Britain art украшения: Украшения Britan Art появятся на ваших футболках

Важно понимать, что современное искусство – не украшение, а художественное высказывание, призыв зрителя к диалогу, к размышлению. Поэтому адекватной реакцией на такое высказывание будет не «нравится/не нравится», а «понимаю/не понимаю». И «не понимаю» открывает путь к расширению границ своего понимания», – подытоживает Новикова.© скриншоты

Томский госуниверситет в своем Instagram провел конкурс среди студентов на лучшую интерпретацию надписи.

британских икон ар-деко? BBC следует разобраться в своей истории | Архитектура

Невозможно отрицать привлекательность ар-деко: это стиль кинотеатров 1930-х годов, океанских лайнеров и ярких небоскребов Манхэттена. Он вызывает в воображении Голливуд, мюзиклы Басби Беркли, Фреда Астера и Джинджер Роджерс в цилиндре. Это заставляет задуматься о гламурных краях — будь то Майами, Гавана, Нью-Йорк или Шанхай — в которых здания, которые, казалось, инкрустированы модными украшениями, сияют на летнем солнце.Это также стиль, который в последнее время стал очень модным из-за сезона Золотого века гламура BBC4, который включает серию документальных фильмов Дэвида Хиткота об иконах ар-деко.

Но вот что забавно: в Британии на самом деле не так уж много архитектуры ар-деко. Даже в Лондоне есть совсем немного зданий: Ideal House, облицованный черным гранитом офисный блок на Риджентс-стрит, спроектированный Раймондом Худом; Одеон, Лестер-сквер; и великолепное здание Daily Express на Флит-стрит с впечатляющим вестибюлем в стиле кинотеатра, созданным Робертом Аткинсоном.За пределами Лондона наиболее яркими примерами этого стиля являются кинотеатры — лучшими являются Одеоны Гарри Уидона (слишком многие из них превращены в залы для бинго или изящные мультиплексы), а также витрины магазинов. У Манчестера и Глазго есть свои драматически декорированные здания Daily Express, оба ярких примера. Если приглядеться, можно обнаружить элементы декора в зданиях ливерпульского аэропорта Спик (ныне отель) и даже на пригородных станциях старой Южной железной дороги, таких как Сурбитон.

Но этот стиль никогда не приживался в Британии.Странно, что BBC решила маркировать здания в стиле ар-деко, которые таковыми не являются. В своих документальных фильмах Хиткот уделял много времени Бродвею Чарльза Холдена 55, штаб-квартире лондонского метрополитена, описывая его как «фантастическое здание в стиле ар-деко». Холден бы повернулся в могиле при описании. Да, под влиянием современной архитектуры США. И детализировано внутри в манерах, напоминающих ар-деко. Но икона ар-деко? №

Это не полностью вина Хиткоута.Телевидение любит рассказывать истории самыми широкими мазками. А арт-деко в последние годы стал чем-то вроде всеобъемлющего названия, которым описывалось почти любое здание, предмет мебели, бронзовая лампа или керамическая тарелка, спроектированные примерно между 1925 и 1940 годами. Я видел Рейхсканцелярию Альберта Шпеера для Адольфа Гитлера. описывается как арт-деко и даже — смертный грех, не так ли? — Хладнокровно современная вилла Савойя Ле Корбюзье в пригороде Парижа, отмеченная тем же ярлыком. Сам термин появился поздно.Его мало использовали до того, как историк дизайна Бевис Хиллиер опубликовал свою восхитительную книгу «Ар-деко 20-х и 30-х годов» в 1968 году, определяя стиль, который обычно был известен как модерн, модерн и джаз-модерн.

Этот стиль возник в результате легендарной Международной выставки декоративно-прикладного искусства, состоявшейся в Париже в 1925 году — грандиозного показа дизайна и декора, от мебели и аксессуаров до интерьеров и архитектуры, представленных на акрах драгоценных шпонов, мрамора и оникса. , нержавеющая сталь и алюминий, на все это большое влияние оказала египетская, вавилонская и ассирийская археология.Именно эта распущенная игривость вызвала презрение восходящих звезд модерна — модернизма, которое уходило корнями в гораздо более серьезные исследования Баухауза и, в первую очередь, Ле Корбюзье. Модернисты презирали арт-деко: это было почти греховно. Пародия. Низкий и нечестный. Совершенно вульгарно — это было скорее модой, чем функцией, бегством от реальности, а не реализмом.

Когда Николаус Певснер, историк архитектуры и дизайна, посетил кинематографическую фабрику Гувера на Вестерн-авеню в Лондоне, построенную «Уоллис, Гилберт и партнеры» (1931-5), он описал ее в томе «Миддлсекс» в своей книге «Здания Англии». сериал как «пожалуй, самое оскорбительное из модернистских злодеяний на этой дороге типичных объездных заводов».(Комментарий, который в пересмотренном издании книги, опубликованном в 1991 году, был смягчен до чего-то существенно менее гневного.)

И хотя современная архитектура, к лучшему или худшему, повлияла на британский пейзаж на десятилетия вперед, арт-деко никогда в действительности не улетел. Он остался в домашней обстановке: намек на восходы из цветного стекла на парадных дверях в стиле Тюдоров, эхом отразившийся в интерьерах спортивных салонов MG 1930-х годов. Он вызывал фантазию и бегство от реальности в то время, когда мир действительно мог быть очень мрачным местом.

Возможно, часть того же эскапизма затрагивает наш взгляд на арт-деко. Это способ взглянуть в прошлое через неоновые очки. Во что бы то ни стало, смотрите Top Hat, таращитесь на Крайслер-билдинг, представляйте себя потягивающим коктейли на борту океанского лайнера — пусть мрачная и тревожная межвоенная эпоха станет воплощением роскошных кинематографических мечтаний. Но жизнь в 30-е годы была более сложной. И хотя понятно, что BBC должна была поддаться чарам ар-деко, было бы лучше, если бы они разобрались в своей истории.

Британское искусство — развитие и идеи

Начало

Некоторые из самых ранних образцов британского искусства происходят из роскошных металлических изделий англосаксонского периода и каменных церквей, аббатств и замков, относящихся к раннему средневековью. Очень редкие ранние декоративные произведения, в том числе знаменитые Евангелия Линдисфарна (ок. 690-750 гг. Н.э.) с их замысловатым узором кружева, также можно было найти в церквях по всей саксонской Англии. Хотя от их первоначального интерьера мало что осталось, такие здания, как Эксетерский собор (Соборная церковь Святого Петра), все еще являются образцами ранней готической архитектуры.Нормандские башни собора были завершены к 1133 году, а экран с изображением западного фасада считается одной из величайших архитектурных особенностей средневековой Англии. В соборе также находится самый длинный непрерывный сводчатый потолок в Англии, а также ранний набор мизерикордов и астрономические часы.

По словам искусствоведа Э. Х. Гомбрича, только в тринадцатом веке художники (или, скорее, ремесленники, как их тогда считали) начали создавать изображения апостолов и Пресвятой Богородицы, «скопированные и переставленные из старых книг».Тем не менее, большая часть декоративного и религиозного искусства, созданного в средние века (около 410–1485 гг. Н.э.), была уничтожена в течение века иконоборчества, начавшегося в 1536 году, когда король Генрих VIII распустил монастыри во время английской Реформации. Создав протестантскую церковь (и тем самым отказавшись от правления римского католицизма), монарх санкционировал разрушение произведений искусства, размещенных в церквях и соборах, и многие тысячи скульптур, картин, резных фигурок и витражей были разбиты и сожжены.

Английский Возрождение

Период английского Возрождения (ок. 1520–1620) отличался от раннего итальянского Возрождения тем, что драматурги и поэты получали более высокий социальный статус, чем художники-художники. Однако в изобразительном искусстве религиозная живопись, которую широко демонизировали как пережиток католической церкви, уступила место портретной живописи, сыгравшей доминирующую роль в продвижении династии Тюдоров (1485–1603). Но на самом деле это был немецкий художник, работавший в Англии, который стал одним из величайших художников английского Возрождения.Ганс Гольбейн Младший, придворный художник Генриха VIII, был художником, который больше всего сделал для оживления эпохи Тюдоров, что он и сделал, идеализировав короля; удлиняя свои приземистые ноги и превращая заметные складки жира в мышцы.

Елизаветинская портретная живопись и за ее пределами

Переход к елизаветинскому правлению (дочь Генриха VIII и Анны Болейн, Елизавета I была коронована в 1558 году) принес с собой период больших социальных потрясений, хотя это не нашло отражения в портретной живописи.Действительно, когда популярность портретной живописи росла, художники, ранее работавшие в церкви, принесли с собой умиротворяющее иератическое качество религиозной живописи. Существует множество портретов британских правящих классов, датируемых этим периодом, хотя относительно мало известно о мужчинах (или женщинах), которые их рисовали. Небольшое количество портретов приписывают Джорджу Гауэру, первому англичанину, который был назначен сержантом живописцем королевы в 1581 году. Несмотря на то, что работы Гауэра пронизаны всеми изысканными и изысканными качествами лучших портретов, они часто выделяются как представитель британского портретной живописи в целом все еще не хватало проникающей глубины пространства, которая в то время отличала работы художников с континента.

Елизаветинская архитектура отражала времена, когда постреформационная Британия стремилась к славе и наследию. Величественные дома, известные как «дома вундеркиндов», были построены для английских правящих классов с декоративными поместьями, такими как Берли-Хаус, Хардвик-холл, Лонглит и Уоллатон-холл, задуманными как архитектурные произведения искусства. Лично ответственный за знакомство с архитектурой римского Возрождения в Британии, Иниго Джонс спроектировал первое в Англии неоклассическое здание: Королевский дворец в Банкетном доме в лондонском Уайтхолле (завершено в 1622 году).

