Топ-5 знаковых женских портретов в живописи
«Мона Лиза»
Автора портрета Моны Лизы знают даже далекие от искусства люди. Великий Леонардо да Винчи. Работу над шедевром художник закончил 19 сентября 1478 года. Картина считается самым загадочным полотном в истории мировой живописи. Тайны, которые скрывает «Мона Лиза», и в XXI веке не полностью разгаданы. В глазах героини да Винчи оставил потомкам зашифрованный код, который остается засекреченным. При внимательном рассматривании полотна под микроскопом с сильным увеличением можно увидеть в зрачках набор цифр и букв. Ученые предполагают, что так гений эпохи Возрождения увековечил свою подпись и дату написания шедевра. На портрет несколько раз покушались вандалы, его похищал работник музея. Сейчас «Джоконда» (второе известное название этой картины) выставляется в Лувре, для безопасности помещена под пуленепробиваемое стекло.
«Донна Велата»
«Прекрасна, как Мадонна Рафаэля» — портрет ассоциируется с известным высказыванием, хотя на нем изображена земная женщина.
Другое известное название работы Рафаэля Санти — «Портрет дамы под покрывалом». Полюбоваться на полотно можно в Палатинской галерее во Флоренции.
«Неизвестная»
Эту картину Иван Крамской создал в 1883 году. Многие считают, что художник назвал ее «Незнакомкой», ассоциируя героиню с популярным стихотворением поэта-символиста Александра Блока. Официальное название — «Неизвестная».
Крамской сознательно сохранил тайну, так и осталось неизвестным имя женщины, позировавшей для картины. Художнику удалось создать работу на грани классического портрета и жанровой картины. Размер полотна — 75,5 Х 99 см. Хранится в Третьяковской галерее.
Портрет актрисы Жанны Самари
Репродукции с портретом обворожительной Жанны Самари знакомы поклонникам искусства с раннего детства. Вряд ли найдется хоть один календарь, где не будет представлена эта работа французского импрессиониста Ренуара. Говорят, что это одна из редких картин, от которых не устает взгляд. Эталон женственности: лучезарная улыбка, медные волосы, потрясающие по глубине глаза, в которых отражается небесная синева. Но главное, что привлекает в портрете, — необыкновенное обаяние актрисы.
Картина хранится в Пушкинском музее в Москве.
«Дора Маар с кошкой»
Портрет Доры Маар, своей любовницы хорватского происхождения, Пикассо написал в 1941 году. Их непростые отношения длились более 10 лет. Картину считают одним из самых дорогих произведений искусства. В 1947 портрет купили американские коллекционеры Мэри и Ли Блок. В 1963 году ее выкупил другой любитель искусства из Чикаго — Уиллард Джидвиц. В 2006 портрет был выставлен на аукцион «Сотбис», где за $95 216 000 ее приобрел неизвестный коллекционер. Предположительно им стал бывший владелец «Импэксбанка», миллиардер из Грузии Бидзина Иванишвили. Это вторая по дороговизне картина мастера. На первом месте — еще один портрет кисти экстравагантного Пикассо «Мальчик с трубкой».
Такие известные портреты как «Портрет дамы в голубом» Т. Гейнсборо, «Юноша с корзиной фруктов» Микеланджело Меризи де Караваджо, «Автопортрет» К. П. Брюллова, и т. д. сегодня стали эталоном мастерства в изобразительном искусстве. Для ценителя прекрасного известные портреты сегодня не просто полотна, о которых пишут искусствоведы, и которые стоят баснословных денег. Для ценителя каждая картина является как бы «душой» художника – выражение мировоззрения, эстетического кредо, манеры исполнения живописца. Известные портреты («Портрет Е. Н. Арсеньевой» В. Л. Боровиковского, «Джоконда» Леонардо да Винчи и т. д.) стоят так дорого потому, что вызывают в душе у зрителей что-то особенное. Это то неповторимое чувство, которое называется чувством прекрасного. Джоконда прекрасна своим взглядом, — в нем словно соединилась мягкая женственность, и усмешка, чем-то похожая на мужскую. Недаром многие, кто видел реальное полотно да Винчи, утверждают, что если смотреть на «Джоконду» издалека, то кажется, будто перед тобой кроткая нежная женщина. Но, если приблизиться к картине, убеждаешься, что на полотне изображен мужчина с почти дьявольской, чуть ли не жестокой ухмылкой. Известные портреты так известны потому, что в них есть своя неповторимость, «изюминка». Портреты известных художниковПортреты известных художников тоже примечательны. Так как их собственные картины есть отражение их мировоззрения, то даже во взгляде живописцев можно прочесть что-то особенное, свойственное им и их картинам. Особое дело, когда портреты известных художников созданы ими самими. Известные портреты иногда предстают изображениями внешности их автора. В автопортрете художник может выразить собственные видение своей внешности. И совершенно другим предстает другой его автопортрет, датируемый 1880 годом. Здесь показано молодое и красивое лицо живописца, лукаво улыбающееся. Здесь фигура Левитана находится на голубом фоне, жизнерадостном и позитивном. От оценки живописца собственной внешности зачастую зависит влияние картины на зрителя. Портреты известных художников дают возможность человеку посмотреть на гения, создавшего ту или иную картину. Кому не хотелось взглянуть на лицо того, кто изобразил Демона из произведения М. Ю. Лермонтова? Или посмотреть на человека, создавшего Портреты известных женщин Особое место в плеяде великих картин занимают портреты известных женщин. Известное полотно Луизы Виже-Лебрен «Автопортрет с дочерью» показывает не только прелесть своей создательницы, но и привязанность Луизы к дочери: так нежно они обнимают друг друга. Кисти Луизы принадлежит серия портретов, изображающих Марию Антуанетту. Великий художник-портретист А. Г. Варнек (1782–1843) создавал великолепные портреты известных женщин. Это были такие известные портреты, как Портрет Е. М. Олениной в «Приютино», хозяйки литературного солона. Также кисти мастера принадлежат такие полотна, как «портрет Колосовой Евгении Ивановны» — известной балерины, входящей в число ста великих мастеров балета. На картине изображена молодая красивая девушка, с убранными волосами, и с колчаном стрел в руках. Портреты известных людейПортреты известных людей позволяют увидеть потомкам реальный облик писателей, музыкантов, политиков, и т. д. К примеру, портрет знаменитого советского писателя А. Н. Толстого, выполненный П. Д. Кокориным дает нам не только изображение лица писателя. Картина передает задумчиво-мрачный взгляд Толстого, обращенный в сторону. В правой руке изображенный держит курительную трубку, но пальцы крепко сжимают деревянную поверхность, что говорит о сосредоточенности Алексея Толстого. Портреты известных людей могут передавать главную суть занятий изображенных. Так выполнен другой портрет – портрет Ф. И. Шаляпина (1905 год. Холст, уголь, мел) выполненный В. А. Серовым. Здесь в полной мере выражается печальный взгляд Федора Шаляпина. На Шаляпине фрак, но крылья носа возбужденно вздымаются, словно знаменитый певец только закончил очередную арию. Пожалуй, только сильная женщина сможет быть супругой художника: терпеть его взлеты и падения, переживать его неудачи как свои. Это была красивая женщина, любившая мужа, даже, несмотря на то, что Михаил Александрович отличался весьма дурным характером. К великим портретам женщин известных художников можно отнести серию картин Галы, написанную Сальвадором Дали. В 1929 году Гала (Елена Дьяконова) вместе с первым мужем Полем Элюаром посетили молодого каталонского живописца Сальвадора Дали. Сальвадор и Елена полюбили друг друга сразу, даже не смотря на то, что Дьяконова была на десять лет старше художника и имела дочь от первого брака Сесиль. Гала (так называл ее Дали) стала для гения живописи первой и единственной любовью, музой и супругой. С Елены Дьяконовой написаны такие известные портреты, как: «Портрет Галы с двумя ребрышками ягненка», «Гала в образе Леды» и т. д. Сальвадор Дали так писал о своей возлюбленной в посвящении в своей биографии «Дневник одного гения»: «Я посвящаю эту книгу моему гению, моей победоносной Гале Градиве, моей Елене Троянской, моей Святой Елене, моей блистательной, как морская гладь, Гале Галатее Безмятежной». Известные женские портреты Даже самые известные женские портреты не сравнятся по значимости и известности с картиной Леонардо да Винчи «Джокондой». Эта картина поразила многих своей непохожестью на другие известные портреты. Она стала такой знаменитой еще и потому, что существовало мнение, будто в ней себя изобразил сам Леонардо. И действительно, как указывалось выше, некоторым искусствоведам кажется, что улыбка Джоконды является истинно мужской. Известные женские портреты иногда являются символами женственности и красоты. Это такие известные женские портреты, как «Портрет Н. Н. Пушкиной» А. П. Брюллов (Акварель, 1831 г.), и портрет «Нины Чавчавадзе» Н. Ианкошвили . Обе молодые девушки показаны в расцвете своей юности и красоты. Обе они супруги великих русских писателей. В обеих этих девушках есть что-то светлое, чистое, возвышенное, они изображены как музы А. С. Грибоедова и А. С Пушкина. Девушки одеты в светлые газовые платья, словно искрящиеся в лучах невинной красоты их обладательниц. Это известные портреты не просто женщин, но вдохновительниц писателей. Самые известные портретыК самым известным портретам относятся, пожалуй, те, которые произвели на зрителей наибольшее впечатление. Такие известные портреты привлекают к себе либо необычностью красок, оригинальностью сюжета, и т. д. Таковым воспринимается портрет А. С. Пушкина, выполненный Орестом Кипренским. Стиль художника, отличавшийся пластической выразительностью формы и правдивость, сумел в той или иной мере передать неповторимый облик поэта. Мы можем почувствовать ауру человека, умершего много лет назад, почувствовать на себе его взгляд. Быть может даже самые великолепно сделанные фотографии не смогут никогда передать ту очаровывающую магию известных портретов. В самых известных портретах всегда есть что-то от их автора – художника. В создании портрета участвуют два человека – художник и персонаж картины, один дарит полотну свою внешность, а живописец же, как ни была бы картина реалистична, всегда привносит в нее отзвук своей души. |
К примеру «Автопортрет» И. И. Левитана, созданный в 1890-е годы. На картине изображен Исаак Левитан в парадном костюме. Сам художник изображен в полнее непринужденной позе, но его фигуру окружает серо-коричневая дымка, словно предвещающая нечто плохое, фатальное.
Женские известные портреты чаще всего повествуют о красоте изображенных. Но бывало и так, что женщина была сама живописцем, и могла сама дать интерпретацию своей собственной внешности (автопортрет) и внешности окружающих.
Женщина на таких портретах становилась равной мужчине.
«Портрет А. С. Пушкина» в свое время вызвал немало споров. Одни зрители (современники Пушкина) говорили об удивительном сходстве, другие заявляли, что такого сходства нет. Тут, скорее, все зависело от того, каким современники знали Пушкина. Самые известные портреты так велики еще и потому, что заставляют зрителя чувствовать отражение души изображенного.10 прекрасных женских портретов к 8 марта — Искусство — 6 марта — 43520571251
Подборка известных картин русских художников, на которых изображены прекрасные дамы
Праздник весны и труда, известный в народе как 8 марта, неминуемо приближается.
По этому случаю хочется представить вам подборку очаровательных женских образов, выполненных русскими живописцами.
«Неизвестная»
Картина русского художника Ивана Крамского, написанная в 1883 году и являющаяся частью собрания Государственной Третьяковской галереи. Она считается одним из наиболее значительных и известных произведений Крамского.
«Неизвестная» до сих пор остаётся загадкой художника. Ни в письмах, ни в дневниках он не оставил упоминаний о личности неизвестной. Существует версия, что прототипом к картине послужила курская девушка крестьянка Матрёна Саввишна, вышедшая замуж за дворянина Бестужева. Также существует версия, что на картине изображена дочь художника, София Ивановна Крамская.
Портрет часто ошибочно называют «Незнакомка» из-за одноименного стихотворения Александра Блока.
«Дама в голубом»
«Дама в голубом» («Портрет Е. М. Мартыновой») — картина живописца Константина Сомова. Находится в Третьяковской галерее в Москве.
В образе таинственной Прекрасной Дамы художник изобразил свою бывшую соученицу по Академии художеств Елизавету Михайловну Мартынову.
Картина была закончена в 1900 году и в первый раз выставлялась под названием «Портрет». Затем художник стал называть её «Портрет дамы в голубом платье», в музейной же традиции закрепилось более краткое «Портрет дамы в голубом».
Известно, что Мартынова была решительно против продажи картины кому бы то ни было. «Я позировала вам для чистого искусства, а не для того, чтобы вы получили за мою грусть в глазах, за мою душу и страдания деньги… Я не хочу этого! Оставьте портрет у себя, сожгите его, если вам так жаль отдать его мне, подарите его даром в галерею…» — писала она.
«Всадница»
Картина русского художника Карла Брюллова, написанная в 1832 году по просьбе графини Юлии Павловны Самойловой. В 1896 году «Всадница» была приобретена для галереи П.М. Третьякова.
На картине изображены две воспитанницы графини Самойловой — Джованина и Амацилия Пачини.
Амацилия Пачини была дочерью итальянского композитора Джованни Пачини, друга Самойловой. О Джованине известно мало. Существует версия, что её настоящее имя Джованнине Кармине Бертолотти, и она является дочерью Клементины Перри, сестры второго мужа Самойловой.
Что интересно — в Италии существуют гравюры с этой картины, считающиеся портретом знаменитой певицы Малибран, сестры Полины Виардо.
«Портрет М.И. Лопухиной»
Один из самых популярных женских портретов кисти Владимира Боровиковского.
На портрете изображена Мария Ивановна Лопухина, представительница графского рода Толстых, сестра Фёдора Ивановича Толстого, жена егермейстера С.А. Лопухина, невестка орловского наместника А.С. Лопухина, скончавшаяся в юном возрасте от чахотки.
