В каком веке появился классический стиль: история развития музыкальных жанров, музыкальный стиль

история развития музыкальных жанров, музыкальный стиль

Продолжая цикл статей по теории музыки, мы бы хотели рассказать вам о том, как формировались и развивались жанры в музыке. После этой статьи вы больше никогда не перепутаете музыкальный жанр с музыкальным стилем.

Итак, сначала давайте рассмотрим, чем же отличаются понятия “жанр” и “стиль”. Жанр – это тип произведения, который сложился исторически. Он подразумевает собой форму, содержание и цель музыки. Музыкальные жанры начали свое формирование еще на раннем этапе развития музыки, в строе первобытных общин. Тогда музыка сопровождала каждый шаг человеческой деятельности: быт, труд, речь и так далее. Таким образом, сформировались основные жанровые начала, которые мы разберем далее.

Стиль же подразумевает собой сумму материалов (гармония, мелодия, ритм, полифония), то, каким способом они были использованы в музыкальном произведении. Обычно стиль основывается на веянии определенной эпохи или же классифицируется по композиторам.

Другими словами, стиль – это совокупность средств музыкальной выразительности, которая определяет образ и идею музыки. Он может зависеть от индивидуальности композитора, его мировоззрения и вкусов, подхода к музыке. Также стиль определяет течения в музыке, такие как джаз, поп, рок, народные стили и так далее.

Теперь вернемся к жанрам музыки. Существует пять основных жанровых начал, которые, как мы говорили, зародились еще в первобытных общинах:

• Моторность
• Декламационность
• Распевность
• Сигнальность
• Звукоизобразительность

Именно они стали основой всех последующих жанров, которые появились с развитием музыки.

Довольно скоро после образования основных жанровых начал, жанр и стиль стали сплетаться в единую систему. Такие жанрово-стилевые системы формировались в зависимости от случая, к которому создавалась музыка. Так появились жанро-стилевые системы, которые использовались в определенных древних культов, для древних обрядов и в быту.

Жанр имел более прикладной характер, что сформировало определенный образ, стиль и композиционные черты древней музыки.

На стенах египетских пирамид и в сохранившихся древних папирусов были найдены строки ритуальных и религиозных гимном, которые чаще всего рассказывали о древнеегипетских богах.

Считается, что свою высшую точку развития древняя музыка получила именно в Древней Греции. Именно в древнегреческой музыке были обнаружены определенные закономерности, на которых основывался ее строй.

С тем, как развивался строй общества, развивалась и музыка. В средневековой культуре уже сформировались новые вокальные и вокально инструментальные жанры. В эту эпоху в Европе родились такие жанры, как:

• Органум – самая ранняя форма многоголосой музыки в Европе. Использовался данный жанр в церквях, а расцвет свой получил в парижской школе Нотр-Дам.
• Опера – музыкально-драматическое произведение.
• Хорал – богослужебное католическое или протестантское пение.
• Мотет – вокальный жанр, который использовался как в церкви, так и на светских мероприятиях. Стиль его зависел от текста.
• Кондукт – средневековая песня, текст которой чаще всего был духовным и морализирующим. До сих пор не могут точно расшифровать средневековые ноты кондуктов, так как они не имели определенного ритма.
• Месса – литургическая служба в католических церквях. К этому жанру относят и реквием
• Мадригал – небольшое произведение на лирическо-любовные темы. Этот жанр зародился в Италии
• Шансон – этот жанр появился во Франции, и изначально к нему принадлежали хоровые крестьянские песни.
• Павана – плавный танец, который открывал праздники в Италии
• Гальярда – веселый и ритмичный танец также родом из Италии
• Аллеманда – танец-шествие, появившийся в Германии

В XVII-XVIII веках в Северной Америке довольно активно развивалась сельская музыка – кантри. На этот жанр очень сильно повлияли ирландская и шотландская народная музыка. Тексты таких песен зачастую рассказывали про любовь, сельский быт и ковбойскую жизнь.

В конце XIX века и в начале ХХ века в Латинской Америке и Африке довольно активно развивался фольклор. В сообществе афроамериканцев зарождается блюз, который изначально был “рабочей песней”, сопровождавшей работой в поле. Также в основу блюза легли баллады и религиозные песнопения. Блюз лег в основу нового жанра – джаза, который является результатом смешения африканской и европейской культур. Джаз получил довольно широкое распространение и повсеместное признание.

Основываясь на джазе и блюзе, в конце 40-х годов появляется ритм-н-блюз (R’n’B), песенно-танцевальный жанр. Он был довольно популярен в молодежной среде. В последствии в рамках этого жанра появились фанк и соул.

Любопытно, что наряду с этими афроамериканскими жанрами в 20-х годах ХХ века появился жанр поп-музыки. Корни этого жанра уходят в народную музыку, уличные романсы и баллады. Поп-музыка всегда смешивалась с другими жанрами, образуя довольно интересные музыкальные стили. В 70-х годах в рамках поп-музыки появился стиль “диско”, который стал самой популярной танцевальной музыкой в то время, отодвинув на задний план рок-н-ролл.

В 50-х годах в ряды уже существующих жанров врывается рок, истоки которого находятся в блюзе, фолке и кантри. Он довольно быстро обрел бешеную популярность и разросся на множество различных стилей, смешиваясь с другими жанрами.

Десятью годами позже на Ямайке формируется жанр регги, который получил широкое распространение в 70-х годах. Основой регги является менто – жанр народной музыки Ямайки.

В 1970-х годах появляется рэп, который “экспортировали” ямайские диджеи в Бронкс. Основателем рэпа считают диджея Kool Herc. Изначально рэп читали удовольствия ради, чтобы выплеснуть свои эмоции. Основой данного жанра является бит, который задает ритм речитативу.

Во второй половине XX века электронная музыка утвердила себя как жанр. Странно, что она не получила признание еще в начале ХХ века, когда появились первые электронные инструменты. Данный жанр подразумевает создание музыки с помощью электронных музыкальных инструментов, технологий и компьютерных программ.

Жанры, сформировавшиеся в ХХ веке, имеют множество стилей. Например:

Джаз:

• Новоорлеанский джаз
• Диксиленд
• Свинг
• Вестерн-свинг
• Бибоп
• Хард-боп
• Буги-вуги
• Кул или прохладный джаз
• Модальный или ладовый джаз
• Авангардный джаз
• Соул-джаз
• Фри-джаз
• Босса-нова или латиноамериканский джаз
• Симфо-джаз
• Прогрессив
• Фьюжн или джаз-рок
• Электрический джаз
• Acid jazz
• Crossover
• Smooth jazz

Поп:

• Кабаре
• Менестрель-шоу
• Мюзик-холл
• Мюзикл
• Рэгтайм
• Лаунж
• Классический кроссовер
• Психоделический поп
• Итало-диско
• Евродиско
• Хай-энерджи
• Nu-disco
• Space disco
• Йе-йе
• K-pop
• Европоп
• Арабская поп-музыка
• Российская поп-музыка
• Ригсар
• Лаика
• Латиноамериканская поп-музыка
• J-pop

Рок:

• Рок-н-ролл
• Биг-Бит
• Рокабилли
• Сайкобилли
• Неорокабилли
• Скиффл
• Ду-воп
• Твист
• Сёрф
• Альтернативный рок (Инди-рок / Колледж-рок)
• Мат-рок
• Мэдчестер
• Гранж
• Шугейзинг
• Брит-поп
• Нойз-рок
• Нойз-поп
• Пост-гранж
• Lo-Fi
• Инди-поп
• Тви-поп
• Арт-рок (Прогрессивный рок)
• Джаз-рок
• Краут-рок
• Гаражный рок
• Фрикбит
• Глэм-рок
• Кантри-рок
• Мерсибит
• Метал (Хард-рок)
• Авангардный метал
• Альтернативный метал
• Блэк-метал
• Мелодический блэк-метал
• Симфонический блэк-метал
• Тру-блэк метал
• Викинг-метал
• Готик-метал
• Дум-метал
• Дэт-метал
• Мелодик-дэт-метал
• Металкор
• Нью-метал
• Пауэр-метал
• Прогрессив-метал
• Спид-метал
• Стоунер-рок
• Трэш-метал
• Фолк-метал
• Хэви-метал
• Новая волна
• Русский рок
• Паб-рок
• Панк рок
• Ска-панк
• Поп-панк
• Краст-панк
• Oi!
• Хардкор
• Кроссовер
• Эмо
• Riot folk
• Поп-рок
• Постпанк
• Готик-рок
• No Wave
• Построк
• Психоделический рок
• Софт-рок
• Фолк-рок
• Техно-рок

Как видите, стилей множество. На перечисление полного списка уйдет масса времени, поэтому делать мы этого не будем. Главное, вы теперь знаете, как появились современные популярные жанры и точно больше не будете путать жанр и стиль.

Читайте также:

Теория музыки: построение аккордов, изменение тональности

Теория музыки: музыкальное изложение, полифония, строгий стиль

Теория музыки. Лад, тональность и интервалы

Классическая музыка: произведения главных русских и европейских композиторов

Музыкальный канон сформировался одновременно с понятием «классическая музыка» в первой трети ХХ века. Только тогда людям пришло в голову отделить работы великих мертвых композиторов прошлого с их прекрасным наследием от музыки, которая сочинялась «здесь и сейчас». Истоки этого процесса нужно искать в середине XIX века, когда зародился историзм и люди начали заинтересованно вглядываться в прошлое. Тем не менее тогда не было разделения на «классическую» и «актуальную» музыку, потому что вся музыка была актуальной. В XIX веке люди исполняли и слушали то, что было написано их современниками либо композиторами, которые умерли несколько десятилетий назад. Бетховен, к примеру, умер в 1827 году в статусе мэтра и признанного гения, и соответствующий статус сохранился и за его музыкой.

Интересно, что 200 лет спустя мы разделяем представления людей XIX века о том, кто такие «великие композиторы». Для них (и во многом для нас) это будет тройка венских классиков — Гайдн, Моцарт и Бетховен, а также авторы XIX века вроде Верди и Чайковского. Важное исключение — Бах, которого в XIX столетии не очень знали и исполняли; он был переоткрыт в начале XX века. Композиторы домоцартовской эпохи к середине XIX века превратились в исторические памятники и энциклопедические статьи. Они ушли из музыкальной практики, их работы почти не исполняли, а манеру считали старомодной. Окончательно представление о славном прошлом и актуальном настоящем кристаллизуется в XX веке. В 1920-х годах появляются специальные фестивали современной музыки, где играют только сочинения современников.

С обособлением «современной музыки» в отдельную художественную область начался процесс осознания такого явления, как «старинная музыка». На сцену постепенно возвратились те самые авторы домоцартовских времен: уже упомянутый нами Иоганн Себастьян Бах или Антонио Вивальди. Последний сегодня, несомненно, один из самых узнаваемых классических композиторов, но поколение наших дедов и бабушек понятия не имело о том, что «Времена года» — шедевр на все времена. По состоянию на 1952 год в мире существовали всего две коммерческие записи этих вивальдиевских концертов — сейчас их тысячи. То же с Бахом. Впервые знаменитые ныне «Бранденбургские концерты» были (частично) сыграны и записаны только в 1929 году.

Вивальди хронологически старше Баха. Это отражает тенденцию работы с наследием. С каждым годом любопытство специалистов и публики устремляется вглубь веков. Сейчас, например, виден устойчивый интерес, можно сказать, мода на оперные работы XVII века; много и плодотворно работают с XVI веком — ансамбли старинной музыки возвращают нам имена, о которых ничего не знали наши родители: спросите их, кто такой Адриан Вилларт или Лука Маренцио. При этом мы видим, что основа канона, заложенная в XIX веке, остается актуальной: «классическая музыка» — это все равно классицизм и романтизм, и в расписании филармоний вы вряд ли найдете сочинения старше начала XVIII века.

Классический стиль в интерьере: описание, особенности, фото

Классический стиль в интерьере как вино – с годами становится более ценным, и несмотря на быстротечность тенденций в мире дизайна, остается востребованным. Всегда.

Основа классического стиля в интерьере

Классический стиль формировался в XVI-XVIII веках – эпоху дворцовой роскоши. В основу легли элементы классицизма, барокко, рококо и ампира. Современный классический интерьер соединяет общепринятые каноны, отличается строгостью, элегантностью, а главное, функциональностью, он гораздо более удобен для современной жизни. Совсем недавно мы подробно писали об этом стиле в статье “Неоклассика – современное прочтение прежних стандартов”. Если пропустили, знакомьтесь! 

  

Правила оформления интерьера в классическом стиле:

1. Натуральные материалы для отделки и декора
2. Напольное покрытие из ценных пород дерева: штучный,  наборный или художественный паркет, массивная или инженерная доска
3. Каменная плитка: предпочтение отдаем мраморной, выполненной с соблюдением традиций изготовления
4. Если стали счастливым обладателем подлинной лепнины на потолке, попробуйте ее сохранить.  При низких потолках просто декорируйте стены карнизами (лучше гипсовыми)
5. Для отделки стен выбирайте краску с матовым финишем, декоративную штукатурку или обои с ненавязчивым орнаментом. Тканевые или шелковые, например. 

 

 

Характерная цветовая палитра

 

 

Пастельные тона: белый цвет, оттенки серого и универсальный бежевый

Плотные и благородные оттенки бордового, коричневого, фиолетового, лососевого и оливкового цветов в качестве акцентов

Единая цветовая гамма 

 

Центр композиции и симметрия

 

В классическом интерьере композиция строится вокруг координационных центров. Это может быть  камин, обеденный стол, шикарный диван или старинный комод. Мебель располагается вокруг центра, предметы декора или настенные светильники размещают симметрично.

 

Классический стиль пропорциональности во всем. Поэтому если визуально разделить помещение на две части от центра композиции, предметы зеркально повторяют друг друга – парные кресла, люстры, вазы.

 

Свет, много света

Исторически в классике источник света – большие окна и огромные люстры-подвесы. Времена роскошных залов прошли, архитектурные особенности жилых строений изменились, сейчас мало кто может похвастаться и тем, и другим.