Английское искусство до и после гражданской войны

Несмотря на успех таких художников, как Гауэр, Уильям Добсон, Питер Лели, Николас Хиллиард, Исаак Оливер и Роберт Уокер, европейцы пользовались большим уважением, чем британские художники и фламандский художник Энтони. Ван Дайк прибыл из Антверпена в 1632 году, чтобы работать при дворе Карла I. Под влиянием периода барокко и Высокого Возрождения работы ван Дейка, по словам историка искусства Эндрю Грэма-Диксона, принесли новую «открытость и свободу, новую жизнь». роскошь, новая яркость цвета, новая чувственность и новое ощущение драматизма в британской живописи.«Действительно, Карл I был очарован искусством эпохи Возрождения и барокко, и он стал коллекционером, покупая работы Рафаэля и Тициана и возвращая их в Англию. Тем временем, чтобы продемонстрировать силу Стюарта, Карл I нанял бывшего наставника и наставника Ван Дейка Питера Пола. Рубенс, чтобы создать огромный расписной потолок в Королевском дворце (три основных полотна, изображающие мирное правление Карла, были установлены в 1636 году). Историки предполагали, что потолок Рубенса был бы последним, что король увидел бы перед казнью. в Королевском дворце в 1649 году.

Период между 1650-1730 годами был отмечен значительными социальными и политическими потрясениями. Монархия была восстановлена ​​в Англии в 1660 году, когда Карл II вернулся на престол после гражданской войны в Англии и периода Содружества Оливера Кромвеля (1642-59). Это была чума, Великий пожар в Лондоне и создание Соединенного Королевства в 1707 году. Пейзажная живопись, натюрморты и «беседа» стали признанными жанрами живописи, и в этот период появилась первая женщина-профессиональная художница Мэри Бил.В ту эпоху также произошло возрождение классики, поскольку архитекторы обращались к Северной Европе в поисках вдохновения в таких зданиях, как Хардвик-холл, Воллатон-холл, Хэтфилд-хаус и Берли-хаус.

Семнадцатый век и Просвещение

Вторая половина семнадцатого века ознаменовалась прогрессом в науке, и (во многом благодаря Кристоферу Рену) художники и мыслители начали смотреть на мир природы как на источник всех знаний. Сам Рен рисовал увеличенных существ, включая блоху и вошь, а Питер Лели шокировал публику своими чувственными обнаженными телами.После Великого пожара Рен стал главным архитектором Лондона и начал перестраивать собор Святого Павла с куполом (помещенным на второй по величине купол в мире после купола Святого Петра в Риме) — сооружение, которого раньше никогда не видели. в Британии до постройки собора (1675-11). Между тем, аристократические дома восемнадцатого века, как правило, напоминали древнегреческую и римскую архитектуру, как это видно в Бленхеймском дворце в Бакингемшире, вдохновленные произведениями Александра Поупа и частично спроектированные Кэпэбилидж Браун.

Одновременно с началом эпохи «научного разума» — более известной, возможно, как эпоха «Просвещения» — 1690-е годы Лондон стал крупнейшим мегаполисом в западном мире, и путешественники со всей страны стали жить в этом городе. чьи изменчивые состояния были задокументированы портретистом и сатириком Уильямом Хогартом. Хогарту приписывают то, что он первым создал Британскую школу искусств. Его «современные моральные сюжеты» были новаторскими не только в их откровенном сюжете, но и в роли самого художника.Действительно, Хогарт был первым художником, который обеспечил себя финансово (независимо от богатого покровительства), и его роль стала прецедентом для многих художников, которые его сменили. Философию Просвещения можно также увидеть в анатомически точных картинах лошадей Джорджа Стаббса.

Тем временем вдали от столицы темы Просвещения подробно исследовал Джозеф Райт из Дерби, который соединил свое искусство, хотя и скорее театрально, с учеными, промышленниками и изобретателями промышленной революции.Райт стал известен своими индустриальными сценами и использованием освещения для создания драматического эффекта. (Ходили слухи, что Райт стремился стать портретистом, но его отпугнули, увидев работы Томаса Гейнсборо.)

Королевская академия

Идея академии восходит к четвертому веку до нашей эры, когда Платон основал школу для преподавания философии. . Рафаэль последовал его примеру в 1509 году, создав Афинскую школу. Основываясь на учении древнегреческой философии, Рафаэль написал четыре строфы, представляющие разные области знаний, но с автопортретом справа от картины, как утверждение претензий художников эпохи Возрождения на то, что они заслуживают нового и высшего образования.Самой влиятельной европейской академией, возможно, была Académie Royale de Peintre et de Sculpture , которая была основана в Париже в 1648 году.

Вскоре после ее основания предполагалась важная связь между централизованными академиями и государством, и их популярность распространилась по всей Европе в течение 18 ^-й век. Академии были жизненно важны для развития национальных школ живописи и скульптуры и оставались вершиной стремления большинства художников. В дополнение к практическим навыкам художники изучали академические предметы, такие как история, поскольку историческая живопись, которая заимствовала предметы из литературы, мифологии и Библии, была широко признана самым требовательным жанром, хотя академии также выпускали квалифицированных портретистов и художников-натюрмортов.Еще одна и самая важная функция академии заключалась в том, чтобы предоставить художникам постоянную выставочную площадку. Поскольку авторитет академий придавал значительный авторитет этим выставкам с участием жюри, они часто становились самым важным событием в выставочном календаре. Это, в свою очередь, придало дополнительный вес академиям как арбитрам народных вкусов.

В 1768 году группа из 36 художников и архитекторов, в том числе четверо итальянцев, француз, швейцарец и две женщины, подписали петицию, которую подали королю Георгу III с просьбой о его разрешении «создать общество по продвижению искусства дизайна».»Получив его одобрение, Королевская академия художеств — или РА, как ее впоследствии стали называть — превратилась в независимое учреждение, управляемое художниками с избранным президентом. По сути, она стала первой британской школой искусств. РА предоставил выставочное пространство, открытые лекции, школу искусств и школу дизайна. Целью РА было поднять художников до уровня поэтов, драматургов и философов. президентом был Джошуа Рейнольдс, ведущий английский портретист 18 ^– годов. Среди королевских академиков были Анжелика Кауфман, Мэри Мозер, Томас Гейнсборо и Джон Эверетт Милле.

Как и другие академии, РА поставила историческую живопись как высший из жанров и потребовала, чтобы член РА показал все свои (или ее) таланты; не только навыки координации глаз и рук, но и его (или ее) владение часто сложным и философским предметом. Стиль, который считался подходящим для исторической живописи, был классическим и идеализированным; то, что обычно называлось Великими манерами, считалось воплощением высокого искусства. Вторым президентом РА был американский экс-патриот Бенджамин Уэст и личный «художник истории» короля.«Опытный художник сам по себе, он также обладал« глазом на талант »и, как говорят, утешил молодого Джона Констебля после того, как один из его пейзажей был отклонен Академией:« Не расстраивайтесь, молодой человек », он сказал: «мы еще услышим о вас [потому что] вы, должно быть, полюбили природу, прежде чем смогли это нарисовать».

Романтизм

С рассветом романтизма многие художники начали подвергать сомнению централизованный авторитет Академии. Действительно, к концу 18-го, ^-го, -го века многие художники полностью отрицали авторитет.Модернисты сформировали оппозицию «академическому» искусству, которое они считали старомодным и умирающим. В этом отношении можно утверждать, что романтизм несет в себе самые ранние семена современного искусства 19 и 20 веков.

Валлиец Ричард Уилсон считается пионером среди пейзажистов-романтиков. Близкий знакомый с французским художником Жозефом Верне, Уилсон находился под влиянием пейзажей Клода Лоррена и Гаспара Дюге, и он интерпретировал английский и валлийский (и итальянский) пейзажи в стиле, который фактически принес ему прозвище «Английский Клод» ( sic).Уилсон выставлялся в Обществе художников с 1760 года и фактически был членом-основателем Королевской академии (хотя, к сожалению, он умер в бедности в 1782 году).

В ответ на беспристрастную объективность науки и ограничительные правила РА процветал романтизм. К концу 18 ^— века художники начали обращаться внутрь, взывая к чувствам и эмоциям, для своего вдохновения. Уильям Блейк был одним из ведущих романтических «повстанцев», и его страстные исследования в области искусства и поэзии проложили путь для нового поколения художников, среди которых были Джон Констебл и Дж.М.В.Тёрнер, возможно, два величайших художника в британской истории. Тернер взял классические сцены и наполнил их новой динамикой в ​​живописи, что оказало глубокое влияние на Клода Моне, отца импрессионизма, в то время как способность Констебля запечатлеть природу в ярких цветах и ​​плавных мазках кисти оказала глубокое влияние на Эжена Делакруа. и будущие поколения европейских и американских пейзажистов, а именно французская барбизонская школа и американская школа реки Гудзон.