Портрет, созданный Боровиковским в 1797 году, долгое время находился в собрании родственников. Он хранился у племянницы Марии Ивановны, дочери Федора Толстого. Портрет высоко ценился как семейная реликвия. И именно в доме дочери Толстого, Прасковьи, которая стала супругой московского губернатора Перфильева, этот портрет увидел Павел Третьяков в конце 1880-х годов.
Оттуда картина и попала в собрание Третьяковской галереи.
«Портрет неизвестной крестьянки»
Портрет неизвестной в русском костюме — одно из известнейших произведений русского художника Ивана Аргунова. Картина, написанная в 1784 году, была создана под влиянием распространившегося в русском искусстве стиля классицизм и нарождающегося сентиментализма.
Существует предположение, что на портрете изображена актриса крепостного театра графов Шереметевых, певица Анна Изумрудова-Буянова. Хотя этнографически точный наряд крестьянки Московской губернии (расшитый золотыми нитями кокошник, красный сарафан, тонкая белая рубаха, яркие украшения), а также бесхитростность и отсутствие всякой манерности говорят, как считают специалисты, именно о крестьянском происхождении натурщицы.
«Русская Венера»
Одна из последних работ Бориса Кустодиева. Известно, что для написания этой картины не нашлось холста, и Кустодиеву пришлось писать ее на обороте своей старой картины «На террасе».
Позировала для нее, как и для многих других полотен, дочь художника.
Картина «Русская Венера», по единодушному мнению критиков, стала одним из лучших достижений русского портретного искусства.
«Портрет Анны Ахматовой»
Портрет Анны Андреевны Ахматовой был написан в 1914 году Натаном Исаевичем Альтманом. В данный момент он находится в собрании Государственного Русского музея.
Натан Альтман – один из самых ярких представителей русского авангардного искусства. Родившись в небогатой еврейской семье в Виннице, художественное образование он получил в Париже. Среди его друзей были Марк Шагал, Осип Цадкин и Давид Штеренберг.
Когда писался этот портрет, Ахматова жила в Петербурге одна, после окончательного разрыва с Гумилевым. Как пишут критики, в тот момент «для нее начиналась другая жизнь, она испытывала чувство нового рождения, и, наверное, еще сама не представляла, какой она будет».
«Портрет Софьи Драгомировой»
Портрет Софьи Михайловны Драгомировой, дочери генерала Михаила Ивановича Драгомирова, был написан Ильей Репиным в 1889 году.
Любопытно, что над портретом восемнадцатилетней девушки в мастерской Репина в Санкт-Петербурге работали сразу два великих художника – сам Репин и его талантливейший ученик Серов. Работа последнего даже послужила причиной размолвки между ними.
Серов уехал в Москву, немного не закончив свой портрет. Репин, передавая его работу Драгомировой, чтобы придать законченный вид, «сделал несколько мазков на костюме и аксессуарах, не трогая лица». Это вмешательство возмутило Серова, и он направил учителю резкое письмо, на некоторое время омрачившее их отношения.
В доме Драгомировых оба портрета – и серовский, и репинский – висели рядом. В начале 1890-х годов гости генеральского дома первым делом просили показать портрет кисти знаменитого Репина, а по серовскому скользили равнодушным взглядом и только из вежливости интересовались именем автора. А через некоторое время ситуация изменилась до наоборот — посетители гостеприимного дома спрашивали уже: «Правда ли, что у вас имеется прекрасный портрет Софьи Михайловны работы Серова?» И только потом обращали внимание на второй портрет: «А это чья работа?»
«Девочка с персиками»
«Девочка с персиками» — картина русского живописца Валентина Серова, написанная в 1887 году.
Она была создана в усадьбе Саввы Ивановича Мамонтова Абрамцево, которую тот приобрел у дочери писателя Сергея Аксакова в 1870 году.
На портрете изображена 12-летняя Вера Мамонтова. Для создания этого полотна она позировала 22-летнему Серову каждый день почти два месяца. За картину «Девочка с персиками» Валентин Серов был в 1888 году награжден премией Московского общества любителей художеств.
«Кружевница»
Картина русского художника Василия Тропинина, написанная в 1823 году.
Сам художник происходил из семьи крепостных крестьян графа Миниха. В 1823 году в возрасте 47 лет он получил вольную, и в сентябре того же года он представил Совету Петербургской академии художеств картины «Кружевница», «Нищий старик» и «Портрет художника Скотникова» для соискания звания художника.
Картина «Кружевница» принесла ему славу мастера женских образов и стала значительным явлением в живописном искусстве того времени, будучи восторженно принятой критиками.
Вот, например, одно из их высказываний: «…и знатоки, и не знатоки приходят в восхищение при взгляде на сию картину, соединяющую поистине все красоты живописного искусства: приятность кисти, правильное, счастливое освещение, колорит ясный, естественный. Сверх того в самом портрете обнаруживается душа красавицы и тот лукавый взгляд любопытства, который брошен ею на кого-то вошедшего в ту минуту».
http://fishki.net/1454134-10-prekrasnyh-zhenskih-portretov-k…
Понравилась статья? Подпишитесь на канал, чтобы быть в курсе самых интересных материалов
Подписаться
| |||||||||||
В предыдущем посте я написал о портретах членов семьи художника и его автопортретах (https://stroganov.livejournal.com/245239.html#comments). 
И.Мамонтова. Замужем за филологом Г.А.Рачинским (с 1889). Занималась попечительской и благотворительной деятельностью. Репин создал ее портрет в один сеанс
В 1895 году стала председательницей общества «Детская помощь». Под её непосредственным руководством обществом были устроены в Санкт-Петербурге Приют-ясли и Убежище для бесприютных детей. Многие дети в этих заведениях содержались на её личные средства.
.. Как хорошо… Какая красивая поза…» Потом я сделалась «богиней», «Юноной», а там, глядишь, приходится платить тысячи и тысячи, а с «богини» написан не образ, а грубая карикатура»,-писала она в воспоминаниях.
В январе 1874 года в Ницце вышла замуж за действительного тайного советника барона К. П. Икскуля фон Гильденбанда (1818—1893), русского посла в Риме. В своём доме на набережной Екатерининского канала открыла литературно-художественный салон. В салоне бывали крупные сановники, а также представители науки, литературы и искусства, в том числе В. С. Соловьёв, А. М. Горький, Д. С. Мережковский, З. Н. Гиппиус, М. В. Нестеров, В. Г. Короленко, А. П. Чехов, В. В. Стасов, Л. Н. Толстой и другие. Портреты многих посетителей салона были исполнены И. Е. Репиным, который написал и портрет хозяйки («Дама в красном платье», 1889). Портрет, вероятно, послужил причиной тому, что при дворе Варвара Ивановна получила прозвище «Красная баронесса». Придерживалась либеральных взглядов и, пользуясь близостью ко российскому императорскому двору, принимала активное участие в судьбах многих современников. В частности, трижды вызволяла А. М. Горького из тюрьмы. Сыграла большую роль в создании в Санкт-Петербурге в 1895 году первого в Европе Санкт-Петербургского женского медицинского института, учредила несколько стипендий своего имени.
За работу на передовой в 1916 году получила Георгиевский крест. В те же годы была членом Дамского лазаретного комитета и председательницей Общества для усиления средств женского медицинского института и Высших женских курсов.После Октябрьской революции, в 1918 году, несколько недель провела в тюрьме в качестве заложницы. Осенью 1920 года при содействии А.М.Горького поселилась в Доме искусств на Невском пр., 15. Пыталась подрабатывать переводами. Обращалась к властям за разрешением выехать за границу, но получила отказ. Зимой 1920 года нелегально, с помощью проводника-контрабандиста, перешла границу с Финляндией по льду Финского залива. С 1922 года жила в Париже с сыном Григорием. 
На картинах обоих известных художников 1889 года дочь генерала Драгомирова изображена в одном и том же малороссийском народном наряде. Серов уехал в Москву, немного не закончив портрет. Репин, передавая его работу Драгомировой, чтобы придать законченный вид, «сделал несколько мазков на костюме и аксессуарах, не трогая лица». Это вмешательство возмутило Серова и он направил учителю резкое письмо на некоторое время омрачившее их отношения. В доме Драгомировых оба портрета висели рядом. 
В дальнейшем Соня вышла замуж за Александра Сергеевича Лукомского (1868 —1939), старшего адъютанта штаба Киевского военного округа. В годы гражданской войны генерал Лукомский был помощником главнокомандующего Вооруженными силами Юга России Деникина, начальником Военно-морского управления, а затем главой правительства при главнокомандующем. Вместе с семьей бежал на шхуне «Ольга» в Константинополь, где был назначен представителем правительства Врангеля при Союзном верховном командовании. Семья Лукомских жила в резиденции российского посла в Константинополе, куда за помощью обращались многие беженцы. Софья Лукомская вместе со священником посольской церкви Анастасием организовала помощь больным, одиноким, престарелым. «Часто за гробом одинокого беженца шли только отец Анастасий и Софья Михайловна», — вспоминает ее дочь. Перебравшись в Ниццу, генерал Лукомский выполнял поручения великого князя Николая Николаевича и считался его советником. Энергичная Софья Михайловна, продав кое-что из драгоценностей, арендовала большую виллу в ближайших окрестностях и открыла пансион.
Вскоре семья перебралась в Словению, затем в Белград, а в 1923 году — в США. В июне 1925 года Лукомский забрал из Нью-Йорка Софью Михайловну и увез в Париж, ко двору великого князя. Через год туда же вызвали и дочь Софью Александровну.Софья Михайловна открыла мастерскую по вязанию модных свитеров, которые продавала богатым американским туристам. Их дочь работала на американскую компанию вместе с внучкой Льва Толстого Татьяной Сухотиной. Немецкую оккупацию Лукомские пережили в особняке ближнего пригорода Нейи. Генерал Лукомский до нее не дожил — он скончался в феврале 1939 года. После Второй Мировой войны Софья Михайловна переехала с дочерью Софьей Александровной в США. Похоронена на кладбище при Успенском женском монастыре в Ново-Дивееве (штат Нью-Йорк).
С 1881 по 1890 в Александринском театре Полина сыграла свыше 30 ролей. Её талант ценили И. С. Тургенев, В. И. Немирович-Данченко, П. И. Чайковский. Портреты Стрепетовой писали И. Е. Репин, В. М. Васнецов, Н. А. Ярошенко. В 1895—1896 играла в Малом (Суворинском) театре и писала воспоминания.Пелагея Антипьевна умерла от рака в 1903 году
..» Обстановка с семье Репина накалилась. Однажды терпение у Веры иссякло, и она потребовала разорвать мучительные отношения — либо он останется с ней, либо с бесконечными возлюбленными. Репин выбрал свободу, и супруги разъехались. А Елизавета Званцева пребывала в растерянности. С одной стороны, было, конечно, лестно чувствовать любовь к себе маститого мастера. Но, с другой стороны, ее пугала его страсть и главное – возраст. Она была почти сверстницей его детей. В итоге Званцева вынуждена была сменить учителя: от Репина она перешла в мастерскую Чистякова. Но это мало что изменило. Репин ищет встреч со Званцевой, ходит на выставки и концерты, чтобы только увидеть свою любовь.Три года он добивался взаимности Званцевой и все безуспешно. И пылающее его сердце постепенно охладело. В августе 1893 года Репин послал ей одно из последних к ней писем:
Но, слава Богу, удержался».
Пургольд) (1845 — 1929) — камерная певица (меццо-сопрано) и педагог. Сестра Н. Н. Римской-Корсаковой. Принимала активное участие в деятельности Балакиревского кружка («Могучей Кучки»), была известна как хозяйка музыкального салона
М.Третьякова, жена С.С.Боткина, профессора Военно-медицинской академии. Состояла членом Попечительского совета Третьяковской галереи.
После Октябрьской революции Мария Андреева занимала руководящие посты в театрально-художественном мире, была инициатором создания Большого драматического театра в Петрограде, где и завершила артистическую карьеру. Заключительным этапом многогранной деятельности Марии Андреевой стал московский Дом учёных, который она возглавляла в течение 18 лет.
В свою очередь Вера Васильевна вспоминала об истории создания этого портрета: « В день рождения Репина мы сидели в ромбическом «фонаре». Он писал мой портрет на фоне начинающего увядать сада». 
так и есть. Кроме дочери Ксении был еще и сын- Иван.
Все портреты работы Репина известны. Разве что если в годы революции какие-то пропали. Но тогда их попросту нет. В том смысле, что найти и посмотреть их невозможно.Знаменитые портреты женщин. Идеал женской красоты на картинах известных художников
Картины известных художников хранят секреты людей, изображенных на них. Мы предлагаем вам прогуляться по виртуальной картинной галерее и изучить истории женщин с картин. Эти истории могут быть романтическими, мистическими или просто забавными.
Это произведение искусства — одно из самых знаменитых полотен живописца — впервые было представлено на суд зрителей в Италии, где благосклонно принялось критиками. Карл Брюллов был первым художником России, прославившемся в чопорной Европе. Долгое время предполагалось, что эта картина — портрет молодой графини Юлии Самойловой, которую художник очень любил и часто изображал на своих полотнах.
К примеру, в картине «Последний день Помпеи» сразу три персонажа обладают чертами лица Юлии Самойловой. Однако при сравнении картины «Всадница» с портретами графини, которые Брюллов писал позже, становится ясно, что на картине не Юлия Самойлова. Но кто же? В одной из своих картин Карл Брюллов изобразил графиню Самойлову со своей воспитанницей Джованниной, в другой картине он нарисовал ту же графиню с приемной дочерью Амацилией. Исследователи творчества Брюллова пришли к выводу, что на картине изображены именно эти девочки, которых воспитывала графиня. Но картины известных художников обычно несут в себе какую-то загадку. Чтобы разгадать загадку из этой картины, нужно присмотреться к собачке в ошейнике, которую художник изобразил возле маленькой девочки. На ошейнике написана фамилия ее владелицы — Самойлова.