 

С

овременный  сценарий освещения в классическом стиле:

 

1. Основной свет –  центральная люстра, украшенная хрусталем
2. Торшеры по обе стороны от дивана
3. Или настольные лампы и бра 
4. Свечи в подсвечниках

 

 

Мебель как произведение искусства

 

Уделите мебели особое внимание – она усилит роскошь и благородство интерьера. Выполненный из ценных пород дерева комод, обитая кожей или дорогой тканью мягкая мебель, антикварный или состаренный журнальный столик – все это подчеркнет статус хозяев квартиры (еще одна задача классики, которая сложилась исторически). В этой истории лучше обратиться к специалисту – антиквару или декоратору, чтобы не запутаться в стилях или не купить подделку. Просто хороший вкус и «насмотренность» не помогут.

 

 

 

Принципы оформления гостиной в классическом стиле

 

В классическом интерьере гостиная играет роль парадной комнаты – здесь принимают дорогих гостей или проводят теплые семейные вечера.

 

 

1. Правильная форма комнаты и сравнительно большая площадь. Если есть возможность расширить пространство с помощью присоединения комнаты, воспользуйтесь ей. К кухне или балкону это не относится. К соажлению, классическая гостиная предполагает традиционную планировку.
2. Зонирование гостиной с помощью мебели. Про координационные центры мы говорили. Их может быть несколько. Например, диван и кресла вокруг камина, а столовая группа рядом с комодом.
3. Доминирование светлых оттенков и соблюдение цветовой гаммы всей квартиры. Это правило работает для всей классики, кроме национальной. В Британии это правило не сработало бы.
4. Не забываем о принципе симметрии!

 

Классический интерьер в спальне

 

Большая кровать с декоративным изголовьем – центр спальни в классическом стиле. Ее дополняют прикроватные тумбы, туалетный столик, лаконичный комод и банкетка. Подбирайте мебель в едином стиле, чтобы не нарушить гармонию в спальне. И конечно соблюдайте симметрию.

 

При выборе тканевых элементов декора и интерьера отдайте предпочтение качественному и фактурному текстилю, остановите свой выбор на струящемся шелке или мягком на ощупь бархате в единой цветовой гамме.

 

Создайте два сценария освещения – люстра в роли основного источника света и бра или настольные лампы как местное.

 

 

Кухня в классическом стиле

 

Две важные задачи: благородный канонический интерьер и сохранение функциональности (мы ведь не в печи готовим, как в XVII веке).

 

Встраиваемая техника убьет двух зайцев – стилизованные под классику современные модели с десятками функций никак не выделяются на фоне классических фасадов.

 

Кухонный гарнитур обычно из твердых пород дерева (дуба или вишни), а столешница – из камня.  В центре комнаты располагается кухонный остров, который отделяет столовую в отдельную функциональную зону (если позволяет площадь). Обычно столовую размещают отдельно. Опять же, если позволяет площадь. Решить вопрос можно, оформив столовую зону в гостиной.

 

Оформление кабинета

 

Обстановка в классическом кабинете комфортная и подходит для полного погружения в рабочий процесс, именно в кабинете решались вопросы «войны и мира» и подписывались важные бумаги.

 

Английская классика – самый популярный стиль в оформлении кабинета, в интерьере комнаты преобладают темные тона. Если для отделки стен использовать обои, то лучше в клетку, полоску или некрупный орнамент. Еще один must have – cтеновые панели.

 

Ну и какой же кабинет без массивного рабочего стола, кожаной мягкой мебели и книжных шкафов во всю стену.

Ванная комната в классическом стиле

 

Самая скромная по площади комната – ванная, но даже при ее оформлении следуйте основным принципам классического стиля:

 

1. Используйте для отделки стен натуральный камень, мрамор или керамическую плитку, имитирующую текстуру и узор натуральных материалов (с этим очень аккуартно).
2. Подумайте над оформлением зеркала. Оно визуально увеличит площадь комнаты и станет акцентом. Особенно в комплекте с парой эффектных бра.
3. Отдайте предпочтение стилизованной сантехнике, благо, сейчас это не проблема.

Мифы о классическом интерьере

 

 

Миф №1 – Классика значит вычурность

 

На самом деле интерьер в классическом стиле может быть лаконичным, спокойным, строгим. Лишь некоторые элементы декора подчеркивают престиж и высокий уровень жизни хозяина квартиры.

 

 

Миф №2 – Классический интерьер уместен только на большой площади

 

Если квартира не отличается дворцовыми просторами и колоссальной высотой потолков, не стоит отказываться от интерьера в классическом стиле. Всегда можно вдохновиться двумя-тремя приемами и использовать их на любой площади (симметрия и лепной декор и стилистическое единство не помешают даже однушке в панельном доме). 

 

Миф №3 – Классический интерьер выбирают люди зрелого и пожилого возраста

 

Чаще всего действительно так, но это не значит, что он старомодный, он просто проверенный временем! Квартира, оформленная в классическом стиле, подойдет и для  семейной пары, и для молодой девушки. У классики очень разное настроение, от праздничного и легкомысленного до невозможно чопорного. Просто выбирайте свое.

 

 

Классический интерьер не придется трансформировать и изменять в погоне за новыми тенденциями в мире дизайна. Спокойная и благородная обстановка не будет утомлять и никогда не надоест, при желании можно легко освежить интерьер и разбавить классику современными элементами декора или предметами мебели.

 

 

Классика переживет все тренды.

 

Автор: Полина Шаталова

 

 

Музыкальный жанр романс — история появления в России

Считается, что изначально романс появился в Испании, в XV—XVI веках. Тогда испанцы называли романсом любое стихотворение, написанное на романском «нелатинском» языке. Стихотворение не обязательно было лирическим, оно могло рассказывать об исторических событиях и военных подвигах героев. В соседних с Испанией странах подобные стихи назывались балладами. Из них и родились музыкальные произведения под названием «романсы». Положенные на музыку, они превращались в небольшие песни — как правило, с четырехстрочной строфой без рефрена.

В XVIII веке романс добрался до Франции и Германии, а затем и до России. У нас под «романсом» подразумевали небольшое музыкальное сочинение, но уже исключительно лирического содержания, в исполнении голоса и аккомпанирующего инструмента. Наибольшее влияние на развитие романса в Европе оказало творчество поэтов Иоганна Вольфганга Гете и Генриха Гейне, композиторов Франца Шуберта, Роберта Шумана, Жюля Массне и Шарля Гуно.

Жанр же русского романса сложился в начале XIX века на волне захлестнувшего отечественный музыкальный мир романтизма. Наиболее известные романсы того периода принадлежали Александру Алябьеву, Александру Варламову. Затем романс занял законное место в творчестве самых известных русских композиторов — Михаила Глинки, Николая Римского-Корсакова, Петра Чайковского, Сергея Рахманинова.

Многие из наиболее популярных в наше время романсов были написаны в начале XX века. Их относят к разряду городского, цыганского, «жестокого романса». Тогда романсы писали композиторы-любители, такие как Борис Фомин, Борис Прозоровский, Мария Пуаре. И именно этот период можно назвать золотым веком русского романса: полные залы собирали выступления Надежды Плевицкой, Анастасии Вяльцевой, Веры Паниной.

В послереволюционные годы романс подвергся гонениям как буржуазный пережиток, разлагающий пролетариат и крестьянство. Но даже в этот сложный для романса период его с успехом продолжали исполнять Изабелла Юрьева, Александр Вертинский, Тамара Церетели. Многие из этих музыкантов эмигрировали в Европу, захватив с собой и русский романс, который смог покорить даже не понимающую русский язык публику. Например, «вывезенный» Александром Вертинским романс Бориса Фомина «Дорогой длинною» так полюбился европейцам, что на музыку Фомина возник новый, английский текст, и англичане по сей день уверены, что песня написана на берегах туманного Альбиона.

Спустя годы Алла Баянова, Александр Вертинский, Изабелла Юрьева вернулись в Россию и с невероятным успехом продолжили карьеру уже в нашей стране. Романс же навсегда остался одним из самых любимых в России музыкальных жанров как у слушателей, так и у исполнителей.

Русская музыка 19 века — периоды, стили, жанры, школы

Русскую музыку 19 века принято делить на два периода: до появления великого композитора М.И. Глинки, то есть, примерно до 1830-1840 годов, и после.

• До – эпоха раннего романтизма, или «до – глинкинская»,
• после в русской музыке наступает классический период.

Русская музыка 19 века  — история, имена, характеристика

Первый период в отечественной музыкальной истории —  это «до – глинкинская» эпоха

В начале века в русской музыке царило смешение двух стилей – классицизма и романтизма. В первой половине 19 столетия произошли такие масштабные для России события, как Отечественная война, восстание декабристов; в обществе распространялись идеи Великой Французской революции, произошедшей незадолго до этого. Все это не могло не отразиться на культуре страны. В литературе появляются М.Ю. Лермонтов, В.Ф. Одоевский, в живописи – О.А.Кипренский и К. П. Брюллов. В музыкальной культуре России 19 века также слышны отголоски романтизма, который по-настоящему захлестнет страну с приходом М.И. Глинки.

Основные жанры и направления

Самыми популярными течениями в русской музыке 19 века были:

1. «городская» песня. Окончательно сформировывается к 19 веку. Чаще всего такие песни рождались из простой гитарной импровизации безымянных любителей на стихи поэтов (например, «Вечерний звон», «Чем тебя я огорчила»).
2. запись и обработка народных напевов. В конце 18 века В.Трутовский выпустил сборник русских народных песен. Ими заинтересовались практически все жители столицы, после чего стало появляться множество музыкальных произведений в народном стиле («Вьется ласточка сизокрылая»).
3. камерно-вокальная музыка с примесью русского фольклора, исполняемая на музыкальных домашних вечерах. Под влиянием романтизма появляется русский романс (особенно популярны были романсы А. А. Алябьева («Соловей») и А.Е. Варламова («Ах, ты, время-времечко», «Вдоль по улице метелица метёт»)) и созданный на его основе цыганский романс, в котором не требовался профессиональный вокальный голос и замысловатый аккомпанемент (например: «Твои глаза зелёные»).

Также был ещё жив такой музыкальный жанр, как водевиль – легкая пьеса с куплетами. В музыкальной культуре России «до-глинского» периода были особенно популярны водевили:

• А.А. Шаховского («Любовное зелье», «Беглец от своей невесты»)
•  Ф.В. Булгарина («Разговор в царстве мёртвых», «Похождения Митрофанушки на Луне»),

однако каждый молодой дворянин считал своим долгом сочинить хотя бы раз в своей жизни водевильную пьеску для бенефиса какого-нибудь актера.

В театрах исполнялись преимущественно итальянские и французские оперы. В русской опере преобладали былинные мотивы; однако уже было заметно влияние романтизма (А.Н. Верстовский, например, часто использовал в своих произведениях романтические сюжеты – обращение к эпохальному прошлому).

Начало классического периода русской музыки — М.И. Глинка

С появлением Михаила Ивановича Глинки, основоположника композиторской школы в России, в русской музыке 19 века начался настоящий подъем. Его музыкальные произведения пропитаны народными мотивами, в них присутствует тот самый Пушкинский «русский дух». Кроме великолепных вокальных произведений и симфоний, композитор создал две оперы (одни из самых выдающихся за всю историю музыки): «Жизнь за царя» (1836) и «Руслан и Людмила»(1842). Оба этих произведения пронизаны сильнейшим патриотическим и русским началом, ведь М.И. Глинка сам сказал:

«В музыке должны присутствовать интонации и даже целиком мелодии народной музыки той национальности, к которой принадлежит автор».

Так, в опере «Жизнь за царя» в образе простого крестьянина Ивана Сусанина М.И. Глинка показал всю силу и мощь русского народа. Самое главное новаторство оперы заключалось в том, что главным героем музыкального произведения стал мужик, крепостной. Неудивительно, что великосветское общество невысоко оценило оперу, однако многие классики литературы (например, Н.В. Гоголь, А.С. Пушкин) были её настоящими поклонниками.

В эпической сказке с яркими романтическими мотивами «Руслан и Людмила» Глинка ещё дальше отошел от традиций французских и итальянских опер, поэтому и это музыкальное произведение не было встречено с восторгом. Тем не менее, именно после этих произведения русская музыка была признана во всем мире, а М.И. Глинка по праву признан основоположником музыкальной классики в России.

Русская музыка второй половины 19 века

Во второй половине 19 века музыка становится более доступной для разных слоев населения.

• Открываются Московское и Петербургское отделения Императорского русского музыкального общества, постоянно проводящие доступные всем музыкальные собрания,
• В Петербурге создается бесплатная музыкальная школа,
• Основываются консерватории – вначале в столицах (возглавляли их братья Рубинштейны), а концу века и в других городах.

Становятся популярными новые музыкальные жанры – симфонические циклы, симфонии (первая симфония (фа-мажор) была создана А.Г. Рубинштейном в 1859, но она не получила широкой популярности; более известна его симфония номер 2 до-мажор под названием «Океан». Настоящего расцвета в русской музыке этот жанр достиг в творчестве Римского-Корсакова и Чайковского).

Композиторские школы 19 века в России 

Также в стране в 19 веке формируются две крупнейшие композиторские школы:

•  Первая – Новая русская школа в Петербурге, позже В.В. Стасов назовет её «Могучая Кучка».

В нее входили М.А. Балакирев, А.П. Бородин, М.П. Мусоргский, Н.А. Римский-Корсаков и Ц.А. Кюи. Главным своим наставником и учителем они видели М.И. Глинку, а главной целью – воплощение национального начала в своих музыкальных произведениях. В то время очень сильны были революционные идеи; вся интеллигенция размышляла над проблемами крестьян, сами же крестьяне устраивали бунты и восстания. На этом фоне и появилась «Могучая кучка» с её идеями национального, духовного, народного богатства. Тщательно собирая русский фольклор, они старались передать в операх всю силу народного духа.

• Вторая – московская школа;

возглавлял её П.И. Чайковский, и в нее входили А.А. Алябьев, С.И. Танеев, А.Е Варламов и другие.

Если петербургская композиторская школа стояла за эпичность в музыке, то московской школе русских композиторов были более свойственны лирические произведения. Например, природа, пейзаж у П.И. Чайковского всегда изображен через призму человеческих чувств, у композиторов «кучкистов» природа, скорее, сильный, полноправный герой, не имеющий ничего общего с человеком. Таких различий много, однако, самое главное – они относились к разным временным эпохам.

• Московская школа представляла эпоху уходящую, «век минувший»,
• Петербургская же (или «новая русская», как её называли) заключала в себе все, что было свойственно «веку нынешнему».