Расцвет британского романтизма должен был совпасть с новым периодом регентства в британской суверенной истории.Хотя есть некоторые разногласия по поводу того, когда он начался и закончился — введение в галереи эпохи Регентства в Национальной портретной галерее, тем не менее, описывает «особый период в социальной и культурной жизни Великобритании, [охватывающий] четыре десятилетия с начала Французской революции в 1789 году. до принятия в 1832 году великого закона о реформе Великобритании »-« дух регентства »был олицетворен фигурой Джорджа, принца Уэльского. В 1811 году принц Джордж (будущий король Георг IV) начал свое девятилетнее пребывание в должности принца-регента, заменив своего отца, который был поражен психическим заболеванием и считался непригодным для правления.Принц, которого некоторые называют «первым джентльменом Англии», но высмеивают другие, принес с собой яркое чувство декаданса и самоотверженности. Этот образ не нравился значительной части общественных и политических классов, которые считали, что принц Джордж осквернил роль монархии, и относились к нему как к образцу насмешек. Однако его энергичный дух и общая joie de vie нашли отражение в изобразительном искусстве, литературе, архитектуре и моде.

Романтический дух утвердился ко времени Регентства, и он продолжал влиять на изобразительное искусство в картинах, но также и в литературе с поэтами уровня Вордсворта, Байрона, Колриджа и Шелли и писателей Вальтера Скотта и Джейн Остин. .Тем временем в области архитектуры Джон Нэш, известный своим очень живописным стилем и способностью сочетать стили прошлого и настоящего, стал личным другом принца-регента, который, соответственно, назначил его архитектором генерального инспектора лесов, лесов и парков. и погони. В дополнение к реконструкции Букингемского дворца, Королевского павильона в Брайтоне и Королевских конюшен, Нэш получил заказ на развитие больших районов в центре Лондона и связан с готическим возрождением, архитектурным стилем, который черпал вдохновение из средневековой архитектуры.Готическое возрождение, связанное также с Джеймсом Вяттом (аббатство Фонтхилл), Чарльзом Барри и А. В. Пугином (Вестминстерский дворец), отдавало предпочтение живописным и романтическим качествам, а не практическим структурным и функциональным факторам.

Основанный в 1824 году и просуществовавший примерно десять лет, Сэмюэл Палмер вместе с Эдвардом Калвертом и Джорджем Ричмондом был одним из основателей The Ancients. Некоторые считают, что это первое британское проявление художественного «братства»; они предшествовали прерафелитам, хотя и не имели такого влияния.На древних глубоко повлиял Уильям Блейк, с которым Палмер познакомился лично (хотя мужчины были разделены по возрасту на два поколения). Как и Блейк, группа выступала против «душной» академической живописи, а также против непрекращающегося марша индустриализации. Однако, в отличие, скажем, от Хогарта или писателя Чарльза Диккенса, «Древние» оглядывались на «лучшую» (древнюю) эпоху благодаря своей вере в гнозис и мифическим пастырским видениям.

Стоит отметить, что в марше прогрессивного британского искусства такие личности, как Альфред Стивенс, скульптор, рисовальщик и дизайнер, который «знал только одно искусство» и который был решительно отвергнут как простой подражатель прошлого, оставался непоколебимым в своем почитании классического искусства.Признавая свою увлеченность мастерами прошлого в своей истории галереи Тейт, Ротенштейн сохранил эту пылкую похвалу для Стивенса: «Глядя на короля Альфреда и его мать (1848), столь смелых в размахе композиции, так мастерски рисовал, так виртуозно, в разнообразии и богатстве эффектов, полученных от манипуляции узким диапазоном тонов и несколькими приглушенными цветами, и настолько возвышен в чувствах, что трудно поверить, что это была не работа мастера, целиком посвященного живописи ».Можно добавить имя Джорджа Фредерика Уоттса, художника, известного своими монументальными религиозными и этическими работами, к области выдающихся английских художников-декораторов, которые не смогли найти критики. Однако оба человека попали под пристальное внимание ревизионистов-историков, признающих их значительный вклад в канон британского искусства девятнадцатого века.

Братство прерафаэлитов и движение искусств и ремесел

Основанное в 1848 году Джоном Эвереттом Милле, Данте Габриэлем Россетти и Уильямом Холманом Хантом, Братство прерафаэлитов бросило более серьезный вызов «официальному лицу», чем Древние. искусство в британской истории.В отличие от доминирования Британской королевской академии и ее узкого предпочтения викторианским предметам и стилям, которые были обязаны раннему итальянскому Возрождению и классическому искусству, прерафаэлиты обращались к более раннему (до Рафаэля) периоду. Группа считала, что художники до Возрождения предоставляли лучший образец для реалистичного изображения природы и человеческого тела, а средневековые мастера / художники предлагали альтернативное видение строгим и идеалистическим академическим подходам середины 19 века.

Прежде всего, прерафаэлитизм выступал за детальное изучение природы и истинную верность ее внешнему виду, даже если это могло показать уродство. Братство также способствовало предпочтению естественных форм в качестве основы для узоров и декора, которые служили противоядием промышленным образцам эпохи машин. В рамках своей реакции на негативное воздействие индустриализации прерафаэлиты обратились к средневековому периоду как к идеалу для синтеза искусства и жизни в прикладном искусстве.Их возрождение средневековых стилей, историй и методов производства оказало глубокое влияние на развитие движения искусств и ремесел, которое возродило ремесла в дизайне. Их идеалом руководили писатель и критик Джон Раскин и дизайнер по текстилю, поэт и писатель Уильям Моррис, разработавшие сложные декоративные обои, которые оказались особенно популярными среди образованного среднего класса. Раскин и Моррис выразили сожаление по поводу массового производства, и к ним присоединились известные мастера К. Р. Эшби, Уолтер Крейн и А.Х. Макмурдо, коллективные работы которого явились предшественниками движений ар-нуво и ар-деко.

Появление женщин-художников

Эмили Мэри Осборн была самой важной художницей, связанной с кампанией за права женщин в области искусства и художественного образования в викторианскую эпоху. Она училась как художник в академии Дикинсона на Мэддокс-стрит и в 1850-х годах стала признанным художником образного жанра «неприглядных персонажей». Она была связана с кружком Барбары Бодишон на площади Лангхэм и Обществом женщин-художников, оба из которых активно выступали за права женщин.В 1859 году Осборн была одной из подписавших женскую петицию в Королевскую академию художеств, чтобы открыть ее двери для студенток, и Декларацию в пользу избирательного права женщин в 1889 году. Как записала Элисон Смит из Тейт Британия, Осборн пользовалась поддержкой важные покровительницы женского пола, включая королеву Викторию.

Известная своими новаторскими фотографическими портретами, изображения Джулии Маргарет Кэмерон считались (по крайней мере, нонконформистами) в высшей степени инновационными. Ее портреты часто были намеренно расфокусированы; поверхности часто оставляли шрамы с царапинами и другими дефектами — стиль, который теперь классифицируется как изобразительность.Ее одновременно критиковали и уважали за ее нетрадиционные композиции и ее настойчивое мнение о том, что фотография, еще находившаяся в зачаточном состоянии в середине-конце 19, ^и веках, уже была законным видом искусства. Дочь индийской и французской аристократии, Джулия Маргарет Паттл вышла замуж за Чарльза Хэя Кэмерона, реформатора индийского законодательства и образования, в 1838 году. Она стала известной хозяйкой колонии, прежде чем семья переехала в южную Англию десять лет спустя. Кэмерон, которой сейчас 48 лет, занялась фотографией в качестве карьеры, и через два года она продала и подарила свои фотографии Южному Кенсингтонскому музею (ныне Музей Виктории и Альберта), который с 1868 года предоставил ей две комнаты. как портретную студию, что фактически сделало ее первым в музее художником-резидентом.

Британский музей

Британский музей, расположенный в семнадцатом особняке под названием «Дом Монтегю» в Блумсбери, был первым публичным музеем в мире, предлагая бесплатный вход для всех «прилежных и любопытных». Открытый в 1759 году, музей возник в долгу перед врачом и естествоиспытателем сэром Хансом Слоаном. Собрав за свою жизнь около 70 000 артефактов, после своей смерти он завещал свою коллекцию королю Георгу II и государству с условием, что 20 000 фунтов стерлингов будут выплачены его выжившей семье.Парламент принял его предложение, и Британский музей был должным образом учрежден. Первоначальная коллекция состояла из книг, рукописей, образцов из мира природы и ряда монет, медалей, гравюр и рисунков.

В середине девятнадцатого века музей расширился за счет нового четырехугольного здания сэра Роберта Смирка и круглого читального зала, в котором были обнаружены такие известные предметы, как Розеттский камень, скульптуры Парфенона и Королевская библиотека. Чтобы освободить место для своей расширяющейся коллекции, коллекция естественной истории музея была перенесена на новое место в Южном Кенсингтоне (то, что должно было стать Музеем естественной истории).Ключевой фигурой во время расширения в середине века был сэр Огастес Волластон Фрэнкс, который расширил коллекцию, включив в нее средневековые древности, доисторические, этнографические и археологические артефакты.

По первоначальному проекту Смирке двор музея был задуман как сад, он стал читальным залом музея и его библиотечным отделом. В 1997 году библиотечный отдел был переведен в новую Британскую библиотеку на Сент-Панкрас, и был объявлен архитектурный конкурс на перепроектирование внутреннего двора в открытое общественное пространство.Конкурс выиграл величайший из ныне живущих архитекторов Великобритании Норман Фостер. Дизайн Большого двора был основан на собственной концепции Фостера для крыши Рейхстага в Берлине, в соответствии с которой каждый шаг в Большом дворе открывал новый взгляд на окрестности посетителей.

Национальные галереи

В дополнение к Британскому музею в девятнадцатом веке были созданы три самых важных национальных художественных учреждения Великобритании: Национальная галерея, Национальная портретная галерея и Национальная галерея британского искусства, все из которых базировались в Лондон.

