с очень коротким носом и чрезвычайно длинной верхней губой опирается одной рукой на мраморный парапет. У нее прыщавая и морщинистая кожа, кажется, она потеряла зубы. Несмотря на свою отвратительную внешность, она элегантно и аристократично одета, хотя к моменту написания этой картины ее одежда была бы на много лет устаревшей.

Эта картина является частью пары: ее «вторая половинка» находится в частной коллекции в Нью-Йорке. Это сатирические портреты, высмеивающие тщеславие старых и некрасивых людей, которые одеваются и ведут себя так, как будто они еще молоды. Женщина — пожилая соблазнительница, предлагающая своему партнеру бутон розы, который сам по себе имеет сексуальный подтекст; ее обнаженные груди — пародия на соблазны плоти, а рога на ее головном уборе — дьявольские.

Это должно быть одно из самых ярких этюдов уродства в западной живописи.Пожилая женщина с очень коротким носом и чрезвычайно длинной верхней губой опирается одной рукой на мраморный парапет. Складки кожи свисают вокруг ее челюсти и шеи, и она, кажется, потеряла все зубы. Кожа у нее прыщавая, с разорванными венами, а из бородавки на щеке торчат волосы. Очевидно, она страдает запущенной стадией болезни Педжета, которая деформирует кости: ее нос выдвинут вверх, ее ноздри необычно выгнуты, а подбородок и ключицы ненормально увеличены.Ее уши торчат вперед, а лоб выпирает.

Однако она элегантно и аристократично одета — хотя к тому времени, когда эта картина была написана в начале шестнадцатого века, ее одежда уже на много лет устарела. Ее большая морщинистая грудь приподнята вверх из-за плотно зашнурованного платья, а перед декольте она держит бутон красной розы. Ее волосы скрыты в рогах чепца в форме сердца, поверх которого она носит белую вуаль, удерживаемую большой золотой брошь, украшенной розами и украшенной жемчугом и бриллиантом.

Эта картина является частью пары: ее «вторая половинка» находится в частной коллекции в Нью-Йорке. Оба одеты в причудливую адаптацию бургундской моды начала пятнадцатого века, а Старик очень похож на портрет Филиппа Смелого, герцога Бургундского. Женщине предлагались различные возможные личности, но ни одна из них не была полностью убедительной. Картина и ее пара кажутся скорее сатирическими портретами, высмеивающими тщеславие старых и некрасивых, которые одеваются и ведут себя так, как будто они еще молоды.Женщина — пожилая соблазнительница, предлагающая своему партнеру бутон розы, который сам по себе имеет сексуальный подтекст; ее обнаженные груди — пародия на соблазны плоти, а рога на ее головном уборе — дьявольские.

Квинтен Массис разделял интерес к причудливому со своим современником Леонардо да Винчи, который провел много исследований гротескных голов; двое, кажется, обменялись эскизами. Когда-то считалось, что «Уродливая герцогиня» могла быть копией потерянного Леонардо, поскольку два рисунка старухи, сделанные последователями художника, внешне похожи (Королевская библиотека, Виндзорский замок и Нью-Йоркская публичная библиотека).Однако на рисунках изображены лицо и шея с другими пропорциями и менее правдоподобными. Скорее всего, Массис послал Леонардо версию «Уродливой герцогини», которую скопировали ученики последней, которые изменили пропорции, упростили формы и неправильно поняли диковинный бургундский костюм.

Технический анализ подтверждает, что картина является оригиналом, а не копией. Инфракрасные рефлектограммы выявили значительный недостаток рисунка. Это для лица сделано аккуратно, тогда как для одежды и других элементов это более свободно и схематично.Что касается лица, художник, возможно, внимательно следил за предварительным рисунком, но внес несколько изменений. Глаза были нарисованы дважды — они были немного сдвинуты вверх и вправо, а нарисованные подбородок, шея и правое ухо меньше, чем на нижнем рисунке. Ее правое плечо также было перерисовано на его нынешнем раскрашенном месте, и обе руки поставлены по-другому.