Антагонизм этих двух школ повлиял на творчество не только их приверженцев, но и тех композиторов, которые не причисляли себя ни к той, ни к другой школе.

Исполнительское искусство 19 века

Что касается исполнительского искусства, в России очень многое поменялось в течение этого периода. До него распространено было лишь любительское домашнее музицирование (об этом уже говорилось выше), к началу же 20 века музыкальные произведения стали исполняться в огромных залах оперных театров, стали формироваться отечественные школы игры и пения и открываться высшие учебные заведения.

Музыкальные инструменты

Одно из главных изобретений 19 века – механизм вентилей для духовых инструментов, с помощью которого возможности духовых музыкальных инструментов стали гораздо шире; появились новые инструменты – например, туба и флейта-пикколо. Кроме того, то пианино, на котором мы играем сегодня, было изобретено в то же время в Америке и сразу же приобрело небывалую популярность и в России.

Подведем итог.

В русской музыкальной культуре 19 века произошел настоящий подъем, сформировалась национальная музыкальная школа, и отечественных композиторов признал и начал уважать весь мир.

По этой же теме  мы приготовили кроссворд

Вам понравилось? Не скрывайте от мира свою радость — поделитесь

Русская музыка 18 века

В XVIII веке большинство европейских государств охватило просветительское движение. Благодаря реформам Петра I Россия активно включилась в этот процесс, приобщаясь к  достижениям европейской цивилизации. Ее поворот в сторону Европы, породивший феномен «русской европейскости», произошел типично по-русски – круто и решительно. Взаимодействие с более устоявшимися художественными школами Западной Европы позволило русскому искусству пройти путь «ускоренного развития», освоив в исторически сжатые сроки европейские эстетические теории, светские жанры и  формы.

Главное достижение русского Просвещения – расцвет личностного творчества, которое приходит на смену безымянному труду художников Древней Руси. Реализуется ломоносовская формула: «будет собственных Платонов и быстрых разумом Ньютонов Российская земля рождать».

Наступает время активного становления светского мировоззрения. Храмовое искусство продолжает свое развитие, однако постепенно отходит на второй план в культурной жизни России. Светская же традиция всемерно укрепляется.

В музыке XVIII века, как в литературе и живописи, утверждается новый стиль, близкий европейскому классицизму.

Новые формы великосветского быта  –  гуляния в парках, катания по Неве, иллюминации, балы  и «маскерады», ассамблеи и дипломатические приемы  – способствовали широкому развитию инструментальной музыки. По указу Петра  в каждом полку появились военные духовые оркестры. Официальные торжества, балы и празднества обслуживались двумя придворными оркестрами и придворным хором[1]. Примеру двора следовала петербургская и московская знать, которая  заводила у себя домашние оркестры. Крепостные оркестры и музыкальные театры создавались и в дворянских усадьбах[2]. Распространяется любительское музицирование, обучение музыке становится обязательной частью дворянского воспитания. В конце столетия многообразная музыкальная жизнь характеризовала быт не только Москвы и Петербурга, но и других русских городов.

Среди музыкальных новшеств, неизвестных Европе, был роговой оркестр, созданный российским императорским камер-музыкантом И.А. Марешом по поручению С.К. Нарышкина. Мареш создал слаженный ансамбль, состоящий из 36 рогов (3 октавы). Участвовали в нем крепостные музыканты, которые играли роль живых «клавиш»,  поскольку каждый рог мог издавать только один звук. В репертуар входила классическая европейская музыка, в том числе сложные сочинения Гайдна и Моцарта[3].

В 30-х годах XVIII века в России была создана придворная итальянская опера, спектакли которой давались в праздничные дни для «избранной» публики. В это время Петербург привлекает многих крупнейших европейских музыкантов,  преимущественно итальянцев, среди которых композиторы Ф. Арайя, Б. Галуппи, Дж. Паизиелло, Дж. Сарти, Д. Чимароза[4]. Франческо Арайя в 1755 году написал музыку к первой опере с русским текстом. Это было либретто А.П. Сумарокова на сюжет из «Метаморфоз» Овидия. Опера, созданная в итальянском жанре seria, называлась «Цефал и Прокрис».

В петровскую эпоху продолжали развиваться такие национальные музыкальные жанры, как партесный концерт и кант.

Канты петровского времени нередко назывались «виватами»[5], поскольку они изобилуют прославлениями военных побед и преобразований («Радуйся, Росско земле»). Для музыки «приветственных» кантов характерны фанфарные обороты, торжественные ритмы полонеза. Их исполнение часто сопровождалось звучанием труб и колокольным звоном.

На петровскую эпоху приходится кульминация в развитии хорового партесного пения. Блестящий мастер партесного концерта В.П. Титов занял место первого музыканта при дворе царя Петра. Именно ему было поручено написать торжественный концерт по случаю Полтавской победы, одержанной русскими войсками в 1709 году («Рцы нам ныне» – за сочинением утвердилось название «Полтавскому торжеству»).

В середине XVIII века стремление к хоровым эффектам в партесных концертах достигло гипертрофированных форм: появились сочинения, партитуры которых насчитывали до 48 голосов. Во второй половине столетия на смену торжественному пар­тесному концерту приходит новое художественное явление – ду­ховный концерт. Таким образом, в течение всего XVIII века русское хоровое пение прошло большой путь эволюции – от монументального партесного стиля, вызывающего ассоциации с архитектурным стилем барокко, к высоким образцам классицизма в творчестве М. С. Березовского и Д. С. Бортнянского, создавших классический тип русского духовного концерта.

Русский духовный хоровой концерт

В XVIII веке значительно расширилось жанровое содержание хоровых произведений. Возникли хоровые обработки народных песен, хоровая оперная музыка, танцевальная музыка с хором (самый знаменитый образец – полонез Козловского «Гром победы раздавайся» на слова Державина, который в конце XVIII приобрел значение государственного гимна Российской империи).

Ведущим хоровым жанром становится русский духовный концерт, служивший своеобразным символом древней отечественной традиции. Своего наивысшего расцвета духовный концерт достиг в екатерининскую эпоху (1762- 1796). Это было благоприятное время для российской культуры. Попытка возродить дух петровских преобразований во многом увенчалась успехом. Политика, экономика, наука и культура вновь получили импульс к развитию. Возобновилась практика обучения наиболее талантливых представителей науки и искусства за границей. Тесные культурные контакты России с просвещенной Европой не могли не повлиять на появление первых опытов профессионального композиторского творчества.

В этот период было создано более 500 произведений концертного жанра. К нему обращались почти все известные нам русские композиторы второй половины XVIII столетия.

Рожденный в недрах партесного многоголосия, духовный концерт на протяжении своего развития интегрировал два начала – церковную певческую традицию и новое светское музыкальное мышление. Концерт получил распространение и как кульминационная часть церковной службы, и как украшение придворных церемониалов. Он был средоточием тем и образов, затрагивавших глубокие нравственные и философские проблемы.

Если «партесный концерт можно до известной степени сопоставить с concerto grosso, то структура классического хорового концерта имеет общие черты с сонатно-симфоническим циклом. Она обычно состояла из трех или четырех разнохарактерных частей с контрастными приёмами изложения. В заключительной части, как правило, преобладали приемы полифонического развития.

Большой вклад в становление русского классического хорового концерта внесли выдающиеся иностранные композиторы, жившие в Петербурге (Д.Сарти, Б. Галуппи). Вершинные достижения русской хоровой музыки эпохи Просвещения связаны с именами М.С. Березовского и Д.С. Бортнянского.

М. С. Березовский – выдающийся мастер русской хоровой музыки XVIII века, один из первых представителей национальной композиторской школы. Сохранившееся творчество композитора невелико по объему[6], однако весьма значительно по своей исторической и художественной сути. В музыкальной культуре 60-70-х годов XVIII столетия оно открывает  новый этап – эпоху русского классицизма.

Имя Березовского называется в числе родоначальников  классического хорового концерта a capрella: его произведения, наряду с творчеством итальянского композитора Галуппи, представляют первый этап в развитии этого жанра.

Вершиной творческих исканий М.С. Березовского стал концерт «Не отвержи мене во время старости». Это общепризнанный шедевр русской музыки XVIII века, стоящий в одном ряду с высочайшими достижениями современного ему европейского искусства. Небольшой по масштабам, концерт воспринимается как произведение эпически монументальное. Его музыка, раскрывающая многообразный духовный мир человека,  поражает глубиной эмоций и жизненной достоверностью.

И в тексте, и в музыке концерта отчетливо звучит личная интонация. Это речь от первого лица. Просьба-мольба, взывающая ко Всевышнему (I часть), сменяется картиной преследований человека злобствующими недругами (II часть – «Пожените и имите его»). Затем следует новая тема – молитва надежды («Боже мой, не удалися» – III часть), и наконец, финал, полный протестующего пафоса, направленного против зла и несправедливости («Да постыдятся и исчезнут оклеветающии душу мою»). Уже тот факт, что всем темам концерта свойственны определенные, конкретные эмоциональные черты, говорит о принципиальной новизне стиля, преодолевающего абстрактную нейтральность тематизма партесного пения.

Четыре части произведения связаны не только единым драматургическим замыслом и тональной логикой, но и интонационными нитями: певучая тема, звучащая в первых тактах концерта, становится интонационной основой всех прочих образов. Особенно существенно то, что начальное интонационное зерно трансформируется в динамичную и напористую тему заключительной фуги «Да постыдятся и исчезнут. ..», которая является вершиной в развитии всего цикла.

Д. С. Бортнянский развил основной тип русского классического хорового концерта, соединив в музыке элементы светского музыкального инструментализма и вокальной церковной музыки. Как правило, его концерты имеют три части, чередующиеся по принципу быстро – медленно – быстро. Нередко первая часть, самая весомая в цикле, содержит признаки сонатности, выраженные в сопоставлении двух контрастных тем, изложенных в тонико-доминантовом соотношении. Возвращение в основную тональность происходит в конце части, но без тематических повторов.

Бортнянскому принадлежат 35 концертов для 4-голосного смешанного хора, 10 концертов для 2 хоров, ряд других церковных песнопений, а также светские хоры, в том числе патриотическая хоровая песня «Певец во стане русских воинов» на сл. В. А. Жуковского (1812).

Одно из глубоких и зрелых сочинений мастера – Концерт № 32, отмеченный П.И. Чайковским[7] как «лучший из всех тридцати пяти». Его текст взят из 38-го псалма Библии, где есть такие строки: «Скажи мне, Господи, кончину мою и число дней моих, дабы я знал, какой век мой… Услышь, Господи, молитву мою, и внемли воплю моему; не будь безмолвен к слезам моим…». В концерте три части, но между ними нет контраста. Музыка отличается единством скорбно-элегического настроения и цельностью тематизма. Первая часть открывается темой, изложенной трехголосно и напоминающей псальму XVII века. Вторая часть – короткий эпизод строгого хорального склада. Развернутый финал, написанный в форме фуги, превышает по размерам первые две части. В музыке финала преобладает тихая нежная звучность, передающая предсмертную мольбу человека, уходящего из жизни.

Сборники русских песен

Для всей передовой русской культуры XVIII века характерен глубокий интерес к образу жизни, нравам и обычаям народа. Начинается  систематическое собирание и изучение фольклора. Известный литератор Михаил Дмитриевич Чулков составляет первый в России сборник текстов народных песен.

Впервые делаются нотные записи народных песен, появляются печатные сборники с их обработками: Василия Федоровича Трутовского («Собрание русских простых песен с нотами»), Николая Александровича Львова[8] и Ивана Прача[9] («Собрание народных русских песен с их голосами»).

В сборник Львова-Прача вошли 100 песен, многие из которых являются классическими образцами русского фольклора: «Ах вы, сени, мои сени», «Во поле береза стояла», «Во саду ли, в огороде». В предисловии к сборнику  («О русском народном пении») Н. Львов впервые в России указал на неповторимое своеобразие русской народной хоровой полифонии.

Песни из этих сборников использовались как любителями музы­ки, так и композиторами, которые заимствовали их для сво­их произведений – опер, инструментальных вариаций, сим­фонических увертюр.

К середине XVIII века относится уникальное собрание русских былин и исторических песен под названием «Сборник Кирши Данилова». О его составителе нет достоверных сведений. Предполагается, что Кирша Данилов (Кирилл Данилович) был певцом-импровизатором, скоморохом, жившим на горнозаводском Урале. Напевы песен он записал одной строчкой без текста, который помещен отдельно[10].

Русская национальная композиторская школа

С профессиональным освоением национального фольклора непосредственно связано становление во второй половине XVIII века первой в России светской композиторской школы. Ее рождение стало кульминацией русского Просвещения. Родиной школы был Санкт-Петербург, где  расцвел талант самых ярких ее представителей. В их числе – основоположники русской оперы В.А. Пашкевич и Е.И. Фомин, мастер инструментальной музыки И.Е. Хандошкин, выдающиеся творцы классического духовного концерта М.С. Березовский и Д.С. Бортнянский, создатели камерной «российской песни» О.А. Козловский и Ф.М. Дубянский и другие.

         Большинство русских композиторов были выходцами из народной среды[11]. Они с детства впитали живое звучание русского фольклора. Естественным и закономерным, поэтому, стало включение народных песен в русскую оперную музыку (оперы В. А. Пашкевича и Е.И. Фомина), в инструментальные сочинения (творчество И.Е. Хандошкина).

         По традиции предшествующих веков наиболее широко в век Просвещения развивались вокальные жанры, как светские, так и храмовые. Среди них выделяются духовный хоровой концерт, комическая опера и камерная песня. Как и в фольклористике, в этих жанрах сохраняется отношение к слову как к приоритетной основе музыки. Автором оперы считается либреттист, а автором песни – поэт; имя композитора нередко оставалось в тени, а со временем забывалось.

Русская комическая опера

Рождение национальной композиторской школы XVIII столетия было тесно связано с развитием русской оперы. Оно началось с музыкальной комедии, которая опиралась на комедийные произведения русских писателей и поэтов: Я. Княжнина, И. Крылова, М. Попова, А. Аблесимова, М. Матинского.

Комическая опера была бытовой по своему содержанию, с незамысловатой, но увлекательной фабулой из повседневной российской жизни. Ее героями были сметливые мужички, крепостные крестьяне, скупые и жадные богатеи, наивные и прекрасные девушки, злые и добрые дворяне.