В апреле 1824 года палата общин согласилась купить коллекцию картин Джона Юлиуса Ангерштейна за 57 000 фунтов стерлингов. Это приобретение, состоящее всего из 38 картин, должно было сформировать ядро ​​новой национальной коллекции, которая будет выставлена ​​на всеобщее обозрение в целях «всеобщего удовольствия и обучения». Коллекция осталась в доме Ангерштейна (в Пэлл-Мэлл), но эта обстановка была явно неадекватной по сравнению с другими национальными художественными галереями, особенно с Лувром в Париже, и была высмеяна в прессе.В 1831 году Парламент согласился на строительство специально построенной галереи, и Трафальгарская площадь в конечном итоге была выбрана своим лучшим местом.

Между тем, идея специальной британской исторической портретной галереи (как она была впервые названа) была представлена ​​Палате общин в 1846 году четвертым графом Филиппом Генри Стэнхоупом. Однако пройдет еще десять лет, прежде чем Палата придет к этой идее, когда Стэнхоуп сначала получит поддержку Палаты лордов и королевы Виктории. Национальная портретная галерея была официально учреждена в декабре того же года. Так называемый «портрет Шекспира» (названный в честь предыдущего владельца) Шекспира стал первым портретом, украсившим галерею.Наконец, после того, как Национальная галерея теперь прочно обосновалась, в художественном истеблишменте росло чувство, что она заслуживает «сестринской» галереи, посвященной британскому искусству. Работать (до 1955 года) под руководством Национальной галереи, Национальная галерея британского искусства (переименованная в галерею Тейт в 1932 году), спроектированная Сиднеем Р. Дж. Смитом и построенная на месте бывшей тюрьмы на Миллбанке на берегу реки. Темза, открытая для публики в 1897 году.

Британский импрессионизм

Хотя и американцев, и Джона Сингера Сарджента и Джеймса Уистлера можно приписать вдохновителям британского импрессионистского движения.Уистлер, который прибыл в Лондон в 1863 году, обучал художников Уолтера Ричарда Сикерта и Уилсона Стира, и вместе с ними они основали New English Art Club (NEAC) в 1886 году. Три года спустя Сикерт (который стал одним из основателей группы постимпрессионистов) Camden Town Group) и Уилсон вместе с другими членами NEAC организовали выставку лондонских импрессионистов. Тем временем в 1885 году Зингер Сарджент прибыл из Парижа, где познакомился с великим Клодом Моне. В течение следующих нескольких лет Зингер Сарджент внес значительный вклад в импрессионизм в Британии, создав такие картины, как «Гвоздика », «Лилия, лилия», «Роза » (1885–1886 гг.), Возможно, самая известная его картина.

Fin de Siècle, Art Nouveau и Art Deco

Fin de Siècle, французский термин, используемый для обозначения символизма, декадентского движения и связанных стилей, в первую очередь ар-нуво, достиг пика популярности в 1890-х годах. Этот термин выражал чувство апокалиптического страха по мере того, как век подходил к концу (хотя в то время комментаторы не предсказывали Первую мировую войну). Сознательные художники выразили ощущение конца фазы цивилизации, и работы Оскара Уайльда привели к появлению нового модного чувства пессимизма.Художественная карьера Обри Бердсли была короткой, но новаторской, и его легко воспроизводимые печатные работы привели к движению в стиле модерн. Архитектура и дизайн Чарльза Ренни Макинтоша тем временем принесли ар-нуво в дома людей, и он стал известен как отец британской модернистской архитектуры. Позже ар-нуво породил ар-деко, который был включен в дизайн культовой системы лондонского метро.

Группа Блумсбери

Группа Блумсбери была группой (а не движением) английских писателей, философов и художников, которые встретились в районе Блумсбери в Лондоне, недалеко от Британского музея.Писатели и художники встречались, чтобы выпить и поговорить в доме художницы Ванессы Белл и ее сестры писателя Вирджинии Стивен (знаменитая Вирджиния Вульф). Основную группу, сформированную в 1905 году, составили художники Дункан Грант, Джон Нэш, Генри Лэмб, Эдвард Уодсворт, искусствовед Роджер Фрай, литературный критик Лоус Дикинсон и философы Генри Сиджвик, Дж. МакТаггарт, А. Уайтхед и Г. Мур и экономист Джон Мейнард Кейнс. Групповые дискуссии, как правило, были сосредоточены на вопросах эстетики и философских вопросов, и на них глубоко повлияли трактат Мура по этике двадцатого века, Principia Ethica (1903) и трехтомный фолиант Уайтхеда и Бертрана Рассела по символической логике, Principia Mathematica (1910-13).Группа Bloomsbury просуществует еще тридцать лет, и в число будущих участников войдут такие знаменитости, как Бертран Рассел, Олдос Хаксли и Т.С. Элиот.

The Camden Town Group

Созданная на основе антиправительственной ассоциации союзников художников, Camden Town Group была названа в честь космополитичного и яркого района северного Лондона, где проживали ее члены. Несмотря на то, что они создали некоторые известные постимпрессионистские пейзажи (такие как Спенсера Гора «Пепельный путь » (1912)), группа, состоящая из художников, включая Гора, Гарольда Гилмана и Уолтера Сикерта, стремилась отразить реалии современной эпохи. городской жизни и регулярно встречался в студии Сикерта в Камдене.После выставки английского и французского постимпрессионизма в Королевском Альберт-холле в 1911 году братство Камден спонсировало три успешные выставки в галерее Карфакс в период с 1911 по 1912 год (они распались в 1914 году).

Собственные работы группы исследовали такие вопросы, как социальный класс, сексуальность, современность и городскую среду, в то время как выставка также представила британской публике ранние фовистские и кубистские картины. Как заметил историк искусства Эндрю Грэм-Диксон, группа «при всей своей серости» действительно проникает в самую суть чисто британской эстетики двадцатого века.Настроение неотмытой улицы, дух заброшенной автостоянки в ночное время, атмосфера переполненного писсуара или неудобный, немодернизированный футбольный стадион, через который дует холодный ветер — британцы проявили мрачную, стоическую, самобичеванную гордость в таких вещах ». Хотя между ними не было прямой связи, один из самых популярных британских художников ^– века, Л.С. Лоури, создал свои знаменитые« спичечные »северные индустриальные пейзажи в том же постимпрессионистском духе, что и Camden Group.

Vorticism

Vorticists, названные английским художником, сатириком, критиком и философом Виндхэмом Льюисом и американским поэтом Эзрой Паундом, стали первой радикальной авангардистской группой в Великобритании. Виндхэм Льюис, Анри Годье-Бжеска, Дэвид Бомберг и Якоб Эпштейн отметили энергию и динамизм современной машинной эры и тем самым заявили о наступлении на стойкие британские традиции. Учитывая их почитание «машинного века», вортицистов часто сравнивали с итальянскими футуристами.Но жизнь этого механизма оборвалась с началом Первой мировой войны.

Однако, пожалуй, лучше всего это движение запомнилось по его журналу-манифесту BLAST , отредактированному Виндхэмом Льюисом. С ярко-розовой обложкой и заголовком BLAST , написанным жирными черными буквами на ярко-розовом фоне, первый раздел журнала представлял собой последовательность из двадцати с лишним страниц в форме манифеста. На каждой странице был эффектный образец графического дизайна, в котором участники «взрывали» (ненавидели) или «благословляли» (любили) разные вещи; часто сразу: «Взрывайте Францию, Взрывайте Англию, Взрывайте Юмор, Взрывайте годы с 1837 по 1900», а затем «Благословите Англию, Благословите Англию за ее корабли, которые возвращаются в синее, зеленое и красное моря.« BLAST также опубликовал пьесу Льюиса« Враг и звезды », которая была в значительной степени непонятной и явно невыполнимой.

Британский сюрреализм

Появление фашизма в Европе в 1930-е годы перевернуло мир современного искусства с ног на голову. куратор Крис Стивенс отметил, что споры возникли «не только между авангардом и академией, но и между современными художниками по поводу надлежащего ответа на подъем фашизма. Художники-абстракционисты, сюрреалисты и соцреалисты по-разному интерпретировали этот политический императив.«Британский сюрреализм зародился в этот период неопределенности, ограниченный в основном двумя группами: одна в Лондоне, другая в Бирмингеме. Английский поэт Дэвид Гаскойн был привлечен в Париж в начале 1930-х годов, будучи вдохновленным французскими сюрреалистами и следуя примеру Случайно встретившись с английским художником и историком Роландом Пенроузом и поэтом Полем Элюаром, он намеревался установить ощутимые связи между британскими и французскими сюрреалистами. Фактически, Гаскойн написал «Первый английский сюрреалистический манифест» в 1935 году в Париже (и на французском языке) и он был впервые опубликован во французском обзоре Cahiers d’art .

Международная выставка сюрреалистов состоялась в июне 1936 года в галереях Нью-Берлингтон в Лондоне. На нем присутствовали ораторы, в том числе Элюар, Андре Бретон, Сальвадор Дали и английский поэт и критик Герберт Рид. Члены бирмингемской группы, включая Конроя Мэддокса, Джона Мелвилла, Эмми Бриджуотер, Оскара Меллора и Десмонда Морриса (более известного как антрополог), отказались участвовать, однако, утверждая, что лондонская группа, включая таких, как Пол Нэш, Эйлин Агар, Ителл Колкухун, Э.Л. Т. Эсенс, Герберт Рид, Джон Таннард — вели «антисюрреалистический образ жизни». Однако некоторые из бирмингемской группы все же присутствовали, надеясь познакомиться со своим героем Бретоном. Скульптор Генри Мур, хотя и не являлся официальным членом группы, стал сотрудником британской сюрреалистической группы, показав семь произведений на Международной выставке сюрреалистов в 1936 году. Это также интересная деталь: валлийский поэт Дилан, хотя и никогда не был официально связан с группой. Томас также присутствовал, выступая в своем собственном «сюрреалистическом хэппенинге», в котором предлагал участникам чашки с вареной нитью! Лондонская группа распалась в 1951 году, хотя бирмингемская группа продолжала работать до 1950-х годов на довольно неформальной основе.