Несколько особенностей техники рисования подтверждают принадлежность к самому Массису. Краска обрабатывается во многих местах «мокрым по мокрому», перетаскивается и растушевывается.Во многих местах для смягчения переходов тона использовалось энергичное растушевывание — техника, которая, кажется, была особенно характерной для Квинтена. Часть волос возле правого уха герцогини и часть вышивки на ее правой манжете выполнены сграффито, где художник поцарапал слой еще влажной краски, чтобы показать, что находится под ними. Пятнистые участки на ее теле были получены за счет пятен основного розового цвета с красными и белыми точками, штрихами и пятнами. Мастерство кисти становится очевидным, если вы внимательно посмотрите на филигрань броши, на которой присутствуют как минимум пять оттенков коричневого, оранжевого, розового и желтого и где краска, содержащая в основном свинцово-оловянный желтый, довольно сильно пропитана.

Два рога головного убора выполнены разными способами. Справа полосы рожка созданы путем удаления красного, белого и синего цветов, чтобы обнажить черный слой под ними; слева сверху нанесена черная краска. Возможно, они выполнялись разными помощниками, или, возможно, Массис открыл другой способ выполнения шаблонов, который он предпочел первому.

Версия Старика находится в музее Жакемара-Андре в Париже. Он написан на бумаге и гласит: «QUINTINUS METSYS PINGEBAT 1513» (Квентин Метсис нарисовал [это] 1513 год).Это мог быть обработанный эскиз, который художник написал и датировал, когда покупатель, возможно, неожиданно, проявил к нему интерес.

Уродливая герцогиня [Квентин Матсис] | Sartle

Хотя загадка

The Ugly Duchess придала работе интригу, исследователи недавно определили возможную медицинскую причину ее появления.

Спорим, тебе плохо, что ты назвал ее некрасивой, не так ли? Но давайте посмотрим правде в глаза — никто не ускользнет от сурового критического взгляда западной истории искусства.Просто спросите всех этих бедных уродливых младенцев эпохи Возрождения, как они себя чувствуют. После десятилетий интерпретации этой картины как сатирического, социального комментария недавнее исследование сосредоточилось на медицинских объяснениях физических атрибутов герцогини. Как и художники, обучающиеся вместе со студентами-медиками в The Gross Clinic , научные исследования подняли визуальный анализ этой картины на новый уровень.

Странный облик, который мы видим здесь, не был метафорой, которую вообразил Матсис. Герцогиня действительно так выглядела, и не зря.Совсем недавно ученые заявили, что ее внешность на самом деле является результатом очень редкой формы болезни Педжета, которая увеличивает и деформирует кости. Хотя ее лицо наиболее очевидно на этой работе, ее руки и ключицы также пострадали.

Несмотря на понимание ее истории болезни, ученые до сих пор не могут идентифицировать эту женщину. Существует множество теорий, но ни одна из них не достаточно убедительна, чтобы возглавить стаю, поскольку ее окружают противоречия. Подобно случайным Apple Watch из нового фильма «Звездные войны», ее одежда немного анахронична.Матсис нарисовал ее в 1513 году, но подарил ей по последней моде — примерно на столетие позже. Ее головной убор великолепен, но это год, значит начала пятнадцатого века.

Ранние представления о ее чертах лица как о моральном послании затмили нашу способность думать о ней как о реальном человеке. Но она нас увлекает не меньше. Мы действительно знаем, что Матсис нарисовал для этого портрета подвеску, намереваясь сделать ее половиной диптиха. Ее соучастник в преступлении известен как Старик , и, скорее всего, это Филипп Смелый, герцог Бургундский.Во всяком случае, Матсис был в глубокой агонии, изучая портретную живопись. Он пошел по стопам голландских художников, таких как Ганс Мемлинг и Ян Ван Эйк. Он также знал об одновременных нововведениях итальянской портретной живописи.

Когда ученые доказали один аспект истории этой картины, они опровергли другой. Исследователи недавно доказали, что даже Леонардо да Винчи восхищался этим причудливым произведением искусства. Считалось, что Матсис создал герцогиню по произведению итальянского мастера. В конце концов, чье имя вы с большей готовностью узнали? Однако ученые недавно доказали обратное.Матсис и Леонардо были в восторге от странного и гротескного, и, похоже, они поддерживали переписку, делясь зарисовками, которые находили забавными. Представьте себе, что.