Драматургия строилась на чередовании разговорных диалогов с музыкальными номерами, основанными на русских народных песнях. Поэты указывали в либретто, на какой «голос» (популярную песню) следовало петь ту или иную арию. Примером может служить самая любимая русская опера XVIII века «Мельник – колдун, обманщик и сват» (1779) А. Аблесимова с музыкой М. Соколовского[12]. Драматург А. О. Аблесимов сразу писал свои тексты в расчете на определенный песенный материал. Вклад М. Соколовского заключался в обработке песен, что вполне мог осуществить и другой музыкант (не случайно авторство музыки долгое время приписывалось Е. Фомину).

Расцвету комической оперы способствовал талант выдающихся русских актеров – Е. С. Яковлевой (в замужестве Сандуновой, на сцене же – Урановой), крепостной актрисы П.И. Ковалевой-Жемчуговой, И.А. Дмитревского.

Выдающуюся роль в развитии русской оперы XVIII века сыграл  Василий Алексеевич Пашкевич (ок. 1742-1797) – один из крупнейших русских композиторов XVIII века. Лучшие из его опер («Несчастье от кареты», «Скупой», «Санкт-петербургский гостиный двор») пользовались большой популярностью, они шли на сценах многих городов России до середины XIX века. Пашкевич был мастером ансамблевого письма, острых и метких комедийных характеристик. Удачно воспроизводя в вокальных партиях речевые интонации, он предвосхитил принципы, характерные впоследствии для творческого метода Даргомыжского и Мусоргского.

Разносторонне одарённым художником проявил себя в оперном творчестве Евстигний Ипатьевич Фомин (1761-1800). Его опера «Ямщики на подставе»[13].  (1787) выделяется мастерством хоровой обработки народных напевов самых разных жанров. Для каждой песни он нашел свой стиль обработки. В опере звучат протяжные песни «Не у батюшки соловей поет» и «Высоко сокол летает», бойкие плясовые «Во поле береза бушевала», «Молодка, молодка молодая», «Из-под дуба, из-под вяза». Несколько песен, отобранных для «Ямщиков», спустя три года почти без изменений вошли в «Собрание народных русских песен» Н.Л. Львова – И. Прача.

В другом своем сочинении – мелодраме[14] «Орфей» (на текст Я. Княжнина по античному мифу, 1792) – Фомин впервые в русской опере воплотил трагическую тему. Музыка мелодрамы стала одним из вершинных творений русского искусства эпохи Просвещения.

В увертюре, предшествующей мелодраме, во всей полноте раскрылось дарование Фомина-симфониста. В ней композитор с удивительным чувством стиля сумел передать трагический пафос древнего мифа. По сути, Фоминым был сделан первый шаг на пути создания русского симфонизма. Так в недрах театра, как это было и в Западной Европе, рождалась будущая русская симфония.

Оперы Фомина были по достоинству оценены лишь в середине XX века. При жизни композитора их сценическая судьба не была счастливой. Опера «Ямщики на подставе», написанная для домашнего театра, осталась неизвестной широкой публике. Постановка комической оперы «Американцы» (на либретто молодого И.А. Крылова) была запрещена (директору императорских театров не понравилось, что в ходе развития сюжета индейцы собираются сжечь двух европейцев).

Бытовая вокальная лирика

         Огромное реформаторское значение в народном творчестве имело рождение нового пласта фольклора – городской песни. Она возникла на основе народной крестьянской песни, которая «приспосабливалась» к городскому быту – новой     манере исполнения: ее мелодия сопро­вождалась аккордовым аккомпанементом какого-либо ин­струмента.

В середине XVIII века в России возникает новый вид вокальной музыки – «российская песня». Так называли произведения для голоса с инструментальным сопровождением, написанные на русские поэтические тексты[15]. Лирические по содержанию, «российские песни» были предшественниками русского романса.

Родоначальником «российской песни» стал видный сановник при дворе Екатерины II, образованный любитель музыки Григорий Николаевич Теплов, автор первого русского печатного песенника «Между делом безделье…» (1759). По стилю и манере изложения песни Теплова представляют собой переходный жанр от канта к романсу с сопровождением. Форма его песен, как правило, куплетная.

Жанр «российской песни» был теснейшим образом связан с фольклорной традицией. Не удивительно, поэтому, что многие авторские песни стали народными («Вот мчится тройка почтовая» Ивана Рупина на сл. Ф. Н. Глинки).

В конце XVIII века выдвигаются талантливые мастера камерного вокального жанра – Федор Дубянский и Осип Козловский. Созданные ими «российские песни», имеющие уже достаточно раз­витую фортепианную партию, более сложную форму,  можно считать  первыми русскими романсами. В них явно слышны отзвуки городского быта («Стонет сизый голубочек» Дубянского, «Милая вечор сидела», «Прежестокая судьбина» Козловского).

В «российских песнях» широко использовались стихотворения известных поэтов: Сумарокова, Державина, Дмитриева, Нелединского-Мелецкого. Своим образным содержанием они связаны с типичными настроениями искусства сентиментализма. Как правило, это любовная лирика: муки и услады любви, разлука, измены и ревность, «прежестокая страсть».

Большой популярностью пользовались также анонимные «российские песни», изданные Ф. Мейером («Собрание наилучших российских песен», 1781).

Камерно-инструментальная музыка

В 70–80-е годы XVIII века в России началось формирование профессионального камерного инструментализма. В это время русские музыканты осваивают сложные формы инструментальной музыки, разрабатывают жанры сольной сонаты, вариаций, камерного ансамбля. Этот процесс был тесно связан с повсеместным распространением домашнего музицирования. Музыка городского или усадебного быта в течение долгого времени оставалась той «питательной средой», в которой вызревали ранние ростки национального инструментального стиля.

Первые русские инструментальные ансамбли принадлежат Дмитрию Бортнянскому. Это фортепианный квинтет и «Камерная симфония», фактически представляющая собою септет для фортепиано, арфы, двух скрипок, виолы да гамба, фагота и виолончели.

Особенно любимыми были всевозможные танцевальные пьесы – ме­нуэты, полонезы, экоссезы, контрдансы – и вариа­ции на темы народных песен для различных инструментов. Множество таких вариаций для скрипки создал Иван Евстафьевич Хандошкин (1747-1804), представитель санкт-петербургской школы – композитор, выдающийся  скрипач-виртуоз, дирижер и педагог. Хандошкин славился искусством импровизации, хорошо владел также игрой на альте, гитаре и балалайке.

         В истории русской музыки имя Хандошкина связано с созданием национальной скрипичной школы. Большую часть его творческого наследия составляют вариации на темы русских народных песен и сонаты для скрипки, двух скрипок, скрипки и альта или скрипки с басом. С этими сочинениями русская камерно-инструментальная музыка впервые вышла из тесного круга домашнего музицирования, приобретя виртуозный размах. Важно и то, что в них достигнуто достаточно органичное единство европейского инструментального языка и русского фольклора. Исследователи считают, что мелодии некоторых песен, взятых композитором в качестве тем для вариаций, были впервые записаны им самим. 

Вариации на русские темы для фортепиано писали Трутовский (например, на тему народной песни «Во лесочке комарочков много уродилось), Караулов, а также работавшие в России иностранные музыканты.

---

[1] Он был создан на основе хора государевых певчих дьяков.

[2] Особенно выделялись театры П. М. Волконского и Н. П. Шереметева (под Москвой).

[3] Роговая музыка, исполнявшаяся на открытом пространстве, существовала до начала XIX века.    

[4] Роль иностранных музыкантов в развитии русской музыки была двойственной. Справедливые упрёки передовой общественности вызывало слепое преклонение аристократических кругов перед всем иностранным, связанное с недооценкой русского искусства. Вместе с тем деятельность иностранных композиторов, исполнителей и педагогов способствовала общему подъёму музыкальной культуры и воспитанию отечественных кадров музыкантов-профессионалов.

[5] «Виват» (лат.) – «да здравствует».

[6] Судьба его творческого наследия драматична: большинство сочинений  композитора, звучавших на протяжении всего XIX столетия, оставалось  в  рукописях и хранилось в Придворной певческой капелле. В первых десятилетиях XX века весь богатейший архив капеллы с уникальными автографами многих русских композиторов был сожжен.

Успех и признание, покровительство высочайших особ пришли к Березовскому рано. Уже в молодом возрасте прославившись в России, он вскоре стал первым русским композитором, принятым в члены знаменитой Болонской академии. Однако, несмотря на все высокие отличия, вернувшись после 9-летнего пребывания за границей на родину, Максим Березовский не смог добиться сколько-нибудь заметного положения. Его зачисление в Придворную капеллу на скромную должность рядового служащего явно не соответствовало ни полученному зарубежному опыту, ни творческим возможностям. Очевидно, это вызывало у композитора чувство горького разочарования, хотя его хоровые духовные сочинения разучивались всеми любителями церковного пения и высоко оценивались современниками.

 

[7] Чайковский отредактировал все хоровые сочинения Бортнянского, вошедшие в издание Юргенсона (1885).

[8] видный деятель русской культуры, ученый, худож­ник, поэт, любитель музыки, собиратель текстов народных песен.

[9]  чешский композитор, работавший в России. Подлинное имя Ян Богумир.

[10] Один из напевов использован Н. А. Римским-Корсаковым в опере «Садко» (дружинная песня 4-й картины).

[11] Лишь Е.И. Фомин окончил Академию художеств как композитор. Все остальные музыканты выдвинулись из среды придворных певчих и оркестрантов, поскольку специальных музыкальных учебных заведений в то время не было. Музыкальные кадры формировались, в основном, в Придворной певческой капелле, в  военных и крепостных оркестрах, частных театрах, либо получали домашнее образование. В культурной среде XVIII века музыка занимала самое низкое положение, она целиком зависела от меценатства, а сам музыкант в аристократическом обществе занимал положение полуприслуги. Творения русских авторов нередко считались музыкой «второго сорта» по сравнению с произведениями немцев или итальянцев. Ни один отечественный мастер не достиг высокой должности при дворе.

[12] Умный и хитрый мельник Фаддей, притворившись всесильным колдуном, совершенно заморочил голову простодушным своим соседям. Впрочем, все заканчивается  веселой свадьбой девушки Анюты и красивого деревенского парня Филимона.

 

[13] На почтовой станции – подставе –  собираются ямщики. Среди них молодой ямщик Тимофей, который удался и лицом, и умом, и сноровкой. С ним молодая красавица-жена Фадеевна, любящая мужа. Но у Тимофея есть завистник и злейший враг – вор и пройдоха Филька Пролаза. Этот Филька мечтает сбыть счастливчика Тимофея в рекруты и завладеть его женой, давно ему приглянувшейся. И быть бы Тимофею солдатом, если бы не проезжий офицер. Он помогает освободить Тимофея как единственного кормильца крестьянской семьи от службы. В солдаты же попадает сам Филька.

[14] Мелодрама – театральная пьеса с музыкой, которая чередуется с декламацией, а иногда исполняется одновременно с произнесением текста.

 

[15] стихотворение на французском языке, положенное на музыку, называлось романсом.

 

История балета 16-17вв

Балет зародился в Италии…

Всё началось более пятисот лет назад в Северной Италии. Это была эпоха Возрождения, отличительными чертами которой были светский характер культуры, гуманизм и антропоцентризм, то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности.

В эпоху Возрождения итальянские князья устраивали дворцовые празднества, в которых танец занимал важное место. Однако пышные одеяния, как и залы не допускали неорганизованного движения. Поэтому существовали специальные учителя – танцмейстеры, которые репетировали с дворянами движения и отдельные фигуры, чтобы потом руководить танцующими. Постепенно танец становился все более театральным, а само слово «балет» обозначало композиции, передававшие не сюжет, а свойство или состояние характера.

К концу XV века такого рода балет входил в зрелища, созданные известными поэтами и художниками. В 1496 году Леонардо да Винчи рисовал костюмы танцовщиков и изобретал сценические эффекты для праздника миланского герцога.

В 1494 году, когда король Франции Карл VIII вошел в Италию, претендуя на Неаполитанский престол, его придворных впечатлило мастерство итальянских учителей танцев. В результате танцмейстеров стали приглашать ко французскому двору. Тогда же возникла необходимость в нотации – системе записи танца. Автором первой из известных систем стал Туан Арбо. Он записывал танцевальные па музыкальными знаками.

Развитие продолжилось во Франции…

Французская королева Екатерина Медичи для постановки придворных представлений пригласила итальянца Бальдасарино ди Бельджойозо (во Франции его называли Бальтазар де Божуайё). Балет тогда утвердился как жанр, где драма, «поющийся рассказ» (речитатив) и танец образовали непрерывное действие. Первым в этом жанре и наиболее известным считается «Цирцея, или Комедийный балет королевы», поставленный в 1581 году. Сюжет был позаимствован в античной мифологии. Танцы исполняли в пышных костюмах и масках знатные дамы и вельможи.

В XVI веке по мере развития инструментальной музыки усложнялась и техника танца. Во Франции XVII века стали появляться балеты-маскарады, а затем помпезные мелодраматические балеты на рыцарские и фантастические сюжеты, где танцевальные эпизоды перемежались с вокальными ариями и декламацией стихов — «Балет об Альцине» (1610), «Триумф Минервы» (1615), «Освобождение Ринальдо» (1617). Такие балеты состояли из разных номеров, что сегодня напоминает дивертисмент, и впоследствие станут одной из важных структурных форм будущего балета.

Позже король Франции Людовик XIII, увлекающийся танцами и получивший прекрасное музыкальное образование, был автором балетного спектакля «Мерлезонский балет» (15 марта 1635 год). Сюжетом стали приключения во время охоты на дроздов – одного из любимых развлечений короля. Балет состоял из 16 актов. Его величество не только сочинил либретто, музыку, хореографию, набросал эскизы декораций и костюмов, но и исполнил две роли: торговки приманками и крестьянина.

Первые шаги молодого искусства. Великий Пьер Бошан

Спектакли придворного балета достигли особого великолепия во времена короля Людовика XIV. Потому что только тогда танец начали исполнять по определенным правилам. Впервые их сформулировал французский балетмейстер Пьер Бошан (1637–1705).