The Euston Road School

Основанная Уильямом Колдстримом, Виктором Пасмором и Клодом Роджерсом в 1937 году и существующая как группа примерно два года (когда ее члены присоединились к военным усилиям), так называемая Euston Road School достойна упоминается в контексте британского модернизма начала-середины двадцатого века. Школа противостояла подъему авангардизма; их цель, рожденная четкой левой политической позицией, которая продвигала натурализм и социально значимое искусство, заключалась в том, чтобы рассматривать традиционные предметы (такие как портреты, обнаженные тела, пейзажи) в реалистическом стиле, избегая при этом догмы соцреализма.

St Ives School

Корнуолл, на юго-западе Англии, был (или остается) известен уникальным качеством естественного света. Таким образом, он был местом паломничества многих художников; особенно с тех пор, как в 1877 году открылась железнодорожная линия Грейт-Вестерн, сделав графство легко доступным. В 1928 году Бен Николсон и Кристофер «Кит» Вуд посетили Сент-Айвс, где познакомились с Альфредом Уоллисом. Картина Уоллиса должна была оказать глубокое влияние на будущее направление творчества Николсона, и позже, в 1939 году, он и его жена, скульптор Барбара Хепворт, переехали в Сент-Айвс, где к ним присоединился русский скульптор-конструктивист Наум Габо.

После войны, с Хепвортом и Николсоном в качестве авангардистских талисманов (Габо перешел к 1946 году), Сент-Айвс стал центром современных и абстрактных разработок в британском искусстве, и многие молодые художники-абстракционисты были привлечены к этой области, давая получили название St Ives School, хотя на самом деле они никогда не были формальной группой в строгом смысле слова. Тем не менее, «группа», как правило, была вдохновлена ​​пейзажем Западного Корнуолла, используя его формы, формы и цвета для наполнения своей работы.Школа Сент-Айвс начала свое существование к 1960-м годам, но в 1976 году музей Барбары Хепворт и Скульптурные сады открылись в ее предыдущей студии, а в 1993 году Тейт Сент-Айвс (которая уже взяла на себя управление музеем Хепуорт в 1980 году) помогала сохранить и продвигать гордое современное наследие графства.

Военное искусство

Под председательством Кеннета Кларка, директора Национальной галереи при правительственном министерстве информации, Британская военная консультативная система была создана в 1939 году.На своих ежемесячных встречах комитет выбирал художников, основной целью которых было создание изображений для пропагандистских целей, но при условии, что их работы будут делать больше, чем просто иллюстрировать плакаты и брошюры. К концу войны официальная военная коллекция насчитывала более 5000 произведений. Военное искусство создавали братья Джон и Пол Нэш, изображавшие бездушные образы позиционной войны, истерзанные войной пейзажи и ужас конфликта, а Генри Тонкс тем временем создавал душераздирающие портреты раненых солдат.На внутреннем фронте Эвелин Данбар была единственной женщиной, которая получала зарплату в качестве официального военного художника, и она создавала картины и эскизы ручной работы, выполняемой Женской Сухопутной Армией, которая, помимо других обязанностей, выполняла сельскохозяйственные функции, освобожденные призывными солдатами.

Сесил Битон, Норман Паркинсон и

В марте 1951 года Vogue опубликовал трехстраничный разворот под названием American Fashion: The New Soft Look . Сесил Битон сделал фотографии для дизайнеров Ирен и Анри Бендель, используя картины Джексона Поллока в качестве декоративного фона для коллекции Bendels haute couture .Образы представляют собой противоречие между мускулистым и напряженным характером искусства Поллока и мягкой, женственной природой манекенщиц. Элан, благодаря которому Битон стал хорошо известен, на самом деле заставлял усомниться в качественной разнице между высоким искусством и коммерческой модой.

Как и Битон, Норман Паркинсон несколько десятилетий проработал в индустрии моды. До того, как он присоединился к британскому журналу Vogue в начале 1940-х годов — ассоциации, которая просуществовала почти четыре десятилетия — журнал, находившийся в зачаточном состоянии цветной фотографии, полагался на фотографии, заимствованные из своего американского родственного издания.По чистой необходимости такая ситуация сохранится и в годы войны, но английское скотоводство Паркинсона придало британскому журналу Vogue очень отличительную индивидуальность, а его первые фотографии Vogue были сделаны в сельской местности Англии в 1941 году. всходы были установлены за границей, часто в Африке или на Карибах. Это придавало его работам экзотическую, яркую привлекательность, которая оказалась очень популярной в Британии в суровые 1950-е годы.

Британский поп-арт

Поп-арт обычно ассоциируется с группой американских художников, таких как Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн, работавших в Нью-Йорке в 1960-е годы.Тем не менее, поп-арт впервые появился в Великобритании в 1950-х годах. Британский поп-арт, возглавляемый Ричардом Гамильтоном, был вдохновлен в разгар послевоенной рецессии и нормирования блестящим обещанием изобилия потребительской культуры — от кухонных принадлежностей, телевизоров, комиксов до косметических товаров, — которые захватили весь мир. Атлантический. Гамильтон, Эдуардо Паолоцци и Питер Блейк отвергли существующие нормы и тематику, обратившись к маркетинговому языку послевоенной Америки, создавая новые и непочтительные изображения с помощью коллажей и трафаретной печати.

В поп-арте был явный элемент иронии, поскольку художники смотрели на США как на страну излишеств. Многие критики называют британский поп-арт, и особенно культовый коллаж Гамильтона, рождением постмодернизма, который, прославляя китч, эфемеры и предметы одноразового использования, отвергает высокий модернизм абстрактного экспрессионизма и достоинства абстракции — и его отвращение к все китч — в духе Клемента Гринберга. Действительно, Гамильтон охарактеризовал поп-арт так: «Популярное.Переходный. Расходный. Бюджетный. Серийное производство. Молодой. Остроумный. Уловка. Гламурный, большой бизнес ».

По мере того, как британский поп-арт перешел в шестидесятые, он стал неразрывно связан с поп-музыкой и подобными The Beatles и The Rolling Stones. Действительно, кавер Блейка на песню Sergeant Pepper’s Lonely Hearts Club Band , возможно, является самой популярной самая известная обложка альбома всех времен. Включив коллаж из 88 знаменитостей и фигур из истории, Блейк и его жена Дженн Хаворт построили декорации вокруг вырезов в натуральную величину, которые затем сфотографировали с группой в центре кадра.

Свинг-шестидесятые и «Черная троица»

В 1960-е годы мода стала ориентироваться на молодежь, поскольку в «модном» стиле шестидесятых использовались новые материалы и смелые цвета, подчеркивающие эпоху сексуальной раскрепощенности. В Лондоне три фотографа из рабочего класса, Дэвид Бейли, Теренс Донован и Брайан Даффи, которых Норман Паркинсон назвал «Черной троицей», помогли создать образ «колеблющегося Лондона». Трое мужчин стали первыми фотографами-портретистами в сфере моды и знаменитостей. В частности, образ «Качающегося Лондона» приобрел международное значение, когда в 1962 году в журнале Vogue в 1962 году в журнале Vogue появилась фотография Бейли «Нью-Йорк: молодая идея идет на Запад» с тогдашней неизвестной моделью Джин Шримптон.Благодаря фотографии Бейли, Шримптон стала первой «супермоделью», за которой вскоре последовали Твигги, Верушка и Пенелопа Три.

В 1964 году Бейли выпустил коробку из 36 гравюр, «Коробку пин-апов», включая портреты Мика Джаггера, Битлз, Энди Уорхола, Джин Шримптон, Теренса Стэмпа и Рудольфа Нуреева. Однако его натурщики не всегда были моделями, поп-звездами, актерами и артистами, и его личное знакомство с опасными лондонскими гангстерами, близнецами Крей, показало его любовь к двойному портрету (включая портрет Джона Леннона и Пола Маккартни).Отвечая на вопрос о морали восхваления убийц, Бейли сказал: «Я сделал всем одолжение, сделав их знаменитыми, [но] если вы настоящий гангстер, никто не знает, кто вы, поэтому их большая ошибка заключалась в том, чтобы позировать мне». В преддверии недавней антологии своих работ Дэмиен Херст сказал о портретах Бейли, что они «заставляют вас чувствовать, что нет ничего между вами и картиной, ничего между вами и человеком».

Оп-арт

Параллельно с поп-артом 60-х было оп-арт (аббревиатура от «оптического искусства»).Оп-артисты были увлечены идеей чистых геометрических форм, которые могли бы создавать впечатление движения и / или цвета. Эффекты произведений искусства варьировались от едва уловимых до дезориентирующих. Оп-художники опирались на теорию цвета, а также на физиологию и психологию восприятия. Как часть более крупного международного сообщества, включая венесуэльца Хесуса Рафаэля Сото и француза / венгра Виктора Вазарели, британская художница Бриджит Райли была в авангарде оп-арта, часто работая с черно-белыми, волнистыми линиями и повторяющимися формами, чтобы создать иллюзию цвет или движение.