20 лучших женщин-исполнителей всех времен

1 Элизабет Луиза Виже Лебрен (французы, 1755–1842 гг.)

Элизабет Луиза Виже Лебрен, полностью самоучка, стала художницей, несмотря на серьезные препятствия (как и любая другая женщина в Париже конца 18 века), и была активна в самые неспокойные времена в истории Европы.С вмешательством Марии-Антуанетты она была принята во Французскую Академию в юном возрасте 28 лет как одна из четырех женщин-членов. Виже Ле Брен особенно хвалили за ее симпатичные портреты аристократических женщин, которые считались более естественными, чем работы ее современников. Вынужденный бежать из Парижа во время революции, художник путешествовал по Европе, получая впечатляющие заказы во Флоренции, Неаполе, Вене, Санкт-Петербурге и Берлине, прежде чем вернуться во Францию ​​после урегулирования конфликта.

На фото: Элизабет Луиза Виже Лебрен, Автопортрет в соломенной шляпе (1782).

2 Мэри Кассат (американка, 1844–1926)

Мэри Кассат, одна из трех женщин-художников и единственная американка, официально связанная с импрессионизмом, также была неоценимым советником, помогая познакомить европейское искусство с основными коллекционерами в Соединенных Штатах. Кассат твердо верила, что живопись должна отражать современную жизнь.Ее современная женщина мастерски воспроизведена на картине 1878 года «« В ложе », первой работе импрессионистов, которую художница выставила в Соединенных Штатах». Многие художники-мужчины изображали женщин в театральных ложах как экспонаты, но главная героиня Кассат играет динамическую роль, участвуя в акте взгляда. Тем не менее мужской взгляд преобладает, так как издали седой театрал смотрит прямо на нее в свой бинокль. Как зритель и наблюдатель, мы замыкаем круг.

На фото: Мэри Кассат, In the Loge (1878), Министерство иностранных дел Бостона.

3 Хильма аф Клинт (шведка, 1862-1944)

Только после того, как в Музее Гуггенхайма был проведен крупный обзор ее работ, Хильма аф Клинт наконец получила широкое признание как выдающийся пионер абстрактного искусства; ее самые ранние абстрактные композиции были выполнены за много лет до произведений Василия Кандинского, Казимира Малевича и Пита Мондриана. В период с октября 2018 года по апрель 2019 года выставка « Хильма аф Клинт: картины будущего » была представлена ​​множеством больших, ярких, немного волшебно выглядящих абстрактных работ и остается самой посещаемой выставкой Гуггенхайма за всю историю.

Аф Клинт родилась в Стокгольме и училась в Городской Королевской академии изящных искусств, которую окончила в 1887 году и впоследствии стала широко известна своими фигуративными работами и служила секретарем Ассоциации шведских женщин-художников. В это время спиритизм и теософия набирали силу, поскольку люди, в том числе Аф Клинт, искали способ примирить религию со многими недавними научными достижениями. Эти системы убеждений вдохновили ее первую большую группу нефигуративных, необъективных работ.Названный Картины для Храма, 193 картины были созданы между 1906 и 1915 годами и исследовали дуалистическое восприятие творения, эволюции и Вселенной. Аф Клинт, предполагаемый для установки в спиральном храме, потребовал, чтобы работы не показывались раньше, чем через 20 лет после ее смерти. Эти картины, наряду с некоторыми из ее более ранних работ, составили основную часть выставки в Гуггенхайме — спиральном святилище само по себе.

На фото: Хильма аф Клинт, Десять крупнейших, No.7, Adulthood (1907).

4 Джорджия О’Киф (американка, 1887-1986)

Видная фигура американского модернизма, в 1915 году Джорджия О’Киф была одним из первых американских художников, создавших чисто абстрактное произведение искусства, в отличие от доминирующего движения американского реализма. В книге « Music, Pink and Blue » 1918 года О’Киф абстрагируется от цветочного сюжета с экстремальной обрезкой, создавая арку из разноцветных лепестков, гудящих с музыкальной энергией, предполагаемой названием.Теории русского художника Василия Кандинского частично вдохновили О’Киф на исследование «идеи о том, что музыку можно переводить во что-то для глаз», чтобы достичь чистого выражения, свободного от других внешних ссылок.