Свое знаменитое прозвище «король-солнце» Людовик XIV получил после исполнения роли Солнца в «Балете ночи». Он любил танцевать и участвовать в спектаклях. В 1661 году он открыл Королевскую академию музыки и танца, куда были приглашены 13 ведущих танцмейстеров. Их обязанностью стало сохранение танцевальных традиций.

Директор академии, Пьер Бошан, записал каноны благородной манеры танца, основой которой была выворотность ног (en dehors). Такое положение давало человеческому телу возможность свободно двигаться в разные стороны. Все движения он разделил на группы: приседания (плие), прыжки (заноски, антраша, кабриоли, жете, способность зависать в прыжке – элевация), вращения (пируэты, фуэте), положения корпуса (аттитюды, арабески). Выполнение этих движений осуществлялось на основе пяти позиций ног и трех позиций рук (port de bras). Все па классического танца стали производными от этих позиций ног и рук.

Его классификация жива по сей день, а французская терминология стала общей для артистов всего мира, как латынь – для медиков.

Бошан внес неоценимый вклад в классический балет еще и тем, что разделил танцы на три основных вида: серьезный, полухарактерный и комический. Серьезный танец (прообраз современного классического) требовал академической строгости исполнения, внешней красоты, изящества – даже на грани жеманства. Это был «благородный» танец, который использовался для исполнения роли царя, бога, мифологического героя. Полухарактерный – объединял танцы пасторальные, пейзанские и фантастические, которые были для изображения силы природы или персонифицированных человеческих страстей. Пляски фурий, нимф и сатиров также подчинялись его законам. Наконец, комический танец отличался виртуозностью, допускал утрированные движения и импровизацию. Он был нужен для гротесковых и экзотических танцев, встречавшихся в комедиях театра классицизма.

Так началось формирование балета, который к XVIII веку из интермедий и дивертисментов развился в самостоятельное искусство.

Первый театр. Первая труппа

Завоёвывая всё большую популярность, балету становилось тесно во дворцовых залах. Под руководством Бошана создается Парижская опера, где он был балетмейстером, но спектакли почти не отличались от прежних представлений. В них участвовали те же придворные, которые исполняли медленные менуэты, гавоты и паваны. Тяжелые платья, туфли на высоких каблуках и маски не давали женщинам выполнять сложные движения. Тогда Пьером Бошаном была сформирована балетная труппа из одних мужчин-танцовщиков. Их танцы отличались большей грациозностью и изяществом. Женщины на сцене Парижской оперы появились лишь в 1681 году. Большие группы танцовщиков начали синхронно исполнять сложные движения и аккомпанировали солистам; сольный танец содержательно передавал возвышенность характеров, силу эмоций; парный танец складывался в форму па-де-де. Высокоусловный, тяготеющий к виртуозности танец зависел от музыки и добивался равных с ней прав в практике и теории.

Французскую хореографию значительно обогатили драматург Мольер и композитор Ж. Б. Люлли, который сначала сотрудничал с Мольером как балетмейстер и танцовщик в комедиях-балетах «Брак поневоле» (1664), «Жорж Данден» (1668), «Мещанин во дворянстве» (1670). Став композитором, Люлли создал жанр музыкальной трагедии, где сказалась эстетика классицизма: монументальность образов, ясная логика развития, строгость вкуса, чеканность форм. Действие лирических трагедий подкреплялось пластически-декоративными шествиями, пантомимами, танцами.

Реформа балетного театра вызвала подъём исполнительского мастерства — появились  танцовщики Л. Пекур, Ж. Баллон. Первой профессиональной танцовщицей стала мадемуазель Лафонтен, выступив в опере-балете Люлли «Триумф любви». Позже она была известна как «королева танца».

Серьезные танцы исполнялись в широкой юбке, которая держалась на камышовых обручах. Из-под неё виднелись носки туфель. Мужчины надевали парчовые кирасы и короткие юбки на камышовых каркасах, которые назывались «бочонки». Обувь у всех была на высоком каблуке. Кроме того, они закрывали лицо круглыми масками разных цветов, в зависимости от характера персонажа.

В полухарактерных балетах костюмы были облегченные, зато добавлялись атрибуты, характеризующие танец, – серпы, корзиночки, лопатки, леопардовые шкуры и другие. Костюм для комических танцев не был так строго регламентирован – постановщик доверял фантазии художника.

Тогда же зародилась целая система условных обозначений. Если артист, к примеру, проводил по своему лбу ребром ладони — это подразумевало корону, т.е. короля; крестообразно сложенные руки на груди — «умер»; указал на безымянный палец руки – «хочу жениться» или «женат»; изображение руками волнообразных движений — «приплыл на корабле».

Балет очаровывает Европу

Одновременно с развитием балета во всех крупных городах стали появляться свои театры, балетмейстеры и исполнители. Так, балет вернулся на родину — в Италию, где к XVIII веку сложился свой стиль исполнения, отличавшийся от французской манерности технической виртуозностью и большей непосредственностью. Борьба французской и итальянской школ в классическом балете будет продолжаться не один век.

В XVII веке балет появился в Нидерландах. В Англии из-за буржуазной революции и запрета зрелищ балетный театр развился немного позже — только при реставрации монархии. В 1722 году был создан первый придворный театр в Дании, где профессиональные танцовщики участвовали в комедиях-балетах Мольера. И лишь к концу XVIII века балет Дании обрёл самостоятельность. В XVIII веке балет также существовал в Германии, Швеции и Голландии. Формы исполнения, которые были заимствованы у итальянцев и французов, обогащались национальным колоритом.

Балет в Россию пришел позже, чем в другие европейские страны, но именно здесь его застала эпоха расцвета, а это история уже других веков, которая заслуживает отдельной главы.

Лучшие предметы гардероба — классические предметы первой необходимости

Фотоархив CBSGetty Images

Гардеробная скоба. Что это такое на самом деле в наши дни? В условиях столь разнообразной моды и сезонных тенденций идея стойких приверженцев может показаться бессмысленной в такой гламурной, динамичной индустрии.

Действительно, рождение нового модного тренда происходит с большой помпой и обстоятельствами. Он попадает в заголовки новостей, появляется на многих фоторепортажах, знаменитости и влиятельные лица в моде до изнеможения, а в наш век цифровых технологий его используют как мемы.Все эти факторы способствуют его распространению. Он поражает дух времени, как первый удар спички, ярко и яростно горя. Но, как и пламя, оно никогда не длится.

Тенденции эфемерны. Они уходят с хныканьем, заменяются последней новинкой в ​​одежде, и о них полностью забывают, пока Facebook не пришлет одно из уведомлений 10-летней давности. Некоторые смущающие, которые приходят на ум: нормкор, блузки с бантом, кепки Von Dutch и взгляд прямо из актерского состава из The Royal Tenenbaums .Мода — постоянно меняющийся зверь, постоянно сбрасывающий шубу. И все же есть некоторые стойкие слои.

Это основные предметы гардероба. Стили, которые превзошли мимолетные рамки моды, стали ключевыми факторами в том, чтобы выглядеть презентабельно на публике. И они достигли этого статуса благодаря двум отличным характеристикам: универсальности и функциональности.

«Ключ к современной одежде — это гардероб, который можно передвигать», — сказала Фрэнсис Патики Штайн в интервью The New York Times в 1982 году.«Вы должны уметь носить блузки, юбки, брюки и куртки разными способами. С помощью нескольких частей вы можете превратить меньшее в большее. В этом суть одежды на сегодняшний день ».

Штейн, который до того, как стал художественным руководителем Chanel, был редактором журнала, глубоко погрузился в модную индустрию и на протяжении десятилетий был свидетелем ее постоянных изменений. Она, как никто другой, понимала, что испытание временем выдерживают самые простые изделия.

Что длится, так это самое необходимое — одежда и аксессуары, которые могут не вспыхивать и не вызывать переполох, но помогут вам прикрыться самым опрятным образом.Они могут показаться элементарными, но, как знает любой опытный покупатель, настоящего качества никогда не может быть. И поэтому они классика.

1. Жан

Джинсы, сделанные из искривленной ткани, окрашенной в цвет индиго, стали самым символом американской моды. От ковбоев и хиппи до супермоделей и типажей из Кремниевой долины, он преодолевает экономические и стилистические барьеры, становясь типичной формой для отдыха (а иногда и при исполнении служебных обязанностей) — легкой одеждой, которую можно одевать или опускать. , в зависимости от ситуации.

Хотя джинсовые брюки универсальны и их легче всего надеть, найти подходящую пару значительно сложнее. Есть фасоны темных и с завышенной талией, легкие и ультра-скинни, вырезанные и выстиранные в кислоте и т. Д. Это действительно зависит от вашей фигуры и склонностей. Но как только вы найдете пару, которая вам подходит (следует практиковаться методом проб и ошибок), вы никогда не захотите их снимать.

Эта пара получает синюю ленту.

Жан

Ищите меньше Прямые джинсы Raey Rail с высокой посадкой

2. Маленькое черное платье.

В начале 20 века, когда женская мода характеризовалась корсетом, объемными юбками и пастельными оттенками (вспомните: Little Women ), два дизайнера-новатора сломали стереотипы, освободив тело от всех душных элементов.Это были Коко Шанель и Жан Пату (хотя первый заслуживает наибольшего внимания), и они представили маленькое черное платье, или LBD.

В случае Шанель, ее дизайн теперь повсеместного акронима представлял собой шелковый образ с длинными рукавами и заниженной талией, который касался колен. Он олицетворял легкость одевания, вдохновляя других дизайнеров в последующие десятилетия последовать его примеру. От элегантных ножен, которые Юбер де Живанши спроектировал для Одри Хепберн в Breakfast at Tiffany’s до ультра-сексуальных боди-минусов Джанни Версаче в 80-х, до шикарных нарядов Миуччи Прада десять лет спустя — каждый маэстро моды поставил свой собственный штамп. на этот неизгладимый и прибыльный продукт.

Маленькое черное платье

Взгляд Платье миди с V-образным вырезом Victoria Beckham

Маленькое черное платье

Ищите меньше Вязаное платье миди с V-образным вырезом MICHAEL Michael Kors

В этом платье вы будете в хорошей форме — в буквальном смысле.

3.Блейзер

Фраза, позаимствованная у мальчиков, — so passé, , но в случае с пиджаками она определенно уместна. Этот термин был придуман командой гребцов из Кембриджского университета, которые носили — читай: пылающие — красные легкие куртки на реке, чтобы согреться. Затем они будут носить их в кампусе, в конечном итоге пересекая Атлантику и захватывая колледжи в Соединенных Штатах.

Со временем пиджак был принят в вооруженные силы, проник в дворянство и бизнесменов, а позже и в мир высокой моды.Его рост в модных рядах объясняется тем, что он резко скроен, выражает плечи и сужается к талии, что дает мужчинам ощущение отличия. Действительно, это был стиль, тесно связанный с мужественностью.

Затем, в 1966 году, дизайнер Ив Сен-Лоран представил на подиуме свой смокинг Le Smoking, предположительно представив блейзеры индустрии женской одежды. Теперь это наиболее подходящая вещь для занятий спортом в офисе или в любой ситуации, в которой вы хотите проявить добродушие.Так что да, возможно, он был позаимствован у мальчиков, но он идеально подходит для девочек.

Блейзер Saint Laurent с эффектным вырезом на плечах

Станьте плечом к плечу с Джулией Робертс в этом блейзере.

Блейзер

Ищите меньше

Подожгите комнату этим пиджаком Theory.

4.Насос

Насос обычно представляет собой модную обувь, и ее происхождение соответствует этому описанию. В 1800-х годах эту элегантную кожаную обувь с низким вырезом на мыске носили мужчины на оперы, балы и другие блестящие мероприятия. Только в 1954 году дизайнер обуви Роджер Вивье, по многим оценкам, возродил стилет, который стал ассоциироваться с женской обувью на каблуке.

На протяжении многих лет дизайнеры обуви, особенно Шарль Журдан, Маноло Бланик, Кристиан Лабутен и Стюарт Вайцман, продолжали развивать элементы дизайна.Они расширили арку, сделали пятку более тонкой, изогнули стойку и добавили забавные цвета и принты. Но выдерживает скромный черный насос.

Туфли-лодочки с острым носком Manolo Blahnik ‘BB’

Маноло Бланик всегда увеличивает громкость.

Насос

Ищите меньше Туфли-лодочки Schutz Lou с острым носком

Нам нравится обувь, которая подходит к делу.

5. Классическая рубашка

От Кэтрин Хепберн и Каролины Эрреры до Тины Тернер и Сэйд, многие модницы обладали белоснежной застежкой на пуговицах с éclat. Некоторые носят его с шерстяными брюками и лоферами, а другие носят с круглыми юбками и каблуками. Но независимо от стиля и аксессуаров, верх всегда несет в себе формальность — даже если он завязан на животе на концертной сцене. А именно: не зря его называют рубашкой.

Модель имеет воротник, манжеты на рукавах и пуговицы спереди; и обычно изготавливается из шелка, хлопка или их комбинации. Это ключевые атрибуты, обозначающие стиль. Однако правильный способ носить это полностью на ваше усмотрение.

Рубашка Stella McCartney «We Are the Weather»

Изменение климата реально, и эта рубашка говорит об этом четко и ясно.

Классическая рубашка

Ищите меньше Рубашка строгого кроя Banana Republic Petite Riley

Мы бы откусили от этих жемчужно-белых кусочков.

6. Платье с запахом

Красивое, гибкое и удобное платье с запахом — находка для активных женщин. Одежда обычно сделана из трикотажа — воздухопроницаемого, легкого и устойчивого к складкам трикотажа, что делает его идеальным для путешествий или просто для повседневной работы. Кроме того, он завязывается или застегивается на пуговицы на талии, которые закрывают тело.

Платье с запахом тесно связано с Дайан фон Фюрстенберг, светской львицей, ставшей модным дизайнером, которая по настоянию модного редактора Дайаны Вриланд создала компанию на этом предмете.В то время она прыгала с самолета на вечеринку и хотела что-то, что соответствовало бы ее привычному образу жизни. Сегодня гладкое и простое платье подходит для множества ситуаций, предлагая женщинам чувство легкости как в психологическом, так и в визуальном плане.

Платье с запахом и перьями Attico с принтом зебры и перьями

Вот простой и понятный способ заработать свой стиль.

Платье с запахом

Ищите меньше Шелковое платье миди с запахом и принтом Diane von Furstenberg Naomi

В этом шикарном образе нет ничего серого.