Хотя оп-арт был встречен искусствоведами с определенной долей скептицизма, это движение оказало значительное влияние на моду 60-х годов. Монохромные геометрические принты идеально дополняли смелые формы модного образа, в то время как узоры Op Art начали появляться на всем: от одежды до рекламы, канцелярских принадлежностей и мягкой мебели.

Концептуализм

Рождение британского концептуального искусства связано, прежде всего, с группой Art & Language, основанной в Колледже искусств Ковентри Майклом Болдуином, Дэвидом Бейнбриджем, Терри Аткинсоном и Гарольдом Харреллом в 1967 году.Группа поставила под сомнение иерархию практик современного искусства и критики, которую они обсуждали в своем журнале Art-Language , первом номере от мая 1969 года. Группа также создавала оригинальные работы, их «концепция» исходила из убеждения, что искусство должно быть таким больше — или больше — о словах и идеях как об эстетике. Тем временем британский концептуализм полностью проявился после двух выставок: «Когда отношения становятся формой» в Институте современного искусства (ICA) в 1969 году и «Семь выставок» в галерее Тейт в 1972 году.Выйдя из этого контекста, Гилберт и Джордж стали самыми известными британскими исполнителями. Их искусство, использующее кино, фотографию, живопись, перформанс и живую портретную живопись, поставило под сомнение интеллектуальную элитарность в искусстве.

К середине-концу 1970-х концептуализм стал более политизированным и привлек интерес художников, таких как Маргарет Харрисон, чьи ироничные коллажи, такие как Houseworkers 1977 года, были представлены глянцевыми журналами, швейными материалами и резиновыми перчатками. Ее искусство было основано на политическом убеждении, что «личное» стало «политическим», взгляд, который был отражен в работе Конрада Аткинсона, чей Северная Ирландия 1968 — Первомайский день 1975 года представлял собой коллаж из фотографий и лозунгов из враждующие фракции лоялистов, республиканцев и британской армии.

The School of London

Так же, как, скажем, школа Euston Road School противопоставила себя авангарду, так и Лондонская школа выступила против расцвета концептуализма. В 1976 году американец Р. Б. Китай был куратором выставки «Человеческая глина» в лондонской галерее Хейворд, на которой он возродил интерес к фигуративному искусству. Выставка примечательна не в последнюю очередь благодаря каталогу, в котором вошло влиятельное эссе Китая, в котором он ввел термин «Лондонская школа».Это определение относилось к кадрам лондонских художников, среди которых были Люсьен Фрейд, Фрэнсис Бэкон, Дэвид Хокни, Франк Ауэрбах, Леон Коссофф и сам Китай, которые, вопреки моде на концептуализм и абстракцию, помогли оживить критические состояния. изобразительного искусства.

Новая британская скульптура

Термин «Новая британская скульптура» относится к творчеству группы британских художников 1980-х годов, которые, в отличие от Лондонской школы, выступали против моды на концептуализм и минимализм.Они приняли более традиционный подход к скульптуре с использованием установленных материалов и методов (таких как резьба по камню или мрамору) и более поэтических или вызывающих воспоминания предметов. Основными художниками, связанными с Новой британской скульптурой, были Стивен Кокс, Тони Крэгг, Барри Фланаган, Энтони Гормли, Ричард Дикон, Ширазех Хаушиари, Аниш Капур, Элисон Уайлдинг и Билл Вудроу.

Две области публичной выставки заслуживают особого упоминания в контексте Новой британской скульптуры: Четвертый постамент на Трафальгарской площади в Лондоне и холм в Северной Англии недалеко от Гейтсхеда.С 1999 года постамент использовался как средство демократизации и модернизации исторической достопримечательности, на которой изображены военные статуи короля Георга IV, генерала сэра Чарльза Джеймса Нэпьера и генерал-майора сэра Генри Хэвлока. Многие художники, в том числе Марк Куинн, Дэвид Шригли и Йинка Шонибаре, были приглашены для демонстрации своих скульптур на 18-месячный период. Между тем, примерно в 300 милях к северу от столицы гордо возвышается памятник Энтони Гормли Ангел Севера , медная, бетонная и стальная скульптура, 20 метров в высоту и 54 метра в поперечнике, а также весом более 200 тонн. индустриальное наследие Северной Англии.

Молодые британские художники (YBA)

Также появившаяся в конце 80-х группа студентов из Лондонского колледжа искусств Голдсмита начала вместе выставляться. Люди, включая Дэмиена Херста, Сару Лукас, Ангуса Фэрхерста и Майкла Лэнди, сформировали основы свободного движения, которое вскоре стало известно как Молодые британские художники (YBA). Участвовавших в этом художников поощряли (Майкл Крейг-Мартин был одним из их самых харизматичных наставников) думать по-новому о творчестве и отменить традиционное разделение медиа на сдержанные области живописи, скульптуры, гравюры, фотографии и так далее.Действительно, одной из отличительных черт YBA было отсутствие единого подхода к их работе, хотя их искусство вызывало споры.

Sensation оказалась самой противоречивой выставкой в ​​современной британской истории (она вызвала аналогичные разногласия, когда побывала в Берлине и Нью-Йорке), но она выявила предпринимательскую осведомленность YBA, благодаря которой Херст и Эмин стали активными участниками. — даже знаменитостей — в продвижении и рекламе собственного искусства.

Британское искусство в 21 веке

Пожалуй, самым известным из современных британских художников является городской художник-сатирик, известный под псевдонимом Бэнкси. Бэнкси начинал как художник граффити в Бристоле в начале 1990-х, и его трафаретное искусство в сочетании с социальными и политическими комментариями принесло ему всемирное признание. Обладая талантом к саморекламе, чтобы соответствовать даже YBA; его стрит-арт появляется, как правило, без предварительного уведомления, в общественной сфере по сторонам зданий и других искусственных построек.В 2015 году Бэнкси перешел в область инсталляционного искусства с Dismaland , «тематическим парком, не похожим ни на какой другой» (хотя явно по образцу Диснейленда), базирующимся на британском прибрежном курорте. Dismaland был унылым и негостеприимным и черпал вдохновение в работах художника Джеффа Джиллета, создавшего ироничные изображения Диснея для критики недостатков западного мира.

В 2017 году компания Artnet опубликовала список 10 наиболее актуальных ныне живущих британских художников в соответствии с их коммерческой ценностью во всем мире.В список вошли Дэмиен Херст (1 ^-я ), Дженни Сэвилл (3 ^-я ), Энтони Гормли (6 ^-е ), Крис Офили (8 ^-е ) и Трейси Эмин (9 ^-е ). Исходя из этого критерия, современное британское искусство стало определяться не столько такими восходящими звездами, как Перри и Бэнкси, сколько теми людьми, которые были связаны с стремительным подъемом YBA и Новой британской скульптуры в 1990-х годах. .

Сфера современного искусства переполнена, поэтому по-прежнему сложно прийти к единому мнению о выдающихся индивидуальных талантах.Тем не менее, надежным показателем современного искусства в Соединенном Королевстве и, возможно, на международной арене современного искусства является премия Тернера, названная в честь самого уважаемого современного художника Великобритании, и одна из самых престижных наград в области изобразительного искусства сегодня. В конкурсе могут принять участие британские художники — то есть художники, родившиеся и / или работающие в основном в Великобритании — в возрасте до 50 лет, и был присужден таким артистам, как Гилберт и Джордж (1986), Рэйчел Уайтред (1993) и Аниш Капур ( 1991).

Искусство UK | Дом

[Перейти к содержанию] [Перейти к главной навигации] [Перейти к быстрым ссылкам] [Перейти к информации о специальных возможностях]

Безупречный кристалл, (фрагмент), 1949, бронза Доры Гордин (1895–1991), © Дом-музей Дорич, Кингстонский университет, фото предоставлено: Дом-музей Дориха, Кингстонский университет

Уроки часа (Lessons of the Hour).2019, фотография в рамке на матовой архивной бумаге, закрепленная на алюминии Исааком Жюльеном (1960 г. р.). © художник. Фото: художник и Виктория Миро, Лондон / Венеция

РАССКАЗ

Эдинбургский фестиваль искусств: шесть выставок, которые нельзя пропустить

Основные моменты фестиваля в столице Шотландии в августе этого года.

Свободная страница альбома для рисования, развивающая формы свиней.Кейт Джон Рэнд (1956–2013). © усадьба художника. Фото: Королевская шотландская академия искусства и архитектуры

РАССКАЗ

Кейт Рэнд: расширение скульптурных возможностей

Изучение подарка студии Кейта Рэнда Королевской шотландской академии.

Карта

Откройте для себя искусство

Посетите более 3300 мест с публичными коллекциями произведений искусства по всей Великобритании.

Щелкайте по маркерам на карте, чтобы открывать для себя невероятные произведения искусства по всей стране.

© имение Карла Вешке. Все права защищены, DACS 2021. Фото: Tate

РАССКАЗ

Из Германии в Корнуолл: жизнь художника Карла Вешке

Мэтью Реталлик осматривает менее известного художника.

Шмерценманн И.2006 год, скульптура Берлинде де Брюйкере (р. 1964). © художник. Фотография предоставлена ​​Институтом искусств Робертса и собранием Давида и Индре Робертс

РАССКАЗ

Земля: современный пейзаж в хрупком мире

Куратор Нед МакКоннелл обсуждает выставку в Millennium Gallery, Шеффилд.

Искусство Великобритании

Арт-детектив

Через Art Detective каждый может помочь публичным коллекциям произведений искусства по всей стране делать новые открытия.