Вроде бы то, как создавалась картина «Аленушка» уже давно известно всем. Полагается, что Васнецов в образе печальной героини русских былин изобразил девушку, с которой судьба его свела в деревне Ахтырка.
Говоря об этом полотне, многие приводят цитату самого Васнецова, где он признается, что образ Аленушки уже давно поселился в его голове, но окончательный вариант портрета сформировался, когда в деревне Ахтырка он познакомился с простой девушкой. Но так ли это? В одной из записок художника можно прочесть истинную историю написания картины. Васнецов признается, что, хоть у него уже и был эскиз картины, написанной с этой простой девушки, но это не натурно-жанровая вещь. Художника на самом деле вдохновляли глаза Веруши Мамонтовой. Он признавался, что глаза именно этой девушки мерещатся ему повсюду и поселились в его душе. Кто такая Веруша Мамонтова? Безусловно, ее образ знаком любителям живописи, ведь именно она нарисована на картине Серова «Девочка с персиками». Теперь, зная откровения художника, в Аленушке можно легко найти черты лица Веруши Мамонтовой.
Иногда картины известных художников удивляют тем, откуда взялся подобный сюжет, иногда источники вдохновения бывают неожиданными.
Это можно сказать об истории написания полотна «Неравный брак». Один аристократ из Москвы решил записать мемуары, где рассказывал обо всех своих родственниках, в том числе и о своем дяде Сергее Варенцове. В 1862 году этот дядя, будучи молодым человеком, вдруг влюбился в миленькую дочь купца Рыбникова - Софию. И влюбился так сильно, что даже посватался, но ему отказали. Расчетливый отец девушки не захотел отдавать дочку замуж за юного и легкомысленного повесу, а предпочел отдать ее руку престарелому и не бедному купцу Корзинкину (интересно, что «престарелому» жениху тогда было 38 лет). По злому стечению обстоятельств молодому Варенцову пришлось исполнять роль шафера на этой свадьбе. Художник Василий Пукирев настолько проникся этой историей и терзаниями любящего сердца, что создал это полотно. Благодаря этой картине Василий Пукирев получил звание профессора, а также хорошие деньги: полотно сразу купил коллекционер живописи Борисовский, а уже у него его перекупил Третьяков. Правда, полотно Пукиреву пришлось немного переделать, потому что Варенцов на этой картине узнал в шафере себя.
Художник так точно изобразил Варенцова в своем произведении, что благодаря популярности картины его несчастливую любовь стала обсуждать вся Москва. В итоге Пукиреву пришлось переписать лицо шафера и теперь, глядя на картину, публика видит на заднем плане изображение лица самого Пукирева.
Картина «Портрет М. И. Лопухиной» работы Владимира Боровиковского
Эта картина создавалась в 1797 году и являет собой романтический женский образ. Уже не один век она восхищает взоры публики, а знатоки живописи считают ее одой сентиментализму. Картины известных художников часто сопровождаются мистическими небылицами. Такая небылица связана и с этой картиной. Изображение 18-летней красавицы — первая в истории России картина, овеянная мистицизмом. Девушка, изображенная на портрете, была дочкой графа Ивана Толстого. В год написания портрета она обвенчалась со Степаном Лопухиным, служившим в администрации Павла I. Сразу после венчания муж заказал Боровиковскому портрет своей любимой жены. Брак продлился недолго, потому что спустя 3 года после венчания юная княгиня скончалась от болезни — чахотки. Картину с портретом дочери безутешный отец выкупил у зятя и повесил у себя в доме. Нужно сказать, что граф Толстой был магистром масонской ложи и увлекался мистикой. Пошли слухи о том, что граф с помощью магии смог вызвать дух своей умершей дочки и вдохнуть его в картину Боровиковского. Бытует небылица — любая девушка, взглянувшая на портрет, обязательно умрет. Даже приводились «очень достоверные факты», что портрет погубил не менее десятка молодых девушек. К счастью для потомков, Третьяков не верил в мистику и спустя столетие купил картину, которую теперь миллионы зрителей могут увидеть в галерее его имени.
Картины известных художников отличает то, что в своих произведениях они воспевают женский идеал. Даже изображая Мадонну, художники всех времен без зазрения совести писали портреты своих возлюбленных, многие из которых были женщинами не самого знатного происхождения. Например, исследователи творчества Рафаэля рассказывают, что художник повстречал на одной из улиц Рима дочку бедного пекаря — Форнарину. Художник влюбился в нее. Рафаэль, который тогда уже был широко известен и занимал высокую ступень на социальной лестнице, купил девушку у ее отца и снял для нее роскошный дом. Художник действительно считал ее идеалом красоты и прожил с ней до самой своей смерти целых 12 лет. Но говорят, что сама красавица не отличалась верностью своему благодетелю и наставляла ему рога как с учениками художника, так и с теми, кто заказывал картины. После смерти Рафаэля из-за репутации этой женщины папа Римский даже не захотел отпеть его, потому что Форнарина стояла рядом. Несмотря на все это именно лик Форнарины мы видим на картине «Сикстинская мадонна». Рафаэль также наделил ее лицом многих других Мадонн, написанных его рукой.
Ребята, мы вкладываем душу в сайт. Cпасибо за то,
что открываете эту
красоту. Спасибо за вдохновение и мурашки.
Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте
О картине мы прежде всего знаем две вещи: ее автора и, возможно, историю полотна. А вот о судьбах тех, кто смотрит на нас с холстов, нам известно не так уж и много.
сайт решил рассказать о женщинах, чьи лица нам хорошо знакомы, а их истории — нет.
Жанна Самари
Огюст Ренуар, «Портрет актрисы Жанны Самари», 1877 г.
Актриса Жанна Самари хоть и не смогла стать звездой сцены (играла она преимущественно служанок), но повезло ей кое в чем другом: некоторое время она жила недалеко от мастерской Ренуара, который в 1877-1878 годах написал четыре ее портрета, тем самым прославив куда больше, чем это могла бы сделать ее актерская карьера. Жанна играла в спектаклях с 18 лет, в 25 она вышла замуж и родила троих детей, затем даже написала детскую книжку. Но прожила эта обаятельная дама, к сожалению, не долго: в 33 года заболела брюшным тифом и скончалась.
Чечилия Галлерани
Леонардо да Винчи, «Дама с горностаем»,
1489-1490 гг.
Чечилия Галлерани была девушкой из благородной итальянской семьи, которая в возрасте 10 (!) лет уже была помолвлена. Однако когда девочке было 14, помолвка по неизвестным причинам была расторгнута, а Чечилия отправлена в монастырь, где и познакомилась (или же все это было подстроено) с герцогом миланским Людовико Сфорца. Завязался роман, Чечилия забеременела и герцог поселил девушку в своем замке, но тут пришло время вступить в династический брак с другой женщиной, которой, конечно же, присутствие любовницы в их доме не понравилось. Тогда после родов Галлерани герцог забрал себе сына, а ее выдал замуж за обедневшего графа.
В этом браке Чечилия родила четверых детей, держала чуть ли не самый первый в Европе литературный салон, бывала у герцога в гостях и с удовольствием играла с его ребенком от новой любовницы. Спустя время супруг Чечилии погиб, наступила война, она потеряла свое благосостояние и нашла приют в доме сестры той самой жены герцога − вот в таких замечательных отношениях она умудрялась быть с людьми. После войны Галлерани вернула свое имение, где и жила вплоть до своей смерти в возрасте 63 лет.
Зинаида Юсупова
В.А. Серов, «Портрет княгини Зинаиды Юсуповой», 1902 г.
Богатейшая российская наследница, последняя из рода Юсуповых, княжна Зинаида была невероятно хороша собой, и, несмотря на то что ее расположения добивались в числе прочих августейшие особы, замуж она хотела выйти по любви. Желание свое она осуществила: замужество было счастливым и принесло двоих сыновей. Юсупова много времени и сил тратила на благотворительную деятельность, причем после революции продолжила ее и в эмиграции. Любимый старший сын погиб на дуэли, когда княгине было 47 лет, и она с трудом перенесла эту утрату. С началом волнений Юсуповы покинули Петербург и поселились в Риме, а после смерти супруга княгиня переехала к сыну в Париж, где и провела остаток своих дней.
Мария Лопухина
В.Л. Боровиковский, «Портрет М.И. Лопухиной», 1797 г.
Боровиковский написал множество портретов русских дворянок, но этот — самый чарующий. Мария Лопухина, представительница графского рода Толстых, изображена здесь в нежном возрасте 18 лет. Портрет был заказан ее супругом Степаном Авраамовичем Лопухиным вскоре после свадьбы. Непринужденность и чуть надменный взгляд кажутся то ли обычной позой для подобного портрета эпохи сентиментализма, то ли признаками меланхолического и поэтического нрава. Судьба этой загадочной девушки оказалась печальной: спустя всего 6 лет после написания картины Мария умерла от чахотки.
Джованина и Амацилия Пачини
Карл Брюллов, «Всадница», 1832 г.
«Всадница» Брюллова — блистательный парадный портрет, в котором роскошно все: и яркость красок, и пышность драпировок, и красота моделей. На нем изображены две девочки, носившие фамилию Пачини: старшая Джованина сидит на лошади, младшая Амацилия смотрит на нее с крыльца. Картину Карлу Брюллову — своему многолетнему возлюбленному — заказала их приемная мать, графиня Юлия Павловна Самойлова, одна из красивейших женщин России и наследница колоссального состояния. Повзрослевшим дочерям графиня гарантировала большое приданое. Но получилось так, что к старости она практически разорилась, и тогда приемные дочери Джованина и Амацилия через суд взыскивали у графини обещанные деньги и имущество.
Симонетта Веспуччи
Сандро Боттичелли, «Рождение Венеры»,
1482–1486 гг.
На знаменитой картине Боттичелли изображена Симонетта Веспуччи — первая красавица флорентийского Ренессанса. Симонетта родилась в богатой семье, в 16 лет вышла замуж за Марко Веспуччи (родственника Америго Веспуччи, «открывшего» Америку и давшего континенту свое имя). После свадьбы молодожены обосновались во Флоренции, были приняты при дворе Лоренцо Медичи, в те годы славившемся пышными пирами и приемами.
Красивая, при этом очень скромная и доброжелательная Симонетта быстро влюбила в себя флорентийских мужчин. Ухаживать за ней пытался и сам правитель Флоренции Лоренцо, но активнее всех ее добивался его брат Джулиано. Красота Симонетты вдохновляла многих художников того времени, среди которых был Сандро Боттичелли. Считается, что с момента их встречи моделью всех Мадонн и Венер кисти Боттичелли была именно Симонетта. В возрасте 23 лет Симонетта умерла от чахотки, несмотря на старания лучших придворных врачей. После этого художник изображал свою музу только по памяти, а в старости завещал, чтобы его похоронили рядом с ней, что и было выполнено.
Вера Мамонтова
В.А. Серов, «Девочка с персиками», 1887 г.
Самая знаменитая картина мастера портрета Валентина Серова была написана в усадьбе богатого промышленника Саввы Ивановича Мамонтова. Ежедневно на протяжении двух месяцев художнику позировала его дочь, 12-летняя Вера. Девочка выросла и превратилась в очаровательную девушку, вышла замуж по взаимной любви за Александра Самарина, принадлежащего к известной дворянской фамилии. После свадебного путешествия по Италии семья поселилась в городе Богородске, где один за другим родилось трое детей. Но неожиданно в декабре 1907 года, спустя всего 5 лет после свадьбы, Вера Саввишна умерла от воспаления легких. Ей было всего 32 года, а ее муж больше так и не женился.
Александра Петровна Струйская
Ф.С. Рокотов, «Портрет Струйской», 1772 г.
Этот портрет кисти Рокотова словно воздушный полунамек. Александре Струйской было 18, когда ее выдали замуж за очень богатого вдовца. Есть легенда, что на свадьбу муж подарил ей ни больше ни меньше как новую церковь. И всю жизнь писал ей стихи. Был ли этот брак счастливым, доподлинно не известно, но все, кто бывал в их доме, обращали внимание на то, как несхожи между собой супруги. За 24 года брака Александра родила мужу 18 детей, 10 из которых умерли во младенчестве. После смерти мужа она прожила еще 40 лет, твердо управляла поместьем и оставила детям приличное состояние.
Галина Владимировна Адеркас
Б.М. Кустодиев «Купчиха за чаем», 1918 г.
«Купчиха за чаем» Кустодиева — настоящая иллюстрация той яркой и сытой России, где ярмарки, карусели и «хруст французской булки». Написана картина была в послереволюционном голодном 1918 году, когда о таком изобилии можно было только мечтать.
Для купчихи в этом портрете-картине позировала Галина Владимировна Адеркас — натуральная баронесса из рода, ведущего свою историю аж от одного ливонского рыцаря XVIII века. В Астрахани Галя Адеркас была соседкой Кустодиевых по дому, с шестого этажа; в студию девушку привела жена художника, приметив колоритную модель. В этот период Адеркас была совсем молода — студентка-первокурсница медицинского факультета — и на набросках ее фигура выглядит гораздо тоньше. Окончив университет и проработав какое-то время хирургом, она бросила профессию и в советские годы пела в составе русского хора, участвовала в озвучивании фильмов, вышла замуж и стала выступать в цирке.
Лиза дель Джокондо
Леонардо да Винчи, «Мона Лиза»,1503-1519 гг.
Пожалуй, один из самых известных и загадочных портретов всех времен и народов — это знаменитая Мона Лиза кисти великого Леонардо. Среди множества версий о том, кому принадлежит легендарная улыбка, официально в 2005 году подтвердилась следующая: на полотне изображена Лиза дель Джокондо, супруга торговца шелком из Флоренции Франческо дель Джокондо. Портрет мог быть заказан художнику, чтобы отметить рождение сына и покупку дома.