7. Балетная квартира

Существуют противоречивые сведения о происхождении балетной квартиры. Один из них утверждает, что это был американский дизайнер Клэр Маккарделл, который начал это в 1941 году, когда она поручила Капезио создать ряд квартир на плоской подошве для своей коллекции.

Другой утверждает, что это была Роза Репетто в 1947 году, когда она вылепила плоскую обувь для своего сына-танцора, который страдал от болей в ногах после уроков. Затем, в 1956 году, после того, как французская актриса Брижит Бардо попросила свою собственную пару и надела их в И Бог создал женщину, балетная квартира, как мы ее знаем, стала известной.

Так или иначе, балетки вошли в лексикон моды, и на протяжении многих лет их популяризовали Рита Хейворт, Жаклин Кеннеди и принцесса Диана. Эти женщины показали, что для достижения портняжной высоты не требуется каблук.

Черные замшевые балетки Repetto Cendrillon

Это прекрасный пример того, почему Репетто — прима-балерина на плоской подошве.

Балетная квартира

Ищите меньше

Этот драгоценный камень доставит вас к двери в кратчайшие сроки.

8. Тренч

Утилитарность — это основа тренча. Его происхождение восходит к тому времени, когда Томас Барберри создавал куртки для военных во время Первой мировой войны. Модель из плотно сплетенного габардина, водостойкой ткани, отличалась двубортным передом, погонами на плечах, клапаном для оружия и штормовыми карманами. Он идеально подходил для пересеченной местности, вроде траншей (отсюда и название).

Со временем тренч покинул переднюю линию подиума.Модельеры начали экспериментировать с такими тканями, как кожа, шелк с хлопком и шерсть, сохраняя при этом классический силуэт. Но это оригинальный легкий и прочный материал, который со временем выиграл войну стилей.

Тренч Burberry Islington из хлопка и габардина

В борьбе за лучший тренчкот Burberry выходит на первое место.

Тренч

Ищите меньше Длинный тренч с капюшоном London Fog

Боритесь с унылой погодой в этом классическом пальто.

9. Брюки

До XIX века носить брюки женщинами считалось непристойным. Юбки были стандартом, и несоблюдение этой нормы было просто недопустимо. Затем, на пороге движения за права женщин, суфражистки, такие как Амелия Блумер (в честь которой и получили свое имя шаровары), нарушили статус-кво. Вскоре все обратили внимание на практичность, которую обеспечивают брюки, особенно во время Второй мировой войны, когда женщины все чаще пополняли ряды сотрудников.

Сегодня брюки, как и пиджак, — самая подходящая вещь для профессионального использования. Изготавливаются ли они из шерсти, льна или даже шелка, в ношении брюк есть что-то, что показывает, что вы все под контролем. Возможно, это потому, что они были табу на протяжении большей части современной истории. Просто обратите внимание, что они бывают разных силуэтов, поэтому убедитесь, что вы выбрали крой, который подчеркивает вашу фигуру.

Брюки из крепа с прорезями и высокой посадкой Jil Sander

Эта пара обязательно покажет им, кто носит штаны в семье.

Брюки

Ищите меньше Тропические брюки из эластичной шерсти Boss Tamea

Умные штаны, конечно.

10. Юбка-трапеция.

Да, брюки передают контроль (читайте выше), но юбки могут вызывать то же чувство. Просто это зависит от длины и объема. Как ни странно, Уинстон Черчилль лучше всего описывает этот этос: «Хорошая речь должна походить на женскую юбку; достаточно длинный, чтобы охватить тему, и достаточно короткий, чтобы вызвать интерес.

Хотя прислушиваться к совету по стилю от мужчины-политика может быть непривычным (по общему признанию, это звучит немного жутковато), в аргументе Уинстона есть правда. В зависимости от вашего роста длинные плавные юбки могут казаться серыми, а короткие, облегающие фигуру — непристойными. Вот почему лучше всего придерживаться золотой середины, такой как юбка А-силуэта — термин, придуманный Кристианом Диором в 1950-х годах. Стиль, который часто простирается чуть ниже колена, очаровательно драпирует талию и расширяется к подолу.

Юбка-трапеция

Взгляд Хлопковая юбка-трапеция с поясом Marni

Это, безусловно, лучший вариант.

Юбка-трапеция

Ищите меньше Юбка-миди Lee Mathews с поясом

11. Белые кроссовки.

Белые кроссовки, возможно, изначально были выбором теннисистов, но с тех пор они вышли далеко за пределы корта. Создавая легкость и стиль, его можно носить в самых разных случаях. Несомненно, белые кроссовки существуют уже более полувека, но благодаря Стэну Смиту и Adidas они стали одним из самых модных трендов сегодня.А благодаря своей приспособляемости, вероятно, просуществует еще несколько веков.

Белые кроссовки

Взгляд Кроссовки Common Projects Original из ахиллесовой кожи

Расслабьтесь с этими белоснежными кроссовками.

Белые кроссовки

Ищите меньше

Что касается кроссовок, это большая надежда для белых.

12. Футболка

Нет одежды более простой, чем футболка. И это хорошо. Если сравнивать переодевание с покраской, базовым слоем будет футболка. Это основа, холст, отправная точка любого образа. Носите ли вы его с джинсами и пиджаком, юбкой-комбинацией и лодочками или под брюками на пуговицах, он однозначно безупречен.

Футболка Rick Owens из хлопка

Это воплощение высокого хлопка.

Футболка

Ищите меньше Футболка с круглым вырезом Banana Republic SUPIMA®

Чистая и простая, это отличная футболка.

Барри Самаха Барри Самаха — редактор по стилю в Esquire, где он освещает все, что касается моды и ухода.

Этот контент создается и поддерживается третьей стороной и импортируется на эту страницу, чтобы помочь пользователям указать свои адреса электронной почты.Вы можете найти больше информации об этом и подобном контенте на сайте piano.io.

Иконы классического стиля ХХ века 2021

Я уже поделился с вами некоторыми вдохновляющими элементами стиля ретро-одежды, а теперь пора показать вам иконы классического стиля 20-го века, которым можно подражать. На этот раз я хочу, чтобы вы просмотрели эти вдохновляющие образы и сделали несколько заметок или прикрепили эти сказочные образы культовых модниц. Честно говоря, мода постоянно меняется, но чувство стиля — это нечто постоянное, это то, что у вас в крови.У одних оно есть, у других — нет. Что ж, если вы думаете, что не являетесь экспертом в стиле, то я предлагаю вам просмотреть эти вневременные образы и вдохновиться прямо сейчас.

Купить аналогичный здесь

Одри Хепберн во время съемок фильма «Завтрак у Тиффани» в 1961 году. Мне нравятся фигурные прически, ожерелье из жемчуга, черное вечернее платье и длинные перчатки.

Купить аналогичный здесь

Софи Лорен — единственная актриса, получившая «Оскар», «Грэмми» и «Золотой глобус». На этом изображении она предстает в темно-красном вечернем платье с тонкими бретельками, белой шубе (одна ее рука) и блестящих украшениях (ожерелье и серьги).

Купить аналогичный здесь

Самый стильный шпион Советского Союза Макс Отто фон Штирлиц. Российский актер Вячеслав Тихонов.

Купить аналогичный здесь

Эллен О’Нил известна как женщина-скейтбордист-фристайл 1970-х годов. Здесь она носит бледно-голубой пуловер с длинными рукавами и мини-шорты с цветочным принтом.

Купить аналогичный здесь

Молодой Кевин Спейси. Снимок сделан в 1980 году.

Купить аналогичный здесь

Мода вузов 1969 года.Девочки носили геометрические и психоделические леггинсы с крутыми воздушными платьями и массивными украшениями.

Купить аналогичный здесь

Свидание под дождем в Лондоне, 1963 год. Платье-двойка с цветными блоками на ней и классический брючный костюм на нем.

Купить аналогичный здесь

Фрэнк Синатра выходит из вертолета со стаканом виски в руке. Держи это в прохладе.

Купить аналогичный здесь

Здесь мы видим актрису Элис Денхэм в 1956 году. Она выглядит как сексуальная секретарша в красивом платье, подчеркивающем форму груди.

Купить аналогичный здесь

Метро. Шляпа с широкими полями, пончо и книга.

Купить аналогичный здесь

Капитан Шарко вкушает шампанское «Mumm» в Антарктиде (1904 г.). Держите его стильным, даже если на улице холодно.

Купить аналогичный здесь

Начало 20 века. Мы видим симпатичную пару, идущую по пляжу.

Купить аналогичный здесь

Снимок сделан в 1934 году. Мы видим актрису в пушистом платье.

Купить аналогичный здесь

Джонни Кэш курит в студии.Он появляется в черном цвете.

Купить аналогичный здесь

Молодой Майкл Кейн в 1959 году. Он в белой рубашке, черных брюках, черном галстуке и крутых путниках.

Купить аналогичный здесь

Актриса Дайана Ригг (1967) появляется в коктейльном мини-платье. Она такая милая и прекрасная.

Купить аналогичный здесь

Плохой мальчик. Мы видим бизнесмена, который внезапно становится художником-граффити.

Купить аналогичный здесь

Девушка на скутере (1969). Мы видим симпатичную модницу в мини-платье с косичками, стильном шейном платке и лодочках на плоской подошве.

Купить аналогичный здесь

ученика-хиппи (1968). Мы видим пару, одетую в брюки с цветочным рисунком и темно-синие рубашки.

Купить аналогичный здесь

Эти мальчики знают, что такое стиль и риск (1961).

Мода барокко: история, стиль и особенности — видео и стенограмма урока

Людовик XIV в 1701 году

Стиль и характеристики

Модные тенденции в основном определялись монархами и дворянами, которые были социальным классом, способным позволить себе дорогую одежду.Одежда часто была большой и показной и предназначалась для того, чтобы отличать дворян от низших классов.

Средний класс, особенно в Нидерландах, где он был сильнее, пытался повторить моду дворянства, но обычно только через некоторое время и в более простой одежде. Для рабочего класса одежда не сильно изменилась и была больше связана с работой людей, чем с модными тенденциями.

В период барокко предпочтительной тканью был шелк, иногда также использовался бархат.Лен был обычным для внутренних слоев одежды.

Длинные платья с облегающим лифом, известные как , платья , были наиболее распространенной одеждой для женщин. Силуэты постепенно смягчались по мере того, как жесткие корсеты эпохи Возрождения были заменены гибкими корсетами. Вырез горловины был низким, для украшения использовано кружевных воротника, . Рукава Virago , которые были сделаны из больших полос разных тканей, собранных у локтей, были популярны. В моде были изысканные узоры и темные цвета, а сверху было принято носить черный плащ.Прическа состояла из завитков по обе стороны головы. Обувь обычно прикрывалась платьем, поэтому они были очень простыми.

Анна Австрийская в темном платье с кружевным воротником и рукавами типа вираго, около 1625 г.

Мужская одежда в милитаристском стиле. Обтягивающая куртка, известная как дублет , была популярна. Он был заострен в нижней центральной части, приподнят в стороны и имел окаймленные рукава, обнажающие майку.Воротник и нижний край рукавов (манжеты) украшены кружевом. Нижняя часть состояла из галифе, , которые были свободными и доходили до колена или ниже. Носили тесные сапоги до колена, часто перевернутые шнурком. Наряд завершался длинным мечом. Длинные распущенные волосы были в моде для мужчин.

Карл I в Англии в милитаристской одежде, 1629 год.

По мере развития периода барокко основным предметом женской одежды по-прежнему были платья с более простыми узорами и даже с однотонными узорами.Акцент делался на плечи с очень низким вырезом. Обтягивающие корсеты были снова надеты, видимые и заканчивающиеся V-образной формой на талии. У халатов было свободных рукава , которые заканчивались ниже локтя. Также стало популярным использование сложных ручных вееров. Женская обувь оставалась простой с небольшим каблуком, а вьющиеся волосы продолжали оставаться в тренде.

Портрет неизвестной пары в одеждах позднего барокко, 1661 год.

Мужская одежда была более изысканной, чем женская, а изящные наряды иногда описывались как женственные и даже нелепые.Верхом была рубашка с длинными рукавами , украшенная обильными лентами на поясе и плечах. Поверх рубашки мужчины носили пальто , разработанное по фигуре. В нижней части мужчины носили мешковатые бриджи, почти похожие на широкие юбки. К концу века бриджи снова изменились и стали теснее. Носили туфли на каблуках, часто украшенные лентами. Стало обычным делом делать пальто и бриджи одного цвета. Волосы носили длинные и вьющиеся, а некоторые мужчины носили парики, которые становились все более популярными.

В 18 веке на смену барокко пришло рококо, и модные тенденции снова изменились. Кроме того, различия в стилях между Западной Европой, Англией и Нидерландами стали более очевидными.

Краткое содержание урока

Барокко Период был периодом в истории искусства между 17-м и началом 18-го веков. Мода в стиле барокко была пышной и была сделана для демонстрации богатства и дифференциации дворянства от низших классов.Французский двор оказал большое влияние на моду в стиле барокко, и шелк часто использовался.

В период раннего барокко женщины носили длинные платья с глубоким вырезом, кружевными воротниками для украшения и рукавами вираго. Были популярны замысловатые узоры и темные цвета. Мужская одежда имела милитаристский вид, а наряды состояли из камзола, надеваемого поверх майки, свободных бриджей и сапог до колен. Кружевное украшение и мечи были обычным явлением.

В конце 17 века женщины носили платья с простым узором и низким вырезом.Наряд включал в себя облегающий корсет, оканчивающийся V-образной формой, и свободные рукава. Мужская одежда была более пышной: рубашка с длинными рукавами, украшенная множеством лент, пальто, подходящее по размеру, и мешковатые бриджи, почти похожие на широкие юбки.

Что носили женщины в период Стюартов? Модные тенденции и фальшивка в 17 веке

Одежда, которую люди носят, имеет большое значение в 21 веке. Выбор наряда для собеседования или первого свидания требует тщательного обдумывания и подготовки.В Англии эпохи Тюдоров и Стюартов одежда также была важна, и повседневная жизнь обычных женщин зависела от того, что они выбирали носить, особенно в Лондоне, который к 1700 году был самым большим городом в Европе.