На фото: О’Киф позирует с Pelvis Series Red с желтым (1945) в Альбукерке, Нью-Мексико, в 1960 году.

5 Августа Сэвидж (американка, 1892-1962)

Новаторский скульптор, связанный с Гарлемским Возрождением, Августа Сэвидж также была влиятельным учителем и активистом, выступавшим за равные права афроамериканцев в искусстве.Сэвидж родилась недалеко от Джексонвилля, Флорида, в 1921 году переехала в Нью-Йорк, чтобы изучать искусство в Cooper Union, обойдя 142 человека в очереди на ее место в колледже. В 1923 году Сэвидж подала заявку на участие в летней художественной программе, спонсируемой французским правительством, но в конечном итоге была отклонена из-за ее расы. Так началась ее пожизненная борьба за демократизацию и уравнивание искусств. Один из ее первых заказов, бюст В. Э. Б. Дюбуа для Гарлемской библиотеки, был хорошо принят, и Сэвидж приступила к лепке других афроамериканских лидеров, включая Маркуса Гарви и Уильяма Пикенса-старшего.

В 1929 году ее скульптура ребенка из Гарлема, Гамин, получила широкое признание и помогла ей получить стипендию для обучения в Академии Гранд Шомьер в Париже, где она выставляла свои работы и выиграла множество наград. Сэвидж вернулась в Соединенные Штаты в 1931 году и в 1932 году открыла Savage Studio of Arts and Crafts, которая стала Центром искусств Гарлемского сообщества. Два года спустя она стала первым афроамериканским художником, избранным в Национальную ассоциацию женщин. Художники и скульпторы.Всю оставшуюся жизнь художница продолжала создавать новаторские работы — она ​​была одной из четырех женщин, получивших заказ от Всемирной выставки 1939 года — и посвятила свое время обучению искусству окружающих.

На фото: Августа Сэвидж работает над произведением, Нью-Йорк, Нью-Йорк, 1938.

6 Фрида Кало (мексиканка, 1907-1954)

Жестокие автопортреты Фриды Кало с ее культовыми монобровями и усами были однажды описаны Андре Бретоном, основателем сюрреализма, как «ленточки вокруг бомбы».«Действительно, картины Кало одновременно соблазнительны и конфронтационны. В« Две Фриды (Las dos Fridas) »1939 года, завершенной вскоре после развода Кало с мексиканским художником-монументалистом Диего Риверой, Кало изображает две ее личности — одну в традиционном костюме Техуаны со сломанной сердце, а другой — в современной одежде, независимый, с полным сердцем.Постоянное переделывание и наслоение собственной идентичности Кало было важным предшественником политики идентичности и продолжает вдохновлять художников сегодня.

На фото: Фрида Кало, Две Фриды (Лас-дос-Фридас) (1939), экспонируется в 2007 году.

7 Луиза Буржуа (французская, 1911-2010)

Луиза Буржуа родилась в Париже в семье, которая занималась реставрацией гобеленов. В детстве она помогала им в мастерской, заполняя недостающие части рисунков, изображенных на гобеленах. Хотя она изучала математику и геометрию в Сорбонне, в конце концов она вернулась в искусство, занимаясь гравюрой, живописью и крупномасштабной скульптурой на протяжении всей своей долгой и разнообразной карьеры.Хотя формально она не была связана с каким-либо конкретным художественным движением, она выставлялась с абстрактными экспрессионистами и исследовала темы, включая одиночество, ревность, гнев, сексуальность и бессознательное в ее работах.

В 1982 году, в возрасте 70 лет, Буржуа наконец-то получила возможность проявить себя, когда Музей современного искусства представил ретроспективу ее работ, в которой были изображены искаженные человеческие фигуры, подвешенные на проводах; тканевые творения, сделанные из ее старой одежды; и огромные скульптуры пауков, которые ей сейчас больше всего помнят.

На фото: Луиза Буржуа, Maman (1999), снято в Гамбурге, Германия, в 2012 году.