Вместе с мужем Лиза вырастила пятерых детей и, вероятнее всего, ее брак был основан на любви. Когда супруг умер от чумы и Лизу также поразила эта тяжелая болезнь, одна из дочерей не побоялась взять маму к себе и выходила ее. Мона Лиза вылечилась и прожила еще некоторое время вместе со своими дочерьми, скончавшись в возрасте 63 лет.
Портрет в живописи — это жанр изобразительного искусства, при котором художники добиваются не столько внешнего сходства, сколько стараются отразить внутренний характер изображаемого человека. Портрет может быть индивидуальным и коллективным, мастер-художник создает образ, типичный для определенной эпохи.
История жанра
Как сложился во времена античного искусства. На острове Крит при раскопках было найдено множество фресок с изображениями женщин. Другие памятники искусства относятся к Египту, там обнаружили деревянные доски с изображенными на них портретами в технике энкаустики (это такие краски на основе воска). Во времена Средневековья портрет в живописи существовал лишь для изображения дарителей и был частью общей художественной композиции на религиозную тематику.
Расцвет живописи выпал на эпоху Возрождения. Художники Ренессанса проповедовали гуманистические идеи и взяли за основу мир отдельного человека, пейзажам и интерьеру отводилась скромная роль фона. Шедевром того времени стала «Джоконда», а ее автор Леонардо да Винчи прославился на века.
Огромный вклад в развитие жанра внес Тициан, он создал целую галерею портретов своих современников. Автопортреты таких художников, как Ян ван Эйк и Альбрехт Дюрер являются примерами для многих художников-портретистов.
Женский портрет в живописи
Вечной темой искусства является изображение образа женщины. Каждая эпоха рисовала свой идеал женщины, а ее характер привлекал особое внимание многих художников. Глядя на портрет тех времен, мы можем видеть, как на внешность и внутренний мир влияют те или иные события общественной жизни, искусство, литература, мода.
Искусство России в общем, и портрет в живописи в частности, показывают, как на протяжении веков изменялся идеал женской красоты. Связано это с изменением мировоззрения, привычек, обычаев, со сменой систем правления, поколений.
Образы женщин
К концу 18 века русский портрет в живописи достигает наивысшего расцвета. И одной из самых главных и популярных тем становится изображение женского очарования. На полотнах нам предстают женщины кокетливые и обольстительные. А на портретах художников-иностранцев русские дамы и барышни выглядят куклами, они жеманничают и игриво улыбаются, и этим одна похожа на другую.
Русские художники И.П. Аргунов, Д.Г.Левицкий, В.Л. Боровиковский видят женщину по-иному. Они вносят психологическое оживление, конкретность характера в женский портрет. В живописи стараютсяпередать живую и настоящую картину нравов, вкусов и моды эпохи женского всевластья. Мы видим весь спектр женских характеров: надменную холодную красоту и нежную мягкую мечтательность, кокетство и скромность, душевное обаяние и суровую скрытность с замкнутостью. Но властвовать в сердцах мужчин — это главное.
Новые идеалы
Эпоха романтизма 19 века призвана показать в женщине особую чувствительность и тонкие движения души. Творчество Карамзина, Жуковского оказало огромное влияние на художников начала века, например, О.А. Кипренского. Их полотна отразили все черты романтизма в жанре портрет.В живописи и музыке, а также поэзии этого времени востребованы мотивы личных лирических переживаний, таинственной красочности родной старины (особой популярностью пользовалась романтическая опера А.Н.Верстовского «Аскольдова могила» 1835 год).
Но уже к середине века возвышенность и мечтательность женских образов исчезает без следа. По картинам этого периода можно изучать модные веяния. Тщательно выписаны перья на шляпах, драгоценности, кружева, увлекаясь деталями, художники часто забывают о самом персонаже. В образах светских красавиц царит надменность, и уже нет той сердечности и простоты.
Но некоторые художники начала века, в частности, Венецианов и Тропинин, в поиске «живых» образов обращаются к простому народу. Возникло движение «простонародного» женского портрета, создается идеализированный образ женщины-труженицы.
Картины К.С. Петрова-Водкина
Новый век характеризуется поиском новых форм в жанре портрет. В живописи (6 класс школы на уроках ИЗО подробно изучает тему «Женские образы») художники обращаются к прошлому и будущему в поисках женского идеала. Тема материнства и женственности занимает большое место в творчестве В. Петрова-Водкина. В произведении «Мать» художник добился полного раскрытия темы. Его картина — это гимн семейному счастью и святости любви. В образе матери мы чувствуем нравственную силу, чистоту и возвышенность, прижимая ребенка к себе, она напоминает мадонну.
Картина «Богоматерь. Умиление злых сердец» написана им в годы первой мировой войны, она является душевным откликом художника на кровавые события тех времен. Он создал возвышенный и трепетный образ, который по глубине воздействия является одним из самых сильных в его творчестве.
Образ женщины менялся из эпохи в эпоху, но сохранил главные непреходящие черты: красоту, нежность, материнство.
По своей переменчивости мода проигрывает только погоде, хотя это вопрос спорный. Более того, меняется мода не только на одежду, стили или аксессуары, но и на женскую красоту. Признанная красавица одной эпохи, через полвека может считаться дурнушкой (но мы-то с вами знаем, что некрасивых женщин не бывает). Во все времена на капризы мод очень чутко реагировали художник, поскольку всегда стремились изображать самых красивых женщин своей эпохи.
Древняя Греция и Рим
К сожалению, о женских идеалах Античности приходится судить по фрескам и скульптурам, полноценных живописных произведений не сохранилось. В Древней Греции эталоном женской красоты считались богиня Афродита, дама пышных форм с длинными густыми рыжими волосами. Именно такой она изображена на картине Сандро Боттичелли «Рождение Венеры», правда созданной уже в 1485 году. В Древнем Риме больше всего ценили красоту женского лица, а пышность форм была на втором месте. Например, с таким прицелом создана картина «Прозерпина» (1874) Данте Россетти.
Средневековье
В Средние века за воспевание женской красоты можно было отправится на костер, поэтому каких-то художественных свидетельств не осталось. Демонстрировать женскую фигуру строжайше запрещалось. Одежда должна была полностью скрывать тело, а волосы прятали под головные уборы. Эталоном женской красоты были святые женщины, которые отдавали себя служению Богу.
Эпоха возрождения
Эпоха Возрождения носит такое название благодаря возрождению интереса к идеалам Античности, в том числе и в вопросах женской красоты. Широкие бедра, пышнотелость, удлиненное лицо, здоровый румянец — так должна была выглядеть первая красавица 15-16 веков. Именно такими изображены женщины на картинах Сандро Боттичелли, Рафаэля Санти и Микеланджело. Идеалом красоты эпохи Ренессанса можно назвать итальянку Симонетту Веспуччи, которая изображена на нескольких картинах Боттичелли «Весна» (1478), «Рождение Венеры» (1485), «Портрет молодой женщины» (1485). В эпоху Возрождения в моде был высокий лоб, и чтобы добиться такого эффекта модницы выбривали брови и линию роста волос. Это хорошо заметно на знаменитой картине «Мона Лиза» Леонардо Да Винчи.
Эпоха барокко
В конце 16 — начале 17 веков идеалом женской красоты были белокожие женщины (загар считался уделом крестьянок) с маленькой грудью, крошечной ножкой, бледным лицом, но с пышными бедрами. К тому же, любая аристократка должна была иметь высокую сложную прическу. Эти модные тенденции хорошо заметны на портрете фаворитки Людовика XIV мадам де Монтеспан (1670) работы Пьера Миньяра. Именно к этому периоду относится знаменитая работа Яна Вермеера «Женщина с жемчужной сережкой» (1665).
Эпоха рококо
Если на картине женщина больше похожа на фарфоровую куколку, окружена веерами, зонтиками, муфтами и перчатками, то можно смело утверждать, что речь идет об эпохе рококо. В начале 18 века в моду входит «легкая анорексия»: женская красота становится хрупкой, с узкими бедрами, маленькой грудью, впалыми щеками. Есть свидетельства, что для получения эффекта «впалых щек» некоторые дамы удаляли боковые зубы, оставляя только передние — красота требует жертв. Каноны красоты эпохи рококо прекрасно иллюстрируют портреты Франсуа Буше, например «Портрет маркизы де Помпадур» (1756).
Эпоха романтизма
Только во второй половине 19 века естественный румянец, здоровая свежесть и округлость форм вновь становятся стандартами женской красоты. А самой притягательной частью женского тела становятся округлые плечи, оголять которые было просто необходимо для любой красавицы. Именно такие женщины встречаются на картинах Адольфа Бугро, таких женщин изображали первые импрессионисты («Рождение Венеры» Бугро, «Большие купальщицы» Ренуар, «Голубые танцовщицы» Дега).
Начало ХХ века
«Русская Венера», «Купчиха за чаем», «Девушка на Волге» Бориса Кустодиева прекрасно иллюстрируют каноны красоты начала 20-го века. Все, чем восхищался романтизм в женщине, стало еще более пышным и весомым. 20-40 годы ХХ века
Середина ХХ века
Идеалом женской красоты середины прошлого века становится Мэрилин Монро. Невысокая блондинка, без каких-либо перегибов в сторону худобы или пышнотелости. Ее образ охотно использовал в своих работах основатель поп-арта Энди Уорхол.
Говорить о дальнейшем развитии идеалов женской красоты, тем более в их связи с живописью, пока не стоит. Нужно только отметить, что история развивается по кругу, и в моду снова входят худоба и болезненность.
Взгляд Мунка на женщин | Эдвард Мунк
Романтика и страсть
На рубеже веков у Мунка завязался бурный роман с Матильдой (Туллой) Ларсен (1869–1942). В конце лета 1902 года они в последний раз встретились в доме и студии Мунка в небольшом приморском городке Осгардстранде. Во время этой встречи Мунк потерял часть среднего пальца на левой руке в результате пистолетного выстрела – предположительно, случайного. Ни Тулла, ни сам Мунк так и не смогли вразумительно объяснить случившееся, и кто был виноват, так и осталось неизвестным. Всю оставшуюся жизнь Мунк писал картины, обходясь без крайней фаланги среднего пальца.
На сделанной в 1899 году фотографии Тулла и Мунк выглядят как супружеская пара, но на самом деле Мунк никогда не вступал ни с кем в брак.
На картине «Голова к голове» (1905) художник изобразил Туллу Ларсен и себя самого.
Девушки с летней мызы
К сюжету картины «Девушки на мосту» Мунк возвращался неоднократно – этому сюжету посвящены двенадцать работ художника. Первую картину Мунк написал в самом начале ХХ века, и сейчас она находится в собрании Национального музея Осло. На картине изображен небольшой приморский городок Осгардстранд.
«Девушки на мосту», Эдвард Мунк (1901).
Photo: Nasjonalmuseet / Børre Høstland
Флирт и дружба
Как правило, отношения Мунка с женщинами развивались стремительно, а за первой встречей следовало многолетнее восхищение, часто взаимное.
Типичный пример – Ингсе Вибе (1886–1945), которая, по рассказам, сама пришла познакомиться с Мунком. Она подошла к деревянной ограде возле его дома в Осгардстранде и окликнула художника. Случилось это в 1903 году, а девушке было на тот момент всего 16 лет.
Между ними завязалась дружба, продолжавшаяся несколько десятилетий, о чем свидетельствуют сохранившиеся письма и открытки. Ее образ также нашел отражение во множестве картин Мунка.
На одной открытке – фотография девушки, которая стала актрисой Национального театра в Осло и надпись: «Я хотела отправить вам небольшое приветствие и показать, какая я миленькая, когда хорошо себя веду. Ваша Ингсе».
На другой открытке, которую Ингсе прислала Мунку в 1907 году, изображен силуэт девушки, одетой в костюм и управляющей лодкой – значит, в Норвегии подобное было возможно уже более ста лет назад.
Мадонна и художник
«Брошь» – литография 1903 года, на которой изображена возлюбленная Мунка, английская скрипачка Эва Мудоччи (1883–1953). Сюжет тесно связан с одной из культовых картин Мунка под названием «Мадонна». Мудоччи посвящены еще две работы Мунка, созданные в том же году. Это «Концерт для скрипки» и «Саломея». По словам Мунка, у этой девушки были «тысячелетние глаза», и в одном из писем к ней он написал: «Вот камень, выпавший из моего сердца».
«У нее были тысячелетние глаза», — Эдвард Мунк.
Женские портреты, созданные в Экели, Осло
С 1916 до самой смерти в 1944 Мунк жил и работал в столичном районе Экели, где прежде располагались огороды. В студии в Экели было создано множество женских портретов, однако многие из этих работ остаются малоизвестными.
Ekely atelier, Oslo (1929).
Photo: Munchmuseet / Munch-Ellingsen / Bono
Одной из любимых моделей Мунка была Биргит Престёэ, которая отчасти поменялась с Мунком ролями, посмотрев на него глазами художника и описав следующим образом: «Мне он казался прекрасным, словно юный Аполлон, и мудрым, как зрелый Зевс». Она позировала для нескольких работ Мунка, а впоследствии прославилась тем, что без стеснения рассказывала журналистам о работе модели, которая в те времена считалась непристойной.
Портреты Биргит Престёэ созданы Мунком в 1924-25 годах.
В течение всей жизни Эдвард Мунк разрывался между страстью к женщинам и боязнью, что его отвергнут. Брак он считал помехой своим амбициям художника и умер холостяком в возрасте 80 лет.
Профильные портреты знаменитых флорентийцев — Заметки декоратора — LiveJournal
Портреты в профиль можно назвать каноническими. С одной стороны они типизируют личность портретируемого, а с другой – дают возможность выделить самые яркие черты его облика, таким образом схватить саму суть и выявить индивидуальность.
Основателем ренессансного портрета во Флоренции является живописец Мазаччо (1401 – 1428).
Во флорентийской живописи раннего кватроченто профильные портреты имеют мемориальный характер. Также можно увидеть связь с изображением на медалях (на которых портреты чеканились в профиль) и провести ассоциацию с античностью. В профильных портретах главными являются линия, силуэт и контур, а колорит хоть и эффектен, но второстепенен. Порой это посмертные портреты, написанные для фамильных галерей.