В 1616 году Томас Тьюк опубликовал брошюру под названием Трактат против рисования и окрашивания мужчин и женщин , в которой он жаловался, что «хотя бы раз в год» англичанка «хотела бы увидеть Лондон, хотя, когда она туда приезжает, ей нечего делать, кроме как учиться новой моде ».Хотя Тьюк враждебно относился к тем, кто уделял слишком много времени своей внешности, он был точен в отношении женщин, приезжающих в столицу, чтобы ознакомиться с последними тенденциями.

Главной достопримечательностью Лондона было множество возможностей для покупок. Во время правления королевы Елизаветы I во второй половине 16 века купцы импортировали широкий ассортимент различных тканей, красок и текстильных изделий, что означало, что одежда становилась более разнообразной и красочной. Большая часть этого полотна и кружева поступала из Италии и Нидерландов, но к концу 17-го века стали доступны и более экзотические товары, такие как восточно-индийский ситц и ситцевое дно.

Таким образом, у женщин был выбор тканей на выбор, а также возможность приобрести ряд аксессуаров. Они были одновременно декоративными и практичными. Муфты не только согревали руки, но и служили заменой сумочке для хранения носовых платков, денег и духов. Также были популярны маски для лица и капюшоны, позволяющие женщинам незаметно передвигаться по оживленному городу. Многие женщины персонализировали свою одежду, добавляя кружева, ленты и цветы или вышивая узоры и узоры.

Одежду можно было купить в разных местах. Состоятельные женщины, такие как жены лондонских граждан, делали покупки на Королевской бирже и Новой бирже, но портных, сапожников, вышивальщиц, перчаток и модисток можно было найти по всему Сити и в соседнем Вестминстере.

Женщина покупает обувь, c1650. (Фото The Print Collector / Getty Images)

По мере развития швейной промышленности становилось все больше готовой одежды по более низким ценам.Но многие женщины продолжали шить свою одежду или покупать подержанную одежду, часто у других женщин, которые играли важную роль в этой сфере. Многие из этих подержанных вещей были бы украдены, и кража женщин в магазинах стала растущей проблемой в последние десятилетия 17-го века.

Но даже законопослушным женщинам не нужно было покупать всю одежду, которую они приобретали. Все больше женщин работали в качестве домашней прислуги и получали рабочую одежду от своих работодателей. Например, некая миссис Виннингтон сшила платье для своей служанки Энн Фентон, которое должно было оплачиваться из ее заработной платы.Молодые люди дарили и получали одежду в качестве подарков во время ухаживаний, пожилые женщины оставляли одежду и текстиль родственникам и друзьям по своему завещанию, а бедные женщины получали одежду через свой приход, если они имели право на бедную помощь.

Шнуровка до шеи

Считалось, что лондонские женщины более модны и одеты лучше, чем их сестры в провинции, и, как говорили, во время посещения «брали с собой все свои лучшие наряды», «чтобы их друзья в деревне могли увидеть всю свою одежду. храбрость ».

Также положительно отзывались о нарядах столичных женщин путешественники из других стран. В 1562 году итальянка Алессандра Магно заметила, что женщины носили «платья со шнуровкой до шеи, которые делают их очень изящными», а в 1592 году герцог Фредерик Виртембергский подумал, что они «великолепно одеты», возможно потому, что некоторые из женщин, которых он видел, были «одеты». платья по старинной немецкой моде ». В 1662 году голландец Уильям Шеллинкс прогулялся по Гайд-парку и впоследствии написал, как «здесь можно увидеть самые красивые женские платья».

Очень важно было носить соответствующую одежду по этому случаю. Работающим женщинам нужно было иметь набор практичной неформальной одежды для повседневной носки, но они хотели бы иметь определенные предметы и наряды для особых случаев. В 1660 году Элизабет Пепис, жена известного дневника Сэмюэля, переоделась перед тем, как поехать навестить мужа и их друга в таверну «Митра» на Вуд-стрит. В мае 1684 года Джоан Кирк отказалась пойти навестить двоюродную сестру своего мужа, потому что считала, что у нее нет одежды, которая была бы «достаточно хорошей, чтобы пойти в гости».Ее мужу Эдварду удалось убедить ее пойти с ним только после того, как Джоан позаимствовала капюшон и шарф у другой женщины.

Люди замечали, носят ли женщины что-нибудь необычное или примечательное. Когда Элизабет Хазард вышла в «своей лучшей одежде», соседи сразу обратили на нее внимание и спросили, куда она идет. Женщины также хорошо одевались, если им приходилось появляться в суде, и стремились произвести хорошее впечатление. Кристиан Стэпплтон носила плащ и платье из тафты, когда давала показания от имени своей любовницы Джейн Хоуп — хотя утверждалось, что Джейн одолжила одежду Кристиану.

Одна из главных причин, по которой молодые незамужние женщины хотели хорошо одеваться, заключалась в том, чтобы привлечь внимание женихов и потенциальных мужей. Когда Ребекка Лэнгфорд покинула Норбери в Стаффордшире, ее считали «несколько голой в одежде», но когда она вернулась из Лондона, было отмечено, что она «очень хорошо одета и привела с собой очень подходящего мужчину».

В 1670-х годах Ханна Вулли написала книгу советов для молодых женщин, желающих стать спутницами женщин, в которых она отметила, что у молодежи есть «своего рода привилегия носить модную одежду» и что хорошая одежда «добавит красоты». .

В некотором смысле Вулли был прав: по всей вероятности, молодые женщины были более одержимы тем, чтобы идти в ногу с последней модой. Но одежда имела значение и для пожилых женщин, поскольку отражала их статус и авторитет. Замужние женщины носили отличительные шарфы и капюшоны, а когда Фрэнсис Барнхэм стал шерифом в 1570 году, его жена Алиса нарисовала свой портрет, на котором она была в бархатном платье с меховой отделкой, чтобы продемонстрировать свое восхождение в лондонском обществе.

Хорошая одежда также помогла женщинам найти оплачиваемую работу.Женщины, работавшие в магазинах на бирже, считались хорошо одетыми, и Элизабет Джеймс взяла одну молодую женщину в качестве прислуги, потому что она была «хорошенькой молодой девушкой и красиво одета».

В 1659 году Гуди Марстон получила 12 шиллингов от ризницы прихода Сент-Бенет-Полс-Уорф, чтобы она могла предоставить одежду для осиротевшей дочери своей подруги Гуди Тесси, чтобы помочь девушке устроиться в качестве домашней прислуги. Очевидно, ризницы думали, что это будет стоящая инвестиция, гарантирующая, что в долгосрочной перспективе у них будет на одну бедную женщину меньше, чем они должны будут обеспечивать.

Полиция моды

В течение определенных десятилетий 17-го века мода была помешана на моде. В 1610-х годах женщины носили камзолы и шляпы с широкими полями, которые считались очень мужскими предметами одежды. В 1690-х годах в моде были сложные прически с завязками и большим количеством лент.

Моралисты поспешили осудить эти тенденции. 22 февраля 1619 года Джон Уильямс произнес проповедь перед королем Джеймсом I о злоупотреблениях одеждой, и в 1690-х годах многие баллады, популярные песни того времени, осуждали моду на топ-узлы, утверждая, что молодые женщины обращаются к проституции, чтобы себе новую прическу.

Судебные документы показывают, что лондонские проститутки из верхней части порочного бизнеса, раннего современного эквивалента эскорта, были хорошо одеты. Этим женщинам были выданы особые наряды для привлечения клиентов, и многие получили одежду в качестве оплаты натурой за свои услуги. У одной елизаветинской бабы, госпожи Хиббенс, были «разнообразные костюмы», в том числе «шелковые платья разного цвета», которые носили работавшие на нее девушки.

Таким образом, женщины в Лондоне раннего Нового времени имели широкий выбор одежды и различные способы ее приобретения.Это породило как возможности, так и проблемы. Средневековые законы о роскоши налагали больше ограничений на одежду мужчин, чем женщин, и когда этот закон был отменен в 1604 году, женщины не столкнулись с юридическими ограничениями в отношении того, что они могут носить. Однако выходить на улицу в дорогостоящей одежде, которая, как считалось, была выше его положения, или обнажая слишком много расщеплений, рисковал подвергнуться насилию со стороны моралистов, священнослужителей и соседей обоих полов.

c1660: Английский дневник и государственный служащий Сэмюэл Пепис восхищается новым платьем своей жены Элизабет.(Фото Hulton Archive / Getty Images)

Одежда была важна в XVI и XVII веках, потому что она должна была сразу раскрыть социальный статус, пол и нравственность владельца. Но на практике одежда дворянок и жен богатых горожан не всегда существенно отличалась от одежды проституток высокого класса. Переодевание тоже не было чем-то необычным. До Реставрации актеры-мужчины играли женские роли, а некоторые женщины предпочитали носить мужскую одежду, чтобы быть модной, отражая их сексуальность, или потому, что это позволяло им ходить по городским улицам в маскировке, не подвергаясь преследованиям со стороны мужчин.

В 16 и 17 веках, как и в 21 веке, одежда давала женщинам возможность расширить свои возможности и создать индивидуальную идентичность. Но выбор того, что надеть, было трудным делом, а промахи в моде могли иметь катастрофические последствия.

Модные ошибки 17 века

Выгляжу как шлюха

Женщины раннего современности пытались найти баланс между модностью и привлекательностью, но при этом не демонстрировали слишком много тела.В 1628 году Кэтрин Бейкер предстала перед церковным судом за клевету на Кристиана Невелла как на «проститутку в пуговицах», оскорбление, которое наводит на мысль, что Кэтрин считала наряд Кристиана слишком откровенным.

Носите то, что вам нравится

Джейн Мартиндейл хотела переехать в столицу, потому что у нее было бы больше свободы выбора одежды, которую она могла бы носить. Ее брат Адам утверждал, что в их родном графстве Ланкашир любую женщину, носившую модный капюшон, шарф или платье, «сочли бы амбициозным обманщиком».

Попался неправильный наряд

В 1616 году драматург и памфлетист Томас Деккер писал о том, как одна «молодая красивая горничная в очень хорошей одежде» посетила свою сестру в Кенте, но ее выгнали из города, потому что местные жители заметили ее модную одежду и предположили, что она приехала. из Лондона, где свирепствовала чума.

Увлечение по магазинам

В 1657 году Маргарет Харлакенден купила в Лондоне свадебную одежду на сумму 120 фунтов стерлингов.Ее отец, Ричард, был недоволен тем, что его дочь потратила такую ​​большую сумму, но он «расплатился». Свадьбы были возможностью для празднования и расточительства, и Ричард знал, что не может рисковать, что его сочтут скрягой.

Переодевание и падение

В 1665 году Сэмюэл Пепис описал, как «миссис Дженнингс, одна из служанок герцогини, оделась, как апельсиновая девка, ходила вверх и вниз и плакала апельсинами — пока не упала или по такой случайности … дело стыда ».

Д-р Тим Рейнке-Уильямс — преподаватель истории в Нортгемптонском университете, специализирующийся на ранней современной британской истории

Эта статья была впервые опубликована в ноябрьском выпуске журнала BBC History Magazine за 2011 год.

1900–1909 История одежды эдвардианской эпохи • FamilySearch

20-й век принес серьезные изменения в западную моду, но эти изменения появились не сразу . Тенденции конца 19 века (например, эдвардианская мода) сохранялись на протяжении всего десятилетия 1900–1909 годов; Фактически, эти модные тенденции 1900-х годов сохранялись примерно до Великой войны (Первой мировой войны).

Тем не менее, мода 1900-х годов претерпела незначительные, но важные сдвиги в сторону современных стилей одежды. Вот посмотрите на эдвардианскую моду и то, что, возможно, носили ваши предки в течение первого десятилетия века.

Мода эдвардианской эпохи

Десятилетие 1900–1910 годов было частью того, что было известно в западном мире как эпоха Эдварда, в связи с правлением британского монарха Эдуарда VII (1901–1910). Эдуардианская эпоха была известна излишествами, элегантностью и строгими социальными правилами, воплощенными в жизнь богатыми.

Эдвардианская мода конца 1800-х годов продолжала оказывать влияние на начало 1900-х годов. Женщины по-прежнему носили корсеты и длинные юбки. Мужчины по-прежнему носили костюмы. Полный гардероб включал головные уборы и перчатки, а для женщин часто зонт. Эдвардианская мода была пышной и формальной, с дорогими тканями и отделкой. Они предпочитали утонченный зрелый вид.

Одной из отличительных черт эдвардианской эпохи была одежда, соответствующая случаю. Появление универмагов, торгующих готовой одеждой, позволило большему количеству людей иметь разнообразную одежду.Умные домашние швеи могли копировать выкройки, которые они не могли себе позволить.

Что носили эдвардианские женщины?

Хорошо одетая женщина 1900-х годов была покрыта от шеи до шеи. Ее силуэт имел S-образную форму. Форма появилась благодаря корсету, который меньше давил на талию, подталкивая грудь женщины вперед, а бедра назад.

Женские платья 1900-х годов

Женщины носили платья или платья, скроенные по индивидуальному заказу. Те, кто мог себе это позволить, выбирали роскошные и элегантные ткани, такие как шелк, атлас, дамаст или шифон.Высокие кружевные воротники увенчивали топы с длинными рукавами, которые часто были сильно украшены и свободно облегали лиф. Подол задевали пол и иногда тащили скромный шлейф. Если работающие женщины не носили униформу или рабочую одежду, они часто предпочитали универсальную одежду из двух частей. Вечерние платья включали изящные кружевные чайные платья и вечерние наряды с более глубоким вырезом.

В начале десятилетия юбки были облегающими по линии талии и расклешенными по низу.Постепенно пышная форма колокольчика расслабилась. К концу десятилетия стали популярны более прямые костюмы на заказ. В противовес господствующим стилям французский дизайнер Поль Пуаре создал платья без корсетов, которые драпировались свободными прямыми линиями по телу. (Этот вид стал намного более популярным в 1920-е годы.) Участвуя в таких видах спорта, как теннис, езда на велосипеде или верховая езда, женщины надевали одежду, сшитую для этих занятий. Дамы также иногда надевали толстые кардиганы на пуговицах во время работы или игры.

Женские головные уборы и прически

Эдвардианская мода известна чрезвычайно большими шляпами, такими как широкополые, соломенные шляпы с колесом или матросские шляпы, шляпы с сильно украшенными картинками и широкие плоские кепки. Меньшие шляпы, такие как соломенные канотье, были популярны для занятий спортом. Для вождения некоторые женщины повязывали длинные прозрачные вуали поверх шелковых автомобильных шляп.