8 Агнес Мартин (канадка, 1912-2004)

Агнес Мартин, часто ассоциируемая с движением минимализма, существовала в собственной лиге и не поддается простой классификации. Сугубо личная и духовная, Мартин объяснила, что ее картины пришли к ней полностью сформированными, размером с почтовую марку, которые она переводила на крупномасштабные холсты.Сверкающая золотая икона « Дружба » 1963 года представляет собой великолепный образец оригинальной росписи по сетке, выполненной художником. Изящно прорезанные линии Мартина, кажущиеся совершенными, но при внимательном рассмотрении проникнутые чувством человеческой руки, создают бесконечное поле с таинственным качеством — воплощение запредельного покоя. Ретроспектива работ Мартина открывается в Гуггенхайме в Нью-Йорке в октябре 2016 года.

На снимке: Агнес Мартин, Friendship (1963), на выставке в галерее Тейт Модерн в Лондоне в 2015 году.

9 Леонора Кэррингтон (англо-мексиканка, 1917-2011)

Художница и писательница, известная своими сюрреалистическими работами, Леонора Каррингтон родилась в Соединенном Королевстве и изучала живопись в Школе искусств Челси, а затем в 1936 году перешла в Академию изящных искусств Озенфант в Лондоне. В том же году она приняла участие в Международной Выставка сюрреалистов была привлечена к работам немецкого живописца Макса Эрнста. В следующем году они встретились на вечеринке и завязали короткий роман, живя вместе в Париже до начала Второй мировой войны, после чего Эрнст был арестован местными властями и вынужден был бежать от преследований.Он сбежал в Соединенные Штаты с помощью Пегги Гуггенхайм, на которой позже женился.

Вскоре после разрыва отношений Кэррингтон был госпитализирован с психическим расстройством и лечился сильнодействующими лекарствами. После освобождения она сбежала в Мексику, где ее глубоко вдохновил местный фольклор, который во многом повлиял на ее творчество. В ее весьма автобиографических картинах есть отсылки к колдовству, метаморфозам и оккультизму, изображены фантастические существа и преследующие сцены. В 70-х годах она стала участницей Освободительного движения женщин и в 1973 году разработала плакат под названием « Mujeres Conciencia», «».В 1986 году она выиграла Премию за выслугу на съезде женщин-художников в Нью-Йорке за свою приверженность политической работе.

На фото: Леонора Кэррингтон, Испытание Оуэна (1959).

10 Элейн Стертевант (американка, 1924-2014)

Произведения Элейн Стертевант (известной по фамилии) вызывают двоякий взгляд; то, что на первый взгляд выглядит как картина Энди Уорхола или Джаспера Джонса, на самом деле является ее собственной работой, в которой с пугающей степенью точности использованы формы и приемы оригинала.С 1964 года Стертевант использует работы своих современников-мужчин, чтобы поставить под сомнение гендерную иерархию, оригинальность и авторство, а также структуры искусства и культуры. Фактически, Уорхол даже согласился позволить Стертеванту использовать своего создателя экрана для производства того же экрана Мэрилин, который он использовал в своей собственной работе. Как вспоминает Стертевант, когда Уорхола спрашивали о деталях его процесса, он просил людей «спросить Элейн».

На фото: Элейн Стертевант, Диптих Уорхола (1973), проданный Christie’s в 2015 году.

11 Бетье Саар (американка, р. 1926)

Бетье Саар, один из самых знаменитых художников в области ассамбляжа, является настоящей иконой в сфере современного искусства. Она родилась в Лос-Анджелесе, училась в Калифорнийском университете в Лос-Анджелесе, который окончил в 1947 году по специальности дизайн, но страстно увлекался гравюрой. В 1967 году она посетила выставку скульптора найденных предметов Джозефа Корнелла, которая коренным образом повлияла на ее творческий путь.Она начала выкладывать сборочные коробки своими собственными гравюрами и рисунками и заполнять их найденными объектами, создавая части, посвященные расам и текущим событиям.