Пьеро ди Козимо (1462 – 1522). Портрет Симонетты Веспуччи в образе Клеопатры. 1490.
Симонетта Каттанео была супругой Марко Веспуччи и по слухам возлюбленной Джулиано Медичи; считалась первой красавицей Флоренции в ту эпоху. Она получила прозвища Несравненная и Прекрасная Симонетта. Известно, что именно Симонетта позировала для картины Боттичелли «Рождение Венеры». Умерла в 23 года от чахотки.
Мазаччо (1401 – 1428). Мужской портрет. Создан в 1423 – 25 г.г.
Флорентийские женские портреты XV века более декоративны по сравнению с мужскими. На лицах почти что нет светотеневого рельефа, поэтому они кажутся плоскими, как бы вырезанными из бумаги. Удивительно, что сходство в то время не требовалось, главное, чтобы портрет соответствовал идеалу красоты, принятому в аристократической среде. Такие портреты могли заказывать при заключении брачного контракта.
Фра Филиппо Липпи (1406 – 1469). Женский портрет. Создан приблизительно в 1440-х годах.
Ранние профили (и мужские, и женские) обычно изображались на однотонном фоне (нередко синем), но живописец Филиппо Липпи (1406 – 1469) заменил такой фон интерьером и портреты приобрели реалистичность. Чуть позже фоном портрета становится пейзаж.
Фра Филиппо Липпи (1406 – 1469). Двойной портрет, или мужчина и женщина у окна. Около 1440 года.
Пизанелло (1395 – 1455). Портрет принцессы из дома Эсте (Джиневры). 1435 – 1449 г.г.
Бабочки являются символом духа, цветы водосбора символизируют брак и плодовитость – так же, как и гвоздики. В то же время они являются символом смерти. Ветка можжевельника также символизирует раннюю смерть, поэтому искусствоведы пришли к заключению, что это посмертный портрет принцессы, которая была убита, когда супруг узнал о её бесплодности.
Пизанелло (1395 – 1455). Портрет Лионелло д’Эсте. 1441 год.
Паоло Уччелло (1397 – 1475). Женский портрет. Начало 1460-х.
Пьеро делла Франческа (1420 – 1492). Портрет Федериго да Монтефельтро и Баттисты Сфорца. Около 1465.
Сандро Боттичелли (1445 – 1510). Портрет Симонетты Веспуччи. Около 1476 – 1480.
Гирландайо (1449 – 1494). Джованна Торнабуони. Портрет создан в 1489 или в 1490 годах.
Вероятно, это посмертное изображение Джованны, которая умерла в 1488 году (при родах).
Пьеро ди Козимо (1462 – 1522). Портрет Франческо Джамберти. Между 1482 и 1485 годами.
В середине XV века во флорентийской портретной живописи появляется поворот головы в три четверти, хотя профильный портрет не теряет своей значимости до конца столетия.
6 знаменитых портретов и натурщики, которые их вдохновили
Все мы знаем эти знаменитые портреты. Мы можем идентифицировать художников, которые их рисовали, и узнавать сюжеты в них: Девушка с жемчужной сережкой, Мона Лиза и Плачущая женщина. Но кто были настоящими натурщиками для этих шести знаменитых портретов? И какие правдивые истории стоят за ними? Давайте подробнее рассмотрим муз, натурщиков и тайны этих культовых произведений искусства.
1. Девушка с жемчужной сережкой. Иоганнес Вермеер
.Кто эта девушка, известная своей жемчужной сережкой? Некоторые историки искусства считают, что это старшая дочь Вермеера, Мария, которой в то время было двенадцать лет.Другие думают, что это Магдалена, дочь-подросток его покровителя. В историческом художественном романе Трейси Шевалье она становится служанкой Вермеера, Грит. Тот факт, что мы не совсем знаем, кто она, только добавляет ей привлекательности.
Девушка с жемчужной серьгой, около 1665 года, Иоганнес Вермеер (из Wikimedia Commons, Иван Снежный Лап, 2019, адаптировано с разрешения)
2. Музыка (Мелодия) Кейт Банс
На этом портрете прерафаэлитов молодая женщина играет на лире.Кейт Банс нарисовала свою сестру Майру Банс. Майра проектировала металлические изделия во время движения искусств и ремесел, возглавляемого Уильямом Моррисом. Они были одними из первых женщин, которые сделали карьеру в искусстве. Если присмотреться, то на раме зеркала можно увидеть надпись «MUSICA». Майра сделала множество рам для картин своей сестры и вдохновила на это остроумное включение.
Музыка (Мелодия), 1895-1897, Кейт Банс (общественное достояние)
3.Мона Лиза — Леонардо да Винчи
Мона Лиза может быть самой известной женщиной в мире. Но кто она? Странно то, что это вполне обычная женщина из среднего класса, мадам Лиза Джокондо — жена флорентийского торговца тканями Франческо дель Джокондо. У нее было пятеро детей, и она вела комфортную и отнюдь не необычную жизнь. Что необычно, так это то, что темная вуаль, закрывающая ее волосы, иногда считается траурной вуалью. Итак, почему она улыбается? Остается загадкой.
Мона Лиза, 1503, Леонардо да Винчи (из Wikimedia Commons, Usersuperpro, 2020, адаптировано с разрешения)
4.Плачущая женщина Пабло Пикассо
Пикассо известен своими делами. Среди его любовниц была художница-сюрреалист Дора Маар. В 1937 году она сфотографировала Пикассо, создавшего Гернику. Наряду с этой картиной размером с фреску он написал портрет Плачущей женщины, посвященный трауру. Дора Маар смоделировала их. Хотя они отражают его возмущение страданиями, причиненными бомбежкой Герники, они также указывают на бурный девятилетний роман пары. «Для меня Дора всегда была плачущей женщиной», — сказал Пикассо.
Плачущая женщина, 1937, Пабло Пикассо (из Flickr, NichoDesign, 2013, адаптировано с разрешения)
5. Сын Человеческий, Рене Магритт
Сын Человеческий — это загадочная картина художника-сюрреалиста Рене Магритта. Кто такой котелок, лицо которого закрыто яблоком? Работа началась как автопортрет. Однако письма, написанные Магриттом, указывают на то, что ему было трудно рисовать себя, и он использовал яблоко, чтобы скрыть свое лицо.В истинно сюрреалистической моде картина также играет с восприятием и реальностью, видимым и невидимым. Как сказал Магритт: «Все, что мы видим, скрывает другое, мы всегда хотим видеть то, что скрыто тем, что мы видим».
Сын Человеческий, 1964, Рене Магритт (из Flickr, Натан Хьюз Гамильтон, 2018, адаптировано с разрешения)
6. «Ни женщины, ни слезы», Крис Офили,
Офили написал «Ни женщины, ни слезы», живя в Лондоне.Взяв название из печально известной песни Боба Марли в стиле регги, он изображает плачущую женщину. Если вы внимательно посмотрите на надпись, то увидите, что она идентифицирована как баронесса Лоуренс Кларендонская. Она мать Стивена Лоуренса, мальчика-подростка, убитого в результате неспровоцированного расистского нападения в 1993 году. В ее слезах крохотные фотографии ее сына Стивена.
Хотите продолжить исследования? Ознакомьтесь с нашим постоянно растущим выбором картин для продажи здесь.
портретов вдохновляющих женщин в лондонских галереях: знаменитые женские картины к Международному женскому дню | В галереях ондона London Evening Standard
Lхранятся десятки портретов вдохновляющих женщин, которые были первопроходцами в мире политики, литературы, искусства и других сфер.
Эти картины — постоянное напоминание о той важной работе, которую эти женщины проделали в своих областях, от борьбы за расовую справедливость и реформы здравоохранения до демонстрации обществу новых способов письма и руководства.
Эти портреты проливают свет на целый ряд влиятельных людей, от известных известных лиц до менее известных личностей.
В ознаменование Международного женского дня мы собрали некоторые из наших любимых картин, которые выставлены в галереях по всей столице, чтобы отметить их невероятные работы.
Джейн Остин, Национальная портретная галерея
ПОДРОБНЕЕ
Джейн Остин работы Кассандры Остин, около 1810 года, Национальная портретная галерея, ЛондонЧестность, ирония и юмор Джейн Остин помогли сформировать некоторые из самых знаковых произведений XIX века с такими романами, как «Гордость и предубеждение» и «Эмма», укрепляющими ее позицию как одного из самых известных писателей в британской истории. Спустя более 200 лет после ее смерти в 1817 году романы Остин прославляются и постоянно адаптируются для экрана и сцены.Любители литературы могут мельком увидеть легендарного писателя в Национальной портретной галерее, в миниатюрном футляре 18-го зала. Этот интимный набросок был сделан ее ближайшей подругой, ее сестрой Кассандрой, и недавно был использован для портрета Остин на банкноте в десять фунтов.
Олив Моррис, Национальная портретная галерея
Олив Моррис боролась за права женщин и выступала против расизма в 1970-е годы / Олив Моррис, Нил Кенлок, 1973, Национальная портретная галерея, ЛондонОлив Моррис, родившаяся на Ямайке, стала ключевой политической фигурой в 60-е годы. 70-е, кампания против угнетения, расовой несправедливости и сексизма в Великобритании.Этот черно-белый снимок, сделанный в 1973 году, был сделан за четыре года до ее безвременной смерти от неходжкинской лимфомы в 1979 году, в возрасте всего 27 лет. Моррис была одним из основателей группы чернокожих женщин Брикстона и соучредителем Организации женщин. африканского и азиатского происхождения. В 2011 году, через 32 года после ее смерти, была учреждена мемориальная награда Олив Моррис с целью присуждения стипендий молодым чернокожим женщинам.
Дама Кристабель Панкхерст, Национальная портретная галерея
Дама Кристабель Панкхерст работы Этель Райт выставлена в 1909 году, Национальная портретная галерея в ЛондонеДочь Эммелин Панкхерст и сестра Сильвии Панкхерст, Кристабель Панкхерст была движущей силой Женского социального и политического союза .Она использовала свое образование в качестве адвоката и свои юридические знания для продвижения своей кампании за равенство, организации митингов и выступлений. Ее усилия были признаны в 1936 году, когда ей было присвоено звание леди. Этот портрет в Национальной портретной галерее запечатлел Панкхерст во всей красе, когда она активно выходит из темноты с аккуратно прикрепленным кушаком суфражистки. Картина 1909 года находится в 30-м зале здания.
Королева Елизавета I, Национальная портретная галерея
Королева Елизавета I, связанная с Николасом Хиллиардом около 1575 года, Национальная портретная галерея в ЛондонеДлительное правление королевы Елизаветы I характеризовалось отказом верить в то, что быть женщиной было ограничением — фактически, Однажды она сказала в своей речи знаменитую фразу: «У меня тело слабой, немощной женщины, но у меня сердце и желудок короля, а также короля Англии».«На этой работе Николаса Хиллиарда из Национальной портретной галереи она запечатлена в полном образе монарха, в царственно украшенном платье и, конечно же, с фирменным воротником с рюшами. Ее правление с 1558 по 1603 год иногда называют Золотым веком из-за процветание, которое это принесло стране. Литература процветала и во время ее пребывания на троне, и такие, как Уильям Шекспир и Кристофер Марлоу, воздавали ей должное своими работами.
Мэри Уоллстонкрафт, Национальная портретная галерея
Мэри Уоллстонкрафт, автор Джон Опи, Национальная портретная галерея, Лондон,Мэри Уоллстонкрафт наиболее известна своей книгой 1792 года «Защита прав женщины», в которой она подчеркивает, что если бы женщинам были предоставлены те же возможности, что и мужчинам, они могли бы внести равный вклад в жизнь общества.Довольно дальновидная штука для конца 18 века. Фактически, все ее работы являются убедительным аргументом в пользу освобождения и образования женщин во имя социального прогресса. На этом портрете она сохраняет простоту в белом платье и завязанных назад волосах, прикрытых скромной шляпой. В одной из своих опубликованных работ она заявила, что одежда не должна ни искажать, ни скрывать человека, и можно с уверенностью сказать, что ее отношение к одежде отражено в этой работе. Портрет, написанный в 1899 году художником Джоном Опи, висит в комнате 18 Национальной портретной галереи.
Элизабет Луиза Виже Ле Брен, Национальная галерея
Элизабет Луиза Виже Ле Брен 1755–1842, Автопортрет в соломенной шляпе, Национальная галерея, Лондон. / Элизабет Луиза Виже Лебрен 1755–1842, Автопортрет в соломенной шляпе, Национальная галерея, Лондон.Элизабет Луиза Виже Ле Брен может быть незнакомой фигурой для большинства, но в конце 18 века она была известна как один из лучших портретистов своего времени — даже привлекла внимание Марии-Антуанетты, которая покровительствовала художнику на протяжении всей ее жизни. карьера.На этом автопортрете, написанном в Брюсселе в 1782 году, она запечатлена с палитрой в руке. Традиционная одежда художницы тоже выброшена из окна, так как она носит элегантную шляпу с перьями и драпирующую шаль.
Вирджиния Вульф, Национальная портретная галерея
Вирджиния Вульф, Ванесса Белл, 1912, Национальная портретная галерея, ЛондонВам не нужно быть любителем литературы, чтобы слышать знаменитое эссе «Собственная комната» — произведение, в котором есть впоследствии стала классикой феминистской литературы.Ее автор, Вирджиния Вульф, одна из самых известных писателей-модернистов 20-го века, внесла значительный вклад в форму романа, которую мы знаем и любим сегодня. Такие романы, как «Миссис Дэллоуэй», «Орландо» и «Волны» были новаторскими для своего времени, поскольку они бросали вызов идеям, касающимся структуры, сюжета и характеристик, через «поток сознания» рассказчика. Это ее приглушенное изображение было нарисовано ее сестрой, художницей из Блумсбери Ванессой Белл, и было запечатлено незадолго до ее свадьбы с Леонардом Вульфом.