Поддерживать нас

Искусство Граждане Великобритании

Станьте гражданином Art UK и помогите нам сделать искусство Великобритании доступным для всех

Живопись декоративно-прикладного искусства: политическое агентство вещей | Выпуск 1 — ноябрь 2015 г. | Проблемы

Арскотт, Кэролайн. Уильям Моррис и Эдвард Бёрн-Джонс: переплетения. Нью-Хейвен и Лондон: Йельский университет. Press, 2008.

Каталог Общества Выставки Искусств и Ремесел первой выставки 1888 года. Лондон: Новая Галерея, 1888 год.

Барринджер, Тим. Мужчины за работой: искусство и труд в викторианской Британии .Нью-Хейвен и Лондон: Йельский университет. Press, 2005.

— — -. Чтение прерафаэлитов . Нью-Хейвен и Лондон: Йельский университет. Press, 1999.

Барринджер, Тим, Джейсон Розенфельд и Элисон Смит. Прерафаэлиты: викторианский авангард . Лондон: Tate Publishing, 2012.

Брокингтон, Грейс. «Рифмующие картинки: Уолтер Крейн и универсальный язык искусства». Слово и изображение: Журнал устных / визуальных запросов 28, вып. 4 (2012): 359–73.

Браун, Билл. «Теория вещей». Критический запрос 28, нет. 1 (2001): 1-22.

Браун, Форд Мэдокс. «Настенной живописи». В Очерки декоративно-прикладного искусства, составленные членами Выставочного общества декоративно-прикладного искусства . Лондон: Ривингтон, Персиваль и Ко, 1893.

Кран, Вальтер. Воспоминания художника . Лондон: Methuen & Co., 1907.

— — -. «Претензии декоративного искусства». В г. Претензии декоративно-прикладного искусства . Бостон и Нью-Йорк: Houghton, Mifflin и Ко., 1892.

— — -. «Переписка: из уст младенцев». Pall Mall Gazette , 22 марта 1886 г., 6.

— — -. «Мечта мастера». Лидер лейбористов , 1 мая 1897 г., 206.

— — -. «Настенное украшение». В году Британская энциклопедия . Эд. Хью Чизхолм. Лондон, Британская энциклопедия компании, 1911, 19: 16–26.

— — -. «О декоративной живописи и дизайне». В г. Каталог общества выставок прикладного искусства , 29–38.

— — -. «Движения искусств и ремесел». В Идеалы в искусстве: статьи теоретические, практические, критические . Лондон: Джордж Белл и сыновья, 1905, 22.

— — -. О декоративных иллюстрациях старых и новых книг . Лондон: Джордж Белл и сыновья, 1896 г.

— — -. «О влиянии современных социальных и экономических условий на чувство красоты». В Идеалы в искусстве: статьи теоретические, практические, критические . Лондон: Джордж Белл и сыновья, 1905, 76–87.

Кроуфорд, Алан. «Объект — не объект: К. Р. Эшби и Гильдия ремесленников». В «Пионеры современного ремесла: двенадцать очерков, описывающих ключевые фигуры в истории ремесла двадцатого века» . Эд. Марго Коаттс. Манчестер: Манчестерский университет. Press, 1997.

Истлейк, Чарльз Лок. Советы по домашнему вкусу в мебели, обивке и других деталях . Лондон: Longman, Green, & Co., 1868.

Эйзенман, Стивен Ф. «Коммунизм в мехах: мечта о предыстории в романе Уильяма Морриса « Джон Болл ». Art Bulletin 87, no. 1 (2005): 92–110.

Гомбрих, Э. Х. Символические изображения: Исследования в искусстве эпохи Возрождения . 2 тт. Лондон: Phaidon, 1972 г.

Грэм, Дженни. «Художественное вдохновение». В г. Кембриджский компаньон прерафаэлитов г. Эд. Элизабет Преттейон. Кембридж и Нью-Йорк: Cambridge Univ. Пресс, 2012, 32–46.

Харт, Имоджен. Предметы декоративно-прикладного искусства . Манчестер: Манчестерский университет. Пресс, 2010.

Ландоу, Джордж П. Уильям Холман Хант и типологический символизм . Нью-Хейвен и Лондон: Йельский университет. Пресс, 1979.

Лаббок, Жюль. Тирания вкуса: политика архитектуры и дизайна в Великобритании, 1550–1960. Нью-Хейвен и Лондон: Йельский университет. Press, 1995.

Мигер, Дженнифер. «Прерафаэлиты». В «Хейльбрунн Хронология истории искусств». Нью-Йорк: Метрополитен-музей, 2000–. http://www.metmuseum.org/toah/hd/praf/hd_praf.htm (октябрь 2004 г.).

Миллард, Дом Беде, Линда Парри и Пол Харрисон.«Текстиль». В Пугин: готическая страсть . Эд. Пол Аттербери и Клайв Уэйнрайт. Нью-Хейвен и Лондон: Йельский университет. Пресса совместно с Музеем Виктории и Альберта, 1994, гл. 16.

Моррис, Уильям. «Обращение к собранию картин английской школы прерафаэлитов». 2 октября 1891 г. Интернет-архив Уильяма Морриса, https://www.marxists.org/archive/morris/works/1891/english.htm.

— — -. Сон Джона Болла . Лондон: Ривз и Тернер, 1888.

— — -. «Надежды и страхи перед искусством». 1882. Интернет-архив Уильяма Морриса, https://www.marxists.org/archive/morris/works/1882/hopes/chapters/chapter3.htm.

— — -. «Малые искусства». 4 декабря 1877 г., перепечатано в журнале Hopes and Fears for Art (1882). Интернет-архив Уильяма Морриса, https://www.marxists.org/archive/morris/works/1882/hopes/chapters/chapter1.htm.

— — -. «Несколько советов по дизайну паттернов». 10 декабря 1881 г. Интернет-архив Уильяма Морриса, https: // www.marxists.org/archive/morris/works/1881/hints.htm.

— — -. «Полезная работа против Бесполезный труд». 1884. Интернет-архив Уильяма Морриса, https://www.marxists.org/archive/morris/works/1884/useful.htm.

О’Нил, Морна . Дело искусства и труда едино: Уолтер Крейн и Манчестер, 1880–1915 гг. . Манчестер: Художественная галерея Уитворта, 2008.

— — -. Уолтер Крейн: Искусство и ремесла, живопись и политика, 1875–1890 гг. . Нью-Хейвен и Лондон: Йельский университет.Пресс, 2010.

Панофски, Эрвин, Ранняя нидерландская живопись: ее происхождение и характер . 2 тт. Кембридж, Массачусетс: Гарвардский унив. Пресс, 1953.

Пэррис, Лесли, изд. Прерафаэлиты . Лондон: Галерея Тейт и Penguin Books, 1984.

Парри, Линда, изд. Уильям Моррис . Лондон: Филип Уилсон совместно с Музеем Виктории и Альберта, 1996.

Плотц, Джон. «Может ли диван говорить? Взгляд на теорию вещей ». Критика 47, вып.1 (2005): 109–18.

Пофэм, Артур. Предисловие. В каталоге Мемориальная выставка картин и акварелей Уолтера Крейна . Лондон: Bromhead, Cutts, & Co., 1920.

Преттейон, Элизабет. Искусство прерафаэлитов . Princeton: Princeton Univ. Пресс, 2000.

Риддербос, Бернхард. «Объекты и вопросы». В г. Ранние нидерландские картины: повторное открытие, прием и исследование . Эд. Бернхард Риддербос, Анн ван Бурен и Хенк ван Вин, пер.Эндрю Маккормик и Энн ван Бёрн. Оригинальное голландское издание, 1995 г .; Лос-Анджелес: Музей Дж. Пола Гетти, 2005.

Розенфельд, Джейсон и Элисон Смит. Милле . Лондон: Tate Publishing, 2007.

Раскин, Джон. «Письма об искусстве: пробуждающаяся совесть». The Times , 24 мая 1854 г. Перепечатано в Arrows of the Chace: Сборник разрозненных писем, опубликованных в основном в ежедневных газетах 1840–1880 гг. Бостон: Дана Эстес и Ко, 1880.

Станский, Петр. Уильям Моррис, К. Р. Эшби и искусство и ремесла . Лондон: Nine Elms Press, 1984.

Стивенс, Ф. Г. Уильям Холман Хант и его работы: воспоминания о жизни художника с описанием его картин . Лондон: J. Nisbet & Co., 1860.

Сагден, Алан Виктор и Джон Лудлам Эдмондсон. История английских обоев, 1509–1914 . Лондон: Б. Т. Бэтсфорд, 1925.

Таунсенд, Джойс Х., Жаклин Ридж и Стивен Хакни, ред. Техника живописи прерафаэлитов: 1848–1856 . Лондон: Tate Publishing, 2004.

Треухерц, Джулиан, Кеннет Бендинер и Анджела Тирлвелл. Форд Мэдокс Браун: Пионер прерафаэлитов . Лондон: Филип Уилсон, 2011.

Трой, Нэнси Дж. The De Stijl Environment . Кембридж, Массачусетс, и Лондон: MIT Press, 1983.

5 лучших художественных галерей Великобритании — и где остановиться

Британские галереи, музеи и парки скульптур с буколическим фоном и архитектурой, не уступающей произведениям искусства, станут прекрасным местом для паломничества в теплое время года.Вот пять достойных выходных, с нашим выбором лучших бутик-отелей и пансионатов поблизости.

Аллан Поллок-Моррис

Jupiter Artland

Wilkieston, недалеко от Эдинбурга

В чем привлекательность?