После убийства доктора Мартина Лютера Кинга-младшего в 1968 году ее работа стала более откровенно политической и экстремистской. В 1970-е годы Саар был членом Движения черных искусств, состоящего из поэтов, писателей, исполнителей и художников, которые объединили активизм и искусство, чтобы противостоять структурам власти белых и дать голос опыту черных.Ее самая известная работа, Освобождение тети Джемаймы (1972), представляет собой маму-куклу, вооруженную винтовкой и гранатой, готовую бороться с предрассудками, физическим насилием и пренебрежением стереотипами, навязанными чернокожим американцам. Как объяснил Саар: «Моя цель как художника — создавать работы, разоблачающие несправедливость и раскрывающие красоту. Радуга — это буквально спектр цветов, а в духовном смысле символ надежды и обещания ».

На фото: Бети Саар, Brides of Bondage , экспонируется в колледже Сэддлбэк в Мишн Вьехо, Калифорния, в 1998 году.

12 Хелен Франкенталер (американка, 1928-2011)

Революционная картина Хелен Франкенталер «Пятно», Горы и Море, 1952 года сыграла ключевую роль в переходе от грандиозного жеста абстрактного экспрессионизма к плоским, медитативным формам живописи цветового поля. Франкенталер, прежде всего колорист, вылил банки с краской на необработанный холст, позволяя материалу впитаться в основу, образуя аморфные формы.Как женщина абстрактного экспрессионизма, Франкенталер прорвалась через движение, в котором преобладает мужское начало, и позволила услышать свой уникальный художественный голос. В настоящее время ее работы являются частью давно назревшей выставки под названием «Женщины абстрактного экспрессионизма», которая открылась в Денверском художественном музее в июне 2016 года и отправится в Музей монетного двора в Шарлотте и Художественный музей Палм-Спрингс.

На фото: Хелен Франкенталер ок. 1956.

13 Яёи Кусама (яп., Б.1929)

Королева горошек, Яёи Кусама была значительной силой на авангардной арт-сцене 1960-х годов и продолжает раздвигать границы искусства — даже в моде благодаря недавнему сотрудничеству с Louis Vuitton. Ее «хеппенинги» 1960-х годов были новаторскими, в частности, Narcissus Garden 1966 года, которые художница исполнила на мировой арене на Венецианской биеннале. Финансируемый другим художником Лучио Фонтана, Кусама собрал 1500 серебряных шаров — трехмерных точек в горошек — на лужайке и предложил их на продажу посетителям по цене 1200 лир (два доллара) каждый в качестве критики коммерциализма мира искусства.

На фото: Яёи Кусама, Сад нарциссов (1966), экспонируется в Чатсуорт-хаус в Чатсуорте, Англия, в 2009 году.

14 Джуди Чикаго (американка, Б. 1939)

Поклоняясь выдающимся историческим женщинам, художница-феминистка, писательница и педагог Джуди Чикаго отправилась значительно дальше в прошлое, чем Париж конца 18-го века. В The Dinner Party с 1974 по 1979 год Чикаго произвел культовую инсталляцию, посвященную 1038 женщинам в истории, с вышитыми знаменами входа, выгравированным полом и массивным треугольным банкетным столом с сервировкой для 39 женщин, с гостями, начиная с Первородной Богини Джорджии О’Киф.В настоящее время размещенная в Центре Саклера в Бруклинском музее, инсталляция является центральным элементом феминистского искусства, созданного в поворотный период 1970-х годов, когда художницы-художницы вплотную занялись гендерными проблемами.

На фото: Джуди Чикаго, Ужин, (1974–1979), Бруклинский музей.

15 Марина Абрамович (сербка, р. 1946)

Самопровозглашенная бабушка исполнительского искусства, Марина Абрамович развивает свою практику более пяти десятилетий.Она родилась в Белграде, Югославия (ныне Сербия), в семье строгих и тесно связанных с коммунистическим режимом страны. Она изучала живопись в Академии изящных искусств в Белграде, а затем получила степень магистра в Академии изящных искусств в Загребе.

Она начала изучать перформанс в 70-х, отказавшись от холста и вместо этого превратив себя в медиума, чтобы более тесно общаться со своей аудиторией. Включая перформанс, звук, видео, фотографию и скульптуру, ее работа, которая состоит из длинных рутинных процедур, которые часто подвергают ее физической опасности или боли, исследует такие темы, как доверие, выносливость, очищение, истощение и уход, и заставляет зрителей смотреть на поскольку она проверяет пределы своего тела.