Кэтрин Маколей, Национальная портретная галерея
Кэтрин Маколей (урожденная Собридж), автор Роберт Эдж Пайн, около 1775 года, Национальная портретная галерея в ЛондонеПолитический писатель и историк Кэтрин Маколей была одной из ведущих политических активистов 18 века. Между 1763 и 1783 годами она опубликовала восемь томов «Истории Англии», которые были хорошо восприняты критиками. Здесь она изображена с пером в руке, опираясь на ряд своих знаменитых работ и глубоко задумавшись, глядя вдаль.Чтобы продемонстрировать свои демократические взгляды, она одевается римской матроной. Эта работа была написана Робертом Эджем Пайном, но считается, что она была заказана ее другом и покровителем преподобным Томасом Уилсоном, человеком, о котором говорится в письме, которое она держит.
Малала Юсафзай, Национальная портретная галерея
Малала Юсафзай, Ширин Нешат 2018, Национальная портретная галерея ЛондонПравозащитница Малала Юсафзай стала самым молодым человеком, получившим Нобелевскую премию мира в 2014 году в возрасте 17 лет.Она известна тем, что писала о своей жизни во время оккупации талибами ее городка Сват-Вэлли и тем, что пережила выстрел в голову, нанесенный боевиком талибов в октябре 2012 года. В следующем году она основала Фонд Малалы, организацию, занимающуюся поддержкой девочек. доступ к бесплатному, безопасному, качественному образованию. Сейчас она изучает философию, политику и экономику в Оксфордском университете. На этом уникальном ее портрете, сделанном в 2018 году, изображена ее кожа, покрытая стихотворением Рахмана Шаха Сайела, в котором упоминается национальный народный герой Малала из Майванда и восхваляется Юсуфзай, устанавливая связь между ними.
Артемизия Джентилески, Национальная галерея
(Национальная галерея, Лондон) / Артемизия Джентилески, Национальная галерея, ЛондонЭтот автопортрет Артемизии Джентилески висит в Национальной галерее, что делает его первой картиной художника, представленной публичная коллекция в Великобритании. В стране существуют всего две другие ее работы, одна из которых принадлежит королеве. Национальная галерея недавно объявила, что в 2020 году проведет крупную выставку работ Джентилески, которая удвоит количество работ женщин в коллекции галереи.Художественная карьера Джентилески примечательна, учитывая ограничения, с которыми сталкивались женщины в 17 веке, но была омрачена при ее жизни, когда она была изнасилована другим художником и подверглась семимесячному суду. Она работала для некоторых из самых высоких имен в европейском обществе и была первой женщиной, которая стала членом Accademia delle Arti del Disegno — академии престижных художников во Флоренции. Ее наследие как первопроходца теперь по праву отмечается.
Элизабет и Мэри Линли, Картинная галерея Далвича
Элизабет и Мэри Линли, ок.1772 Томас Гейнсборо, британец, 1727 — 1788 (с разрешения Далвичской картинной галереи) / Элизабет и Мэри Линли, около 1772 Томас Гейнсборо, британцы, 1727 — 1788, с разрешения Далвичской картинной галереиДалвичская картинная галерея является домом для этого двойной портрет сестер Элизабет и Мэри Линли, которые были известны своим музыкальным талантом. Елизавета впервые пела в 1767 году в Ковент-Гардене и впоследствии стала очень востребованным музыкантом, тогда как Мэри дебютировала в актерской игре в 1769 году, а затем пошла по стопам своей сестры и стала певицей оратории в 1771 году.Паре запретили петь после свадьбы, поэтому публика проиграла их таланту, когда Элизабет исполнилось 18, а Мэри — 22. На портрете Элизабет в бледно-голубом платье смотрит вдаль, а Мэри сидит со своим счетным листом в руке. Это также служит печальным напоминанием об ограничениях, с которыми сталкивались эти женщины.
Флоренс Найтингейл, Национальная портретная галерея
Флоренс Найтингейл принимает раненых в Скутари »Джерри Барретта 1856, Национальная портретная галерея, ЛондонФлоренс Найтингейл работала над реформированием больничных условий в 19 веке и сегодня известна как основательница современной медицины. уход.Также известная как Дама с лампой, она проводила кампанию от имени больных и раненых британских солдат, закладывая основы новой медицинской помощи. Ее портрет 1857 года, написанный Джерри Барреттом, висит в Национальной портретной галерее. В связи с тем, что Соловей часто отказывался сниматься для портретов, эта работа показывает ее в действии. Примечательно, что она выделяется из толпы мужчин в госпитале Barrack в Скутари, Турция, после Крымской войны.
Мэри Сикол, Национальная портретная галерея
Мэри Сикол, Альберт Чарльз Челлен 1869, Национальная портретная галерея, ЛондонЕще одну замечательную медсестру можно найти в Национальной галерее.Мэри Сикол также была известна своим вкладом в уход за больными во время Крымской войны. Она поехала в Балаклаву, где помогала открыть «Британский отель» на полпути между гаванью и британским штабом, а также оказывала помощь раненым военнослужащим, рискуя своей жизнью, посещая поле боя. Ее заслуги при жизни были посмертно награждены ямайским орденом за заслуги в 1991 году, в результате чего в 2004 году она была признана величайшим чернокожим британцем. Этот портрет был создан в последние несколько лет жизни Сикол, когда ей было за шестьдесят.Она носит традиционный карибский шарф как дань уважения своему ямайскому наследию, а также три медали, чтобы проиллюстрировать ее усилия во время войны.
женщин-художников, известных своими автопортретами
Селфи захватили новостные ленты социальных сетей, заполнив экраны снимками людей, принимающих идеальные позы в великолепной обстановке, смеющихся с друзьями или застигнутых в одиночестве в уединении. Эти образы кажутся неизбежными, и в сегодняшней экосистеме, управляемой социальными сетями, они часто рассматриваются как потакание своим желаниям или подпитываемые потребностью в утверждении и принятии.Но более глубокий взгляд на практику показывает потенциал для честного изображения самого истинного себя — человека, который может делать сильные социальные заявления, требовать пространства и передавать сообщения более масштабные и масштабные, чем люди, достаточно смелые, чтобы повернуть объектив к себе.
Автопортрет не является побочным продуктом смартфона. Еще с 15 века женщины-художницы в разных средах использовали автопортреты как способ медитировать на окружающий мир и свое место в нем. Автопортреты — это больше, чем просто отображение физических особенностей, они позволяют художникам направлять свои убеждения в свою работу открывающими и революционными способами, в конечном итоге увековечивая память о женщине и ее истории.Их искусство одновременно глубоко личное и общедоступное, давая читателям возможность ближе познакомиться с конкретным местом и временем и предоставляя платформу для поиска точек соприкосновения.
Во многих отношениях эти шесть женщин сделали больше, чем просто создали искусство: они помогли уступить место поколению голосов по всему миру.
Вивиан МайерАмериканский уличный фотограф, родившийся в Нью-Йорке, Вивиан Майер считается одним из величайших фотографов 20 века.Ее ремесло было ее жизнью, хотя она поддерживала себя, работая няней в семьях в Нью-Йорке, а затем в Чикаго. Несмотря на ее художественное наследие и повествовательное влияние на создание картин, о Майер мало что известно.
Тем не менее, открытие 100 000 негативов и слайдов Майера в 2007 году дает ключ к разгадке ситуации, когда женщина вынуждена фотографировать жизнь на улице, снимая бедных и маргинализованных слоев населения. Майер часто была самим собой, фотографировала себя в зеркалах, витринах и других отражающих поверхностях.В некоторых она делала снимки незаметно, как если бы шпионила за собой; в других случаях ее невыразительное лицо находится впереди и в центре.
Паула Модерзон-БеккерНемецкая художница Паула Модерзон-Беккер была первой женщиной, которая нарисовала обнаженный автопортрет.
Картина Паулы Модерсон Беккер через Art Collection 3, AlamyПожалуйста, соблюдайте авторские права. Несанкционированное использование запрещено.
Google отметила 142-ю годовщину дня рождения Паулы Модерсон-Беккер дудлом в феврале этого года, усилив влияние этой немецкой художницы, начав с того, что она стала первой женщиной, написавшей обнаженный автопортрет, созданный ею в 1906 году.
В то время как ее наследие уходит корнями в ее браваду, которая изображает себя так, как раньше не делала ни одна женщина, Модерзон-Беккер в равной степени известна как пионер модернистского движения 20-го века вместе с такими художниками, как Анри Матисс. Ее родители хотели, чтобы она была учителем, и без их ведома работы Модерсон-Беккер будут учить и вдохновлять ученых и художников для будущих поколений.
Лоис Майлоу Джонс
В своей работе Лоис Майлоу Джонс связала свою черную американскую идентичность с традиционной африканской культурой.
Картина Лоис Майло Джонс через classicpaintings, AlamyПожалуйста, соблюдайте авторские права. Несанкционированное использование запрещено.
Хотя Лоис Майло Джонс в основном известна своими акварельными и масляными работами, уроженка Бостона произвела впечатление, исследуя двойственность своей личности, особенно в своем собственном автопортрете. Большая часть ее работ 1930-х годов представляет собой портреты чернокожих американцев, часть более крупного движения, чтобы проиллюстрировать афроамериканский опыт, отдавая дань уважения африканской культуре через ее цвета и формы.
Лишь в 1940 году Джонс рассматривала себя как объект своей собственной работы, связывая свою идентичность с традиционной африканской культурой. Хотя она исследовала свою связь с Африкой во многих своих работах, Джонс было 65 лет, когда она впервые посетила континент, почти через 30 лет после того, как она создала свой знаменитый портрет.
Джудит Лейстер
Джудит Лейстер — одна из первых женщин-художников, чей автопортрет изображает художницу за работой.
Картина Джудит Лейстер через VCG Wilson, GettyПожалуйста, соблюдайте авторские права.Несанкционированное использование запрещено.
Картины Джудит Лейстер были неизменно кинетичными, изображая сцены одной или двух фигур в радостных ситуациях или улавливая энергию играющих детей. Тем не менее, среди занятий, которые выпадают из большей части работ Лейстер, ее автопортрет является одним из ее самых привлекающих внимание произведений, что отличается от многих визуализаций, особенно женщин-художников того времени.
Ее работы были в значительной степени неизвестны, и временами большая часть их приписывалась художникам-мужчинам, работавшим в то время; однако столетия спустя Лейстер вышла на поверхность как одна из выдающихся женщин-художников своего поколения: смелая, отважная женщина, претендующая на место в индустрии, где доминируют мужчины.
Фрида Кало
Автопортреты Фриды Кало снискали ей мировую известность.
Картина Фриды Кало через Archivart, AlamyПожалуйста, соблюдайте авторские права. Несанкционированное использование запрещено.
Почти невозможно говорить о художницах, известных своими автопортретами, без упоминания Фриды Кало, мексиканской художницы, чья однобровь и тонкие усики известны во всем мире. Она была звездой собственного шоу и использовала свое творчество, чтобы выделить и приветствовать различные особенности местной мексиканской культуры.Кало рисовала себя в одиночку, с обезьянами, или погружалась в мысли о своем партнере, знаменитом Диего Ривере. Независимо от портрета, всегда присутствовали усы и монобровь, два определяющих символа и характеристики женщины, чье мастерство и влияние не знали границ.
Занеле Мухоли
Занеле Мухоли использует свои автопортреты, чтобы рассказать историю политической истории Южной Африки.
Фотография Сары Ли, eyevine / ReduxПожалуйста, соблюдайте авторские права. Несанкционированное использование запрещено.
Фотограф, которая использовала свое искусство как платформу для защиты ЛГБТ-сообщества в Южной Африке, Занеле Мухоли начала свою карьеру, документируя окружающих, прежде чем стать самим собой. Ее проект MaID представляет собой непрерывную серию черно-белых автопортретов, отражающих исторические политические события на протяжении всей истории Южной Африки. Для Мухоли автопортрет — преднамеренно уязвимый акт, который, по ее словам, для нее нелегкий. В сериале Мухоли затемняет тон ее кожи, прославляя ее черноту и предлагая контраст с тем, как чернокожие женщины часто изображаются в более широком медиа-пространстве.
10 известных женщин-художников на протяжении всей истории
Во многих странах, включая Канаду, Австралию и США, март широко известен как Месяц истории женщин. В частности, восьмое марта — Международный женский день, праздник, отмечаемый во всем мире. Чтобы отметить это особое время года, мы решили выделить 10 выдающихся женщин-художников из разных эпох в истории.
Конечно, мы твердо верим, что вклад этих выдающихся художников ценится вне зависимости от пола, а их имена и картины заслуживают большего признания.Но исторически сложилось так, что женщин часто отговаривали от продолжения карьеры в искусстве и литературе, и когда они это делали, их заставляли работать под псевдонимом для достижения успеха.
К счастью, имена и работы этих выдающихся женщин-художников не потеряны в анналах истории, и мы можем оценить их исключительный талант даже сегодня.
1. Мэри Кассат (1844–1926)Детские ласки (ок. 1890)
Давайте начнем этот список с известного американского художника-импрессиониста Мэри Стивенсон Кассат .Мэри родилась в богатой семье в городе Аллегейни, штат Пенсильвания. В Пенсильванской академии изящных искусств Кассат получила лишь частичное художественное образование и бросила художественную школу, потому что студенткам в то время не разрешалось даже рисовать живых моделей.В 22 года Кассат переехала в Париж, где сосредоточилась на развитии своих навыков. В Париже Мэри подружилась с Эдгаром Дега и присоединилась к импрессионистам. Мэри Кассат наиболее известна своим воздушным и мягким стилем рисования и своими повседневными сценами, изображающими женщин, детей и женщин в роли матери и опекуна.
По сей день Кассат считается одним из самых успешных импрессионистов и источником вдохновения как для женщин-художников, так и для движения за женское избирательное право.