Это кое-что говорит об амбициях Ники и Роберта Уилсонов, что первая часть, заказанная для парка скульптур, который они построили в пяти милях к западу от Эдинбурга, была вовсе не частью, а серией величественных вихревых форм ландшафта американского ландшафтного архитектора Чарльза Дженкса. .

Расположенный на 100 акрах полей и лесов, окружающих дом Якобина Боннингтона, успокаивающая пасторальная обстановка парка служит блестящей фольгой для его передовой коллекции, которая включает в себя работы Аниша Капура для конкретных мест (водоворот в клетке под названием Suck ) и Корнелии Паркер (чей огромный дробовик образует Пейзаж с ружьем и деревом, 2012 ).

Здесь также находится самая первая постоянная работа на открытом воздухе, созданная британским экспериментатором Филлидой Барлоу по случаю 10-летнего юбилея парка в 2018 году.

Аллан Поллок-Моррис

Что происходит?

Хотя новый заказ и выставка Трейси Эмин отложены до следующего года, в этом сезоне шотландская мультимедийная художница Рэйчел Маклин призовет свою диссонирующую конфетную эстетику для своей первой постоянной наружной инсталляции в лесу, в то время как галерея парка Пространства будут обозревать десятилетие ее смелой работы.

Антония Рив

В августе фестиваль интимного искусства Jupiter Rising надеется вернуться во второй раз, с живой музыкой, представлениями и фильмами на выходных, а также возможностью для посетителей разбить лагерь на территории. jupiterrising.art

Что рядом?

Парк скульптур — это место творчества мирового класса среди холмистой местности, но он находится всего в нескольких минутах езды от сети галерей Эдинбурга. Изюминкой этого лета в Dovecot Studios станет «Арчи Бреннан: гобелен становится популярным!» (26 апреля — 30 августа 2021 г.). Эта дань уважения новаторскому шотландскому поп-исполнителю — первая крупная ретроспектива его тканых работ. dovecotstudios.com

Где я могу остановиться?

The Artist’s House

Это недавно открытое убежище, как следует из названия, выполнено в богемном стиле, с деревянными стенами и характерным сочетанием искусства и мебели.Французские двери открываются в частный сад со шведской дровяной ванной и видом на устье залива Ферт-оф-Форт. Шесть спальных мест, от 425 фунтов стерлингов за ночь, jupiterartland.org/the-artists-house

The Balerno Inn

Открытие этого оживленного гастро-паба стало толчком для развития красивой местной деревушки Балерно, которая стала предлагает быстрый доступ к холмам Пентланд. Номера оформлены в современном уютном шотландском стиле с тканями Harris Tweed и деревянными панелями над кроватями, выкрашенными в элегантный темно-синий цвет. От 50 фунтов стерлингов за ночь, balernoinn.co.uk

Porteous ‘Studio

Если вы остановились в городе, наш выбор в Эдинбурге — это медитативная студия с натуральной глиной в нескольких минутах от замка. оштукатуренные стены, низкая мебель и деревянная перегородка в японском стиле, изолирующая спальную зону. Он был создан новым дизайнерским партнером Изата Арунделла — запомните название. от £ 200 за ночь, porteous.studio

Аарон Заккарделли

Джейсон Ингрэм

Hauser & Wirth Somerset

Bruton, Somerset

В чем привлекательность?

Вам не нужно собирать вещи и переезжать в Сомерсет с последней волной креативщиков, связанных с Bruton, но было бы неправильно пропустить паломничество в центр искусств — это половина причины, по которой они все едут.

Вслед за галереями Цюриха, Лондона и Нью-Йорка пара мировых лидеров искусства Мануэла Хаузер и Иван Вирт обратила внимание на это, в целом, более живописное место на окраине города, наняв аргентинского архитектора Луиса Лапласа, чтобы он уговорил культурное направление из своих амбаров. , коровники и конюшни.

С момента открытия в 2014 году здесь проводятся выставки и мероприятия мирового уровня, хотя многие направляются прямо к колышущимся травам многолетнего луга, посаженного прославленным голландским дизайнером садов Питом Удольфом.

Дэвид Беббер

Что происходит?

Весенняя выставка американского художника Генри Тейлора (до 6 июня) уже открылась онлайн (Хаузер и Вирт послушно оцифровывают большую часть своих программ), но эти яркие, гуманные портреты и скульптуры следует увидеть лично, когда будут сняты ограничения. . Его первая выставка охватывает все пять галерей. hauserwirth.com

Также на сайте находится магазин фермы Durslade, открытие которого в конце прошлого года было затруднено из-за пандемии.В этом обширном торговом центре продаются мясо и овощи с фермы, а также продукты, приготовленные из собранных в пищу ингредиентов, и этой весной он должен стать популярным. dursladefarmshop.co.uk

Что поблизости?

Не ждите, что великие галереи будут соперничать с Hauser & Wirth — Bruton определенно бижутерия, и все это часть очарования. Крошечный магазин Make, открытый в 2018 году, является аванпостом галереи на главной улице и посвящен современным ремеслам, и все работы доступны для покупки.

Он устраняет разрыв между небольшими местными галереями и явно кустарным розничным предложением, которое скоро будет включать в себя магазин и студию керамистов People Always Need Plates, peoplewillalwaysneedplates.co.uk

Где я могу остановиться ?

Caro’s B&B

Здесь предлагается только один номер, но вы в надежных руках — хозяйка Натали Джонс управляет дизайнерским магазином и помещением для мероприятий Caro по дороге. Просмотрите его коллекцию красивой, но полезной посуды для дома, а затем спите среди отредактированной подборки. От 130 фунтов стерлингов за ночь, carosomerset.com

Durslade Farmhouse

Крупные неоновые вывески Мартина Крида, написанные на экстерьере, являются первым признаком того, что аренда на территории галереи не является типичной деревенской аварийной площадкой. Затем есть эклектичный интерьер Луиса Лапласа, наполненный искусством и антиквариатом. Спит до 12 человек, от 350 фунтов за ночь, dursladefarmhouse.co.uk

В часовне

Может показаться недальновидным считать этот элегантный ресторан катализатором бума Bruton, но Открытие в 2008 году, безусловно, ознаменовало резкое изменение его положения.Спустя некоторое время появились спокойные спальни, которые до сих пор сохраняют свой блеск. от £ 125 за ночь, atthechapel.co.uk

В часовне

Энди Крауч

Центр визуальных искусств Сейнсбери

Норвич, Норфолк

В чем привлекательность?

На окраине кампуса Университета Восточной Англии есть что-то вроде сарая для стероидов.Центр Сейнсбери, признанный первой и лучшей в Великобритании галереей высоких технологий, представляет собой впечатляющий стальной монолит, который сумел поместить Норвич и Нормана Фостера на карту современной архитектуры.

центра Сейнсбери Пит Хаггинс

И все же блеск здания, возможно, затмил богатство внутри, которое включает в себя произведения Пикассо и Дега наряду с обширной коллекцией неевропейского искусства, охватывающей 5000 лет.

Немногие еще знакомы с его коллекцией скульптур на открытом воздухе Генри Мура, Линн Чедвик и Энтони Гормли, которые разбросаны по 350 акрам парковой зоны, которая полого спускается к озеру Брод и реке Яр за его пределами.

Грейсон Перри и Виктория Миро

Что происходит?

Этой весной выходит фильм «Грейсон Перри: Годы до терапии», в котором собраны самые первые работы гончара-провокатора для тех, кто пропустил свое первоначальное пребывание в музее Холберна в Бате.

Это Перри до премии Тернера, CBE, и — в случае с самыми ранними альбомами для рисования на выставке — до того, как он увлекся глиной. Но, возможно, самый большой успех галереи — это 29 новых скульптур и рисунков, приобретенных британской художницей Элизабет Фринк в прошлом году. sainsburycentre.ac.uk

Что поблизости?

Не упустите возможность поближе познакомиться с каскадными зиккуратами кампуса. Вдохновленный британским архитектором Денисом Ласданом (известным в Национальном театре), влиятельная концепция размещения студентов — это брутализм в лучшем виде.

Мы выбрали самые крутые галереи города: Outpost, управляемый художниками ( norwichoutpost.org ), и The South Asia Collection, музей и магазин, посвященный текстилю, предметам и ремеслам из этого региона, расположенный на отреставрированном викторианском катке. thesouthasiacollection.co.uk

Где я могу остановиться?

The Water Cabin

Этот отреставрированный кедровый дом 1930-х годов расположен на берегу реки Турн в самом сердце Норфолк-Бродс. Норвич и вдвое меньше на пляж.Интерьер без суеты доказывает, что все в белом цвете всегда в выигрыше, а иллюминаторы в спальнях добавляют индивидуальности. Спит четыре, от 360 фунтов стерлингов за три ночи, nor-folk.com

Дом собраний

Большой зал этого норвичского заведения, где давно проходят выставки и концерты, теперь является центром бутика. отель, который сохраняет все грузинские черты, обещанные его величественным фасадом из красного кирпича. В номерах есть намек на стиль Фирмдейла Кита Кемпа — подумайте о тканях с богатым рисунком и стенах, украшенных произведениями современного искусства. От 170 фунтов стерлингов за ночь, assemblyhousenorwich.co.uk

Заводь

Это прибрежное убежище получило награды за смелое архитектурное оформление трех отсеков с скатной крышей, смоделированных по образцу местных лодочных навесов. вид на частное озеро. Вечера, проведенные на палубе за выдрами, заставят вас забыть, что центр города находится в 15 минутах езды от отеля. Спальных мест восемь, от 795 фунтов стерлингов за четыре ночи, хозяинанеобычный.ком