В 1976 году Абрамович начал сотрудничать с немецким художником Улая, и они оставались артистическими и романтическими партнерами до 1988 года, когда она обнаружила, что он изменял. В 2010 году Абрамович поставил в Музее современного искусства перформанс, основанный на выносливости, под названием « Художник присутствует ». В течение двух с половиной месяцев она сидела в одном конце стола и приглашала зрителей сесть напротив нее, чтобы ненадолго участвовать в безмолвных встречах. Удивив Абрамович и доведя ее до слез, Улай села с другой стороны стола, и они разделили волнующий момент после более чем 20 лет молчания.

На фото: Марина Абрамович представляет номер Марина Абрамович: Художник присутствует в Музее современного искусства 9 марта 2010 года в Нью-Йорке.

16 Адриан Пайпер (американец, Б. 1948)

«Дорогой друг, я черный. Я уверен, что ты не осознавал этого, когда делал / смеялся / соглашался с этим расистским замечанием», — говорится в сообщении Адриана Пайпера « My Calling (Card) # 1 с 1986 по 1990 год». Художник-концептуалист и перформанс, Пайпер — первопроходец в решении актуальных проблем, связанных с полом и расой.В сериале «Мифическое существо » Пайпер превратилась в чернокожего мужчину из низшего сословия и гуляла по улицам Кембриджа, обнажая абсурдность стереотипов общества.

Будучи светлокожей темнокожей художницей, ее конфронтационные работы остаются сегодня чрезвычайно дальновидными и значительными, заставляя нас подвергать сомнению социальную иерархию и восприятие идентичности. Недавно Пайпер была награждена премией «Золотой лев» как лучший художник на 56-й Венецианской биеннале ^{в 2015 году за свою работу The Probable Trust Registry , которая состоит из киосков корпоративного типа, где посетители могут подписывать контракты, соглашаясь жить по установленной схеме. правил, поощряющих личную ответственность.}

На фото: Адриан Пайпер получает награду «Золотой лев» на 56-й Венецианской биеннале в 2015 году.

17 Мэрилин Минтер (американка, р. 1948)

Размывая границы между чувственным и гротескным, фотореалистичные работы Мэрилин Минтер обращаются к современным идеалам красоты, сексуальности и человеческому телу в стиле глянцевых модных образов. Известная своими картинами на эмали и металле, у нее есть процесс, который состоит из фотографирования на пленке, обработки их в темной комнате и наложения нескольких избранных изображений для создания совершенно новой композиции, на которой будет основана ее последняя картина.

Получив степень бакалавра в Университете Флориды в 1970 году и степень магистра иностранных дел в Сиракузах в 1972 году, Минтер переехала в Нью-Йорк и начала снимать мягкие сцены, связанные с женской домашней жизнью, такие как пол на кухне и различные продукты питания. В 80-е годы, она сосредоточила объектив на более чувственных предметов, а именно женского тела и порнографии. Ее откровенно сексуальные работы вызвали широкую негативную реакцию, что заставило Минтер исследовать, почему страсть, желание и близость были — и остаются — окутанными общественным дискомфортом.Сочетая в себе элементы изящной фотографии моды и красоты, а также яркие рекламные образы, работа Минтера сопоставляет понятия гламура и безупречности (накрашенные губы, ослепленные туфли на шпильке и блестящие веки) с менее желанной реальностью (пот, слюна, волосы и грязь).

На фото: Мэрилин Минтер, Orange Crush (2009), на выставке в ее студии в Нью-Йорке в 2009 году.

18 Синди Шерман (американка, р. 1954)

Известная художница группы Pictures Generation, группы американских художников начала 70-х, известных своим анализом медиакультуры, Синди Шерман создает фотографические автопортреты, критикующие гендер и идентичность.Выступая в качестве режиссера, визажиста, парикмахера, стилиста, модели, сценографа и фотографа, художница превращается в сложных персонажей и снимается в одинаково сложных сценах.