2. Фрида Кало (1907–1954) Фрида Кало — Автопортрет с терновым ожерельем и колибри (1940) Источник изображения: cea + / Flickr Фрида Кало в представлении не нуждается. Ведь мексиканский художник определенно входит в список самых узнаваемых художников ХХ века наравне с Пикассо и Дали.Способность Фриды создавать искусство, которое одновременно является личным, символическим и отражает ее культурное происхождение, — все это особенности, которые делают ее по-настоящему великим художником.Все эти выдающиеся качества ее искусства становятся еще более ценными в контексте жизни Кало: ужасная авария, которую она пережила в молодости, ее бурные отношения с Диего Риверой и ее трагически короткая жизнь. Фрида Кало известна своими автопортретами, в которых сочетаются как традиционные мексиканские мотивы, так и сюрреалистические элементы.
Хотя при жизни она была в основном известна как жена Диего Риверы, признание работы Кало резко возросло после ее смерти. Сегодня работы Кало являются ярким примером традиций коренных народов Мексики в искусстве, а ее образ считается феминистской иконой.
3. Софонисба Ангиссола (1532–1625)Две сестры и брат художника (ок. 1570-1590)
Скорее всего, вы никогда не слышали о Софонисбе Ангиссоле, но на самом деле она была одной из первых успешных художниц в истории.Родившаяся на пике итальянского Возрождения в бедной, но благородной семье, отец Софонисбы принял тактическое решение отправить ее и ее сестер в ученичество, где они изучали изобразительное искусство.
Это было очень необычно в то время, так как женщины проходили обучение только в том случае, если искусство было семейным бизнесом и у одного из членов мужского пола была мастерская. Софонисба настолько преуспела в живописи, что ее заметил сам великий Микеланджело, который стал ее неформальным наставником.
На пике карьеры Ангиссолы она работала придворным художником короля Испании Филиппа II, что было невероятной честью.Сегодня художник наиболее известен созданием безупречных и ярких придворных портретов королевской семьи и других вельмож.
4. Берта Моризо (1841–1895)Берта Моризо — еще одна известная художница-импрессионист. Французская художница была дальней родственницей знаменитого художника в стиле рококо Жана Оноре Фрагонара и начала рисовать в юном возрасте. Моризо рано присоединился к движению импрессионистов, участвуя в первой выставке вместе с такими известными именами, как Моне, Дега, Сезанн и Ренуар.
Для стиляМоризо характерны воздушные и светлые цвета и мягкие формы, которые инстинктивно воспринимались как «женские», за что ее часто критиковали. Художники в основном создавали мелкие работы акварелью, пастелью и углем.
5. Артемизия Джентилески (1593–1653)Артемизия Джентилески была итальянской художницей в стиле барокко. Без сомнения, Артемизия была одной из самых выдающихся художников 17-го века и первой женщиной, присоединившейся к Академии искусства дель Дисеньо во Флоренции.Увы, ее работа сегодня в значительной степени неизвестна или воспринимается исключительно через призму ее негативного личного опыта.
Тем не менее, невероятное мастерство Артемизии позволило ей создавать крупномасштабные работы, а ее безупречное изображение цвета и света сделало ее одним из самых сильных итальянских художников эпохи барокко. Но как вообще этой художнице удалось получить художественное образование?
Артемизия, дочь известного художника, начала помогать в мастерской в раннем возрасте, а к пятнадцати годам уже занималась профессиональной работой.Это позволило ей продолжить профессиональную карьеру художника и даже получить клиентов из-за границы.
Картины Артемизииизображают мифы, библейские сцены и аллегории, но в основном она сосредоточена на сценах с участием женщин, таких как Сусанна и старейшины и Юдифь, убивающая Олоферна. Сегодня работы Джентилески выставлены в лучших художественных галереях мира, таких как Галерея Уффици.
6. Роза Бонер (1822–1899)Сегодня французская художница-реалист известна своими крупномасштабными реалистичными изображениями животных, а также непримиримым отношением к жизни.Отец Розы Бонер Раймонд был известным художником, что позволило ей продолжить художественную карьеру и выставлять свои картины в знаменитом парижском салоне.
7. Элизабет Виже Ле Брен (1755–1842)Автопортрет в соломенной шляпе (после 1782 г.)
Как и многие художники в этом списке, Элизабет Лебрен была дочерью художника. К подростковому возрасту Элизабет уже создавала профессиональные портреты и пейзажи.Настоящий успех пришел к Ле Брен, когда она была назначена официальным художником-портретистом Марии-Антуанетты.
С этого момента она начала принимать международную клиентуру и получила доступ в художественные академии, которые были запрещены для большинства женщин. Элизабет Лебрен, очень плодовитая художница, за свою карьеру создала не менее 1000 портретов и пейзажей. В своих портретах Ле Брун использует легкие мазки и ей удается сохранить легкость и плавность, что было очень необычно и ценно в то время.В ее картинах сочетаются элементы рококо и неоклассицизма.
8. Тамара де Лемпицка (1898-1980)Автопортрет (также известная как Тамара в зеленом Bugatti), 1929 год Источник изображения: Confetta / Flickr
Польская художница Тамара де Лемпицка сумела передать всю атмосферу бурных 20-х годов в своих портретах богатых и знаменитых в стиле ар-деко. На ее картинах женщины и мужчины выглядят отполированными и идеализированными, как звезды Голливуда в различных городских условиях.Женщины особенно изображаются сильными и независимыми, о чем свидетельствует ее самая известная работа — автопортрет Тамара в зеленом Bugatti, на котором она изображена за рулем роскошного гоночного автомобиля.Де Лемпицка родилась в богатой польской семье и решила начать карьеру художника в зрелом возрасте. Она училась в Académie de la Grande Chaumière, частной художественной школе в Париже, и всего несколько лет спустя ее работы уже выставлялись в Salon des Tuileries и Salon des Femmes Peintres.
Эти выступления позволили ей сделать большой перерыв, и ее карьера достигла пика в 1930-х годах, когда она провела успешное шоу в Институте Карнеги в Питтсбурге. Вскоре после этого ей было поручено написать портреты короля Испании Альфонсо XIII и королевы Греции Елизаветы.
9. Джорджия О’Кифф (1887–1986) Джорджия О’Киф — один из самых известных современных художников. Она также является одной из величайших художников-женщин, хотя сама О’Киф отказывалась рассматривать себя как таковую и избегала участия в каких-либо женских выставках.О’Киф выросла в Висконсине, но ее карьера художницы развивалась, когда она переехала в Нью-Йорк со своим мужем, фотографом Альфредом Штиглицем.Хотя О’Киф создавала различные виды абстрактного искусства, она наиболее известна своими большими картинами цветов крупным планом. Ее чувственный и уникальный взгляд на абстрактное искусство помог определить американский модернизм как отдельное явление на мировой арт-сцене.
10. Яёдж Кусама (1929-) Яёдж Кусама — единственный ныне живущий художник в этом списке, и по сей день, в возрасте 91 года, ее яркие и красочные выставки скрашивают нашу жизнь.Японская художница начала свое формальное художественное образование в Киотской школе искусств и ремесел, где ее научили работать в традиционном японском стиле нихонга.Однако Яёдж скоро устала от ограничений традиционного искусства и разработала свой собственный красочный и абстрактный стиль, черпая вдохновение в европейском и американском искусстве. Концептуальное искусство Кусамы, определяемое как абстрактный импрессионизм, не ограничивается картинами и часто включает в себя горошек, яркие цвета и натуралистические объекты, такие как грибы и тыквы.
Поделитесь этим постом с другими ценителями искусства!
IdeelArt | Интернет-галерист
- Логин
- Регистрация
- 0
Ваша корзина пуста
£ GBP
cm
cm
- 358358
- Произведения искусства
- Художники
- Журнал
- Контакты
- Логин
- Зарегистрироваться
- 0
£ 9355
- Работы
- Художники
- Журнал
- Контакты
- Учетная запись
- Список желаний
- Валюта (£ GBP)
- Размер (см)
- Назад
- Назад
- см
- дюйм
Переключить навигацию
- 0
Поделиться Артикул:
352Травма и талант некоторых величайших женщин-художников в истории
ЗЕРКАЛО И ПАЛИТРА
Восстание, революция и стойкость
Пятьсот лет женских автопортретов в возрасте 3
«Я довольно много писала об искусстве и художниках и очень сильно завидовала им», — сказала недавно писательница Рэйчел Куск в интервью для The Paris Review.«Работать вне языка — кажется, более прочный вклад. И все же живопись всегда была такой мужской. История женщин в искусстве жестока ». «Зеркало и палитра», новая история автопортретов женщин-художниц, доказывает ее правоту в отношении жестокости.
В этой откровенной книге австралийского художественного критика Дженнифер Хигги каждый художник переживает какую-нибудь травму, изменяющую его жизнь. Главный посыл заключается в том, что женщинам нужно страдать, чтобы создавать великие картины, и что травма — это алхимический ингредиент, необходимый для превращения таланта в гения.
Хигги разбила свою книгу на тематические, а не строго хронологические главы. Первый — «Мольберт», а последний — «Обнаженный». Она начинает с Катарины ван Хемессен, фламандской художницы, которая в 1548 году написала свой крошечный автопортрет — который, как считается, является самым ранним из сохранившихся портретов художника любого пола, сидящего за мольбертом, — и заканчивается Алисой Нил, американской художницей, которая умер в 1984 году. Нил приводит заключительную цитату из книги: «Вы наследуете мир. Каким-то образом ты находишь себе место.
Есть ли в живописи «женский голос»? Есть ли художественный эквивалент Шарлотты Бронте, Жана Риса или Анни Эрно? Эта книга предполагает, что есть ранение и что оно определяется раненостью.
Достойные женщины-художницы, которые с 1548 года усердно продолжали заниматься своим ремеслом, иногда добивались репутации, блестяще воспроизводя стили известных художников-мужчин своего времени; Например, голландская художница 17-го века Джудит Лейстер идеально имитировала стиль своего земляка Франса Хальса.В череде представленных здесь женщин-художниц первой, кто проявил оригинальный женский стиль, была Фрида Кало: ее картины выражали неоспоримую аутентичность, новое познание мира, в отличие от всего остального.
Кало родилась в Мехико в 1907 году. Хигги пишет: «В 6 лет Фрида заразилась полиомиелитом», а в 18 «она попала в катастрофическую аварию: трамвай врезался в автобус, на котором она ехала. Поручень пронзил ее тело. Ее таз, ключица, позвоночник и ребра были сломаны; ее нога, засохшая от детской болезни, была сломана в 11 местах; у нее было вывихнуто плечо и раздавлена ступня.… Ей сделали 32 операции. … Одна из ее ног превратилась в гангрену, и ее ампутировали ». Ее муж, художник Диего Ривера, также причинил ей душевную боль. По словам Хигги, «Их отношения были бурными, обожающими, яростными; у обоих были дела.
И все же ничто не мешало Кало рисовать. Когда она была прикована к постели, она вешала зеркало над кроватью, чтобы рисовать сама. Она сказала: «Я рисую себя, потому что я одна. Я — предмет, который я знаю лучше всего ». В ее работе есть энергия, почти сверхъестественная сила, которую очень трудно описать словами; это связано с срочностью нанесенных краской отметин: с необходимостью, которая побудила ее преобразовать свою инвалидность и психологическую нестабильность в красоту и постоянство.
В пятой главе Хигги «Одиночество» она рассказывает о жизни и творчестве двух художников, которые много значат для меня: Хелен Шерфбек, родившейся в Хельсинки в 1862 году, и Гвен Джон, родившейся в Хаверфордвесте, Уэльс, в 1876 году. Оба нашли свой фирменный стиль, отказавшись от мира. В отличие от ранения Кало, их ранения, похоже, были нанесены им самими. Но боль их тоски была топливом, которое их двигало.
Я видел первую персональную выставку работ Шерфбека в Великобритании в Королевской академии художеств в 2019 году.Я никогда раньше о ней не слышал. Важное место на выставке было отведено ее автопортретам. Последние из них относятся к числу самых необычных самоисследований, когда-либо сделанных мужчиной или женщиной. Ранние картины очаровательны, но условны. Потом что-то происходит.
Хигги объясняет, что Шерфбек после учебы в Париже, где она была счастлива и успешна, и путешествия за границу, вернулась в Финляндию и в конце концов уехала на пенсию в небольшой деревенский городок, чтобы присматривать за своей матерью.Она поддерживала их обоих продажей своих работ и постепенно завоевала признание в мире финского искусства. Затем она влюбилась в «лесничего, художника, писателя и коллекционера Эйнара Рейтера». Когда она услышала, что он был помолвлен с кем-то другим, эта новость «вызвала такой шок», что «она провела три месяца, выздоравливая в больнице».
К тому времени, как она вернулась домой, ее искусство изменилось. Хигги описывает один из этих новых автопортретов: «Тонкие линии оставляют шрам на поверхности картины, особенно вокруг ее глаз.Ее тело, темное, как дыра … как будто между ее кожей и кожей на картине нет границ. Страдая от боли, она наносит ущерб образу, который она создала о себе ». После смерти матери Шерфбек снова заболела. Несмотря на то, что теперь она была знаменита, она могла справиться со своим горем только рисованием в одиночестве. Когда она умерла в 1946 году, Хигги пишет: «Ее мольберт, как и семья, был у ее постели».
Я всегда чувствовал себя тесно связанным с Гвен Джон, и ее работы мне хорошо знакомы. На протяжении всей своей жизни Джону приходилось бороться со своим братом Августом Джоном, который стал гораздо более успешным художником, чем она.Они оба учились в школе искусств Slade в Лондоне и вместе жили студентами. Гвен считала Августа властным. Ее поиски самопознания были ускорены ее желанием избежать его влияния. Два автопортрета запечатлели ее трансформацию.