Огромные шляпы требовали прически, которая могла бы их поддерживать. Самой популярной прической был полный помпадур, когда волосы были свободно зачесаны в завитки или пучки.Женщины могли добавить косы, накладные шиньоны или парики, чтобы придать стилю больше структуры и высоты. Некоторые женщины использовали горячие щипцы для завивки волос, чтобы создать вьющиеся или вьющиеся края. Также было стильно заправлять живые цветы, декоративные гребни или шпильки в уложенные волосы.

Что носили мужчины в 1900-х годах?

Если не были одеты для физического труда, то в начале 1900-х годов мужчины обычно носили костюмы-тройки (пиджак, брюки и жилет или жилет) с высокими белыми рубашками с круглым воротником, галстуками и шляпами-котелками или дерби.Некоторые мужчины, в том числе молодые, весь день носили костюмы-мешки (похожие на современные деловые костюмы). Мужчины, которые могли себе это позволить, выбирали разные костюмы и аксессуары для утреннего, дневного и вечернего ношения. Хотя некоторые мужчины носили бороды, чисто выбритый вид был популярен; так же были и довольно густые усы, закрученные на концах, — культовый образ моды 1900-х годов.

Лето позволяло переодеться в более прохладные и немного более повседневные льняные или фланелевые костюмы, которые мужчины украшали соломенными канотье или панамскими шляпами.Когда пришло время поиграть, мужчины переоделись в спортивную одежду, соответствующую этому виду спорта, например, гольфу, мотоспорту, теннису или бейсболу.

На работе рабочие носили униформу или прочную практичную одежду, которая защищала их от опасностей или непогоды. На фотографиях этого периода мужчины могут появляться в парусиновой, утиной, вельветовой или кожаной одежде, возможно, с шерстяной курткой или толстым свитером (джемпером), если погода была холодной. Заводские рабочие часто носили белые рубашки и галстуки под защитными фартуками.

Как дети одевались в 1900-е годы?

В эпоху Эдварда ползающие младенцы носили практичные цельные комбинезоны. В остальном стили детской одежды были упрощенными стилями взрослых. Молодые девушки носили платья до колен, часто накрахмаленные и украшенные кружевом, с черными чулками и туфлями или сапогами. Они завязывали ленточки в волосы; более модные наряды могли включать в себя шляпу. Для игр может потребоваться платье-сарафан и блузка. Мальчики носили рубашки с длинными рукавами, шорты до колен и высокие темные носки, иногда с куртками.По мере того как дети подрастали, подол брюк или платьев приближался к земле.

Посмотрите на семейные фотографии о моде 1900-х годов

Что носили ваши предки в начале 1900-х годов? Обратите внимание на детали в их нарядах, которые могут намекать на их образ жизни, вкусы или возраст. Попросите родственников найти старые семейные фотографии или выполните поиск в бесплатных FamilySearch Memories, чтобы узнать, что другие, возможно, поделились о вашей семье. Вы даже можете загрузить в Memories свои модные семейные фотографии 1900-х годов!

Роковая мода: 21 историческая модная тенденция, приведшая к смерти многих | by JustAnnet 👑

Рентген и эпиляция в современном мире не идут рука об руку.Так было не всегда. Когда были изобретены рентгеновские аппараты, салоны красоты использовали рентгеновские лучи, чтобы предлагать услуги по удалению волос. Женщины будут готовы к этой новой косметической процедуре, которая обещала гладкую безволосую кожу.

Это лечение было явно не самой лучшей идеей. Женщины, которые использовали рентгеновское удаление волос, в конечном итоге страдали от язв, атрофии и рака, которые в конечном итоге приводили к смерти.

Изображение удлиненной шеи женщины (Источник: History Daily)

Удлиненные шеи у каянских женщин Мьянмы являются символом красоты.Хотя это древняя практика, она все еще практикуется сегодня. Чтобы добиться удлиненной шеи, девочки в возрасте пяти лет носят латунные кольца на шее. К достижению совершеннолетия женщины носят на шее более десяти килограммов в латунных кольцах. Катушки толкают ключицу вниз, что существенно деформирует тело, создавая иллюзию более длинной шеи. Практика сильно ослабляет мышцы шеи, что ухудшается по мере взросления женщины.

Реклама ленточной диеты (Источник: observ.com)

Диета для ленточных червей предполагала употребление «стерилизованных» ленточных червей в виде таблеток. Это позволило бы женщинам есть столько, сколько они хотят, и не набирать вес, мечта, верно? Даже современные женщины одержимы поддержанием стройной фигуры. Несмотря на стремление к телесному позитиву и инклюзивности, нельзя игнорировать необходимость оставаться стройной. В викторианскую эпоху женщины, как и сегодня, были одержимы поддержанием стройной фигуры и делали почти все, чтобы добиться такого вида, даже поедая ленточных червей.

Хотя диета с ленточными червями может привести к потере веса, она может иметь и другие пагубные побочные эффекты. Ленточные черви могут прикрепляться к органам за пределами пищеварительной системы, что приводит к инвазивной инфекции с ужасными побочными эффектами, включая жар, боль в животе, тошноту и слабость.

Изображение женщины с почерневшими зубами (Источник: Pinterest)

В Японии черный цвет всегда считался красивым. Практика окрашивания женских зубов в черный цвет, также известная как охагуро , началась еще в 250 году нашей эры.Черные зубы считались признаком красоты, и как только девушка выходила замуж, она красила зубы в черный цвет.

Зубы покрасили в черный цвет, поместив кусочки железа в чашку с чаем. Кусок железа оставался окисляться, превращая чай в очень темный черный цвет. Тогда женщины пили чай как можно чаще; черный чай в конечном итоге испачкал зубы. Хотя это не было особенно опасно, это косметическая практика, от которой сегодня нельзя отказываться. Некоторые ученые заявили, что, хотя черные зубы сегодня не считаются красивыми, эта практика скорее укрепляет, чем ослабляет женские зубы.Это потому, что черное покрытие предотвратит кариес и сохранит зубы даже в старости.

Изображение зеленого платья Шееле (Источник: Википедия)

Зеленый цвет Шееле — это токсичный химический арсенит, который в идеале следует хранить вдали от людей. Но в викторианскую эпоху его использовали для окрашивания. Зеленые платья были платьем, за которое можно было умереть в восемнадцатом веке. К сожалению, эти платья буквально вызывали смерть, потому что, хотя их ярко-зеленый цвет, известный как Парижский зеленый, был красивым, цвет был достигнут путем окрашивания платьев с использованием мышьяка, ядовитого соединения.

Врачи быстро заметили, что число случаев рака растет, и многие женщины умирают молодыми. Общим знаменателем всех женщин была их любовь к платьям Paris Green. Мышьяк, используемый для окрашивания платьев, медленно попадал в кожу владельца. Это может вызвать диарею, кожные язвы, головные боли и рак, что в конечном итоге приведет к смерти.

Изображение муслинового платья (Источник: Википедия)

Еще одним платьем, которое оказалось смертельным для женщин девятнадцатого века, было муслиновое платье.Муслиновое платье было крайне скандальным, потому что женщины мочили платье перед выходом. Если намочить их платья, муслиновая ткань прилипала к телу женщины, обнажая ее фигуру. Думаю, мокрый образ Ким Кардашьян уходит корнями в историю. Хотя мокрое платье не кажется опасным, оно стало причиной смерти многих женщин. Это было потому, что женщины мочили свои платья даже в холодную погоду, конечно, красота важнее тепла. Ношение мокрых платьев в холодную погоду приводило к пневмонии, которая часто заканчивалась смертью.

Изображение чопинов (Источник: The Met Museum)

Шопины были интересным типом «убийственной пятки». Популярные с шестнадцатого по восемнадцатый век, чопины носили элита общества. Чем выше платформа, тем респектабельнее считалась женщина. Хотя чопины были в моде, падение из-за них было обычным делом и могло привести к летальному исходу. Несмотря на то, что многие женщины пострадали в результате ношения чопинов, они продолжали оставаться в тренде на протяжении трех столетий.

Безумный шляпник, изображенный Джоном Тенниелом в 1865 году (Источник: Википедия)

Поговорка «безумный как шляпник» изначально проистекает из побочных эффектов, которым шляпники подвергались при использовании ртути.Производители шляп использовали ртуть в шляпах, сделанных в восемнадцатом и девятнадцатом веках, чтобы мех прилипал к шляпе. Изготовители шляп умели делать красивые шляпы, но вдыхание ртути имело пагубные последствия.

Ртуть, используемая в процессе изготовления шляп, может вызывать дрожь у шляпников и в конечном итоге страдать от психических расстройств, вызванных вдыханием химического вещества. Несмотря на понимание вредного воздействия ртути, производители шляп продолжали производить шляпы, обработанные ртутью, из-за высокого спроса на них.Эта модная тенденция, в отличие от других, убила скорее производителя, чем владельца.

Изображение юбки hobble (Источник: Vintage news)

Юбку hobble также в шутку называли «юбкой с ограничением скорости», потому что юбка имела очень узкий подол, ограничивающий движения пользователя. Это часто ограничивало движение женщин и приводило к падению, которое иногда приводило к летальному исходу. Тенденция была недолгой из-за непрактичности. Но это не редкость, когда речь идет о многих модных тенденциях даже сегодня.

чем отличается классический стиль от традиционного?

Сравнение двух стилей дизайна интерьера , таких как классический и традиционный, означает проведение ряда четких различий, касающихся различных уровней дизайна, , но это не выходит за рамки общих черт этих двух стилей, которые являются более чем разделяющими. .

Разница между классическим и традиционным стилями , на самом деле, в основном проистекает из материалов и «богатства» двух стилей , но также и из преобладания, что касается последнего, более интенсивного и живого хроматического исследования, менее нейтральный.Эти аспекты добавлены к желаемой простоте, которая доминирует в традиционном стиле , в то время как классический стиль любит помпезность.

В любом случае, поскольку в этом блоге мы неоднократно рассматривали особенности классического стиля в дизайне интерьера, давайте теперь рассмотрим характеристики традиционного стиля, анализируя по каждому пункту различия и сходства между ними.

Разница между классикой и традицией: зарождение, которое начинается издалека

Традиционный дизайн интерьера уходит корнями в древние времена, в первую очередь, в греческом стиле, а во-вторых, в римском стиле, предлагая элегантность и тепло, которые кажутся более простыми и современными. Это очень популярный стиль в том смысле, что он заслуживает высокой оценки и опирается на те же теоретические основы, что и классический: порядок, симметрия и пропорции.

Однако, в отличие от классического стиля интерьера, он использует свое древнее происхождение в менее «показной» манере, таким образом предлагая эстетическую идею, которая менее жестко соблюдается его правила и в целом упрощена (а также экономически доступнее, по крайней мере, типично). Самое современное вдохновение происходит непосредственно от мебели, популярной в Европе в восемнадцатом и девятнадцатом веках, , из которой он черпает вневременной стиль, столь близкий к классическому, превращая его в более теплую и гостеприимную версию, менее благородную , способную подчеркивать более отчетливо разрыв с тем, что мы могли бы определить как его «родитель».

Эта взаимосвязь очевидна не только на теоретическом уровне, как объяснено выше (то есть критерии баланса, гармонии и пропорции), но, прежде всего, на формальном и структурном уровне. Хотя наиболее существенное различие, как уже упоминалось ранее, заключается в более строгой и роскошной элегантности по сравнению с классическим стилем.

От нейтральных оттенков к более широкой и живой цветовой гамме

Одним из первых аспектов, которые следует принять во внимание для определения разницы между классическим и традиционным, безусловно, является макроструктура, касающаяся цвета.Выбор цветовой палитры для отдельной комнаты или всего дома является фундаментальным и всегда должен отражать характеристики выбранного стиля, чтобы избежать чрезмерно эклектичных результатов.

В этом рассуждении о различиях и сходствах цвет имеет тенденцию проявляться совершенно по-разному между традиционным и классическим дизайном интерьера. Последний, на самом деле, предпочитает четкую и мягкую хроматику, в основном нейтральный, разработанный, чтобы подчеркнуть престижные материалы мебели и избежать явных контрастов (таким образом, увеличивая также спокойствие и фамильярность).

В традиционной мебели диапазон оттенков намного шире и богаче: , даже если он не избегает нейтральных цветов, он может варьироваться от красного до зеленого, от желтого до синего, ища более живые и подчеркнутые узоры. Мы не говорим об анархии цвета: не следует забывать, что каждый элемент должен быть взвешен соразмерно и гармонично с общей средой, как в традиционном, так и в классическом стиле.

Мебель, аксессуары и отделка: отличия традиционного стиля от классического

В классическом стиле большое внимание уделяется ценности и богатству материалов, отделки и декора. Каждый элемент комнаты, помещенный в контекст, который не должен забывать о гармоничной тенденции самого стиля, в дополнение к определенному важному внешнему виду (своего рода сбалансированное великолепие) демонстрирует свою элегантность и изысканность. Дуб, красное дерево и вишня, керамика и мрамор, отделка из золота и серебра, лепнина, архитектурные элементы, напоминающие старину: классический стиль чрезвычайно чистый и ярко выраженный.

Традиционный стиль, с другой стороны, использует, как уже объяснялось, линии и структуры классического стиля, но помещает их в среду, которая «менее богата», но столь же элегантна, проще, но способна предложить более сильное ощущение близости. с окружающей средой (даже если это имеет тенденцию быть субъективным фактором).Декорации и отделка, конечно, не пропали без вести, но они менее царственны и более минималистичны, с почти современным внешним видом. А мраморные или мраморные элементы имеют тенденцию исчезать в традиционной среде, оставляя место для других типов мебели.

В некоторых аспектах использование «формулы», которая частично неточна и слишком упрощена, но полезна для лучшего понимания разницы между классическим и традиционным стилями, это как если бы эпоха античности была удалена из гостиной или комната в классическом стиле, оставляющая лишь смутный намек на нее.

Как меняется освещение

Что касается освещения, разница между классическим и традиционным стилем почти ничего : все еще ведутся дискуссии о общей линейности и различии материалов (поэтому будут присутствовать менее сложные лампы и люстры) и также обсуждение его распространения.