После учебы в Государственном университете Нью-Йорка в Буффало, Шерман переехал в Нью-Йорк в 1976 году, чтобы продолжить карьеру фотографа. Вскоре после прибытия она начала работать над Untitled Film Stills (1977-80), ставшим культовым сериалом, в котором она появляется во множестве обличий и декораций, изображая женские стереотипы, встречающиеся в фильмах и средствах массовой информации, включая несчастную домохозяйку . , брошенный любовник и уязвимый наивный .С тех пор она продолжала превращаться в самых разных персонажей, заставляя свою аудиторию противостоять другим распространенным стереотипам и их искусственности.

На протяжении своей карьеры Шерман сотрудничала с рядом модных брендов, включая Prada, Dolce & Gabbana, Balenciaga и Marc Jacobs, а также с модными журналами, включая Interview и Harper’s BAZAAR . В 2016 году она подрабатывала звездой уличного стиля в сатирической картине в мартовском номере Bazaar «».

На фото: Синди Шерман, Untitled # 414 , (2003), выставлена ​​на Национальной портретной галерее в центре Лондона в 2016 году.

19 Ширин Нешат (иранка, Б. 1957)

Родилась в Казвине, Иран, Ширин Нешат переехала в Соединенные Штаты в 1974 году, чтобы учиться в Калифорнийском университете в Беркли, получив степень бакалавра и магистра в области изящных искусств в 1983 году. Вскоре после окончания учебы она переехала в Нью-Йорк, где она 10 лет проработал в Витрине искусства и архитектуры.Лишь после возвращения в Иран в 1993 году, через 14 лет после Исламской революции, она снова начала заниматься искусством.

Известная своими работами в области фотографии, видео и кино, проекты Нешат часто исследуют различные оппозиции, от ислама и Запада до мужчин и женщин. Как она объяснила на выставке, организованной инициативой по сбору средств Art 19: «Я всегда считала, что художники должны быть политически сознательными, и в моем личном случае родиться из Ирана, страны, которая подрывает основные права человека, особенно со времен ислама. революции, я бесконтрольно тяготел к созданию искусства, занимающегося проблемами тирании, диктатуры, угнетения и политической несправедливости.Хотя я не считаю себя активистом, я считаю, что мое искусство, независимо от его природы, является выражением протеста и призывом к человечеству ».

Ее первые видеоинсталляции — Turbulent (1998), Rapture (1999) и Fervor (2000) — исследовали гендер и общество, в частности ограниченность исламских законов в отношении женщин; ее первый полнометражный фильм, Mahdokht (2004), снят по роману Шахрнуш Парсипур « Женщины без мужчин», «» также является темой.Нешат была удостоена впечатляющего количества наград за свои работы, в том числе Международной премии Венецианской биеннале 1999 года и Серебряного льва за лучшую режиссуру на Венецианском кинофестивале 2009 года.

На фото: Ширин Нешат позирует в своей студии в Сохо, Нью-Йорк, 2011 год.

20 Микален Томас (американец, Б. 1971)

Наиболее известная своими картинами, похожими на коллаж, Микален Томас создает яркие портреты и детализированные интерьеры, которые затрагивают такие темы, как сексуальность, расу, красоту и пол, и исследуют, как представление женщин в популярной культуре влияет на наше определение женственности.Используя стразы, которые служат аналогом женственности, Томас привлекает внимание к отдельным компонентам своих вещей (волосы, обувь и т. Д.) И просит зрителей подумать о том, что обычно характеризует женственность.

Вдохновленная множеством движений, в том числе импрессионизмом, кубизмом и дадаизмом, художница часто ссылается на образные работы ранних модернистов, таких как Пабло Пикассо, Анри Матисс и Эдуард Мане, в своих портретах, изображая своих женских персонажей в позах, популяризированных ею. предшественников-мужчин в попытке ниспровергнуть представление женщин как объектов.

Член Движения пост-черного искусства, категории современного афроамериканского искусства, Томас имеет степень бакалавра искусств Института Пратта и степень магистра искусств Йельской школы искусств, а также работает в области фотографии, видео, скульптуры и инсталляций.

На фото: Микален Томас позирует в Artists ‘Studios в Нью-Йорке в 2008 году.

Этот контент создается и поддерживается третьей стороной и импортируется на эту страницу, чтобы помочь пользователям указать свои адреса электронной почты.Вы можете найти больше информации об этом и подобном контенте на сайте piano.io.

.