В первом, примерно с 1900 года, она изображает себя, положив руку на бедро, ее пальцы почти касаются мужской пряжки ремня. Она прямо и вызывающе смотрит на зрителя. Она рисовала как мужчина, как ее брат.Энергия следов кисти течет наружу, а не внутрь. Она еще не обрела той спокойной напряженности, которая характеризовала бы ее дальнейшую работу.
Примерно два года спустя она написала еще один автопортрет. Выражение ее лица столь же отстраненно, как у номинального лица на корабле: она говорит, что готова столкнуться со всем, что мир бросит в нее, но она не будет членом какого-либо семейного круга или арт-клуба. Ее брат недавно женился на ее близком друге, и у пары родился ребенок. Джон понимал, что для того, чтобы стать матерью, нужно идти на компромисс, и она не была готова к этому.Вместо этого она собиралась выбрать уединение и лишения. Поступив так, она стала одним из величайших духовных художников всех времен.
Когда мы подходим к Алисе Нил, родившейся в 1900 году в Филадельфии, создается впечатление, что она без усилий открывает дверь, которая раньше казалась запертой, принося с собой возможность свободы и юмора. Бог знает, на ее долю выпала трагедия: ее первая дочь умерла от дифтерии, не дожив до 1 года; ее вторая дочь была похищена мужем; в результате у нее случился нервный срыв, и она была госпитализирована.За ее выздоровлением последовали различные отношения с нарушенными и оскорбительными партнерами, а также с двумя сыновьями, которых она почти в одиночку воспитывала в бедности.
И все же ее непобедимый дух сияет, и ее жизнь закончилась триумфом. Когда ей было 70 лет, ей было поручено нарисовать феминистского критика Кейт Миллет, автора книги «Сексуальная политика» для обложки журнала Time. Это сделало ее известной. В 74 года у нее была ретроспектива в музее Уитни в Нью-Йорке. Она сказала, что этот опыт убедил ее в том, что она «имела право рисовать.Свой первый сольный автопортрет она нарисовала в 80 лет. Она нарисовала себя обнаженной и сказала: «Ужасно, не правда ли? … Я люблю это. По крайней мере, это свидетельствует о некотором бунте против всего приличного ». Каким-то образом Нилу удалось изобразить рану как радость.
Известные картины, анализ, интерпретация
• Фуке, Жан (1420-81)
Портрет
Карла VII Франции (1445-50)
Лувр, Париж
Считается одной из величайших портретных картин французов.
школа.
Мелун Диптих (1450-55)
Масло / панель, Конинклийский музей; Gemaldegalerie, SMPK, Berlin
Этот религиозный диптих, выполненный по заказу казначея Этьена Шевалье.
королю Карлу VII — легко можно было принять за произведение современного искусства,
а не пример интернациональной готики.
Фрагонар, Жан-Оноре (1732-1806)
Качели
(Фрагонар) (1767)
Коллекция Уоллеса, Лондон
Французский шедевр эротического искусства в стиле рококо в традициях Жана Ватто
и Франсуа Буше.
Fuseli, Генри (1741-1825)
Кошмар (1781)
Детройтский институт искусств
Живопись в жанре фэнтези / сюрреализм, ставшая культовой.
• Джентилески, Полынь (1597-1651)
Юдифь
Усекновение головы Олоферна (1620)
Холст, масло, Галерея Уффици, Флоренция .
Любимый библейский сюжет Артемизии, который обычно моделируется
на себя (как Юдифь) и ее насильника Агостино Тасси (как Олоферна).
• Гирландайо, Доменико (1449-94)
Старый
Мужчина с маленьким мальчиком (1490)
Лувр, Париж
Работа Гирландайо иллюстрирует гуманистические успехи раннего Возрождения.
искусство и культура во время quattrocento .
• Джорджоне (1477-1510)
The
Буря (1508)
Галерея Венецианской академии
Комплекс, аллегорическая картина самого загадочного художника Венеции.
Спящая Венера (Дрезденская Венера)
(1508)
Gemaldegalerie Alte Meister, Dresden
Завершено Тицианом, который основал на нем свою собственную Венеру Урбино .
• Джотто (1267-1337)
Скровеньи
Фрески капеллы (c.1303-10)
Cappella degli Scrovegni, Padua
Краеугольный камень искусства эпохи Возрождения, цикл фресок Джотто в Скровеньи
или Часовня Арены знаменует важный перерыв в живописи от плоской византийской / готической архитектуры.
стиль живописи, и открывает путь к quattrocento натурализм.
— г.
Предательство Христа (Поцелуй Иуды) (1305) Скровеньи / Часовня Арена
— Оплакивание Христа (1305) Скровеньи / Часовня Арены
• Идет , Хуго Ван Дер (1440-1482)
The
Алтарь Портинари (1476-9)
Дерево, масло, Галерея Уффици, Флоренция .
Фламандский шедевр по заказу Томмазо Портинари, менеджера
Филиал в Брюгге Семейного банка Медичи.Оказал большое влияние на
искусство флорентийского
Ренессанс.
• Грюневальд, Маттиас (1475-1528)
The
Изенхаймский алтарь (около 1515)
Масло на деревянной панели, Музей Унтерлинден, Кольмар .
Величайший запрестольный образ в стиле экспрессионизма в истории искусства; сочетает
Готическое искусство, образы в стиле Босха и новейшая немецкая живопись эпохи Возрождения
техники. Искусствоведы никогда полностью не
понял это.
• Галс, Франция (1582–1666)
The
Смеющийся кавалер (1624)
Холст, масло, Коллекция Уоллеса, Лондон .
Пример живого и спонтанного портретного стиля Хальса, хотя
по иронии судьбы натурщик не кавалер и не смеется.
• Гольбейн, Ханс (1497-1543)
Портрет
Эразма Роттердамского (1523)
Национальная галерея, Лондон
Первый крупный портрет Гольбейна, он превратил его в международного художника.
Портрет сэра Томаса Мора (1527)
Коллекция Фрика, Нью-Йорк
Томас Мор, близкий знакомый Эразма, был главным покровителем Гольбейна.
во время первого визита последнего в Англию.
Портрет дамы с белкой
и скворец. (1527–28)
Национальная галерея, Лондон
Недавно идентифицированная как Энн Ловелл, жена сэра Фрэнсиса Ловелла, обслуживающего персонала.
Генриху VIII.
Портрет купца Георга Гизе (1532)
Gemaldegalerie, SMPK, Berlin
Один из серии портретов торговцев Ганзейского союза, работающих в
Лондон.
Портрет Томаса Кромвеля (1532-4)
Национальная портретная галерея, Лондон
Кромвель был главным спонсором Гольбейна во время его второго визита в Англию.
и его карьера так и не оправилась от падения Кромвеля в 1540 году.
• Послы (1533)
Национальная галерея, Лондон
Двойной портрет Жана де Динтевилля, французского посла, и Жоржа
де Сельве, епископ Лавра.
• Портрет Генриха VIII (1536)
Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид
Сохранившийся портрет Гольбейна, а также детали других картин, в том числе
фреска дворца Уайтхолл.
• Леонардо да Винчи (1452-1519)
Девственница
of the Rocks (Мадонна в скалах) (1483-5)
Масло, панель, Лувр, Париж
Эта редкая картина Леонардо была установлена в часовне Непорочного
Зачатие в церкви Сан-Франческо-Гранде в Милане. Однако это
вскоре был продан королю Франции Людовику XII, после чего появилась вторая версия
был выполнен. Сейчас это висит в Национальной галерее в Лондоне.
Дама с горностаем (1490)
Масло на панели, Музей Чарторыйских, Краков
Один из немногих портретов, выполненных флорентийским гением.
Леонардо да Винчи, эта картина была заказана Людовико Сфорца,
Герцог Миланский, главный работодатель Леонардо в период с 1482 по 1499 год.
Тайная вечеря (1495–98)
Темпера / масло, Санта-Мария-делле-Грацие, Милан
Этот комплекс, известный по-итальянски как Il Cenacolo или L’Ultima Cena ,
в оформлении библейского сюжета присутствует математическая и повествовательная символика,
наряду с выдающимся использованием цвета и перспективы.
Мона Лиза (Джоконда) (1503-06)
Дерево, масло, Лувр, Париж
«Джоконда» с оценочной стоимостью в 1 миллиард долларов, пожалуй, величайший
живопись итальянского Возрождения. Он служит примером бесподобного Леонардо.
Техника масляной живописи, в том числе в технике сфумато.
• Лимбург Братья (Поль, Герман, Жан) (fl.1390-1416)
трес
Riches Heures du Duc de Berry (1413)
Гуашь на пергаменте, Musee Conde, Chantilly
Один из самых великолепных образцов средневековой миниатюры.
живописи, эта иллюминированная рукопись является экспонатом Музея
Конде в Шантийи.
• Лоренцетти, Амброджо (ок. 1285-1348)
Аллегория
Хорошего и плохого правительства (1338-9)
Palazzo Pubblico, Siena
Эта серия из шести фресок для ратуши Сиены — шедевр Амброджо.
• Мантенья, Андреа (1431-1506)
Плач
над Мертвым Христом (c.1470-80)
Темпера на панели, Пинакотека Брера, Милан
Одна из величайших картин раннего Возрождения, созданных за пределами Флоренции.
он известен как, вероятно, самый известный пример иллюзионистского
техника ракурса в кватроченто.
Фрески Camera degli Sposi (1465-74)
Fresco, Camera Picta, Ducal Palace, Mantua
Один из самых известных примеров иллюзионистской живописи раннего Возрождения.
потолок и фрески в этой банальной гостиной на
Герцогский дворец в Мантуе характеризуется тромпами.
l’oeil техники рисования, такие как quadratura .
• Мартини, Симоне (1284-1344)
Благовещение
Триптих с изображением св.Маргарита и святой Ансан (1333)
Галерея Уффици, Флоренция
Этот изысканный готический алтарь — величайшая работа Мартини.
для придела в Сиенском соборе.
• Мазаччо (1401-28)
Бранкаччи
Фрески часовни (1424-8)
Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция
Известный как «Сикстинская капелла раннего Возрождения»,
Часовня Бранкаччи была расписана фресками Мазолино да Паникале и его юным помощником.
Мазаччо и стал воплощением искусства раннего Возрождения во Флоренции.
Изгнание из сада
of Eden (1425)
Фреска, часовня Бранкаччи
Эта картина, известная по-итальянски как Cacciata dei progenitori dall’Eden,
вероятно, самая известная из всех фресок капеллы Бранкаччи.
Деньги Дани (1426)
Фреска, Часовня Бранкаччи
Еще одна фреска из цикла фресок Часовни Бранкаччи, она известна
его научная линейная перспектива, гуманистическая эстетика и трехмерность
цифры.
Святая Троица (1428)
Фреска, Санта-Мария-Новелла, Флоренция
Знаковое произведение Раннего
Живопись эпохи Возрождения, известна своим выдающимся применением.
одноточечной линейной перспективы.
• Мемлинг, Ханс (ок. 1433-94)
The
Страшный суд Триптих (около 1471)
Масло, панель, Muzeum Narodowe, Гданьск .
Написан за несколько лет до Триптих Донна (1475-80, национальный
Gallery, Лондон) это самая важная религиозная картина Мемлинга,
связывая готическое искусство с искусством флорентийского Возрождения.
Донн Триптих (1477-80)
Масло, панель, Национальная галерея, Лондон.
Малый алтарь с гризайлью снаружи, заказанный валлийцами
дворянин сэр Джон Донн из Кидвелли и казнен в Брюгге.
• Микеланджело (1475-1564)
Бытие
Фреска (1508-12)
Потолок Сикстинской капеллы, Рим
Пожалуй, величайший образец фигуративной живописи в истории
искусства, эта впечатляющая фреска занимает около 1000 квадратных метров
потолка, иллюстрирующие события, взятые из библейской Книги Бытия.
Сотворение Адама (1511-12)
Фреска, Сикстинская капелла, Рим
Знаковое произведение христианского искусства, это
самая известная из потолочных фресок Микеланджело из книги Бытия.
цикл в Сикстинской капелле по заказу Папы Юлия II.
Страшный суд Фреска (1536-41)
Алтарная стена Сикстинской капеллы, Рим
Эта фреска, написанная через 25 лет после завершения фрески Бытия,
роспись по заказу папы Климента VII (1523-1534).Вместе с Genesis
произведение считается величайшим шедевром религиозного искусства.
Пармиджанино (1503-40)
Мадонна
с длинной шеей (1535)
Галерея Уффици, Флоренция
Мадонна с младенцем с аллегорическим посланием.
• Перуджино, Пьетро (1450-1523)
Христос
Вручение ключей Святому Петру (1482)
Сикстинская капелла, Ватикан, Рим
Одно из величайших произведений библейского искусства итальянского Возрождения.
он усиливает догмат папской власти и демонстрирует
понятие линейной перспективы.
• Пьеро Делла Франческа (1415-92)
Бичевание Христа (1450-60)
Панель, темпера / масло, Galleria Nazionale delle Marche, Урбино
По оценке искусствоведа Кеннета
Кларк входит в десятку лучших картин всех времен раннего Возрождения.
шедевр известен применением линейной перспективы.
• Пуссен, Николас (1594-1665)
Похищение
Сабинянок (1634-5)
Метрополитен-музей, Нью-Йорк
Самая известная мифологическая картина Пуссена, посвященная классической античности.
Et in Arcadia Ego (1637)
Лувр, Париж
Аллегорический memento mori выполнен в типичном классическом стиле Пуссена.
стиль.
• Поццо, Андреа (1642-1709)
Апофеоз
Св. Игнатия (1688-94)
Церковь иезуитов Сант-Игнацио, Рим
Пожалуй, величайшее произведение фресковой живописи trompe l’oeil.
• Пусель, Жан (1290-1334)
The Belleville
Бревиарий (1323-26)
Национальная библиотека, Париж
Самый известный освещенный бревиарий, известный французской живописи XIV века.
Часы Жанны д’Эврё (1324-28)
Монастыри, Метрополитен-музей, Нью-Йорк .
Личный молитвенник, созданный для французской королевы Жанны д’Эврё.